30/9/12

Lo Mejor del Mes: Septiembre 2012

Mes prolifero en reseñas con dos de Gibson, la sobrevalorada opera prima de Costner, la saga "Mad Max", la saga "The Thing", una muy buena cinta para televisión, Nolan, un famoso musical, Takashi Miike, stop motion, peliculas mexicanas y sudamericanas, una joyita de los Coen y lo mejor que ha hecho Guy Ritchie:
 
Lo mejor..... "Barton Fink" de Ethan y Joel Coen, esta obra profunda y minimalista de los Coen es esplendida, un verdadero viaje a los infiernos de la mente totalmente surrealista con muchos simbolismos y que no puede dejar indiferente, o la amas o la odias.
 
Mención Honorifica..... "Braveheart" de Mel Gibson, de acuerdo, me rendi ante Gibson y su intento de filme de época ¿que puedo decir? me entretiene mucho y las batallas son buenas, y como de costumbre Gibson queda perfecto como heroé.
 
Segunda Mención Honorifica..... "Snatch" de Guy Ritchie, supongo que me gusta más que la de Gibson pero no puedo sacarme de la mente que quiza su relajiento desmadre se haga viejo muy pronto, aun asi notable.
 
Tercera Mención Honorifica..... "Mad Max 2, The Roar Warrior" de George Miller, supongo que me gusta más que las dos anteriores, a pesar de solo ser una versión de vaqueros post-apocaliptica, cine en estado puro.
 
Cuarta Mención Honorifica..... "El Crimen del Padre Amaro" de Carlos Carrera, más alla del escandalo que desencadeno, la pelicula es buena y el crimen del joven sacerdote es muy diferente a como se nos quizo pintar.
 
Lo Peor.... "Safe", la nueva pelicula de Statham es tonterias y más tonterias sin sentido, supongo que sus fans lo disfrutaran.

Cinecritica: El Dictador

EL DICTADOR (THE DICTATOR, EU, 2012)
De nuevo el director Larry Charles y su actor/guionista Sacha Baron Cohen hacen una comedia politicamente incorrecta que ataca directamente a los Estados Unidos y a toda su población y sociedad, a manera de gags y chistes que siguen una sencilla historia Baron Cohen se da vuelo y se ensaña de sobremanera sobre el pueblo norteamericano, algunos chistes son sucios y ofenden en demasia, ni hablar de los politicamente correctos que abarcan toda la cinta, por lo que si uno tiene mucha sensibilidad no la recomiendo, asi como tampoco si usted admira a los gringos o su sistema, contando tambien por supuesto su actual gobierno, en pocas palabras esta cinta no va a convencer a nadie de que Estados Unidos es un gobierno fallido, que la democracia son solo palabras, que tiene doble moral y que lo politicamente correcto llego a niveles estupidos.
 
Aladeen (Sacha Baron Cohen, bien) es un dictador que se armo con armas nucleares por lo que Obama (y con ello la ONU claro) piden su cabeza, pero Aladeen nunca dejara que le quiten su amada dictadura, pero su tio Tamir (Ben Kinsgley) tiene otros planes y aprovecha la ida a norteamerica para quitar de en medio a su sobrino y manejar a su doble, Aladeen sin su barba no es reconocido y sobrevive gracias a la desesperante idealista Zoey (Anna Faris) con quien comienza a trabajar para poder entrar en el hotel y recuperar su puesto, para ello contará con la ayuda del fisico nuclear Nadal (Jason Mantzoukas, bien) quien decide ayudarlo debido a que en America tiene un trabajo degradante solo por su raza.
 
La historia se siente como una simple excusa para poner chistes y situaciones ridiculas, lo cual se nota más al ver como se resuelve todo, lo demás son puras vueltas pero en lo personal el viaje si me gusto, los chistes politicamente incorrectos, como el de Megan Fox con Aladeen y su pared llena de trofeos o la hilarante del helicoptero con los dos gringos asustados, además muchos actores hacen cameos y apariciones en las que se rien de si mismos y finalmente el discurso de la cinta es muy importante aunque este mostrado de esta manera, al final Aladeen nos muestra que EU no es diferente de una dictadura, por lo menos él lo acepta y por ello estamos de su lado en el final politicamente incorrecto pero quiza demasiado facilon.
 
Calificación: Regular

29/9/12

Cinecritica: Tarahumara

TARAHUMARA (CADA VEZ MÁS LEJOS) (IDEM, MÉXICO, 1965)
Si algo me gusto bastante de la cinta de Luis Alcoriza es el estilo documental en el que esta grabada, pareciera que en realidad vemos un documental de la vida tarahumara y que lo que se cuenta pudiera haber pasado en realidad (de hecho es muy posible que este tipo de historias pasaran seguido en el regimen priista), algunos momentos del filme simplemente retratan costumbres y momentos reales de los tarahumara lo cual resulta muy interesante y ayuda que comprendamos de mejor manera al pueblo. El guión escrito por el mismo director es minimalista pero toca muchisimos temas y rasgos de los tarahumara y de los mismos mexicanos mestizos que se aprovechan de ellos un dia si y el otro tambien, además el reparto es excelente, encabezados por Ignacio López Tarso quien se aleja de papeles de indigena para ahora convertirse en su protector/redentor.
 
El escritor Raul (Ignacio López Tarso, muy bien) llega a la sierra para hacer un articulo sobre el pueblo tarahumara, no le resulta muy facil ya que son celosos y no se relacionan con los "mestizos", pero logra entablar relación con Corachi (extraordinario Jaime Fernández) quien le enseña muchas cosas sobre los tarahumaras al mismo tiempo que Raul le enseña cosas que le podrian ayudar a él y a su pueblo, asi que Raúl poco a poco se va convirtiendo en uno de ellos, los admira por su valentia, por su lealtad, por su deber, pero al mismo tiempo no comprende y lo enoja sus tradiciones, su ignoracia que no quieren dejar atras, asi lo demuestra en una indignante juicio de violación en la que no solo no se castiga al culpable sino que se le ayuda, en la que los tarahumaras siguen con sus tradiciones inhumanas, donde no importa mucho la supervivencia de un niño o la fidelidad de una mujer, o que los hagan tontos cada dos por tres.
 
Pero Raúl no va a quedarse asi y pelea por ellos y con ellos para que se hagan mejores, aunque eso significaria y nosotros tambien lo entendemos bien, que dejen de ser tarahumaras para convertirse en unos más de nosotros, aunque lo mejor del filme sin duda es el ataque contra el gobierno y los empresarios, obviamente el pri y los empresarios ayudados por esté, al final la critica prevalece y el resultado de tanta corrupción enfurece, asi al final se convierte en una encabronadora critica del gobierno y de nosotros mismos hacia los pueblos indigenas del pais, al igual que los muestra a ellos como ignorantes y demasiado inocentes sin dejar de mostrarnos sus virtudes, asi mismo el Raúl de López Tarso no es un santo inocente como lo demuestra en su casi caida en la lujuria con una tarahumara que es una niña y con el engaño al meterse con la esposa de Corachi, al igual que pelea de la misma manera contra los priistas, la unica manera de hacerlo creo yo, al final la cinta resulta en una critica bien documentada y realizada con un inmenso valor cultural e historico más que como muestra de cine.
 
Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Gallo de Oro

EL GALLO DE ORO (IDEM, MÉXICO, 1964)
Pelicula basada en una historia corta de Juan Rulfo que cuenta con los nombres de Carlos Fuentes, Gabriel Garcia Marquez y el mismo director Roberto Gavaldón, con estos nombres uno pensaria que la historia seria extraordinaria pero la verdad es que no pasa de ser una interesante fabula, ahi es donde veo el error, el alargar la fabula hasta el cansancio, hasta niveles a los que Gavaldón y sus impresionantes guionistas no debieron llevarlo, asi que en lugar de lugar una fabula mexicana bien contada con actores de primer nivel y una dirección artesanal que debiera durar poco vemos como al final se alarga la historia cuando ya todos sabemos que va a pasar y como el director le da muchisimo tiempo a Lucha Villa en los minutos finales y en las canciones que son tantas que uno pierde la cuenta.
 
No me malentiendan, me gusta cada vez que sale Lucha Villa cantando pero al final uno se da cuenta de que canta en demasia ¡hasta repite canciones! sin duda Gavaldón sentia una gran inclinación por ella, en fin. Dionisio (Ignacio López Tarso, muy bien) grita anuncios y peleas de gallos por lo que vive con lo minimo, ni siquiera le alcanza para enterrar dignamente a su pobre madre que acaba de fallecer, en una de las peleas un gallo es derrotado y Dionisio lo pide para no sacrificarlo, despues de mucho esfuerzo logra revivirlo y lo entrena para pelearlo, con tan buena fortuna que su gallo gana y de ahi comienza una rivalidad/sociedad con el "empresario" Lorenzo (Narciso Busquets) y con "La Caponera" Bernarda (Lucha Villa) de quien esta enamorado y ella solo se aprovecha.
 
Lo que sigue ahi es la clasica critica del mexicano, los empresarios corruptos y matones que se aprovechan de todos, el indito del que se aprovechan todos por su ignorancia e inocencia, la mujer fatal que solo quiere ser libre y que es usada como herramienta por el patan, además del desmadre que se arma en las fiesta mexicanas, al final el indigena se corrompe y vuelve con lo justo, lo que a final de cuentas era su meta en un principio, y debo añadir que no lo tratan nada mal, al fina regresa a donde mismo pero con algunas buenas vivencias, aunque el mensaje es claro y desesperanzador, eso si, las escenas de gallos estan montadas con brio y el reparto en general lo hace bien.
 
Calificación: Vale la Pena

28/9/12

Musica: I Wanna Rock - Twisted Sister

TWISTED SISTER - I WANNA ROCK
Twisted Sister es un grupo estadounidense de Glam Metal formado en la ciudad de Nueva York. Su trabajo fusiona las tácticas impactantes de Alice Cooper, el humor rebelde de la nueva ola del metal británico (NWOBHM), el estilo de New York Dolls y el extravagante maquillaje de KISS. El grupo tiene una imagen glam, aderezada con un punto deliberadamente chabacano; su sonido se podría comparar en ocasiones las clásicas bandas de heavy metal como Judas Priest y Motörhead, mientras que otras muchas se puede acercar a bandas hard rock como Alice Cooper o Kiss, ya que cuenta con un fuerte componente de rock and roll, de manera similar a bandas como Poison o Ratt. Dee Snider, el vocalista del grupo, dijo en una entrevista:
Yo no pienso que Twisted Sister es "Glam", porque eso implica glamour, y nosotros no somos glamorosos. Deberíamos ser llamados "Hor" ("Hid"), por que somos horrendos (hideous).
Aunque la banda fue formada por el guitarrista Jay Jay French en 1973, todas sus canciones fueron escritas por el vocalista, Dee Snider. Los éxitos del grupo incluyen "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", ambos popularizados por la continua aparición en MTV en los años 80s. Muchas de las canciones de la banda exploran los conflictos de padres contra hijos y critican el sistema de educación.

I Wanna Rock es un sencillo de la banda de Heavy metal Twisted Sister, publicado por primera vez en 1984 en el álbum Stay Hungry por el sello discográfico Atlantic Records.

La clave de su éxito puede encontrarse en su estribillo simple y pegadizo o la naturaleza cómica de su video clip. La letra no habla de nada en particular, es más que nada una exclamación de querer salir adelante con el rock 'n' roll.

A pesar de su contenido hilarante, el video fue acusado y criticado por contener retratos de violencia contra maestros, convirtiéndose a sí en una de las canciones más incomprendidas del género y uno de los factores que más problemas les trajo a Twisted Sister, atrayendo críticas de organizaciones conservadoras.

Fue editado como single por primera vez en 1984 junto a una versión en vivo del tema "Burn In Hell" y luego una versión del tema con la introducción del video incluida y el tema "Leader Of The Pack" del álbum "Come Out And Play", en 1985. Al igual que "We're Not Gonna Take It", "I Wanna Rock" es uno de los clásicos inmortales de Twisted Sister y fue nombrada en el programa de VH1 Las 40 Canciones Más Grandiosas del Metal, llegando al puesto 21.

Video traducido (gracias a vikingoh)


Lyrics (gracias a BlackDawn626) }

Live (gracias a andrethethrashe)

27/9/12

Cinecritica: Corazón Valiente

CORAZÓN VALIENTE (BRAVEHEART, EU - IRLANDA, 1995)
La segunda pelicula de Mel Gibson es la que lo consagro y donde comienza su critica/fantasia politicamente incorrecta, nadie la considera asi porque ataca a los ingleses pero despues el director empezaria a arremangar con todos, una cinta que dura tres horas en las que nunca baja el ritmo y nos emociona de principio a fin, donde Gibson recupera el filme de epoca que se creia perdido (y que ahora se vuelve a creer perdido por más que copias y copias del "Señor de los Anillos" llenen los cines), mostrandonos la vida de un heroé escocés que por supuesto que existio y que fue parte fundamental en la independencia de los escoceses, contada con brio e ineligencia la historia inmediatamente nos pone del lado de Wallace, nos preocupamos por él, sufrimos por él, peleamos con él, nos emocionamos con él, este es el Wallace de Gibson, un luchador incansable que pelea por los derechos de su gente pero que como motor principal lucha por la venganza de la mujer que ama, ahi es donde uno se da cuenta de que la pelicula tiene mucho de Gibson, con las traiciones que acaban con el mesias y su sacrificio y pelea final.
 
Los ingleses son amos y señores de escocia pero hay una rebelión que lucha por sus derechos, a ella pertenece el padre de Wallace pero facilmente son derrotados, asi que el pequeño William Wallace (James Robinson) es llevado por su tio al extranjero donde lo educa y le enseña a luchar, ya adulto Wallace (Mel Gibson, excelente) regresa a Escocia para encontrarlo todavia peor debido a la tirania de Eduardo I (Patrick McGoohan, muy bien) quien decide destruir la sangre escocesa con una insultante ley, pero a Wallace nada de eso le importa, solo quiere vivir tranquilo y enamorar a Maroon (Catherine McCormack), casarse en secreto y ser feliz, pero las cosas no salen como el piensa, un ingles sospecha y quiere reclamar sus derechos, Maroon se defiende y Wallace pelea pero al final Maroon es ejecutada lo que causa la ira de Wallace quien se une a la rebelión, se convierte en su lider y los lleva mucho más lejos de lo que jamas pensaron.
 
