Cinecritica: Bajo la Arena

BAJO LA ARENA (UNDER SANDET, DINAMARCA - ALEMANIA, 2015)

No soy fanático de las películas académicas, es decir las cintas que parecen pensadas para ganar premios, pero esta me pareció interesante debido a que toca un tema de esos que los judíos parecieran olvidar o mantener en la penumbra de la historia, de hecho el director Martin Zandvliet señala en la entrevista que viene en los extras del dvd que no encontró ningún libro que documentara el suceso a pesar de que todos saben que sucedió y hay muchas pruebas, es decir los campos de concentración donde murieron mas de seiscientos mil alemanes despues de la segunda guerra mundial, todos en diferentes países donde de una u otra forma se cobraron la afrenta que sufrieron al ser derrotados, no es una venganza por daños sino por orgullo, es decir como bien apunta el director y guionista toda la población fue cruel y los dejaron morir de hambre, como carne de cañón y avergonzandolos porque tenían permiso de todo el mundo de hacerlo.

Esto queda claro en la primera escena donde el sargento Carl (Roland Moller, bien) medio mata sadicamente a un soldado alemán prisionero solo porque si, a él le encargan limpiar la playa de Dinamarca de minas que pusieron los alemanes en la guerra, para ello usan a los prisioneros que son apenas unos sobrevivientes y donde obviamente son recurso descartable, ahi Carl los trata como basura mientras van muriendo uno por uno sin siquiera comer e irremediablemente el tipo duro cedera poco a poco para formar un vinculo con ellos aunque sepa cual va a ser su final, mientras los alemanes que estan formados por los usuales caracteres diferentes luchan por sobrevivir, roban para comer, se rehúsan a morir y sueñan con volver a su pais para ver a sus familias, reconstruirlo o formar su propia empresa aunque en el fondo saben que volver es imposible y solo les queda una salida.

Al final la cinta si resulta demasiado convencional pero la fuerza de las imagenes que pone Zandvliet no puede negarse, al igual que el ritmo, el manejo del reparto donde todos los jovenes realizan un trabajo impecable; Louis Hofmann, Joel Basman, Oskar Bökelmann, Emil Belton, Oskar Belton, etc., y en especial los momentos de suspenso y tensión donde hasta nosotros tememos que nos explote la mina en cara y nos sudan las manos al verlos desarmar las bombas, el sonido es impecable y eso nos sumerge en la escena, ademas no se sabe quien morirá, nunca se nos avisa desde antes, la muerte llega de forma súbita justo como en la vida real y por eso es mas chocante, la banda sonora cumple bien y los trabajos técnicos con impecables, las relaciones estan bien construidas y el villano cumple la función, lastima que el final sea tan resulton, aunque como bien apunta en los extras, es una libertad que se toma porque la realidad es que no dejaron escapar a nadie, de hecho solo encontró una persona que sobrevivió y ademas la dolorosa marcha de la muerte era lo que se hacia desde el inicio, quizá una película mas real habría sido mejor pero aun asi esta no resulta chantajistas y eso se agradece.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Cliente

EL CLIENTE (FORUSHANDE, IRÁN, 2016)

La cinta comienza con un magnifico plano secuencia que nos muestra como los inquilinos de un edificio de departamentos tienen que salir apresuradamente a mitad de la noche porque los trabajos que estan haciendo a un lado estan tumbando el edificio, Emad (Shahab Hosseini, muy bien) se regresa y deja sola a su mujer Rana (Taraneh Alidoosti, bastante bien) para ayudar a una persona que no puede valerse por si misma y al final la cámara toma a las excavadoras y el cristal se va cuarteando, desde aquí el director nos explica el tema de la cinta donde el marido Emad intenta ser un ciudadano ejemplar por encima de la relación con su esposa que desde entonces empieza a mostrar unas grietas que ya nunca podrán repararse y que inevitablemente quebraran la relación. Estos dos actores estan representando una obra basada en el libro "La Muerte de un Vendedor" de Arthur Miller que juega como representación de la propia vida que estan viviendo los protagonistas donde el protagonista es humillado de manera cada vez mas insistente y se vuelve mas patético.

El director Asghar Farhadi escribe un guion muy inteligente que logra tocar nuestras fibras mas sensibles con apenas diálogos, pocas palabras pero precisas y dolorosas, con un reparto que con miradas y gestos trasmiten todo lo necesario, con apenas aspavientos para mostrar como se va desmoronando el matrimonio de una pareja aparentemente estable que con un empujón saca lo peor de cada uno y donde la sociedad juega un papel muy importante. La pareja busca alojamiento y para fortuna (o quizá no) un amigo les consigue rápidamente un departamento pero al llegar las cosas de la inquilina siguen ahi y tampoco va por ellas, de forma inmediata se enteran que la persona que vivía ahi no era del agrado de los vecinos por su trabajo, una noche cuando Emad se queda en el teatro alguien toca el timbre, Rana da por hecho que se trata de su esposo y lo deja pasar y hasta deja la puerta entreabierta, en la siguiente escena Emad encuentra sangre en las escaleras, la puerta abierta y mas sangre, en el hospital su esposa esta siendo atendida de un golpe en la cabeza.

