Cinecritica: Christine

CHRISTINE (ÍDEM, EU, 1983)

El nerd antisocial y fracasado Arnie (Keith Gordon, bastante bien) ahora convertido en un seguro galán rebelde salido de los cincuenta esta destrozado porque unos bastardos abusadores destruyeron a la Christine del titulo, un Plymouth Fury 1958 rojo y blanco, no puede soportarlo pero se da cuenta de que el motor se reparo solo y comprende que su carro es algo mas, se para frente a el y le pide que le muestre, a lo que Christine responde prendiendo sus faros y comenzando a repararse completamente y quedar como si fuera nuevo en una escena increíblemente virtuosa por parte de John Carpenter, esa escena es un resumen de lo que nos da la cinta, técnicamente es perfecta al igual que visualmente, esta escena filmada en la actualidad serian un montón de pixeles computarizados pero en ese año y con Carpenter en estado de gracia los efectos son artesanales y los trucos de cámara y la hidráulica y mecánica nos regalan una escena que ademas de creíble es hermosisima.

Estamos en una fabrica de carros donde los Plymouth estan siendo ensamblados y de fondo la genial "Bad to the Bone" nos indica que debemos esperar, el carro es el unico de color rojo y parece tener vida, algo que deja claro cuando ataca a un empleado y asesina a otro por tratarlo de mala manera, décadas despues conocemos a Arnie, un perdedor sin remedio, y su mejor amigo Dennis (John Stockwell) quien lo lleva a la escuela y lo protege de los matones que lo intimidan, por supuesto que Dennis es muy diferente, parece tener una familia mas relajada, es bien parecido, deportista y las chicas lo persiguen, a excepción de la chica nueva Leigh (Alexandra Paul, sexy) quien es culta, hermosa y manda a todos al diablo, despues de cierto altercado en la escuela que le trae amenazas futuras a Arnie, camino a casa se encuentran con el Plymouth Fury totalmente destartalado, esta en venta y Arnie parece poseído, no duda en comprarlo y ya que no le permiten tenerlo en casa lo lleva a un garaje donde comienza a repararlo y a trabajar para el dueño.

Arnie se obsesiona con el auto y apenas ve a Dennis, su personalidad va cambiando, de ser tímido e inseguro ahora derrocha seguridad, pierde su acné y ya no ocupa los lentes, tanto así que consigue que Leigh sea su novia para sorpresa de Dennis que ante su perplejidad es lastimado gravemente en un juego. Pero la relación entre Arnie y Leigh no es buena, la chica se siente incomoda con el carro, este pareciera estar celoso de ella, los interrumpía cuando se besaban, ponia la radio casi a manera de hablar y finalmente casi muere dentro de Christine, justo despues de esto los matones de la escuela destrozan a Christine lo que vuelve loco a Arnie y es cuando descubre la verdad sobre el carro, tiene vida propia y puede repararse solo, y no solo eso sino que es la causa de su cambio, uno que Arnie ve para mejor, al tiempo los rufianes empiezan a ser asesinados perseguidos por Christine, en esa esplendida escena de persecución tensa y despues en una majestuosa escena donde Christine se deschonga, causa explosiones y se envuelve en fuego. El detective Rudy (Harry Dean Stanton) empieza a investigar pero Arnie siempre tiene coartada, Dennis y Leigh hablan y se dan cuenta de que Arnie a cambiado por la influencia de Christine por lo que deciden acabar con el carro y lo retan a un enfrentamiento final que aunque poderoso y sin rodeos por parte de Carpenter no logra el nivel de las anteriores, eso si, la escena final con ese humor negro y esas ultimas imágenes son de antología.

La cinta esta basada en un libro de Stephen King que ya le otorga una notoria popularidad pero Carpenter le mete muchos de sus pensamientos y con ello le otorga su marca personal, la convierte en una cinta de autor, a pesar de que ni siquiera el lo ve asi ya que la cinta fue casi un encargo, pero sus rasgos estan ahi, la rebeldía hacia la autoridad, el ataque al sistema de vida norteamericano, el protagonismo coral, la tecnología superando al hombre, la maldad imparable, el humor negro, la mala leche, la banda sonora formando parte integra de la historia y no de adorno, la perfección técnica y por supuesto los cambios de los protagonistas que siempre estan en desconfianza con los demas. Ademas la cinta le da voz a Christine tocando la radio siempre la canción exacta para lo que desea decir el carro, y lo más importante, al quitar la idea del espíritu del anterior dueño y dotar al carro de vida desde su nacimiento uno en verdad cree que Christine esta enamorada de Arnie, el automóvil lo usa, lo cambia, lo posee, pero también lo ama, lo cela, lo defiende, y lo venga, es decir le da mucho mas sentido a todo, y la verdad da mucho mas miedo pensar que un auto se enamora y obsesiona contigo que si el anterior dueño lo habita, lastima que el cambio de Arnie se de tan deprisa porque si no estariamos ante una cinta casi redonda que de todas formas es mas que recomendable, muy entretenida, con una banda sonora de antología, con temas inteligentes y con una maestría técnica y artística que solo alguien del talento de John Carpenter puede darnos.

