Cinecritica: Claroscuro

"CLAROSCURO" ("PASSING", REINO UNIDO - EU - CANADA, 2021) DE REBECCA HALL

El delicado blanco y negro de la película se torna en muchísimos matices grises que van de acuerdo con la historia de la que somos testigos, con este obvio simbolismo y muchos más muy bien trabajados me parece increíble la cantidad de criticas negativas que tiene el impresionante debut de la subvalorada actriz Rebecca Hall, por ahí alguien se queja de que no vio policías siendo racista ni gritos insultantes, justo esa sensibilidad y delicadeza que caracterizan a la cinta me parecen unas de sus cualidades más loables, es cierto que trata sobre racismo y la sociedad en esos lejanos años veinte de hace un siglo pero principalmente nos habla sobre las personas, particularmente de dos que toman decisiones que las llevan a un in crescendo del que no hay regreso y que tienen una complejidad tan profunda que caen incluso en contradicciones, desde el inicio la directora y guionista deja claro que estamos viendo, la pudiente Irene (Tessa Thompson, muy bien) esta buscando un regalo para su hijo y con la ola de calor tumbando gente en la acera decide ir a refrescarse al restaurante de un lujoso hotel.

Lo hace de manera taciturna, como queriendo ser invisible, una negra no debería estar en ese lugar, es una intrusa en un mundo al que no pertenece, pero puede darse ese lujo ya que como mulata puede pasar desapercibida, confundida, de pronto alguien la mira fijamente, ante la incomodidad y el nerviosismo intenta escapar pero la otra mujer se acerca y declara que es Clare (Ruth Negga, majestuosa), una amiga de la juventud, y le confiesa que se hace pasar por blanca, esta casada con un ario racista (Alexander Skarsgard), y vive la una vida de lujos y opulencia que siempre deseo, incluso le cuestiona porque no hizo lo mismo "podrías" escupe tajantemente, Irene se siente escandalizada y soporta el chiste sobre el sobrenombre de su amiga con unas agrias carcajadas, ya desde este inicio Hall demuestra talento, los elegantes encuadres con ese formato cerrado, el manejo del ritmo, ese cuidado blanco y negro, los cambios de escena y el uso del jazz en la banda sonora donde predomina un piano que nos va sumergiendo en ese mundo.

Ademas de todo esto tenemos algo mucho más interesante que solo recordar los temas raciales de la época y como los mulatos al tener oportunidad cambiaban su vida para tener mejores posibilidades, por un lado tenemos a la protagonista principal Irene que es una mujer muy hipócrita, por un lado cree que representa el orgullo negro y se la pasa en cuestiones de caridad, por el otro lado demuestra cierto aire de superioridad por ser mulata y por su acomodado escalón social con todo y criada negra que considera menos, en tanto Claire es una oportunista que no duda en usar sus encantos para ganarse a las personas e incluso robar la vida de alguien, que es lo que teme Irene conforme avanza la película, los hijos de Irene tienen mejor relación con Clare, esta es el alma de las fiestas, y tiene una extraña cercanía con su marido (Andre Holland), en todo este asunto solo el pomposo escritor Hugh (Bill Camp, bien) es el único que ve a la mujer de piel clara como un peligro para Irene, de hecho en cierto momento Clare suelta una linea lapidaria "soy capaz de hacer lo que sea con tal de conseguir lo que quiero".

Frente a esto Irene no tiene de otra que tomar la decisión casi subconsciente del final que aunque se pueda vislumbrar no deja de ser chocante, así que la historia nos presenta a dos mujeres oportunistas a su manera, que son capaces de ser tan o más racistas que de las personas que se quejan, que primera pasa de una critica social y un reencuentro personal, a una extraña relación casi erótica para pasar a un doloroso drama con una posible usurpadora, y no tanto de su vida o persona en si, sino de lo que construyo y ama ser, una persona que se cree moralmente superior y por lo tanto es mucho más peligrosa de lo que aparenta, pero ¿puede actuar de otra manera frente a la amenaza que ha llegado a su vida? una gran opera prima, que va mucho más allá de lo que uno puede suponer en un inicio.

Calificación: Notable

Cinecritica: Fue la Mano de Dios

"FUE LA MANO DE DIOS" ("É STATA LA MANO DI DIO", ITALIA, 2021) DE PAOLO SORRENTINO

Al inicio de la mas reciente cinta de Sorrentino una exuberante mujer (Luisa Ranieri) es llevada por un automóvil a una catedral casi a oscuras donde un monje pequeño cura su infertilidad para después sufrir un "ataque" lascivo supongo que simbólico que ocasiona que cuando regrese con su marido diciendo que esta curada esté le escupa ""puta" en su cara y explote violentamente, este mitote llega hasta la familia de la mujer, la tía Patrizia, y con ello conocemos al protagonista de la historia, el joven Fabietto (Filippo Scotti), amante del futbol, fanático de Diego Armando Maradona, soñador del cine y enamorado de lo que se deje, en especial de su pechugona tia de poco recato que viene a ser su primer amor platónico, con esto dicho y ese inicio que intenta ser Fellinesco uno esperaría una película interesante, picara y con contrastes que nos muestre como es la vida en realidad, algo interesante, pero nada mas lejos de la realidad.

Después de ese inicio veo el día a día de la familia de Fabietto sin que me llegue a interesar nunca, ni siquiera el mismo protagonista me importa mucho, se me presentan más y más personajes, algunos pintorescos, otros olvidables en cuanto dejan de aparecer, todo sucede sin quitar el tedio que tengo, que si descubren la infidelidad del padre, que si quizá vieron a Maradona en Nápoles, que si lo ficharon y les avisaron a media noche, que la tía Patrizia se desnuda en un viaje en bote, que si la trampa de Argentina contra Inglaterra es vitoreado por los de Nápoles, que si se pierde la inocencia con una viejita, que si los padres mueren de forma anticlimática, que si el hermano, que si la hermana, que los primos, todo sucede, nada interesa, el tedio gana cada vez más la batalla y solo puedo refugiarme en algunas bellas postales y algún trabajo de encuadre pero poco más.