A la mañana siguiente los dos toman posturas diferentes frente al ataque, Rana no quiere hablar de ello ni que acudan a la policía, quiere olvidarle, en tanto que Emad quiere justicia y retribución, el tipo acepta los deseos de su mujer pero esta lo aleja cada vez mas y no olvida el trauma, en tanto los vecinos y compañeros de trabajo hacen comentarios insidiosos sobre la justicia y la venganza que deberían de tomar o que incluso ellos tomarían si pudieran, la hombría de Emad queda en entredicho y el tipo se obliga a buscar al tipo que se aprovecho y golpeo a su mujer, usando la camionera olvidada, escuchando los mensajes que llegan de los clientes, descubriendo que sus amigos y compañeros tienen otra vida no tan honorable, y perdiendo la calma poco a poco, algo que queda patente mostrando su forma de ser como maestro, Emad es humillado (como su personaje en la obra) cada vez mas por su mujer, por sus vecinos, por sus amigos y con ello su patetismo es mas evidente, uno que podrá regresarse cuando descubra quien es el culpable aunque ello lo haga quedar en un dilema moral al igual que nosotros en un teatralizado final que funciona para mostrarnos la mezquindad y la debilidad humana.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Los Duelistas

LOS DUELISTAS (THE DUELLIST, REINO UNIDO, 1977)

El primer largometraje de Ridley Scott es una notable muestra de cine en estado puro, sin aspavientos ni discursos simplemente contar una historia de la mejor manera posible y aqui el director daba en el clavo con su talentoso tratamiento cinematográfico de imagen, con una historia que ademas no es tan simple como parece y que viniendo de una relato de Joseph Conrad basado en una historia real tiene muchas mas capas de lo que pareciera en un principio, Gerald Vaughan-Hughes mantiene la historia sencilla y de esta manera la cinta logra una conjunción estupenda entre imagen, sonido e historia, con una premisa tan sencilla como un par de tenientes del ejercito napoleónico que se baten a duelo múltiples veces a través de mas de quince años, desde el inicio Scott nos deleita con una locación hermosa, un diseño de producción soberbio y una fotografía exquisita casi como si estuviéramos viendo una pintura clásica, y en medio de todo esto dos hombres se baten en duelo, uno que ademas esta coreografiado y grabado de manera perfecta.

Obviamente tiene que haber un ganador y al momento siguiente vemos a un general de Napoleon molesto, que envia al teniente de húsares Armand d'Hubert (Keith Carradine, excelente) por Gabriel Feraud (Harvey Keitel, soberbio) que hirió gravemente al sobrino del alcalde, una decision de la que se arrepentirá d¨Hubert ya que despues de no encontrarlo en su casa se pasa por la fiesta de una dama aristócrata y esto es suficiente para que Feraud lo rete a duelo terminando todo con una herida de Feraud y la esposa de este defendiéndolo, a partir de este momento y sin saber porque d'Hubert sera perseguido sin descanso por Feraud que nunca estará contento hasta que logre su cometido, nadie sabe porque se estan liando a duelo, de hecho nosotros tampoco lo tenemos claro en una inteligente decisión de Scott que lo deja abierto.

Y es que no hay explicación que funcione, simplemente es la empresa que se autoimpone el testarudo y obsesionado Feraud que solo concibe su vida con duelos, apuestas, honor y la lealtad a Napoleon, un hombre que esta muerto por dentro a pesar de ser poderoso por fuera y que persigue a otro hombre al que quiere matar solo porque si, quizá porque ese hombre romántico que busca algo mas en la vida y que es feliz con lo que se le concede en ese momento es lo que mas odia, lo que desea, o simplemente es un hombre que quiere terminar lo que comenzó con una terquedad que va mas alla de lo humano, eso es algo que d´Hubert tampoco conoce y que sufrirá tratando de rehuir al no comprender que busca su oponente, pero este solo trata de no tener duelos innecesarios donde ademas se juega la vida porque si pero su honor y manera de ver la vida no le permite darse el lujo de no luchar, lo hace siempre en búsqueda de retribución y honor.

De hecho con el paso del tiempo d'Hubert tambien se obsesiona con los duelos, despues de que Feraud lo busca para el segundo y recibe una estocada de espada obligandolo a quedarse en suelo si no quiere morir el teniente se pone a practicar dejando de lado a su querida Laura (Diana Quick) y absorbiendo algo de la obsesión de su contrincante, subir de rango tampoco y la guerra tampoco le servirán porque Feraud lo sigue siempre, lo encuentra en todos lados, tiene lacayos que lo guían y el destino, ese cruel destino pareciera que siempre los pone en el momento justo, el tercer duelo es a sables en algún granero donde se pelea a muerte con todo hasta que ambos desfallecen, años despues llega el cuarto a caballo con resultados sorprendentes, en plena guerra perdida casi se da otro en Rusia con el ejercito destruido.