Calificación: Bastante Bien

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Humor

Cinecritica: Cujo

CUJO (CUJO, EU, 1983)

El cargante niño Tad (Danny Pintauro) no puede dormir porque teme a los monstruos que viven en su armario en lo que es el preámbulo, el pequeño Tad como tan seguido sucede con los niños de Stephen King ya sabe lo que se le viene encima, ese monstruo de grandes fauces y colmillos largos es el Cujo que conocerá mas tarde el cual ya nos fue presentado en esa buena introducción donde el juguetón termina mordido por un murciélago, despues conocemos a la familia del pequeño, el amoroso y tranquilo padre de familia perfecto Vic (Daniel Hugh-Kelly) y la madre Donna (Dee Wallace-Stone cargando el peso de la cinta) intranquila y desesperada que apena soporta al pequeño y se porta distante con su marido, algo sucede, se intuye en el ambiente, la familia esta quebrada y ella es la razón, muy pronto se nos muestra que tiene una aventura con el galán del pueblo, un tipo que solo la usa y que la considera otro de sus amores, aunque eso no evita que su orgullo quede destrozado cuando Donna decida terminarlo despues de convencerse de que su marido solo vive para su hijo.

Donna esta viviendo todo eso mientras que al mismo tiempo Vic siente la extrañeza de su mujer y termina confirmando sus sospechas por si mismo, en tanto en la casa donde Vic llevo a arreglar su carro el perro de la familia, el San Bernardo llamado Cujo deja de ser un amor que siempre juega con sus amos, se porta huraño y busca estar solo, esta infectado de rabia y nadie se da cuenta, no le prestan atención, el borracho marido mecánico solo quiere escapar de la familia y hace como que no existen, la mujer esta tan asfixiada que solo busca una excusa para escapar de ese matrimonio, y el niño parece solo tener cariño hacia Cujo y es el unico que se preocupa cuando descubre que esta enfermo, también la única persona que Cujo no ataca, pero despues de presentar a las familias disfuncionales (quizá una muestra del alcohólico King) y el ultimo gesto de bondad de Cujo el infierno se desata con sendos asesinatos hacia dos tipos detestables.

Donna y Tad van a arreglar el otro carro y llegan a la zona de Cujo donde este los ataca sin piedad, el carro no aguanta y la madre y el niño se refugian en el pequeño espacio donde el calor, el hambre, la sed, y el cansancio empiezan a agotarlos, donde cualquier intento de Donna es deshecho por el perro, y donde el suspenso y la tensión llegan al limite, sin duda la mejor parte de la cinta, ademas el marido ya los busca junto a la policía con el amante como sospechoso, lastima que esto no se aborde de buena manera, al final Cujo cobra alguna victima mas y Donna se convierte en una madre sacrificada con un final feliz demasiado fortuito, y uno esperaba mas despues de la sucia parte final que prometía, con buenas tomas, algunas pericias con la cámara y un perro muy bien entrenado, lastima que el director Lewis Teague se decante por lo comercial en lugar de la mala leche.

Calificación: Vale la Pena

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Humor

Cinecritica: Dulces Sueños, Mamá

DULCES SUEÑOS, MAMÁ (ICH SEH, ICH SEH (GOODNIGHT MOMMY, AUSTRIA, 2014)

La cinta de Severin Fiala y Veronica Franz es la otra cara de la moneda de la extraordinaria "Babadook", un cuento que nos adentra en la temática de un drama familiar para sumergirnos en lo mas oscuro de la mente humana, una que aun nos sufre los estragos de la educación, que no ha sido impuesta por un modo de pensar, que se supone no debe tener malos pensamientos, pero los directores con un guion propio nos dicen a la cara que la maldad es algo inherente del ser humano, siempre existe, y la inocencia es mas peligrosa que cualquier otra cosa, despues de todo los niños son mas crueles que nadie porque su misma naturaleza inocente los hace actuar de un modo mas extremista, y la muestra la tenemos en esta cinta donde no se repara en mostrar lo que pueden llegar a hacer unos gemelos que sospechan que su mamá no es su mama.