Longshanks no sabe como apagar esta rebelión y ve impavido como Wallace va ganado terreno y batallas mientras más personas se le unen, su hijo Eduardo (Peter Hanly) es un bueno para nada y homosexual por lo que debe acabar con Wallace antes de que deje el trono, casa a la Princesa Isabelle (bellisima Sophie Marceau) con su hijo para ganar aliados y empieza a confabular contra Wallace ya que no puede derrotarlo en batalla. La trama completa es mucho más compleja e interesante, a pesar del ritmo pausado nunca dejan de pasar cosas y uno no puede despegarse de la pantalla, el romance esta bien logrado y con un tiempo justo ¿para que perder tres cuartos de la pelicula en él? (aprende Cameron), el personaje principal se gana nuestra simpatia y empatia porque resulta muy humano, no es un heroé inmaculado sino un hombre que quiere venganza y que sabe que al lograrla sacara algo bueno para su pueblo, las batallas son epicas y demuestran que Gibson es un muy buen director, y su cine posterior y sus manias ya se muestran desde aqui; su heroé invencible que solo es derrotado cuando lo traicionan sus seguidores, sus hombres vengativos, hasta su discurso cristiano cuando al final Wallace es torturado sin quebrarse frente a sus discipulos mientras estos solo ven con lagrimas en los ojos. Lo mejor son todas las escenas de batallas, la venganza de Wallace, la escena de tortura con el grito, la confesión de Isabelle a Longshanks y mi favorita, la cara de Gibson cuando se da cuenta de que lo traicionaron ¡las dos ocasiones son memorables! Y finalmente comentar que en la cinta hay muchisimos errores, hasta sus siguientes filmes Gibson se volveria exageradamente perfeccionista.
 
Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Pantera Rosa

LA PANTERA ROSA (THE PINK PANTHER, REINO UNIDO - EU, 1963)
Algunos diran que es un clasico pero la verdad es que no le vi nada maravilloso a esta pelicula, cierto que la actuación Peter Sellers la eleva sobre todas aquellas de tematica parecida pero lo mismo hizo el legendario actor en muchas otras, aunque he de admitir que me parecio divertida y solte la carcajada por momentos lo cual quiere decir que para pasar el rato es una pelicula extraordinaria, aunque tengo la sensación de que su humor es demasiado blanco e inteligente para los estandares actuales, además de que tiene mucha comedia fisica, de pastelazo como se dice, que por fortuna esta realizada en su mayoria por Sellers que sabe medir los tiempos de manera perfecta, su inspector Clouseau le pertenece totalmente, en ningun momento parece que esta actuando, pareciera que en realidad él como persona es tan torpe y todo lo sale mal.
 
El diamante llamado la Pantera Rosa le pertenece a una princesa (bellisima Claudia Cardinale) pero esta en peligro de ser robado por el ladron de cuello blanco "El Fantasma" por lo que el inspector Jacques Clouseau (Peter Sellers robandose cada imagen en la que aparece) es encargado de cuidarla, Clouseau sospecha acertadamente de Sir Charles Lytton (David Niven) pero lo que no imagina es que su mujer Simone (Capucine) es su amante y socia, los dos ladrones ponen en marcha un plan para engañar a la princesa pero el sobrino de Charles, George (Robert Wagner), llega y tambien oculta sus propios secretos ¿podra Clouseau atraparlos? ¿robarán la pantera rosa? ¿Clouseau pasara un cuarto sin tirar algo, tropezarse o golpear a alguien?
 
Comedia de enredos que encuentra sus mejores momentos cuando Sellers esta en escena, al final uno termina del lado de inoperante inspector quien parece hacer todo mal, buen ritmo, dirección artesanal, buenas actuaciones y hasta una canción con baile incluido hacen que valga la pena verla. Lo mejor la naturalidad con la que a Sellers se le derrama un vaso de leche, rompe una perilla o estropea un violin, la hilarante escena del cuarto y la ridicula persecusión en carros del final.
 
Calificación: Vale la Pena

26/9/12

Cinecritica: Mi Pie Izquierdo

MI PIE IZQUIERDO (MY LEFT FOOT, IRLANDA, 1989)
Para los que piensan que los actores no son impotantes en el cine uno debiera pedirles la opinion cuando se encuentra con cinta como esta en la que más alla de la exacta dirección y un guión inteligente se elevan principalmente por interpretaciones magnificas, en esta caso uno nunca podria olvidar la perfecta actuación que entrega Daniel Day-Lewis como el perseverante Christy Brown, un artista con capacidades diferentes, pero no seria justo darle a Day-Lewis todo el credito, todos los demás actores hacen un trabajo extraordinario, pareciera que estamos viendo una obra de teatro, la escuela britanica se muestra en todo su potencial, no hay aspavientos, nadie quiere sobresalir, son contenidas, serias, exactas... y la dirección del debutante Jim Sheridan se muestra inteligente y virtuosa, Sheridan tiene el suficiente talento para saber cuando hacerse un lado y dejar que los actores hagan su trabajo y tambien sabe mover la camara, encuentra planos vistozos, maneja tiempos exactos y nos regala sendas postales.
 
La pelicula es una biopic sobre el mencionado Christy Brown (magnifico Daniel Day-Lewis) que nacio sin movilidad en sus miembros, a excepción de su pierna izquierda, pero Christy no puede hablar, se limita a hacer ruidos y vivir, siempre siendo ayudado por su familia, pero no es retrasado a pesar de que todo el mundo lo crea como se nos muestra en el accidente que tiene su madre (Brenda Fricker, excelente), asi que Christy se esfuerza lo más que puede y con la confianza de su madre quiere aprender, cuando al fin puede escribir su primera palabra (Mother) su padre (Ray McAnally) por fin no se siente avergonzado de él, asi que la cinta muestra a Christy que va creciendo y como se convierte en un pintor, como lo ayuda la Dr. Eileen Cole (Fiona Shaw) para que pueda hablar normalmente y sus amores y desamores, sus demonios y temores, sus furias y sobresaltos, sus depresiones y alegrias, hasta finalmente escribir el libro que nos esta siendo contado por la enfermera que cuida a Christy.
 
Decir sobre que trata toda la cinta es casi imposible, siendo una biopic es obvio que pasa por todas las etapas de la vida del artista, siendo aun más interesante por el hecho de la situación especial del personaje principal, he de decir que admiro a Sheridan y tambien al Christy Brown real por no ponerse como un santo sino una persona de carne y hueso con todas las debilidades del mundo, asi Christy es mostrado como un borracho pesimista y depresivo que sufre ataques de celos y paranoia a la menor provocación, que en algún momento explota diciendo que matara a su padre para despues armar una pelea en un bar por honrar su memoria, uno termina de ver la pelicula con un buen sabor de boca y pensado que Sheridan no nos tomo el pelo, hizo una biopic sin caer en el chantaje ni el sensacionalismo con un tema en el que era muy facil hacerlo. Aplausos tambien para Hugh O'Conor que interpreta a Christy de joven y a todo el elenco, eso es la mejor de la cinta, la actuación de Day-Lewis quedo en mi mente, algunos momentos son de aplaudirle.
 