d'Hubert se recupera de sus heridas de guerra con su hermana que no duda en hacerla de casamentera y unirlo a la joven y bella Adele (preciosa, Cristina Raines) aun con las reticencias del soldado, por supuesto que el destino le juega otra pasada y a pesar de haberle salvado la vida tiene que tener un quinto duelo con Feraud a pistolas en unas hermosas y enigmáticas ruinas donde se juega al gato y al ratón y termina con una frase lapidaria no de muerte pero si de castigo ""siempre me has tenido pendiente de tí. Durante 15 años. No volveré a hacer jamás lo que me pidas. Por todas las reglas de combate tu vida desde este momento me pertenece. Simplemente te declaro muerto. Me he sometido a tus llamadas de honor durante largo tiempo. Ahora tú te someterás a la mía." Sorprendente final que nos regala una postal de pintura donde el pecador comienza su penitencia, toda la fotografía es pintura en movimiento, la portentosa banda sonora de Howard Blake es perfecta y nos sumerge en la cinta, el diseño es estupendo y el vestuario es de los mejores que he visto en mi vida, una obra mayor de Scott.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Culto a Chucky

CULTO A CHUCKY (CULT OF CHUCKY, EU, 2017)

No entiendo el porque del odio a las nuevas peliculas de Chucky, pareciera que los fanaticos quieren que se siguieran haciendo la segunda cinta siempre, la primera es irrepetible porque tiene un juego psicologico que ya no puede repetirse, la segunda intenta emular la primera y aburre en lapsos, quiza por ello se decidio tomar otro rumbo y hacer la saga mas desmadrosa, algo que ya se apuntaba desde la creacion del personaje con esos chascarrillos, la mala leche y los comentarios politicamente incorrectos, Don Mancini guionista de toda la serie y tambien director de las ultimas tres se ha decantado mas por este rumbo pero sin abandonar el otro, algo que ya habia retomado en la pelicula anterior, y que esta vez juega con ambas cosas, el desternillante humor de la quinta y el terror de la sexta. Un adulto Andy (Alex Vincent) es perseguido por su pasado en una cita que termina mal, llega a su casa donde tiene la cabeza de Chucky (voz de Brad Dourif, excelente) y lo tortura al tiempo que el muñeco se burla de el.

Con esto se nos revela que la escena postcreditos es real y que Chucky si intento ir por Andy y fallo, tambien la otra es real para sorpresa de muchos incluyendome, mientras tanto Nica (Fiona Dourif, bastante bien) esta en el manicomio sufriendo electrochoques por parte de el maquiavelico Dr. Foley (Michael Therriault) quien la convence de que ella es culpable y sufre locura, es trasladada a otro hospital donde puede recibir visitas, se entera de que su querida sobrina fallecio y recibe un muñeco Chucky de regalo por parte de Tiffany (Jennifer Tilly, bien) que se suma al que usa el Dr. para la terapia y donde solo Nica piensa que el muñeco viene a causar problemas, y ahora pudiendo cambiarse de lugar con el otro, nadie le cree pero los asesinatos comienza a sucederse, casualidad, accidentes y despues obvios asesinatos donde todos van cayendo mientras Foley piensa que Nica es la posible culpable aunque nosotros y la pobre chica sepamos la verdad.

De aquí pues ya sabemos, la desesperación de Nica, el muñeco aprovechándose de la mente de los que puede, si antes eran niños ahora son locos, tomando eso en cuenta el director y guionista Don Mancini toma una decisión inteligente al usar un manicomio con todos esos locos que pueden ser usados de distintas maneras y que dan una sensación enfermiza que siempre aporta, con los escenarios limpios y minimalistas que logran que cuando aparezca el muñeco se haga notar, aunado a eso es muy buena la decisión de volver a usar solo animatronic ya que lo hacen ver mas real y es el Chucky de toda la vida, y de nuevo se agradece la mala leche de Mancini que aun en esta difícil epoca no tiene miedo y se mofa de las correcciones políticas haciendo chistes racistas o de locos sin inmutarse, como muestra cuando Chucky platica con la loca esquizofrenica, hilarante y graciosisima, y de estas hay muchas, cada que aparece uno no puede mas que reirse a carcajadas de este psicópata que como el mismo apunta es un enfermo pero de forma graciosa, la fotografía es limpia, la banda sonora es buena y rescata temas clásicos actualizándolos, mención especial a esa escena antologica de Chucky triunfante. Por lo demas no se puede descubrir mas de la cinta sin afectar su visionado, algunos sorpresas que explican el final de la cinta anterior, quizá el unico detalle es que se pudo haber jugado mas con esta vuelta de tuerca pero es una gran adición que deja todo abierto para una ya deseada secuela.