Llegado el ultimo tramo de la cinta miro con desesperación el tiempo que le queda, sigo esperanzado a algún momento que por lo menos me despierte de mi ensoñación, pero nada sucede, solo en una escena final con cierta platica con un director puedo salir un poco de mi soponcio pero de todas maneras me sabe a ya visto, ya lo vi antes y mejor, y cuando todo termina me queda claro que Sorrentino sabe donde poner una cámara, como lograr hermosas tomas, logrados travelling, pero su cine no me trasmite nada, se que quiere emular a Fellini pero no lo logra, queda muy lejos incluso del estilo y más del fondo, me aburro de tal manera que no se que escribir en la reseña, porque más allá de algo malo simplemente carece de total interés, algo tan malo o igual que hacer las cosas mal.

Calificación: Horrible

Cinecritica: Cadáver

"CADAVER" ("THE POSSESSION OF HANNAH GRACE", EU, 2018) DE DIEDERIK VAN ROOIJEN

La entrada de Van Rooijen a Hollywood no fue el mejor, pero tampoco es malo como enarbolan las tendenciosas criticas, en general estamos ante una artesanal y eficiente película de terror cuyas mayores aspiraciones son pegar algún susto al respetable y dejarle mal cuerpo, en el buen sentido de la palabra, y esto lo logra, por más convencional que resulte todo el asunto, comenzamos la cinta con una escena que podría fácilmente ser el final de otra película de terror, somos testigos de un exorcismo que sale tan mal que los dos sacerdotes son asesinados y el padre (Louis Herthum) decide acabar con la vida de su hija, meses después la ex policía Megan (Shay Mitchell) va iniciando a trabajar en una morgue cargando todavía con un incidente traumatico que no la deja descansar y que cobro la vida de su compañero, ahí llega el maltratado cadáver de la Hannah Grace (Kirby Johnson) del titulo original y a partir de ese momento empiezan a ocurrir extraños sucesos.

Lo que sigue de aquí son los clásicos sustos de manual, las luces se apagan, algo se enciende solo, se escuchan pasos, ruidos y murmullos, las puertas se abren sin nadie detrás, desaparece un pobre cristiano, y todo a partir de la llegada de ese cuerpo, que extrañamente parece tener menos heridas que antes, y que después de una breve investigación resulta tener los ojos de un color distinto al que tenían en vida, por si fuera poco un loco quiere entrar en la morgue, y Megan tiene problemas con su jefa (Stana Katic) y sus compañeros al tiempo que lidia con la culpa, todo esto funciona de buena manera y cuando puede volverse repetitivo la cinta cambia de estilo y de ritmo, se vuelve mucho más acelerado, el terror deja lo sobrenatural para abrazar el terror físico y las muertes suceden al por mayor, por lo que cuando llegamos al final apenas lo notamos ya que la menos de hora y media de metraje pasan rápidamente.

Ayuda bastante el hecho del escenario escogido, las morgues, incluso estas actuales tienen esa sensación de peligro y hostilidad siempre presentes, por más limpias, iluminadas y seguras que parezcan a primera vista existe algo en ellas que nos perturba de forma automática, aquí se aprovecha bien ese aspecto, y aunque todo ocurre como suponemos lo hace de forma tan rápida y ágil que apenas tenemos tiempo de reflexionarlo, si bien es cierto que abusa de jump scares también logra una ambientación lúgubre y se siente la tensión de tener un cadáver asesino deambulando por ahi, su mayor pecado es parecerse demasiado en su premisa a la mucho mejor "The Autopsy of Jane Doe" llamada aquí "La Morgue" que por supuesto tiene mejor historia, un ambiente más conseguido y mejores personajes, pero esta funciona con palomitas, si los desnudos y la sangre no afectan el apetito claro.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Matrix Resurrecciones

"MATRIX RESURRECIONES" ("THE MATRIX RESURRECTIONS", EU, 2021) DE LANA WACHOWSKI

En alguna parte de la película el "elegido" Neo (Keanu Reeves) esta peleando con los malosos junto a su equipo, por ahí esta el agente Smith (Jonathan Groff) filosofando con nueva cara con unos efectos especiales de pena ajena, no entiendo nada, y ni falta hace, para este momento de la cinta ya no me interesaba lo que veía en pantalla y solo miraba el reloj esperando que terminara, ya no tenia ni esperanza de ver alguna escena de acción que valiera la pena, todo eso se fue al carajo desde las primeras secuelas donde se abusaba del ordenador, ahora ademas de que se ven igual de mal (como si no hubieran pasado dos décadas) los actores apenas y se mueven, en lugar de eso hacen poses y salen poderes, pero bueno, el caso es que la dizque compleja trama solo es una maraña de ideas que nunca va a ninguna parte, solo a escupir la película original.

El caso es que Neo nunca existió, Thomas Anderson creo los videojuegos de la Matrix, esta enamorado de Tiffany que en realidad es Trinity (Carrie-Anne Moss que es lo más rescatable del filme), el caso es que hay hasta películas y todo el asunto, y aunque Thomas confunde la realidad su psicoanalista (Neil Patrick Harris) le recuerda que es porque se obsesiono con su trabajo, y así pasamos la primer hora con esta trama dizque meta referencial que no funciona porque las primeras escenas nos mostraron que todo es real, por lo que aquí la cinta solo se dedica a criticar a los espectadores habidos de nostalgia, a la Warner por hacer la secuela, y se intenta parodiar sin que cause gracia jamas, eso si, Wachowski nunca se critica a si misma, ella solo es una pobre victima que acepto participar para que no despedazaran su bebe.