Calificación: Bastante Bien

Musica: Black Hole Sun - Soundgarden

SOUNDGARDEN - BLACK HOLE SUN
Soundgarden es una banda de rock estadounidense formada en Seattle, Washington en 1984 por Chris Cornell, al que posteriormente se le unirían Kim Thayil y Matt Cameron. Soundgarden es una de las bandas pioneras del grunge, género musical derivado del rock que también englobaba a bandas importantes, como Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains. El disco Superunknown fue su mayor éxito y el que les dio fama mundial en el año 1994 al contener los sencillos "Black Hole Sun" y "Spoonman", ambos ganadores de un premio Grammy. El grupo se separó en 1997 debido a diferencias internas acerca del sentido que debía tomar la música de la banda. En el año 2010 se anunció su reagrupación.
 
Black Hole Sun (en español: "Agujero Negro en el Sol") es una canción del grupo grunge Soundgarden. Originalmente apareció en su álbum de 1994 Superunknown y fue el segundo sencillo sacado de él (el primero fue "Spoonman"). Aparecería más tarde en el álbum de la banda de Grandes Éxitos. En muchos aspectos es la canción más reconocible de la banda, y fue la canción más popular de estilo grunge en 1994. En 1995 ganó el Grammy Award for "Best Hard Rock Performance" ("Mejor Interpretación de Rock Duro").
 
El video musical que acompañaba a la canción contenía escenas que posiblemente hacen referencia a la serie británica de TV Doctor Who. Otros aseguran que algunas escenas hacen referencia a las películas de David Lynch. De cualquier manera, el video tuvo una buena acogida en la MTV.
Después de los ataques del 11 de septiembre de 2001, Clear Channel (una empresa estadounidense que posee numerosas emisoras de radio a través de todo el país) la puso en una lista de canciones posiblemente inapropiadas.
 
Black Hole Sun ha sido versionada por Judith Owen, Paul Anka, Mimi Goese, Incubus, Jande, Steeve Lawrecen y Eydie Gormé, Cibo Matto, Braad Mehldau, Alanis Morissette, Copeland, Peter Frampton, Handsome Hank And His Lonesome Boys y también por el frontman de Soungarden Chris Cornell en su gira Euphoria Morning y por la ex-banda de Cornell, Audioslave, en sus presentaciones en vivo.
 
El video musical surrealista y apocalíptico de "Black Hole Sun" fue dirigido por Howard Greenhalgh y producido por Megan Hollister. El vídeo transcurre en un barrio suburbano y sus habitantes, que son finalmente absorbidos por un agujero negro, mientras que la banda interpreta la canción en algún lugar de un campo abierto. En el video, se puede ver a Cornell que llevaba un collar de tenedor, el cual le dio Shannon Hoon de Blind Melon. En un chat en línea, la banda declaró que el video "fue por completo la idea del director". Thayil dijo que el video fue uno de los pocos videos de la banda Soundgarden estaba satisfecho con el.
 
El video fue lanzado en junio de 1994. Después de varias semanas de airplay en MTV, una segunda versión del video fue sustituido que contiene los efectos visuales más elaborados que el original, incluyendo la adición de un agujero negro generado por computadora. El video musical de "Black Hole Sun" se convirtió en un éxito en MTV y recibió el premio a la Mejor Metal / Hard Rock Video en el 1994 MTV Video Music Awards. En 1995, recibió el premio Clio por la alternativa Music Video. El video está disponible en el vivo de CD-ROM en el Superunknown.
 
Video renovado (gracias a SoundgardenVEVO)


Ambas letras (gracias a Felipe NIN)

Live (gracias a Ruslanow)

25/9/12

Cinecritica: Danza con Lobos

DANZA CON LOBOS (DANCES WITH WOLVES, EU, 1990)
Opera prima del actor/director/productor Kevin Costner que es con la que más exito ha tenido en sus tres facetas, lo catapulto como estrella, lo consolido como director y le dio gran exito economico, se volvio el hit del año y en los premios oscars arraso con todo, en lo personal no me parece que la pelicula sea cosa de otro mundo, ni siquiera son del tipo de western que me gustan pero he de admitir que la cinta cumple y bastante bien, tiene gracia y entretiene a pesar de su largo metraje y de que su historia no es muy original que digamos, es la tipica historia de un hombre que llega a un lugar desconocido para él para finalmente aprender y amar las costumbres de los lugareños y al último termina ayudandoles, eso si, Costner dirige de manera artesanal y logra escenas y momentos interesantes al mismo tiempo que le echa muchas ganas a su actuación, lastima que quiza resulte demasiado pausada para las nuevas generaciones.
 
Para el que ya vio "Avatar" pues esa es la historia de "Danza con Lobos", solo que con menos fuegos artificiales y una profundidad que a como lo veo va a perdurar mucho más que los pitufos con hormonas de crecimiento, John J. Dunbar (Kevin Costner esforzandose mucho y se le agradece porque termina convenciendo) esta a punto de que le amputen la pierna en la guerra civil norteamericana, temiendo esto prefiere aventarse locamente al campo de batalla para que lo maten, pero no lo logra y su proeza causa un gran impacto emocional por lo que es premiado y lo mandan a territorio indio a que espere la llegada de las tropas, ahi John completamente solo comienza a relacionarse con los indios hasta el grado de que se convierte en uno de ellos, los ayuda, vive con ellos, festeja con ellos, caza junto a ellos y por supuesto se enamora de una de ellas.
 
Lamentablemente la chica es una blanca (Mary McDowell) criada por los indios, me queda la impresión de que de haber sido de otra manera se hubiera sentido más profundo, o algo asi, eso si, al final las tropas norteamericanas llegan a quitarle el terreno a los indios y John se cambia de bando, pero solo los ayuda a escapar porque obviamente no pueden pelear contra ellos, en un epilogo muy pesimista, algo mucho más real que la cinta de Cameron. Las relaciones en la pelicula estan bien cuidadas y uno las cree, la escena de la caza de bisontes es buenisima al igual que las dos batallas, una entre los indios y otra salvando a John, al igual que la "danza con el lobo" que le da su sobrenombre al personaje de Costner. Lo mejor es su mencionada relación con el lobo que termina de forma lamentable,la escena inicial, y las tres escenas mencionadas atras, pero que quede claro que no la considero una pelicula inconmensurable como tampoco lo es "Avatar" pero seguramente a esta la tratara mejor el tiempo, ya empezo a hacerlo.
 
Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Violín

EL VIOLÍN (IDEM, MÉXICO, 2005)
Como estamos en el mes patrio hay que reseñar aunque sea un poco de cine mexicano para variar, ya escribi sobre "El Crimen del Padre Amaro" y ahora vuelvo al cine nacional con otra premiada cinta como lo es la opera prima de Francisco Vargas Quevedo sobre una minimalista historia que representa solo una parte de lo que tuvo que soportar el pueblo mexicano con la guerra sucia que duro dos decadas donde el PRI empezo una matanza con los que se oponian a ellos, aunque solo fuera en forma de opinion, la dictadura perfecta que nunca hemos perdido y que al parecer seguira por los siglos de los siglos en nuestro México querido, primeramente comentar que algunos consideran que la pelicula es presuntuosa, quiza por el estilo que maneja o porque esta filmada en blanco y negro, en cambio a mi me parece una pelicula muy humana, bien filmada e interpretada y con algunos momentos memorables que además tiene una critica politica muy valiosa.
 
La pelicula comienza mostrandonos a Don Plutarco (Ángel Tavira, muy bien), su hijo (Gerardo Taracena) tocando mientras su nieto pide unas cuantas monedas a los oyentes, regresan a la sierra solo para encontrarse conque los militares han llegado a su pueblito y se han apropiado de todo, lo hacen buscando rebeldes y estan en lo correcto ya que ahi estan preparando una guerrilla, el problema es que ahora los militares los tienen en sus manos ya que las municiones se quedaron en el pueblo, la guerrila intentara hacer un ataque desesperado pero Don Plutarco tiene un plan y le ruega a su hijo que espere, nadie cree que puede lograr algo pero Plutarco va al pueblo y se gana la confianza de los soldados gracias a su talento tocando el violin.
 
En especial la del capitan (Dagoberto Gama, bastante bien) quien siempre ha querido aprender a tocarlo, asi que poco a poco Plutarco va sacando municiones mientras nosostros tensionados esperamos que en cualquier momento lo atrapen. El final es seco, realista, exacto, y nos remite a un inicio donde se nos enseña que es una pelicula cruda, cierto que por momentos la cinta desvaria demasiado, hay largos monologos explicaciones y no todos salen bien librados, no asi el de Gama que es de lo mejor del filme, mientras que Tavira se gana nuestro respeto tanto por sus gestos, por su voz, como por su magnifica forma de tocar el violín, aunque al final tendra que dejar de tocar porque la guerra destruye todo, no es una pelicula sencilla pero como mexicanos debemos de verla, la mayoria ni sabe que existio esta guerra.
 
Calificación: Bastante Bien

24/9/12

Cinecritica: Snatch, Cerdos y Diamantes

SNATCH, CERDOS Y DIAMANTES (SNATCH, REINO UNIDO, 2000)
Esta segunda pelicula de Guy Ritchie es mejor que sus dos peliculas sobre Sherlock Holmes, debo admitir que esta es la unica que he visto ademas de las del detective pero supongo que es lo mejor del director, ya revisare las demás en cuanto pueda, clasificarla esta resulta complicado pero pertenece al nuevo cine de gangsters, con una combinación de comedia negra y film noir con una edición y velocidad vertiginosa, lo cual resulta un acierto porque todo sucede tan rapido que antes de que entendamos completamente la historia el filme llega a su final, uno que sorprende y deja un grato sabor de boca en el espectador, uno se siente feliz por la habil revancha de los gitanos y por la buena suerte de los dos pobres diablos que se vieron atrapados dentro de una busqueda vertiginosa de codicia que se desata por una brillante piedra y que lleva a la perdición a un mundo de maleantes, quiza por ello nos sentimos bien, la situación no es politicamente correcta pero funciona en muchos niveles.
 
La trama es dificil de explicar con un reparto multicoral y una historia enmarañada que por momentos desvaria en aspectos menos importantes, asi que al inicio vemos a un grupo de ladrones vestidos de rabinos que roban un diamante para luego dar paso a unos vistosos creditos siguiendo a los personajes, el motivo de todo es el diamante que le quieren quitar a Franky (desaprovechado Benicio del Toro) para lo que usan a tres torpes negros que bien podrian pasar por los tres chiflados, mientras un judio viene de America para comprar el diamante, en tanto dos promotores de peleas ilegales se meten en problemas con los gitanos y acaban llevandose al golpeador gitano Mickey (hilarante Brad Pitt) para a las peleas, pero este no se deja vences y los mete en problemas con un peligroso mafioso en en tanto todos ellos empiezan a converger en medio de la busqueda del diamante.
 
Increiblemente el diamante se vuelve algo secundario con los problemas del estoico Turco (Jason Statham demostrando que sabe actuar) y el torpe Tommy (Stephen Graham) quienes se ven envueltos en medio de la batalla de Mickey y Brick Top (Alan Ford) quien le declara la guerra a los gitanos, al final la pelea entre Mickey y una mole resulta entretenida y divertida y nos conduce a la vuelta de tuerca final que como apunte antes resulta muy satisfactoria, y el epilogo tambien lo es y por lo menos a Ritchie no le importa que tres negros terminen pagando algo que ni siquiera hicieron. El estilo de la cinta es lo que más llama la atención, la velocidad, los excesos, las florituras, el uso del ralenti, la musica, las hilarantes conversaciones, es simple, o te gusta a lo odias. Lo mejor de la cinta un hilarante Brad Pitt al que no se le entiende nada (ofensa politicamente incorrecta a los gitanos), las tonterias del grupo de negros, la voltereta final, las peleas en el ring, y claro esta la explicación de como deshacerse de un cuerpo usando puercos, el dvd tiene muchas escenas adicionales que fueron cambiadas o se quitaron, además de muchas más chucherias, algo que vale la pena.

Calificación: Muy Bien

23/9/12

Musica: Detroit Rock City - Kiss

KISS - DETROIT ROCK CITY
Kiss es una banda estadounidense de rock formada en Nueva York en enero de 1973 por el bajista Gene Simmons y el guitarrista Paul Stanley, a los que más tarde se unirían el batería Peter Criss y el guitarrista Ace Frehley. Conocidos por su maquillaje facial y sus extravagantes trajes, el grupo se dio a conocer al público a mediados de los años 1970 gracias a sus actuaciones en directo, en las que incluían pirotecnia, llamaradas, cañones, baterías elevadoras y guitarras con humo. Contando los álbumes en solitario de 1978, Kiss ha conseguido veintiocho discos de oro de la RIAA hasta la fecha y se la considera la banda estadounidense con mayor cantidad de estas certificaciones. El grupo ha vendido más de cien millones de álbumes en todo el mundo y veinte millones sólo en los Estados Unidos. Los miembros de Kiss asumieron personalidades acordes con los maquillajes y vestimenta que llevaban, así Simmons ausmió el rol de «The Demon», Stanley el de «Starchild», Criss el de «Catman» y Frehley el de «Space Ace» o «Spaceman».