Calificación: Bien

Cinecritica: Perfect Blue

PERFECT BLUE (PAFEKUTO BURU, JAPON, 1997)

Desde el inicio Satoshi Kon nos da una muestra de su talento mostrándonos a los personajes en poco tiempo y dando una presentación perfecta de su protagonista, estamos en un evento donde se presenta una especie de rangers tan queridos en Japon mientras los niños se quejan y los adolescentes intelectuales estan esperando la presentación del grupo de j-idols Cham! con el rumor de que la mas popular del trió, la líder, Mima Kirigoe (voz de Junko Iwao) esta a punto anunciar su retiro del grupo para convertirse en actriz, al ir tras bambalinas somos testigos de los nervios que sufren las chicas, los apuros y la magia cuando salen al escenario donde iluminan todo y el publico explota en aplausos, añadir que la mayoria de los fanáticos son hombres ya maduros lo que muestra de manera perfecta los que siguen a estos grupos y lo que significa para la sociedad japonesa, mientras el grupo canta "Angel of Love" el director nos muestra lo que sucede en la vida de Mima, su normal vida cotidiana viajando en metro, haciendo las compras y llegando a casa en bicicleta, la oportunidad para volverse actriz, una profesión mas estimada y duradera, y todo esto con una maestría impresionante por parte de Kon que hace unas transiciones naturales y fluidas.

Ademas vemos a un extraño tipo que trabaja como guardia que mira a Mima con un  ademan con la mano que nos indica de manera perfecta como es la relación de el con su idol, o mas específicamente como lo entiende él, unos chicos estan haciendo destrozos y el tipo va a defender a Mima y las cosas se ponen tensas solo para terminar con un reclamo de la idol que se despide de sus fans con la hermosa canción "Cherish These Memories, de esta manera termina la introducción, una donde Kon nos adentra en su mundo con una animación fluida que ademas presume de una sensación cinematográfica, como si una cámara estuviera grabando la animación algo que se nota con Cham! cantando y esa cámara en movimiento siempre en el lugar correcto, algo que no parece tener sentido ya que es animación pero Kon logra dar esa sensación y hacer muy delgada la linea entre esta y los actores reales, ademas la animación para su tiempo es soberbia mas alla de algunos diseños de personajes sencillos cuando son muchos en cuadro, pero el diseño de la mayoria es exquisito, desde la fantástica Mima de la que estoy enamorado hasta el sombrío Me-Mania (voz de Masaaki Osuka) o la realista Rumi (voz de Rica Matsumoto).

Por otro lado cuando son impersonales siempre van de acuerdo a lo que en ese momento nos quiere contar el director, ya sea porque solo son fanáticos sin peso o porque representan un castigo para la protagonista, volviendo a la cinta alguien le dice a Mima que siempre ve "La habitación de Mima", algo que no entiende la joven que vive sola con muñecos y sus peces en un pequeño departamento que parece habitada por una niña o una adolescente, su madre esta al pendiente de ella y no entiende porque dejo el grupo, en eso Mima recibe un fax que la tacha de traidora, al día siguiente en su debut como actriz en una serie de thriller llamada "Double Bing" una carta bomba daña al jefe de la agencia, pero tanto él como su representante Rumi no quieren darle mucha atención, Mima compra una computadora y entra en la dirección web de la habitación de Mima y se asusta al darse cuenta de que la persona que escribe ahí su diario personal sabe demasiado de ella, en tanto en su vida profesional la agencia la pone en charola de plata con tal de que tenga mas protagonismo en la serie y no solo tres escenas.

El chico que causo problemas en su ultimo concierto fue atacado y esta delicado, el grupo Cham! esta teniendo mas éxito que nunca y el acosador esta en todos lados, con todo esto la chica cede ante la presión y graba una escena de violación que resulta muy molesta a pesar de ser animación y fingida, es decir grabada, al final terminamos pensado lo mismo que Mima, que ha sido ultrajada y que las circunstancias la estan llevando a su peor pesadilla, por si fuera poco empieza a verse a si misma, su alter ego Mima como Idol que le recrimina su nueva imagen y se burla de ella y su agredida moral, los fanáticos también estan enojados con ella que se ha alejado de la imagen idol que en Japón representan a la hija perfecta, la hermana perfecta y la novia perfecta, con todo ello es obvio que la presión para Mima la esta rebasando y su mente esta jugando con ella, se le suma que el guionista de serie es asesinado violentamente en un ascensor y con "Angel of Love" de fondo en una escena genial. 

La agencia sigue lucrando con el morbo de una ex idol con fotografías de desnudos y Mima empieza a tener alucinaciones, sueños y pesadillas al mismo tiempo que confunde la realidad con la fantasía, el fotógrafo también es asesinado y Mima empieza a sospechar que ella es la culpable, que su otra personalidad ha tomado control de su cuerpo y mas con una evidencia contundente en sus manos, es aquí cuando la cinta entra en su recta final con una Mima perdida y con el acosador entrando en escena regalándonos una revelación final soberbia que da paso a un clímax magnifico y una imagen final de antología que cierra la película de manera perfecta, con la preciosa canción "Season" de fondo. Un thriller psicológico de terror que es sumamente inteligente y que nunca se ve venir, donde nos encontramos tan perdidos como la protagonista y donde el director Satoshi Kon juega con tres escenarios, el real, el de las alucinaciones y el de la serie que estan grabando, siempre de manera estupenda y confundiéndonos aunque siempre sabemos que ocurre, pero me refiero a que si nos dejamos llevar en este viaje paralelo a los infiernos de Mima encontramos un extravagante placer que nos hace rompernos la cabeza y comernos las uñas.