Y como resultado lo despedazo como nadie, esta película es una especie de remake de la primer "Matrix" pero más larga, bobalicona, con mucha verborrea y que brinca de trama en trama presentando personajes sin peso, para acabarla de amolar las escenas de peleas "remasterizadas" son malísimas, los personajes parece que involucionaron, y cuando comienzan los madrazos no se entiende nada, a no ser que ahora Trinity tiene más poderes que Neo porque feminismo, empoderamiento y girl power, yuju... algunos la defienden como critica/parodia de la original, si es así queda lejos de hacer reír y se toma mucho en serio, y como critica pues intenta hacer lo mismo sin lograrlo, un despropósito aburrido, largo, con malos efectos, pésima fotografía y mala música, lo siento para Wachowski pero "mi vieja mula ya no es lo que era".

Calificación: Churro

Cinecritica: La Noche Devoró al Mundo

"LA NOCHE DEVORO AL MUNDO" ("LA NUIT A DÉVORÉ LE MONDE", FRANCIA, 2018) DE DOMINIQUE ROCHER

Es interesante ver como las obras van mucho más allá de lo que incluso fueron concebidas por su creador, ya sea porque su contexto y subtexto se vuelven más importantes por el tiempo, o porque tienen algunos detalles que van más allá de lo que el mismo autor pudo visualizar, y aunque siempre he defendido que la obra debe defenderse por lo que es más allá de lo externo a su alrededor a veces suceden casos curiosos que aunque no afectan la calidad de la obra si le otorgan otra dimensión en su momento, y toda esta palabrería ¿a que viene? justamente a que la opera prima de Rocher resulta más interesante por la época en que pudo revisarse en plataformas y llego a otros países, a simple vista parece una película más de ese subgénero de muertos vivientes que como los mismos se rehúsa a morir, pero que en plena pandemia toma otro significado por el tipo de historia que presenta.

Sam (Anders Danielsen Lie cargando de buena manera la película sobre sus hombros) llega a casa de su ex a recoger unas cintas pero la encuentra en plena fiesta por lo que no lo pela, después de un altercado llega al cuarto sangrando de la nariz y cae desfallecido, a la mañana siguiente encuentra el departamento lleno de sangre y ropa desgarrada, todos se han convertido en zombis y el mundo ha llegado a su fin como lo conocemos, así que Sam al contrario de lo que hacen todos los protagonistas en esta clase se historias no sale a enfrentarse al mundo, ni intenta encontrar a algún sobreviviente, incluso en una escena clave observa desde la ventana como algunos incautos caen victimas de los zombis burlándose de ellos con un despectivo comentario, todo esto es obvio porque Sam desde el inicio demostró ser una persona antisocial, cerrada y huraña, sin empatía y que incluso antes de este apocalipsis ya vivía en eterna soledad.

Pero conforme pasa el tiempo se da cuenta de que si necesita el contacto con alguien más, ya sea un gato escurridizo por el que se juega la vida o ese zombi encerrado en el elevador (Denis Lavant) con el que conversa mientras lo mantiene preso pero con "vida", cual prisionero para satisfacción propia con un dejo de lastima, es decir, el tipo esta atrapado en soledad, imposibilitado a salir, y obligado a mantenerse cuerdo como sea, ya sea haciendo música con vasos, tocando la batería como demente o jugar paintball con los pobres diablos de la calle, es decir, esta en plena pandemia volviéndose loco por el encierro, por lo que resulta curioso que poco tiempo antes de la pandemia llegue esta historia profética que se parece más a lo que realmente vivimos, por supuesto queda claro que Sam había elegido desde antes su soledad, pero frente a la situación cuando tiene opción de una salida para escapar de ella no lo duda, incluso aunque solo sea negar su realidad como muestra esa dolorosa escena que no revelare, interesante y entretenida cinta del genero.

Calificación: Interesante

Cinecritica: La Hija Oscura

"LA HIJA OSCURA" ("THE LOST DAUGHTER", EU - GRECIA, 2021) DE MAGGIE GYLLENHAAL

Existen ciertos momentos en la fascinante opera prima de Gyllenhaal que ademas de elevar el nivel de la cinta explican la película en cuanto a su enmarañada trama, o mejor dicho, a la profundidad de esta, en uno de esos momentos claves hacia el final de la cinta, cuando por fin se enfrentan/encuentran la elusiva maestra de idiomas divorciada Leda (Olivia Colman, en estado de gracia) y la hipnótica madre joven Nina (Dakota Johnson justamente con presencia enigmática) la primera le suelta que simplemente es "una madre antinatural" para tratar de explicar (o justamente para no hacerlo) todo lo que ha hecho hasta ese momento, esta linea explica perfectamente la idea central de la historia basada en la novela de Elena Ferrante, y rompe dogmas que pensamos inquebrantables, para todos, y porque así no los han enseñado, solo existen las buenas y malas madres, pero la realidad es que la mayoría se encuentran en ese punto intermedio que causa que unas sean violentas, otras duras, unas más desprolijas, y otras como en este caso simplemente egoístas.