Lukas y Elias (Lukas y Elias Schwarz, gratamente sorprendentes) son unos hermanos gemelos que viven en una solitaria casa de campo en en las afueras de un pueblo apenas habitado, ahi esperan a su madre mientras pasan los días jugando en el bosque, el lago o alguna cueva, todo es inocencia y juegos, los niños parecen ser perfectamente felices y cuando llegue su madre las cosas solo pueden mejorar, pero esto no es asi ya que la madre (Susanne Wuest, bastante bien) que llega de una operación de rostro se comporta de manera fría, distante y hasta errática, no le presta atención a los pequeños, es autoritaria, malhumorada, y no le presta atención a Lukas pareciera que a causa de un incidente que uno no conoce pero que siente que esta causando toda esa tensión en la casa, uno como espectador lo presiente, rodea a los personajes, los pequeños iran dandose cuenta de pequeños detalles que los hacen dudar de si la mujer que ha llegado con el rostro totalmente vendado a la casa es en realidad su madre.

Cosas que se supone son lógicas o de sentido común y que la madre no recuerda o desconoce siembran nuestra duda y los pequeños cada vez son mas traviesos y curiosos, en tanto la madre cada vez es mas autoritaria, esa lucha por el poder explotara con la fuga de los pequeños que solo dará pie a que estos comiencen un plan increíblemente macabro para demostrar que no es su madre y por supuesto interrogarle sobre donde esta ella, asi lo que era una película de suspenso con planos estéticos, fijos, con un manejo de tiempos, campos y luces cruciales se torna en una cosa completamente diferente, algo que coquetea con el gore de la manera mas macabra posible, primeros planos, la cámara fija en una escena irresistible, sonidos y gemidos fuera de cámara, todo lo que podamos imaginar donde los pequeños liberan su malicia al por mayor.

Lo interesante de esto es que desde el inicio de la cinta intuimos o descubrimos cual es la sorpresa de la cinta, no es algo que se oculte o que se espere como una gran vuelta de tuerca, lo sabemos y lo saben los directores, juegan con ello, la situacion que vive la familia es por causa de un evento que causa un problema postraumatico que uno descubre pero que nunca espera que se desenvuelva de una manera tan enfermiza hacia el final, al final la inocencia y el amor de un niño se convierten en los actos de un demonio que no duda en esbozar una perturbadora sonrisa final donde uno como espectador esta asustado al mismo tiempo que perturbado, una valiosa cinta que sirve como estudio y debate de la perturbadora e implacable naturaleza humana. En conclusión el tema que les interesa a los directores es tan escabroso como significativo.

Calificación: Bastante Bien

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Cinecritica: La Masacre de Texas

LA MASACRE DE TEXAS (THE TEXAS CHAINSAW MASSACRE, EU, 1974)

Un joven llama a la puerta de una casa en medio de la nada en un pequeño pueblo olvidado de Texas, nadie contesta, el lugar se ve vació pero hay indicios de que quizá alguien lo habite, la cámara ve al joven Kirk (William Vail) desde abajo, lo vemos en el umbral donde las sombras de la casa comen la vigorosa luz que viene de fuera, intuimos que algo anda mal y no queremos que entre, los extraños acontecimientos que han ocurrido antes son un mal indicativo, pero el joven se aventura por la necesidad de conseguir combustible, frente a el una escalera, a la izquierda una puerta, mas al fondo una puerta abierta donde se mira un extraño cuarto rojo con una macabra decoración, se escucha un sonido como de puerco que viene de ese lugar, quizá un chillido, Kirk camina hacia la puerta llamando y tropieza un poco casi al llegar, de pronto frente a el aparece un imponente hombre alto y fornido que no tiene una mascara hecha con un rostro real, viste extrañamente, una mezcla entre carnicero y bien vestir, y apenas podemos distinguir todo lo extraño en el cuando vemos que levanta un mazo para matar ganado y lo deja caer con fuerza sobre Kirk, el chico cae al suelo y comienza a retorcerse, el asesino se inclina un poco y da el golpe de gracia con total frialdad, lo mueve y el silencio se hace, con esta majestuosa escena que deja la sangre helada y que de vez en cuando recurre a mis noches se presenta el legendario villano Leatherface (Gunnar Hansen, perfecto).

Esa escena nos muestra la maestría con la que esta filmada la cinta, con un Tobe Hooper en estado de gracia que sabia exactamente lo que quería y como conseguirlo, con un guion de el mismo ayudado por Kim Henkel basado en algunos asesinos seriales Hooper se arriesga con una cinta rompedora en el cine independiente en una epoca en lo que no era normal ver una cinta tan violenta, y no porque sea muy gráfica (que lo es) sino por el factor psicológico que es mucho mas poderoso y da a entender mas que cualquier cinta actual que nos ponga la sangre en primer plano, justamente esa es parte de la grandeza de la cinta, que Hooper no se decanta por siempre mostrar, prefiere sugerir, dar a entender diabolicamente con lo que nuestra cabeza es la que termina por imaginar esas terribles escenas que se vuelven mas poderosas en la mente que cualquier cosa que pudiera mostrar la cámara, en lugar de ver el golpe de frente Hooper prefiere poner la cámara como si nosotros fuéramos el pobre diablo, y el segundo golpe pasa de lejos, casi indistinguible, y por ello mas poderoso.