Con un final que nunca se ve venir y una animación magnifica que se acopla al estilo de la cinta, con una banda sonora que es soberbia,  desde los temas de grupo Idol que son inocentes pero siempre usados de manera adecuada en la historia, imposible oír "Angel of Love" sin recordar un ascensor o "Season" sin esa sonrisa y ultima frase perfecta, pero los temas que acompañan a la cinta como "Virtua Mima" o "Nightmare" son extraordinarios y logran que uno se sumerja y se le enchine la piel al escucharlos. Se le critica que es muy violenta y sádica pero de otra manera no se podría entender la cinta, como entender el rencor hacia el fotógrafo si no se le asesina de manera tan sádica, o muy sexual para ser un anime, y aquí es increíble ya que Satoshi Kon nos hace sentir incómodos solo con sugerir una escena grabada, algo crucial para la historia que si es cierto muestra el descubrimiento sexual de Mima, algo importante ya que como idol lo tenia prohibido.

Las alucinaciones que tiene Mima, los juegos de sueños, realidad y fantasía son tratados de manera perfecta por el director que nunca pone nada de manera gratuita, la cinta apenas dura una hora veinte con una historia tan compleja y profunda que en occidente duraría tres horas, una felicitación para Kon que ademas hilvana una obra mayor que es una secuencia de escenas memorables una tras otra sin traicionar nunca el hilo conductor, un director que se fue pronto y que no pudo seguir haciendo obras mayores de donde han tomado "ideas" Nolan y Aronosfky junto a otros directores que son mas admirados y conocidos, por ahi "Requiem por un Sueño", "Inception" y "Black Swan" por poner ejemplos. Una obra mayor que deberíamos de darnos el tiempo de revisar y dejar los prejuicios del anime y solo disfrutar de cine inteligente en estado puro, en especial cuando es tan bueno como el de Satoshi Kon.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell: Vigilante del Futuro

GHOST IN THE SHELL: VIGILANTE DEL FUTURO (GHOST IN THE SHELL, EU, 2017)

Vamos a lo primero, soy un ferviente admirador y fanático de la saga "Ghost in the Shell", en especial el diptico soberbio de Mamoru Oshii pero no soy un ridiculo que busca lo políticamente correcto como la mayoria de las personas que alegan que la protagonista debe ser asiática (en todo caso deberian alegar japonesa pero bueeh) como en la original, ni me molesta ni me incomoda ya que a pesar del nombre el mundo que nos presenta la saga no se basa en eso, y ver a Scarlett Johansson siempre es un placer y mas con un traje entallado, por otro lado tenemos el detalle de la comparación con la original, no debe de hacerse y es un error, siempre debe de tratarse al producto de forma independiente pero obviamente es complicado y mas cuando estamos hablando de una obra del alcance de "Ghost in the Shell".

Se nota que los guionistas vieron todas las obras de ghost in the shell ya que intentan tomar elementos de las cintas de Oshii y de la saga Stand Alone Complex, de mas esta decir que solo estan de relleno ya que al final ni siquiera tienen que ver con su historia principal, lo mismo va para las escenas iconicas que aquí son metidas con calzador como pretexto de tenerlas en live action con muchísimo menos estilo y excesivo uso del slow motion, nada que ver la loca iracunda de la mayor aqui con la perfección estoica del fin de la escena del agua en el anime, creo que ya deje en claro que la cinta no tiene nada que ver con la fuente clásica y que no es digna ni de llamarse asi, y ademas el mundo se parece mas a la publicidad tecnologica excesiva de "Blade Runner" que al futuro sombrío de "Ghost in the Shell", ahora veamos lo que nos ofrece la cinta en si, la mayor Mira Killian (Scarlett Johansson, siempre hermosa pero queriendo moverse como robot cuando nada que ver...) es un cyborg que trabaja en la sección nueve y se enfrentan con un hacker que esta asesinando a ciertas personas.

Cuando se tope con él maloso (Michael Pitt) resulta que ya la conocía y que los recuerdos que la atormentan no son fallos de programación sino recuerdos reales que su mama científica adoptiva (Juliette Binoche correteando la chuleta) no quiere que sepa porque son la clave de quien era antes y lo mala que es la corporación que la creo y que controla parte del mercado, el problema es que los malos son malos malosos y el gobierno ni inmiscuido esta, es solo un tipo codicioso que a las primeras de cambio pueden matar, todo lo demas en la trama es un despropósito sin sentido que incluso contradice la fuente original, con temas de individualidad, el conocerse a uno mismo, la identidad y etc, contradiciendo siempre a la cinta original y con ese final de pena ajena donde resulta que si es Motoko Kusanagi pero la metieron en un cuerpo caucásico y ademas antes era "activista contra la tecnología", háganme el recrabon favor, lo mejor de la cinta sin duda Takeshi Kitano como el jefe Aramaki, el que mas se parece a la fuente original pero dejando de lado eso el que tiene la mejor escena por mucho, unos matones van a liquidarlo y los elimina mientras la cámara lo toma siempre estática y primero de arriba para que al ultimo escupa "no manden a unos conejos a hacer el trabajo de un zorro" hasta juraría que el escribió y filmo esta escena, ah y también es valiosa la canción original en los créditos. 