Eso queda más claro aun con esa escena final, por lo menos para esté servidor, donde Leda de nueva cuenta retoma su maternidad que había dejado de lado por su obsesión pasajera con Nina ya que se veía representada en ella, y con esa muñeca que representa su propia maternidad simbólicamente, como ya hemos sido testigos la mujer ama a sus hijas, pero mucho más a ella misma y su libertad, por lo que no duda en alejarse y abandonarlas hasta sentir la necesidad de su amor, atención y cariño y regrese repitiendo el ciclo, una mujer egoísta que aun así puede ser madre, o que justamente por ello es madre, algo casi impensable en esta época de idolatría femenina y que justamente una mujer se anime a ponerlo sobre la mesa habla de la valentía de Gyllenhaal que ya como actriz demostró que es capaz de todo, ademas de que la cinta critica el sistema social, donde se enjuicia a una madre mientras se le permite en cierta forma al padre ese abandono sistemático.

La historia va sobre la mencionada Leda en una isla griega de vacaciones, su tranquilidad se ve afectada por una familia de mafiosos neoyorkinos con la oprimida Nina y su desquiciante hija pequeña, cuando esta se pierde y Leda la encuentra gana la confianza de la familia, pero extrañamente Leda roba la muñeca de la pequeña y causa un alboroto que junto a la cada vez más cercana relación con Nina y los secretos de esta la llevan a correr peligro por parte de una familia que parece manejar la isla, al tiempo que rememora su pasado como una madre de dos encantadoras y demandantes niñas que no puede crecer profesionalmente, se siente asfixiada, insatisfecha sexualmente y que debido a cierto encuentro decide vivir su vida por y para ella abandonando a sus propias hijas, Jessie Buckley encarna de manera soberbia a la Leda joven como viene acostumbrando, Gyllenhaal se mueve entre ambos tiempos sin avisar, en el pasado con una sensación de encierro constante, la cámara siempre cerca y cerrada, el presente con mucha tensión y el peligro respirándose en cada instante.

Los acercamientos a los rostros son claves para la historia, y el hecho de tener a dos actrices de tal calidad hacen que sean relevantes en todo momento, y bueno, esas lineas y momentos como ya comente dejan clara la idea de la directora y guionista, al tiempo que muestran la ambigüedad de los personajes, ese momento en que Leda suelta que "ser madre puede ser una responsabilidad apabullante" a la primeriza madre Callie (Dagmara Dominczyk), cuando le espetan que no parece una buena madre responde que si lo dice desde su experiencia en un tono sarcástico, cierto profesor libertino comenta que la atención es el mejor gesto de amor, esa relación de amor/odio con la muñeca que tira a la basura, limpia con cariño, mira con asco... cual si fuera sus hijas que odia y ama al mismo tiempo, o ese "amazing" que suelta con culpa para explicar como se sintió al abandonar sus hijas, al final uno se queda pensando en la complejidad de ser madre, no es que Leda sea una madre antinatural del todo, se ha romantizado tanto la idea de la madre que no entendemos que las mujeres pueden querer más cosas, buscar algo más, ser egoístas, odiar lo que crearon, es decir, ser humanas.

Calificación: Notable

Cinecritica: Juntos Nuevamente

"JUNTOS NUEVAMENTE" ("US AGAIN", EU, 2021) DE ZACK PARRISH

En una ciudad donde todos están bailando las imágenes nos muestran el interior de un departamento donde vemos fotografías con una pareja bailando para terminar viendo un refunfuñón anciano que no soporta el ruido de fuera, ni siquiera ver en televisión música o baile, su mujer intenta convencerlo de no estar aplastado en el sillón y salir pero el se niega rotundamente, esto causa que la mujer salga sola mientras él la ve triste por las escaleras de emergencia, en eso comienza a llover y rejuvenece mágicamente, por lo que se lanza en búsqueda de su esposa quien tambien ha sido rejuvenecida y con ello comienzan a bailar como hace tantos años, el problema que nota al tiempo es que cuando dejan de estar bajo esa lluvia regresan a su estado real, algo de lo que quiere escapar a como de lugar refugiado en esa fantasía de nostalgia que no puede permitir que le arrebaten.

Este cortometraje animado es una maravilla que primero uno mira boquiabierto y después termina con un nudo en la garganta y los ojos brillosos, más allá de la impecable técnica, la tecnología de animación se ve limpia y tanto los colores como la física del agua son asombrosos, tenemos esos bailes con todo y un montaje dinámico que nos petrifica una sonrisa, con música Pinar Toprak en un maravilloso Jazz que nos invita a levantarnos y bailar junto a toda la ciudad animada, la dirección ademas logra que los movimientos y golpes sean uno con la melodía, algo primordial en los musicales, sin el uso de diálogos uno entiende perfectamente lo que sucede, desde el aferro del anciano a su pasado ya vivido hasta el sufrimiento de su mujer que lo ve encerrado en esa irrealidad, con todo y parte final emocionante, con un cierre en el que la aceptación, la resiliencia y el disfrute del presente se conjuntan en ese hermoso baile que no es lo que era, pero es lo que hay, y en espíritu/esencia es lo mismo.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Mi Hijo

"MI HIJO" ("MY SON", REINO UNIDO - FRANCIA - EU - ALEMANIA, 2021) DE CHRISTIAN CARION

Edmond Murray (James McAvoy, bastante bien) recibe la llamada de su esposa Joan (Claire Foy) donde le dice que su hijo a desaparecido del campamento donde se encontraba, de inmediato llega al pueblo escoces determinado a colaborar en lo que pueda, deja su teléfono para que la policía lo revise y hacen un barrido junto a la policía en busca de su cuerpo, Edmond trabaja para una empresa petrolera en algunos de los lugares más peligrosos del planeta (falto mencionar a México por ahí ¿en donde más una mala cara puede costarte la vida?), y podemos suponer que se dedica a hacer el trabajo sucio, por lo que esta determinado a encontrar a su hijo, de hecho se siente culpable ya que quizá uno de los muchos enemigos que tiene es causante del sufrimiento de los seres que ama, así entre la culpa y la revancha el tipo no se detendrá ante nada para encontrar y rescatar a su hijo desaparecido.