Desde el inicio cuando el narrador nos advierte que los hechos que estamos a punto de ver son terribles y sobrecogedores sabemos que lo que se viene apunta alto, algunas imágenes macabras acompañan los créditos mientras una voz en la radio nos indica que han profanado algunas tumbas para mutilar los cadáveres y robar por alguna razón esos pedazos, la policia esta investigando sin resultados, Sally (Marilyn Burns, muy bien) y su resentido hermano paralitico Franklin (Paul A. Partain) van al lugar de los hechos para saber si la tumba de su abuelo no ha sido de las afectadas, los acompañan el novio de Sally, Jerry (Allen Danziger), y su amigo Kirk con su novia Pam (Teri McMinn), los chicos preguntan a los lugareños que son de lo mas pintoresco, el típico vaquero rudo, el simpático, el borracho que hace una advertencia cual adivino, los chicos descubren que no hay nada malo y deciden visitar la casa del abuelo, en el camino alguien pide aventon, el tipo (Edwin Neal, adecuadamente sobreactuado) parece un ignorante que habla sobre como el matadero se ha modernizado y antes era mejor, se mataban las reses de forma mas personal, pero actúa cada vez mas raro, toma una foto que intenta cobrar, se corta a si mismo y corta a Franklin, lo echan del carro y enojado pone una extraña marca de sangre en el automóvil.

Los chicos pasan el trago amargo, pero no consiguen gasolina para irse, el tipo (Jim Siedow, bien) de la gasolinera no tiene pero con gusto les da chili y otras carnes, aunque les aconseja a los chicos no acercarse a la casa, al final llegan a la casa abandonada y derruida, Kirk y Pam van en busca de un lugar para nadar y terminan encontrando otra casa donde hay energía y donde Kirk para su mala fortuna conoce a Leatherface como apunto al inicio de la reseña, Pam busca a su novio pero solo descubre la terrible naturaleza de la casa con huesos humanos por todos lados y muebles hechos de piel y huesos, al final no puede escapar y en una tenebrosa escena Leatherface la cuelga de un gancho mientras la motosierra hace el trabajo con Kirk para comenzar a preparar la cena, comienza a anochecer y los demas se preocupan por ellos, Jerry los busca y para su mala fortuna los encuentra con esa maravilla de la escena del congelador, ya en la oscuridad de la noche Franklin y Sally los buscan pero solo se encuentran con Leatherface blandiendo la motosierra del titulo, de aqui pasamos a una de las mejores persecuciones de terror que he visto en toda la historia para dar paso a una sorpresiva vuelta de tuerca que da tanto miedo como desesperación, para seguir con la aparición de cierto personaje clave y la aparición del Abuelo (John Dugan) que causa tantos escalofrió como nos hace aparecer una carcajada involuntaria e incomoda por su humor negro, esa escena de chupasangre tipo vampiro, y despues asistimos a una malsana cena en la que el tono es todavía mas macabro y que culmina con una legendaria persecusion final que resulta memorable en todo momento y donde su ultima escena se queda en la mente y las retinas por siempre.

La cinta esta plagada en todo momento de escenas y momentos memorables, todas las apariciones de Leatherface y los miembros de su familia, la cena mencionada donde Sally se les ofrece a sus captores y estos le contestan con burlas y carcajadas, los insanos acercamientos a las pupilas desesperadas y dilatadas de la protagonista, las quejas de Franklin, tan exasperantes y cansinas como hilarantes, el comportamiento adolescente del tipo que pide aventon, el abuelo chupasangre, el cocinero que da a entender que los chicos hicieron algo sin saberlo, la inacabable persecusion donde los gritos de Sally son acallados por el rugir de la imponente motosierra, los diferentes rostros de Leatherface, la critica al capitalismo con el discurso de perdida de empleos, la añoranza de como era el pasado, mas real y "normal", la perfecta banda sonora con canciones bien escogidas y esos acordes que de pronto vibran y nos meten en la pantalla, la perfecta fotografía que siempre nos mete en la piel de los protagonistas, con esas imágenes con grano que simulan un documental, es sucia al mismo tiempo que la luz la vuelve hermosa, los tiempos exactos que maneja, la camara siempre esta donde debe estar, los planos secuencia prodigiosos, la camara inamovible en momentos claves, la protagonista en estado de pavor total a partir de que inicia la pesadilla, la tensión que se crea al inicio de la cinta, el frenesí a partir del desencadenamiento de Leatherface, y por supuesto el enfermizo escape final con todo y una Sally que llora al mismo tiempo que rie, con una escena perfecta con los autos y esa danza satánica de Leatherface que despide una de las mejores cintas de terror de todos los tiempos.

Calificación: Excelente