Sus tres primeros álbumes de estudio apenas tuvieron repercusión y tuvo que ser con el lanzamiento de Alive!, un disco en directo, que la banda consiguiera fama y popularidad. Sus siguientes trabajos, entre los que destacan Destroyer y Love Gun, aumentaron la popularidad del grupo y consiguieron varias certificaciones de disco de platino. Después de que cada miembro de la banda publicara un álbum en solitario y rodar una película, las tensiones dentro del grupo aumentaron, lo que ocasionó la marcha de Criss y más tarde Frehley. Tras la salida de dos de sus miembros fundadores (Eric Carr y Vinnie Vincent reemplazaron a Criss y Frehley y asumieron las personalidades de «The Fox» y «The Wiz», respectivamente) y publicar algunos álbumes que no tuvieron el número de ventas esperadas como Music From «The Elder» y Creatures of the Night en 1983, Kiss decidió abandonar el maquillaje y orientar su estilo musical hacia el glam metal. En la década de 1990 se produjo la reunión con la formación original y el maquillaje, aunque en la siguiente década Frehley y Criss volvieron a dejar la banda. Simmons y Stanley decidieron continuar con el batería Eric Singer y el guitarrista Tommy Thayer, utilizando los maquillajes de «Catman» y «Spaceman», respectivamente.

Detroit Rock City es una canción de la banda de Hard rock KISS. Fue lanzado como el tercer single del álbum Destroyer, del cual es la primera pista. Los autores de la canción son Paul Stanley y Bob Ezrin.
Si bien la canción casi no apareció en las listas de popularidad de Estados Unidos, fue muy avalada por los fans de la banda, y ha sido interpretada en todos sus conciertos desde el tour de Destroyer. Algunas veces, ha sido utilizada para abrir sus presentaciones.

Vivo con ambas letras (gracias a vulcanreavere)


Symphony (gracias a devilsummoner2008)

22/9/12

Cinecritica: Barton Fink

BARTON FINK (IDEM, EU, 1991)
La cuarta pelicula de los hermanos Coen es una de las mejores en su filmografia, cosa que no es poco viendo la calidad de esta, "Barton Fink" no es una pelicula sencilla en ningun sentido, para los que no gusten pensar la pelicula resultara desesperante y simplona en el sentido de sencillez, por lo que no resulta sencilla de ver, en tanto que los que gusten de cine veran una historia densa que toca muchisimos generos y los simbolismos que esconde son muchos y muy profundos, asi los hermanos Coen nos deleitan y al mismo tiempo nos enferman con una personaje desesperante y desesperado que es muy humano, quiza por ello mismo nos enferma tanto, aunque nunca deja de tener ese halo de intelectualidad que resulta cansino y lo separa/une de los cineflos, es decir que el personaje interpretado por Turturro resulta muy desagradable con sus pensamientos intelectuales y sus aires de grandeza pero finalmente se parece a todos ¿quien no cree que sabe más que los demás? ¿quien no piensa que siempre esta en lo correcto? ¿quien no subaja a los demás solo porque no piensan ni son como él? por ello mismo la pelicula da miedo, en su viaje a los infiernos Barton Fink parece merecerlo a nuestros ojos pero sentimos lastima por él, empatia, simpatia, vamos que el desangelado escritor ve como sus sueños son aplastados y cae en el infierno en el que todos vivimos, el infierno de la creación, el infierno de la vida misma.
 
Barton Fink (Jmagnifico ohn Turturro) es un reconocido escritor de teatro cuyo sueño no es la fama ni la fortuna sino plasmar al ciudadano común (la prole segun la futura presidencia) en sus obras, pero su representante lo convence de ir a escribir cine en Hollywood, ahi puede ganar mucho dinero que le serviria para vivir tranquilamente y poder escribir sin preocupaciones, Fink acepta y llega a un hotelucho donde sufre un "bloqueo", se hace amigo del amigable vendedor de seguros Charlie Meadows (John Goodman) quien lo escucha a pesar de que él nunca lo deja hablar, asi que Fink no puede escribir nada, cualquier cosa lo distrae y lo perturba, al principio queria paz y ahora busca que hacer al no ocurrirsele nada, pide ayuda a otros escritores, empieza a ver alucinaciones, tiene una aventura ya deseada, aparece un cadaver, la policia lo busca, su amigo lo ayuda, todos lo presionan, y en este mundo loco Barton se inspira y escribe su mejor obra que quedara ahi guardada sin que nadie la vea solo porque no le gusto al adinerado productor imbecil para el que trabaja, y que lo tiene por el cuello hay que decir.
 
Eso es "Barton Fink", una aventura surrealista en la que uno no termina sabiendo si es un sueño, si es realidad, si Barton imagina todo, o algunas cosas, si Charlie existe, si el portentoso final es verdadero, y el porque de tantos plagios/referencias/homenajes, vemos las cosas desde la perspectiva de Barton y aun asi vemos muchas cosas que él no, o quiza no quiera verlas, los simbolismos son muchos, el hotel hace referencia al infierno, la escena del elevador mencionando los tres 6, el número del diablo, el regreso con la pregunta de la biblia, el cuadro que al final se hace verdad quiza nos muestra el trastorno de Barton, la relación de Barton y Fink tiene tintes homosexuales que se muestran sutilmente, y no tanto en la escena de lucha libre, el enojo de Charlie que distinguimos desde un inicio con un pedante Barton pero que sabemos él no noto, las otras pistas que da Charlie al inicio de su verdadera "vocación" y hasta el enojo de los Coen al mostrar como el sistema destruye y encadena a los escritores con talento porque se rehusan a hacer lo que les piden. Increible que esta cinta salga de un bloqueo de los Coen cuando estaban escribiendo esa joyita que es "Miller's Crossing", increible su calidad minimalista en esos tiempos donde se perdio eso precisamente, esa identidad de pelicula rara e inconfundible, si viste "Barton Fink" quiza no te guste pero nunca la olvidaras y menos la confundiras. Lo mejor las actuaciones de Turturro y Goodman, la referencias sexuales de la lucha, de la camara entrando al caño y hasta de ese "raro" liquido que se desprende de las paredes, un exagerado Tony Shalhoub, la encabronante escena de condena a Barton por parte de un odioso Michael Lerner, la vuelta de Charlie al hotel donde literalmente lo convierte en un infierno, la etapa inspirada de Barton y esté cargando cierto paquete por todos lados sin saber que contiene pero con una idea muy precisa de que puede ser.
 
Calificación: Excelente

21/9/12

Cinecritica: Machuca

MACHUCA (IDEM, CHILE, 2004)
Sin duda la cinta más conocida de Andrés Wood, un melodrama social con tintes politicos en el que el director tiene la sutileza de no tomar partido, solo muestra una historia y lo hace muy bien, asi que por un lado los que quieren historias de crecimiento juvenil lo tendran y los que quieren ver más alla, los serios problemas que tenia Chile con la diferenciación de clases y las batallas que terminaron en un golpe de estado que destruyo las politicas sociales e instalo un regimen dictatorial, lo ironico del asunto es que Chile se estaba cayendo a pedazos y de una u otra forma esto lo salvo, aunque esto costo muchas vidas e injusticias, cada quien puede tomar su lado, su postura, en lo personal no puedo tomar partido porque solo alguien que lo haya vivido en carne propia podria opinar, eso mismo es el niño protagonista de la historia y al final no sabemos su opinión, porque si, en efecto la diferencia de clases destruyo su amistad y su romance pero tambien el regimen destruyo la esperanza que le quedaba, ¿frente a esto que se puede hacer?
 