Es así que vemos al padre coraje investigando junto a la policía, indagando por el pueblo, pegándole una golpiza al nuevo novio de su mujer porque piensa construir una casa sin que el chico tenga cuarto, por lo que lo considera un nuevo sospechoso, o quizá es la camioneta que aparece en todos los videos que tiene Frank (Tom Cullen) a la salida de la escuela o cerca del campamento, y para complicar más las cosas el jefe de policía, Roy (el desgarrador padre de Billy Elliot, Gary Lewis), le suelta que desde la elite le obligaron a dejar el caso por lo que esta solo, es así que esta historia de desaparición pasa a ser un extraño thriller donde todos son sospechosos al tiempo que nunca deja ese halo de venganza que toma más fuerza hacia el final de la película, de hecho esa parte final esta bastante lograda, con mucha tensión, algunos planos hermosos, la cámara agobiante encima de este padre que no se detendrá ante nada y una violencia que la lleva a un lugar más turbio.

Todo esto junto a hermosos planos otoñales escoceses que cautivan con su belleza al tiempo que se sienten peligrosamente hipnóticos, es cierto que el final es algo abrupto y que no termina de entenderse muy bien ¿en realidad que papel juega esa petrolera para la que trabaja Edmond? y sobre todo ¿Por que se detuvo la investigación desde las altas esferas? son preguntas que quedan en aire y que dependen de lo que piense cada quien, supongo que estos detalles vienen desde el planteamiento de la cinta que casi carece de guión, de hecho de esta manera se ha publicitado, y digo casi porque es obvio que un esbozo debe tener, pero esta falta de lineas aunque causan ciertos escollos narrativos también le dan la oportunidad de lucirse a los actores, en especial a McAvoy que carga con el peso de la cinta, un interesante ejercicio que queda lejos de ser redondo, tanto es un ejercicio que tengo entendido que el mismo director dirigió la misma cinta, también sin guión, en Francia con otros actores, dan ganas de revisarla para ver el resultado de este curioso ejercicio que tampoco merece más aplausos por ello.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Bar de las Grandes Esperanzas

"EL BAR DE LAS GRANDES ESPERANZAS" ("THE TENDER BAR", EU, 2021) DE GEORGE CLOONEY

Muy lejos quedo Clooney de la mítica "Good Night, and Good Luck" y es que cada vez sus películas me dejan más indiferente, casi que uno termina de verlas y las olvida de inmediato, algo tiene el actor convertido en director que evita que pueda demostrar talento detrás de la cámara, para muestras las dos ultimas cintas, la somnolienta "The Midnight Sky" que funciona mejor que pastilla para dormir y la que ahora concierne, que por lo menos no es tan mala como la anterior pero que al final solo termina siendo resultona, y no es que Clooney sea mal director, sino que pareciera que busca ser reconocido a como de lugar, algo que causa extrañeza ya que tiene algunos problemas de montaje que no van con ese tipo de aspiraciones, aun así la cinta es una de esas feel-good movies que tanto adoran las masas, que aunque quebrada en su ritmo y su narrativa tiene su publico objetivo más que ganado.

El pequeño JR (Daniel Ranieri) se muda con su madre (Lily Rabe) a casa de su quejoso y mordaz abuelo (un desaprovechado Christopher Lloyd robando cada escena en que aparece) ya que su alcohólico y patán padre (Max Martini) los abandono, pero al chico le gusta estar ahí junto a toda su familia, en especial con su abuelo Charlie (Ben Affleck, bien), dueño de un bar, autodidacta, amante de la lectura y escapista de cualquier mujer que sea ligeramente toxica, razón por la cual se queda solo por siempre supongo, este lo alienta a volverse escritor, resuelven crucigramas juntos, lleva al pequeño a los bolos junto con sus amigos, le da consejos de masculinidad, le presenta a cualquier personaje pintoresco que aparezca en el bar y le remarca no tener cariño por alguien que no valga la pena, esto ultimo es resulta importante para la segunda parte de la película donde JR (Tyler Sheridan) es un universitario que después se convierte en empleado del The New York Times, pero es incapaz de acatar ese consejo.

Casi como si fuera la continuación de la relación que tenia con su padre locutor, el chico ahora implora por el amor imposible de una chica vana (Briana Middleton) que le espeta siempre que es una segunda opción mientras le pone el cuerno a sus pareja actual, quizá este es el enlace que existe en el libro/memorias de J. R. Moehringer para su yo niño y adulto, esa necesidad de ganar el amor de una persona que desde un inicio no te quiso, pero yo hice este enlace por mi mismo, en la película nunca se señala de ninguna manera, en su lugar parece que vemos dos películas, y dentro de ellas solo postales que nos regalan bonitos y sentimentales momentos, es cierto que de eso se trata la vida, pero Clooney queda muy lejos de mostrar la magia real de un crecimiento, de una familia, de las vivencias que nos convierten en lo que somos, es solo un esbozo desdibujado para una historia que merecía más.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Finch

"FINCH" ("ÍDEM", EU, 2021) DE MIGUEL SAPOCHNIK

El ingeniero superviviente Finch (Tom Hanks sumando otra buena actuación a su carrera) pasa los días saliendo con un traje y un robot salido de "Wall-E" para buscar comida y herramientas, esto debido a que una llamarada solar afecto de sobremanera la capa de ozono y ahora los rayos solares pasan de manera mucho más directa, en casa lo espera su perro Goodyear (el perro Seamus) para recibirlo con mucho cariño, y así pasa los días el tipo trabajando en un robot mientras tararea "American Pie" y se mantiene todo lo optimista y cuerdo que se podría en una situación así donde casi no existen supervivientes, y los pocos que quedan son un problema en lugar de una ayuda, cuando una super-tormenta se aproxima a su lugar de refugio acelera la creación del robot al que llena de información y da "vida" enseñándole a caminar e interactuar con él, por lo que esta historia post-apocalíptica de supervivencia solitaria cambia a una extravagante road-movie apocalíptica con todo y toques de buddy movie.