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Blade Runner

BLADE RUNNER (IDEM, EU, 1982)

En un futuro donde el cielo siempre es obscuro y la gris lluvia es perpetua, donde la publicidad neón esta en todos lados ocultando la miseria que esta en tierra el Blade Runner Rick Deckard (Harrison Ford, muy bien) se ve obligado a perseguir a los nexus 6, las maquinas casi humanas llamadas replicantes por un mundo multicultural, mientras estos ansían la vida o quizá solo temen a la muerte, de esta manera comienza una de las mejores películas de la historia del cine, una obra maestra que nos recuerda la maravilla que es el cine y nos regresa la humanidad alimentándonos el alma, ¿que se puede decir que le haga valor a esta magnifica obra? el tercer largometraje de Ridley Scott estuvo lleno de problemas durante toda la producción pero esto no se nota en pantalla, la presión y las libertades de algunos regalaron algunos momentos memorables de la cinta, volviendo a la cinta esta comienza con las grandes industrias dominando el firmamento, grandes llamaradas asoman por encima de un mundo gris e industrializado y un ojo es testigo de ello.

Deckard esta en la calle leyendo el periódico y comiendo cuando la policía lo lleva con el jefe Bryant (M. Emmet Walsh) quien lo obliga a cazar a cuatro replicantes que mataron y huyeron, el perfecto Roy Batty (Rutger Hauer, perfecto), la peligrosa Zhora (Joanna Cassidy, adecuadamente sexy y ruda), la preciosa y dulce Pris (una excelente Daryl Hannah con una belleza atemporal) y el grandulon Leon (Brion James, bien) que ya se cargo al blade runner Holden (Morgan Paull), el es el mejor y por ello deben sacarlo del retiro por mas que tengan al eficiente y enigmatico Gaff (Edward James Olmos, muy bien), el divorciado asesino no tiene mas que ponerse a investigar y conoce al padre de los nexus, el megalomaniaco Dr. Eldon Tyrell (Joe Turkel, bastante bien) y a su impresionante replicante Rachael (Sean Young, magnifica) que soporta de manera impensable la prueba Voight-Kampff.

Esto molesta de alguna manera a Deckard, la razón de porque son tan humanos es que les estan implantando recuerdos, ellos ni siquiera saben lo que son, o por lo menos la hermosa Rachael no lo sabia y todavía se resiste a aceptarlo ¿como aceptar que no es real? y que ademas morirá en poco tiempo, porque los replicantes viven cuando mucho cuatro años, una condena a muerte que los asecha sin piedad. Seguimos por un lado a Deckard en su investigación, la visita al hotel donde se quedaban los replicantes, recabar pistas, buscar y encontrar, ser observador, hacer preguntas por las calles, amenazar a quien necesite y meterse en clubes de dudosa moral con tal de obtener respuestas. La cinta tiene una segunda linea igual de interesante en la que vemos el esfuerzo de los replicantes por obtener lo que desean.

Buscan a los que tengan relación con su creación, interrogan, amenazan, analizan, ya sea a un pobre diablo chino (James Hong) que diseña sus ojos, o el genio genético J.K. Sebastian (William Sanderson, bastante bien) que no puede mas que admirar a estos seres arios que representan la perfección del ser humano, una lectura que es tan asombrosa como puede ser polémica. Blade Runner es ciencia ficción pura, con preguntas existencialistas y una mirada al futuro sin olvidar el pasado pero también bebe del cine y la novela negras, con un protagonista de dudosa moral, una femme fattale, y ese sentimiento de fatalidad en todo momento, el hecho de que Deckard es un solitario es una muestra clara y ademas le reconozco a Scott seguir la misma valiosa critica social que en su anterior obra maestra "Alien", la critica a las corporaciones que aqui son todopoderosas y omnipresentes en una sociedad de miseria que apenas sobrevive en tierra y donde el que no roba se aprovecha del otro.

Esto nos lleva a replantearnos la situacion de la humanidad, aquí todos son fríos, insensibles e indiferentes, pueden ver que asesinen a una mujer por la espalda y ni siquiera tienen reacción, son casi maquinas, justo como el presente que nos alcanzo, en tanto el gobierno es opresor, lo que queda claro cuando le exigen al protagonista un permiso para estar en tierra, o al obligarlo, con la policía sobrevolando a los que debe proteger y esas luces inalcanzables que parecen ojos en todo momento y en todo lugar. Pero esto no es lo mas importante en esta obra donde la lluvia cae sin descanso y la paleta de colores cambia dependiendo la situacion ayudándose de esa publicidad invasiva, con un diseño de producción y unas locaciones excelsas que son ayudadas por unos efectos especiales que siguen manteniéndose vigentes, un sonido que nos immerse en el lugar, una fotografía excelsa de Jordan Cronenweth y una banda sonora magnifica de Vangelis.