Gonzalo Infante (Matías Quer, bien) es un chico de clase alta que va a una escuela catolica donde el padre McEnroe (Ernesto Malbrán llevandose la pelicula) ha becado a unos chicos de clase más baja para que puedan asistir, Gonzalo se hace amigo del interesante Pedro Machuca (adecuado Ariel Mateluna) a pesar de la diferencia social, cultural y hasta intelectual entre ellos, asi los dos chicos empiezan a aprender uno del otro, por un lado Machuca descubre que la vida Gonzalo no es tan sencilla con los problemas de sus padres, el peso que carga Gonzalo con el amante de su madre que lo quiere comprar con regalos y el odio que hay contra ellos por parte de los menos afortunados, en tanto Infante ayuda a Machuca a trabajar, conoce a su borracho y abusivo padre, y conoce sus miedos y fracasos, tienen una amistad a toda prueba, no parece que los vaya a separar ni las protestas sociales, ni el desequlibrio del pais, ni las discrepancias entre los otros chicos de la escuela, ni siquiera la adelantada Silvana (Manuela Martelli, bastante bien) a la que no dudan en compartir entre "dulces" besos.
 
Claro que la situación no es tan facil y las diferencias se empiezan a notar, el romance de Gonzalo con Silvana es más serio pero se derriba a las primeras de cambio, empieza a distanciarse de Machuca y el pais entra en crisis, al mismo tiempo su madre no quiere irse del pais con su padre y cuando llega el golpe ya nada vuelve a ser igual, los militares sacan la padre McEnroe de la escuela y en un pesimista final las cosas se salen de control en la visita militar a los barrios pobres, ahi donde Gonzalo es salvado por unos tenis adidas, donde acaba una amistad que nunca debia ser como ya lo sabiamos. La manera natural de narrar la historia es lo mejor de Wood, claro que tambien tenemos dos imagenes de antologia, por un lado la postal de un terreno vacio donde antes estaba la "barriada" y la nueva casona en la que vive Gonzalo gracias a su guapa madre y el ex-amante de esta.
 
Calificación: Bastante Bien

20/9/12

Cinecritica: El Crimen del Padre Amaro

EL CRIMEN DEL PADRE AMARO (IDEM, MÉXICO, 2002)
En el ya lejano 2002 hubo una pelicula que levanto infulas en el pais, por supuesto me refiero al quinto (¿o sexto?) largometraje del talentoso Carlos Carrera basada en la novela de Eca de Queiroz, los grupos ultraconservadores se lanzaron con todo contra ella y las televisoras decidieron dar sus juicios (¿cuando no?) diciendo que era inmoral y que nos criticaba a todos, como el gobierno la habia co-producido y no podia permitirse no pasarla debido a que con ello la cosa se saldria más de control decidieron mostrarla a los altos mandos catolicos y la cinta finalmente vio la luz, lo que sucedio despues era de esperarse, como mexicanos somos de los más morbosos del mundo y manejamos una doble moral que roza el ridiculo, por ello el escandalo solo hizo que todos fueran a verla convirtiendola en una de las peliculas mexicanas más taquilleras de todos los tiempos a pesar de que todos se quejaban de ella, dejando de lado el escandalo la cinta es muy recomendable, con una historia impecable y una buena dirección.
 
El joven padre Amaro (Gael Garcia Bernal muy blando, el punto debil de la cinta) llega a hacer sus practicas con veinticuatro años a un pueblito con el padre Benito (Sancho Gracia, muy bien), pero las cosas no son tan sencillas como pensaba, rapidamente se da cuenta de que el padre Benito tiene una relación muy cercana con La Sanjanuera (Angélica Aragón, bastante bien en lo poco que sale), asi mismo Benito tiene relaciones y amistad con el narco mayor "El Chato Aguilar" a quien le bautiza el niño, se divierte en sus fiestas y hasta se engolosina con el dinero del "diezmo" que le da, por el otro lado de la moneda tiene al padre Natalio (Damián Alcázar, excelente como de costumbre) quien esta en la sierra y comenzo una guerrilla para combatir a los narcos que afectan y golpean a sus feligreses, obviamente al "Chato", cosa que no le agrada al obispo (Ernesto Gómez Cruz totalmente detestable en su papel obispal) que ve un problema de ingresos y publicidad en él.
 
Mientras toda esa guerra sucede con él en medio, Amaro no puede quitarle los ojos de encima a una niña de 16 años, la angelical y virginal Amelia (Ana Claudia Talancón, bien y viendose preciosa como siempre, la eterna lolita) tampoco es una perita en dulce y se lo demuestra a Amaro cada vez que puede, se le insinua y confiesa que se masturba con pensamientos extraños por decirlo de una manera, como Amaro es todo menos santo aprovecha y lleva a Amelia a la cama, las cosas son perfectas hasta que Benito lo descubre y Amelia se embaraza, pero como ya sabemos con lo que hemos visto, Amaro es ambicioso y no le importa sobre quien tiene que pasar o a quien tiene que pisotear, por lo que no le importa enfermar a Benito, abandonar a Natalio o hacer que Amelia aborte porque nunca se va a casar con ella, ¡ahora que esta tan cerca de ascender! las cosas no salen como Amaro las planea, ¿pero eso importa? solo es un traspie, se siente culpable pero no se detendra y menos aun cuando en el pueblo ya se corrio la historia de que intento salvarla porque el maldito ex.novio la embarazo, da miedo saber cual es el verdadero crimen del padre Amaro que no es enamorarse de una mujer (¡eso no es pecado por dios!) sino lo que hace por ambición, como se corrompe, y da más miedo aun pensar que eso puede pasar, o pasa. Por desgracia García no puede con un papel asi y su interpretación le baja creditos a la cinta, aunque sin él no hubiera recaudado tanto.... y es interesante que el escandalo sea por las escenas sexuales ¿y toda la corrupción que se muestra de la iglesia? ¿eso no les dolio? ¿o simplemente lo aceptaron? Lo mejor de la cinta, las interpretaciones de todo los demás y algunas lineas imperdibles.
 
Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Último Hombre

EL ÚLTIMO HOMBRE (THE LAST MAN STANDING, EU, 1996)
Conseguida historia de Gangster con aires a Western y si nos vamos más atras al cine de samurais ya que la historia es de Kurosawa, asi que en ese pueblucho tierra de nadie llega un hombre escapando para verse de pronto envuelto en la pelea de las dos bandas rivales, resulta interesante que este filme de Walter Hill sea practicamente desconocido no tanto por la fama del director sino porque el protagonista era un Bruce Willis que en esos tiempos era amo y señor de las cintas de acción, y vaya que aqui hace uno de esos tipos duros que ni siquiera pestañean ante nada y pueden matar decenas de hombres en una balacera de la que solo saldra levemente herido, tampoco es que sea una gran cinta pero para pasar el rato es estupenda, un plato de palomitas, un refresco grande y a dejarse llevar por una historia repetitiva pero interesante con un villano que se lleva las palmas, por supuesto no me refiero a los dos debiles jefes mafiosos sino al despiadado maton interpretado por Christopher Walken.
 