Pero contrario a lo que podría pensarse termina funcionando, ya en el camino la interacción de Hanks con el robot que decide llamarse Jeff (Caleb Landry Jones, bien) resulta entrañable, emulando más el de un padre con un hijo enseñando lo que puede antes de que sea demasiado tarde, con el alivio cómico de la película de compañeros, el ambiente del lugar junto con las fotografías nos regalan bellas postales conservando el ambiente terrorífico de que una simple asoleada sea letal, los efectos especiales son impresionantes, el robot siempre se ve convincente, nunca desentona con la fotografía, las sombras y luces están muy bien trabajadas, y los movimientos (en esto tiene mucho que ver el actor) lucen naturales, con eso me refiero a que tiene una movilidad algo mecánica, lo que de inmediato nos lleva a pensar en un robot, y el perro cumple su función, es carismático y gana nuestro cariño que es para lo que esta.

Y los pequeños episodios terminan funcionando, por lo menos para este servidor, desde la expedición a esa ciudad que parece tan peligrosa, el escape de la tormenta, esa iniciativa propia de Jeff que termina enseñándonos como ha cambiado el mundo, la tensa emboscado con todo y persecución que nos recuerda lo peligrosos que somos como especie y que se complementa de manera perfecta con ese doloroso suceso del pasado que nos explica el porque de como es y se comporta Finch, ademas de dejar claro cual es su meta y porque creo al robot en una escena que hace un nudo en la garganta, en especial para los amantes de los perros, y por supuesto esa parte final donde la esperanza sobrevive a la muerte misma y nos empuja a luchar por los que amamos, por el mundo, incluso aunque no nos toque a nosotros los frutos sembrados, una bonita cinta donde Hanks hace lo que mejor sabe, cargar sobre sus hombros una historia con una interpretación encantadora.

Calificación: Bien

Cinecritica: Venom: Carnage Liberado

"VENOM: CARNAGE LIBERADO" ("VENOM: LET THERE BE CARNAGE", EU, 2021) DE ANDY SERKIS

Que no los engañe el titulo, aquí no hay ninguna matanza, en primer lugar porque la película tiene clasificación pubertos en adelante, y en segunda porque en realidad es una especia de comedia romántica donde lo menos importante es el icónico villano "Carnage" de Spiderman, a pasado un tiempo desde la primer película y Eddie (Tom Hardy, dando penita) no deja que Venom coma cerebros, ni siendo de delincuentes, así que se empacha de gallinitas y chocolate, pero cuando una entrevista cause que el demente Cletus (Woody Harrelson sobreactuando) se haga con el simbionte Carnage las cosas se complican un poco, la verdad es que nunca se salen de control y cuando Carnage/Cletus entran en acción la cinta acaba a los pocos minutos, ya que la trama principal es que Eddie no deja que Venom coma, se sueltan improperios, se pelean, y hasta se abandonan para luego regresar cual relación toxica de pubertos.

Esta comedia romántica entre dos tipos, un reportero idiota que parece tener la mitad del coeficiente de una persona normal y un hablador alienígena enamoradizo, llenan casi toda la trama, si tan solo lo hicieran bien, pero se resume en toxicidad y chistes malos, y en meter con calzador al interés amoroso de la cinta anterior (Michelle Williams cobrando cheque), en tanto a Cletus pues esta ahí, habla como psicópata según él, pone ojos de loco cada tanto, y quiere recuperar al amor de su vida, la banshee Frances (Naomie Harris, correteando la chuleta) que tiene poderes porque si, con escenas de acción mal filmadas, planos y cortes de mala calidad, y efectos especiales que no dan el ancho (entre tanta oscuridad, planos cortos y cortes no se entiende que sucede), con la promesa de un villano que apenas aparece y un final terrible esto no hay por donde cogerlo.

Y todos esos que dicen que "es un hermoso desastre", "tan mala que es buena", "hay que tomarlo como un chiste" y demás tonterías, no entiendo si pasaron por caja o es la moda marvel que endiosa todo lo que tenga que ver con esta marca, algunos alaban esa sosa escena post-créditos, pero que un reportero descubra algo marcado en un árbol cuando se supone investigo todo el asesino no tiene sentido, tampoco que el policía no sepa que la chica que lo ataco siga viva y encerrada, mucho menos que la novia de Carnage siga atacando con ondas sónicas si ya sabe que le hace daño a su novio, un desastre que se supone debemos disfrutar porque no se toma en serio, pero si lo hace, se toma en serio tanto así que mete adoctrinamiento en esa fiesta gay sin razón alguna en un dizque chiste que ni los que lo escribieron disfrutaron.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Encanto

"ENCANTO" ("ÍDEM", EU, 2021) DE JARED BUSH, BYRON HOWARD Y CHARISE CASTRO SMITH

Cuando iba por la mitad de la soporífera película numero sesenta de la factoría disney casi estaba convencido de que nada podría ser rescatable de esta película, ni ese intento de historia que deambula todo el tiempo sin que se establezca nada en si, ni las olvidables canciones de Lin Manuel-Miranda que cada vez me parecen más parecidas, valga la redundancia, ni el diseño de personajes que peca de sencillo y políticamente correcto, quizá esto no debería tomarse como un error pero ver tantas tonalidades de piel y cabello solo me convence del poder de la mercadotecnia, al final pareciera que el verdadero poder de la familia Madrigal es tener todos los rasgos genéticos posibles en sus miembros y fundar un pueblo que tiene elementos de todas las regiones colombianas, pero justo en ese momento cuando la estorbosa Mirabel (voz de Stephanie Beatriz) se encuentra "investigando" e interrogando a los miembros de la familia llega el momento que lo hace con su fortachona hermana Luisa (voz de Jessica Darrow).