Lo vital en esta película es la búsqueda de humanidad por parte de los replicantes, unos seres que solo desean un poco mas de vida, no es que quieran ser inmortales, es que tienen miedo a la muerte, la ingeniería genética y el síndrome de frankenstein marcan esta obra, a un Roy con el tiempo en contra pero manteniendo la calma con tal de lograr su cometido, un tipo que se acepto líder del grupo y que llora y sufre cada perdida que tiene, que busca a su creador por hibris, necesita vivir mas tiempo, que le expliquen porque no se puede, o por lo menos a que demonios vino a este mundo, a final de cuentas no es lo que todos deseamos en lo mas profundo de nuestro ser, por ello Roy es el personaje mas importante, o por lo menos mi favorito, su busca mas alla de los limites, la búsqueda de su creador y el miedo en el que vive inmerso lo empujan mas alla.

Mención aparte para la fastuosa escena de Roy con su padre, con su dios, al que ama y odia, y que solo haya una manera de pagarle, de ese enfrentamiento final con Deckard donde pide mas tiempo y que al final desperdicia con una decisión incomprensible, por lo menos para nosotros, para el es claro, He visto cosas que los humanos ni se imaginan: naves de ataque incendiándose más allá del hombro de Orión. He visto rayos C centellando en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas... en la lluvia. Es hora... de morir. Justo por ello me gusta mas la versión con voz en off, por las palabras que siguen por parte de Deckard, porque despues llega las lapidarias palabras de Gaff que culminan con ese origami, muestra de inocencia y esperanza, porque el amor a la vida es lo que predomina sin importar que nos queden cien años o un segundo, a final de cuentas ¿quien lo sabe?

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell: Solid State Society

GHOST IN THE SHELL: SOLID STATE SOCIETY (KOKAKU KIDOTAI: STAND ALONE COMPLEX SOLID STATE SOCIETY, JAPON, 2006)

La ultima parte de la serie Stand Alone Complex sigue la curva descendente que ha tenido la serie dejando de lado los temas filosóficos para enfocarse únicamente en el político policíaco, el problema es que si desde la cinta anterior se abandonaba el thriller muy rápido esta lo hace de manera mas rápida y nos regala un final que supone una vuelta de tuerca sorpresiva pero que parece mas un truco sacado de hollywood que otra cosa, sin sentido y sencillamente tramposa, algo que el director y guionista Kenji Kamiyama se saco de la manga porque estaba consciente de lo débil del guion. Con una Motoko que ha renunciado a su cargo desde hace dos años y un Batou que solo trabaja en los casos que el desea la sección nueve se ve obligada a contratar personal que resulta prescindible para la trama porque cuando el "titiritero" aparezca y las personas prefieran suicidarse a enfrentarlo Togusa y Batou se verán obligados a unir fuerzas.

Aunque la mayor aparece muy rápido con diferentes cuerpos prestados haciendo su propia investigación, el solid state society del titulo que tiene que ver con la desaparición de muchos pequeños sin que nadie lo note y que al parecer van adoptados con los ancianos del país para preservar una raza pura que tenga la fuerza necesaria para llevar al país a un gran futuro, la accion no es tan buena como en las entregas anteriores pero la investigación de Togusa cumple bien su cometido llevándolo al ultimo a tomar una decisión limite, el problema es que el final como apunte antes es tramposo aunque no deja de ser una idea interesante que Kamiyama no condene totalmente la idea de preservación y nacionalismo, algo que en la segunda parte pareciera tomar la parte contraria.

Quizá eso es lo mas interesante de la saga, que no dice respuestas, solo plantea preguntas, por otro lado la animación cumple y los diseños estan bien logrados, lastima que los nuevos personajes solo estorben, y ademas algunos secundarios ganan protagonismo como Saito e Ishikawa frente a la poca aparición de la legendaria Motoko Kusanagi, la banda sonora cumple y creo que en general lo hace en toda la saga, con algunas buenas canciones que son muy buenas, pero el problema es que uno en automático compara con Kawai pero dejando eso de lado lo hace bien, me parece que es un buen cierre porque se poco a poco se ha ido desinflando y era difícil mantener un nivel tan grande.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex 2nd GiG - Individual Eleven

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX 2ND GIG - INDIVIDUAL ELEVEN (KOUKAKU KIDOUTAI S.A.C. 2ND GIG INDIVIDUAL ELEVEN, JAPON, 2006)

Los once individualistas son detenidos por la sección nueve pero amenazan que alguien los reemplazara, helicópteros hackeados por los mismos, muchos suicidios hasta coreografiados, y el enigmático Kuze que parecía formar parte de ellos pero que ahora juega del otro bando, que ademas posee un cuerpo sintético con una resolución indetenible, por otro lado el todavía mas enigmático Kazundo Goda, in tipo desfigurado que maneja todo a su conveniencia y que siempre va un paso adelante que los demas, mientras la primer ministro empieza a confiar plenamente en Aramaki para que descubra y saque los trapos sucios al sol, el pasado de Kuze es un respiro dentro de tanta accion pero de inmediato volvemos a la accion que desde el inicio de la cinta no se detiene.