La historia como comente antes ya la hemos visto cientos de veces, las historias de Kurosawa han sido usadas una y otra vez, la mayoria de las veces sin darle el credito, como ejemplo la tan famosa "Star Wars", asi que un anti-heroe solitario y rudo (Bruce Willis haciendo un papel que le queda al dedillo) llega a un pueblo sin ley en el que dos bandas de mafiosos estan peleando por el poder, se mete en una riña y como es muy bueno disparando lo contrata una de las bandas, a partir de este momento el John Smith de Willis juega al gato y el raton con las dos bandas, se va con unos, se cambia con los otros, se vende al mejor postor, traiciona, mete cizaña, pero comete un error porque se interesa en salvar a la mujer trofeo de uno de ellos, mientras que el maton Hickey (el mencionado Christopher Walken viendose tan frio como de costumbre) no confia en él y le pone trampas.
 
Asi las cosas hasta que llega el consabido final donde obviamente Smith logra liberar al pueblo y a la chica, quiza a costa de su vida, de cualquier manera ya hizo leyenda y se convirtio en un heroé. Además de que todo ya esta muy visto la puesta en escena de Hill en algunos momentos entorpete la historia, pero de cualquier manera merece la pena una revisada y más aun si la comparamos con las ridiculas cintas de acción actuales.
 
Calificación: Vale la Pena

19/9/12

Trailer: Cosmopolis

Trailers de Cosmopolis, el protagonista es Pattinson lo cual me da mucho miedo pero tengo que darle la duda a Cronenberg aunque creo que solo lo uso por la ridicula fama de la que goza ahora, espero equivocarme:
 
Primer Trailer

 
Segundo Trailer

Musica: Slow Ride - Foghat

FOGHAT - SLOW RIDE
Foghat es una banda británica de hard rock movido y boogie-blues, originaria de Manchester formada en 1971, que no sonaba tan distinta de lo que es Nazareth. Aunque los integrantes de Foghat venían de unos inicios que se manchaban por el blues britanico de raíces, el cuarteto no tarda en romper los moldes a golpe de boogie rock. Así, en un temprano 1972, se ponen bajo la atenta mirada y las manos del productor Dave Edmunds. Genio de los controles que en su día dio gloria a la carrera de Elvis Presley, ahora esparcía su sabiduría sobre unos tipos que querían comerse el mundo con cada uno de sus guitarrazos.

Tras formar parte de Savoy Brown, el cantante y guitarrista “Lonesome” Dave Peverett (nacido el 16 de abril de 1943), el bajista Tone Stevens y el batería Roger Earl, junto al guitarrista Rod Price, formarían esta banda de hard-rock y boogie rock en 1968, Foghat, conjunto británico que curiosamente resultó mejor recibido en los Estados Unidos que en su propio país, especialmente gracias a sus interpretaciones en directo.

Slow Ride es una canción escrita por "Lonesome" Dave Peverett y grabada por el grupo de rock Foghat, apareciendo por primera vez en su disco "Fool For The City" (1975), ha sido su más grande hit alcanzando el lugar número 20 de las listas de Estados Unidos. También aparece en Foghat Live (1977), que fue su álbum más vendido con más de dos millones de copias. En 2009 fue nombrada la 45° mejor canción de VH1 Greatest Hard Rock Songs. Hay 4 versiones de esta canción en el mercado. La versión original del LP de "Fool For The City" dura 8 minutos y 14 segundos. La única versión, que se encuentra en varias recopilaciones se limitó a 3:56 con un fade-out final. La versión de 1977 en vivo es 8:21 y la de 2007 de 9:44.

Versión corta con lyrics (gracias a Rocktiger25)


Versión original o sea la studio version (gracias a SecondHelping74)


Vivo (gracias a danielpradosh)

17/9/12

Cinecritica: Insomnia

INSOMNIA (INSOMNIA, EU, 2002)
La tercer pelicula de Christopher Nolan es tambien una recomendable cinta que se eleva por encima de la media debido a una buena historia y a una muy buena ejecucíón, y como de costumbre Nolan muestra obsesión por los personajes obsesivos, esta vez un detective al que su conciencia no le deja descansar y pasa dias sin dormir, de ahi el nombre de la cinta, y tambien del psicopata asesino que no descansa hasta lograr dominar y ganar el duelo con el tenaz detective, y es ahi donde la cinta realmente se levanta y se separa de otras con temas similares, en la batalla intelectual y psicologica entre los dos bandos, los dos lados son ambigüos y en algun punto los dos son complices, es decir que finalmente son humanos, pero lo más importante de todo es que aun dentro de nuestra naturaleza humana somos diferentes, tenemos diferente moralidad y manera de pensar y decidimos actuar de manera diferente, y eso es lo que muestra quienes somos en realidad, nuestrar acciones, por ello al final el personaje de Pacino se gana nuestro empatia, porque toma el camino dificil en lugar del sencillo de su nemesis.
 
En un pequeño pueblo de Alaska llegan los habiles detectives Will Dormer (Al Pacino, muy bien) y Hap Eckhart (Martin Donovan sirviendo de herramienta principal de la historia), ahi en el fin del mundo los detectives tienen que investigar el asesinato de una joven, algo rarisimo en ese lugar, y más aun lo es la forma en que aparecio el cuerpo, arreglado de manera impecable y totalmente limpio, por fortuna Will es un experto y rapidamente arma una estrategia para atrapar al asesino pero todo se complica cuando su compañero le confiesa que va a aceptar el trato de los de asuntos internos quienes estan muy interesados en algunos de los casos de Will, si se descubriera que en uno de ellos planto evidencia o algo no cuadra todo el trabajo de su vida se iria al pozo, inmediatamente todos los delincuentes que arresto quedarian libres gracias a los abogados y al resquicio que se abriria, a partir de ese momento Will no podra dormir debido a la preocupación, el mundo se le viene encima y no puede con tanto.
 
Al dia siguiente la estrategia que armaron resulta y acorralan al asesino pero en medio de la corretiza y los tiroteos Hap resulta herido y muere, el problema es que Will piensa que el le disparo, o que podria haberle disparado, asi que con la conciencia intranquila debido a que posiblemente mato a su compañero, con el problema de asuntos internos, la investigación policial que hace la agente Ellie Burr (Hilary Swank) de la muerte de Hap, la presión del caso de la chica y de que nunca se pone el sol simplemente no puede dormir, mientras pasan los dias la situación se vuelve más pesada y despues del cansancion vienen las alucinaciones, los delirios, las sombras que no se saben si son del cansancio o de la conciencia, mientras que el asesino (Robin Williams, muy bien) sabe la verdad del tiroteo y chantajea de habil manera a Will mientras Ellie empieza a descubrir lo raro del caso, y Nolan me gana con su personaje obsesivo y con un villano inteligente que no solo es un cliche, lo mejor del filme es Pacino que nos convence de que no duerme y se desmorona poco a poco, hasta uno siente la desesperación.
 
Calificación: Bastante Bien