Y de nueva cuenta la hermana se sincera con una canción "Surface Pressure", donde confiesa que no puede con la presión que le carga la familia para ayudar siempre al pueblo que fundaron, sin tener un momento para ella, con todo y simbolismos visuales y asnos bailando y luciéndose en pantalla en ese desliz fantástico imaginativo que nos regresa a los mejores años de la casa productora, esta canción no solo funciona como pieza sola sino que avanza la narrativa e indaga en la psicología de ambas hermanas, desgraciadamente es el único momento de buen cine que tiene la cinta, que pasando eso vuelve a sus mismos vaivenes y contradicciones varias, pero vamos a lo que se trata, hace muchos años en un desplazamiento forzado la matriarca de la familia (voz de María Cecilia Botero) perdió a su marido pero encontró una vela mágica que ayudo a fundar el pueblo, le dio una casa mágica y le otorga un don a cada miembro, menos a Mirabel que es tratada de mala manera y desplazada por los demás.

Pero una visión de la chica causa que investigue y descubra sobre su tío Bruno (voz de John Leguizamo) que ya tenia visiones así, y que al final todo se resuelva mágicamente, el problema es que casi todos los miembros de la familia son detestables y con poderes que en realidad no ayudan al pueblo, que si la prima chismosa con super oído, que si el bromista cambia-formas, que si la pedante chica que aparece flores, y peor aun, la abuela que es egoísta, maliciosa y mentirosa, pero que cambia al final porque "es su cultura y hay que respetarla" dijera el canal random, ademas ¿la investigación es solo hablar con los demás miembros? ¿quiere decir que aunque pregonan lo contrario nunca hablan entre ellos? ¿por que tratan así a Mirabel?canciones de cinco minutos que resuelven todo y contradicciones por todos lados, que Mirabel no tiene poderes pero luego tiene visiones sobre el futuro, algunos controlan sus poderes y otros no sin explicación, la magia no importa pero que vuelva al final, el pueblo no los necesita pero aun así los idolatra, un sinsentido que se ve bonito técnicamente y tiene el momento mencionado, pero poco más.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: La Cumbre de los Dioses

"LA CUMBRE DE LOS DIOSES" ("LE SOMMET DES DIEUX", FRANCIA, 2021) DE PATRICK IMBERT

El fotógrafo profesional Fukamachi (voz de Damien Boisseau) esta en busca de una buena historia por lo que se siente frustrado al ver que los montañistas japoneses actuales solo van al Everest como si de un destino turístico cualquiera se tratara, desahogándose en un bar de la vagueza de los tipos con su editor un desconocido se le acerca para intentar venderle una cámara con la prueba del primer ascenso a la montaña más alta del planeta, por supuesto lo toma por un timador pero cuando sale del lugar ve que lo están atacando, y que el que le quita la cámara es nada menos que la leyenda japonesa Habu Joji (voz de Eric Herson-Macarel), un escalador que en su juventud fue considerado un prodigio pero que cayo en desgracia y luego en el olvido, Fukamachi lo reconoce y tiene la pista de que le faltan los dos dedos que había perdido el escalador, por lo que se obsesiona con obtener la cámara y con ello las pruebas de que George Mallory fue el primero en escalar el Everest en 1924 y no Edmund Hillary casi treinta años después en 1953, una exclusiva que lo pondría en el mapa.

Para ello debe averiguar primero como encontrar a Habu por lo que comienza a investigar su vida de manera quisquillosa, con esta premisa es que comienza esta cinta de animación francesa que respeta de manera integral el manga de Jiro Taniguchi, sin cambiar nacionalidades, estilo y mensaje principal, el cual conforme avanza la cinta también comprenderemos, el protagonista revisa la vida del escalador desde que era un pequeño al que le gustaba subir cerros sin razón, para después convertirse en un profesional que peca de soberbia y que no conoce el trabajo de equipo, lo cual lo lleva a quedarse solo para después pasar por una dolorosa tragedia personal que lo acompaña de por vida en forma de cartas con dinero y un terrorífico fantasma en pleno ascenso donde pierde una nueva batalla contra su eterno competidor, todo esto se nos presenta a modo de flashbacks al tiempo que lo descubre Fukamachi mientras este lleva a cabo su investigación con entrevistas y se entrena para lo que sabe que seguirá.

Que no es otra cosa que ese esplendido clímax final donde queda claro que Habu ya ha crecido totalmente como persona, pero sin desprenderse jamas de esa obsesión por escalar, por conquistar, por ser el primero y el mejor, por retarse con nuevos obstáculos imposibles aunque no importen para nada, aunque nadie lo sepa jamas, sin una lógica para los demás ¿para que jugarse la vida en algo tan vano? queda claro que el descubrimiento de la verdad tras Mallory es solo secundario para quienes aman escalar, para las obsesiones de los hombres, cual si fueran ese pobre pingüino que se pierde en las llanuras heladas de "Encuentros en el Fin del Mundo", todo esto con una aminación tradicional hermosa, una inmersiva banda sonora y un respeto hacia las montañas que pocas veces se ha visto, al final uno termina extasiado ante la hermoso y peligroso que es lo que vemos, algunas escenas memorables (las escenas de ascenso como la de la tragedia, ese terrorífico joven flotando cual terror de Junji Ito, ese ascenso final), al final quedo con la duda de siempre, porque el cine japones duda tanto en adaptar estas obras más adultas, por lo pronto tenemos a talentos de otros países que las respetan y admiran para darlas a conocer de la mejor manera.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Una Noche Loca