A partir de entonces la trama se comienza a enredar de manera compleja pero nunca se traiciona hasta que llega al clímax final con un enrevesado plan que se alarga en demasía pero que no pierde fuerza con dos bandos con planes propios y donde nos enteramos de los movimientos como si fuera una partida de ajedrez, y por supuesto con el tercero en discordia que nos muestra que Japón sigue teniendo miedo y es celoso de lo que quieren hacer con ellos los norteamericanos y las naciones unidas al considerarlos un país de segunda o prescindible, también se usa la trama tecnológica pero es demasiado engorroso decir mas detalles, eso si, el final con las tachikomas de nuevo mete los dilemas morales en primer plano, los simbolismos de las manzanas y de la cruz que carga Batou buscando a Motoko como si cargara con la culpa, con escenas de accion en todo momento y una trama política siempre cambiante.

Por el lado malo la animación todavía sufre bajones, la banda sonora si demerita un poco, comparada con la cinta anterior usa mas canciones y algunas veces las tonadas tratan de imponer el sentimiento en lugar de seguirlo, solo en contadas ocasiones pero molesta algo que es mas propio del cine gringo, el crecimiento de los personajes, las personalidades, los villanos, la ambigüedad de los personajes y hasta el agridulce final, todo eso funciona bien y es un logro de Kenji Kamiyama que mantenga esta calidad, no alcanza las cuotas de el hombre que ríe pero aun asi resulta recomendable y lo de las tachikomas siguen siendo tan adorables y graciosas como en la cinta anterior y por ello su desenlace es tan sentimental como había sucedido antes.

Calificación: Bien

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - El Hombre que Rie

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX -  EL HOMBRE QUE RÍE (KOUKAKU KIDOUTAI STAND ALONE COMPLEX THE LAUGHING MAN, JAPON, 2005)

Después de ver las dos excelentes películas de Mamoru Oshii y escuchando los buenos comentarios de esta saga que funciona como otra extensión del manga de Masamune Shirow, esta cinta es un resumen de la serie que nos cuenta la trama del hombre que ríe del titulo lo que nos lleva a que la trama sea igual de densa que las películas pero con un ritmo mucho mas vertiginoso donde perder un detalle causa que despues se pierda el hilo, pero la cinta recompensa de sobremanera al espectador interesado con una trama inteligente que nos regala sorpresas y también preguntas existencialistas y de comportamiento humano. El hombre que ríe aparece justo despues de presentarnos a los protagonistas en una escena de accion con geishas asesinas, aquí de nuevo el protagonismo es para la mayor Motoko Kusanagi que sigue manteniendo en cierta forma el carácter solitario y practico, el hombre que rie hackea de manera increíble a todas las cámaras y los cerebros que tengan ciberimplantes por lo que nadie conoce su cara y maneja a los demas a placer.

Años antes ya había aparecido secuestrando al dueño de una importante compañía donde se vio obligado a escapar, Togusa es el encargado de la investigación ya que un policía lo contacto al descubrir unas fotografías pero murió en un extraño accidente, Togusa descubre lo que encubren estas y debido a eso las autoridades deben dar la cara y es cuando el hombre que ríe ataca de nuevo, algunos ataques despues Togusa va de encubierto a un lugar donde se tratan a las personas que sufren síndrome de cerramiento de cibercerebro y descubre algo raro que lo lleva a una empresa que descubrió la verdad detrás del síndrome, una terrible que involucra a la organización de salud, al gobierno y a muchas empresas en detrimento de un hombre de ciencia, a partir de entonces Motoko toma la batuta con algunos enfrentamientos muy bien mostrados, emocionantes y violentos hasta la resolución del misterio.

Solo que el director y escritor Kenji Kamiyama es muy pesimista y no permite que los villanos se rindan tan fácil ni deja la historia abierta, el gobierno ataca a la sección 9 lo que da paso al mensaje religioso y filosófico de la obra con los tachikomas y sus sacrificios y el tramo final donde el tema filosófico se torna mas denso y complejo con el hombre que ríe donde las citas ahora si saltan a cada momento dejando de lado el thriller policíaco que era hasta entonces, y por supuesto el complejo de autosuficiencia que forma parte integral de la trama, lastima que la animación no este al nivel de las cintas de Oshii, es buena pero en ciertos momentos tiene bajones, la banda sonora de Yoko Kanno también cumple pero queda muy lejos de Kawai, esto no es malo ya que no es correcto que las compare pero en general si se siente que la producción no esta a la altura de la compleja, enrededada e inteligente trama, una obra diferente pero también muy recomendable.

Calificación: Muy Bien