"UNA NOCHE LOCA" ("21 AND OVER" ("21 & OVER"), EU, 2013) DE JON LUCAS Y SCOTT MOORE

Si en "Superbad" un trio de amigos intentan conseguir alcohol para una fiesta donde pueden garchar, en "Project X" los tres amigos ahora hacen la fiesta del siglo con todo y ataque policía para poder garchar también por supuesto, por lo que apenas una año después llega otra versión con tres amigos, que en todas las versiones terminan siendo dos y un extra, pero ahora deben pasar por todas las locas fiestas de un campus universitario, aunque esta vez para poder dejar a su amigo que quedo noqueado en su casa ya que el día siguiente tiene una cita muy importante, y si se puede garchar algo por el camino, más que mejor, con esto queda claro que estamos ante otra comedia adolescente y joven adultez que tira del humor soez, escatológico y sexual para poder llevar a su publico objetivo, que no es otro que los jóvenes y los que buscan desmadre para quemas neuronas, que no es algo malo por supuesto.

Por lo que usando la misma premisa la exageran más aun, pero sin que termine de funcionar, en primer lugar porque el tercer amigo toma un papel más secundario que nunca y en segundo porque cada vez se pierda más la sensación de contar algo más por detrás, si en "Superbad" era el crecimiento de los personajes y la madurez que encontraban, en esta de plano queda muy por detrás, solo esa idea nunca desarrollada de no dejar que los demás manejen nuestras vidas, algo que aprende por la mala el suicida Chang (Justin Chon) pero que lo libera del yugo de su imperativo padre (Francois Chau, lo más rescatable de la cinta), en tanto los otros dos apenas interesan, el ñoño Casey (Skylar Astin, mal) vive un romance simplón con la "buena onda" de Nicole (Sarah Wright) y Miller (Miles Teller) esta ahí para ser el recurso desmadroso que en realidad aprende poco o nada.

Pero bueno, lo que interesa aquí es el desmadre, que si hay por momentos, la comedia, que pocas veces funciona, ver desnudos, que quizá recuerde mal pero según un servidor no existen, lo más cercano es esa escena de la hermandad que copiaron de "American Pie 2", eso si, tiene sus momentos, es vulgar, un tipo anda corriendo desnudo con un osito en su ya saben que, vemos vómitos en cámara lenta, y algunas ideas no aprovechadas, todo esto en una noche loca que los que no somos gringos solo podemos imaginar a esos niveles, puede verse, reírse un poco, incomodarse mucho y olvidarla en cuanto termine.

Calificación: Deficiente

Cinecritica: Las Leyes de la Frontera

"LAS LEYES DE LA FRONTERA" ("ÍDEM", ESPAÑA, 2021) DE DANIEL MONZON

Con hora y media recorrida sabia que me encontraba frente a una entretenida cinta quinqui con un diseño de época soberbia y filmada con brío, y con el descubrimiento de algunos jóvenes actores con un futuro más que prometedor, pero a final de cuentas era una cinta bien hecha y muy entretenida, pero lo que viene en esta última parte de la película la eleva a otro nivel, primero asistimos a un tenso asalto con todo y chivato que sigue en una persecución rodada de forma impecable para luego pasar a lo mejor de la película, que esta conformado por varias escenas de gran nivel, iniciando con el rudo Zarco (Chechu Salgado, bastante bien) de voz ronca corriendo a la fuerza al ñoño convertido en delincuente, el dichoso "gafitas" Nacho (Marcos Ruiz, bien) para que no lo atrape la policía, para luego ver como su padre pone el pecho por él ante la policía confesando ante el único policía con ética de Girona que su padre hizo lo mismo por él, y que haga lo que tenga que hacer.

Después de este grandísimo momento con confesión y resolución incluida toma la batuta el policía Cuenca que se la ha pasado la cinta negando alcohol y prostitutas para hacer algo que reafirma su moral intachable, o quizá no, pero superior por lo mismo, quizá por ello, por todos estos momentos es que el cierre de la película, con Nacho y Zarco reencontrándose ya no se siente tan potente, con todo y revelación de una verdad tan asombrosa como dolorosa, lo que no puedo negar es que el final con "Yo te Encontraré" de Lin Cortés me causó un nudo en la garganta por lo que debo aceptar que mantuvo un buen nivel. Esto no se repite durante toda la película pero la historia del dejado y abusado Nacho que pasa sus días sufriendo como una sombra y trabajando en los recreativos para convertirse en el blanco de una banda de quinquis que primero piensan usarlo pero terminan haciéndolo parte de la banda.

Lo que sigue es lo usual, el chico conoce las drogas, las mujeres, el crimen y los bailes mientras sigue eternamente enamorado de la escurridiza Tere (Begoña Vargas, muy bien), robos, engaños, asaltos, atracos y fiestas hippies al tiempo que la dura policía de Girona les sigue la pista es lo que veremos, siendo lo más interesante la extraña relación que se arma entre los tres protagonistas y que no entendemos hasta el final, y por supuesto esa bella historia de amor imposible al que Monzon le pone tanta atención y que suma dividendos con esas miradas de Vargas, sumado a ese bello diseño de producción que nos lleva a finales de los setenta y un soundtrack majestuoso, pues no queda más que rendirse frente a esta historia de crecimiento, amor, y sacrificios paternales.

Calificación: Bastante Bien