Cinecritica: Invencible

INVENCIBLE (INVINCIBLE, EU, 2006)

El debut de Ericson Core es de esas películas estilo Disney en las que se usa el éxito inesperado en el deporte para mostrarnos algunos mensajes de crecimiento y superación personal, especialmente estos son preferibles para los niños y en la mayoría de los casos son tan chantajistas y efectivos que hasta desesperan pero tienen cierta magia, en esta ocasión la historia no es precisamente para chamacos y el director tiene una dirección tan artesanal y funcional que ayuda bastante a su visionado, la cinta cuenta la historia de Vince Papale (Mark Wahlberg) una especie de Rocky de la vida real que en los setenta paso de ser un mesero en cierto bar de mala muerte a convertirse en el símbolo de la esperanza de las águilas de Philadelphia por el amor que le tenia al equipo (es un fanatico empedernido) y por las ganas que tenia de trascender.

 

Al parecer las águilas de Philadelphia tienen una racha terriblemente mala y nada parece salvarlos de tener que sufrir vergüenzas temporada tras temporada, la directiva se anima con entrenador novato (Greg Kinnear) al que le ha ido bien en ligas estudiantiles que no comienza bien la temporada pero que se arriesga llamando a cualquiera que quiera ir a probar suerte para ver si puede formar parte del equipo, esto lo hace para levantar el espíritu de los fanáticos pero se encuentra con un diamante en bruto, Papale que fue jugador esudiantil y que todavía mantiene buenos tiempos y calidad, el mesero no cree lograr nada pero es llamado y queda en espera del recorte final donde hasta el entrenador quiere cortarlo, pero que empieza a dudar cuando ve sus espíritu, sus ganas y el amor por la camiseta, algo que las estrellas del equipo no tienen.

 

Al mismo tiempo que lidia con esto trata de llevar una relación con una fanática de los Giants, la mesera Janet (Elizabeth Banks haciendo algo que le queda bien), recuperando la relación con su padre, superando el divorcio con su mujer, y resistir las envidias y problemas de sus compañeros y amigos, al final lo que sucederá es obvio pero esos minutos finales y con ese touchdown inventado uno siente que todo es posible y que la cinta funciona, por lo menos dice su discurso de manera convincente y ver en los créditos al verdadero Papale luchar a sus mas de treinta con toda el alma es de antología, además los extras del DVD son muy interesantes.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Alpha Dog

ALPHA DOG (IDEM, EU, 2006)

Película infravalorada de Nick Cassavetes que de manera fría y documentalista nos muestra el secuestro y asesinato de un joven en los Estados Unidos, una historia nada fuera de lo común de no ser por las circunstancias en las que pasaron las cosas, primero se nos muestra a los personajes que parecen los típicos cliches y en la mayoría de los casos lo son pero que aquí son personas de carne y hueso, esas personas existen y efectivamente son cliches andantes y lo que es peor, son increíblemente estúpidos, Bruce Willis se mofa de un entrevistador porque pudo salvar a su hijo de la justicia y después vemos a todos los actores de la obra, el capo junior (Emile Hirsch), el drogadicto fiestero (Justin Timberlake), el hispano (Fernando Vargas), el "lamebotas" (Shawn Hatosy), los hermanos Markowitz, el drogadicto nazi Ben (Ben Foster, bien) y el pobre diablo adolescente Nick (Anton Yelchin) quien es la persona frente a lo que todo gira.

 

Ben le debe dinero y termina mal con el junior mafioso pero le amenaza conque esto es la guerra y que pagara su atrevimiento, nos damos cuenta que Ben es capaz de hacer trizas al junior y a sus gallitos e idiotas socios/guardaespaldas y el mismo narco lo sabe por lo que cuando ve al medio hermano de este lo secuestra para que Ben le pague lo que le debe, el chico no lo ve mal ya que esta peleado con sus padres y ve la oportunidad como una manera de irse de juerga, beber y fumar mucha mariguana, por desgracia el tratar tan bien al chico y que este no quiera escaparse les resultara contraproducente, con tantos testigos y con un secuestro a espaldas los tipos no saben que hacer y deciden matarlo mientras su hermano los busca como un energúmeno.

 

Lastima que por alguna extraña razón Ben salga de la ecuación y ya no aparezca (supongo que asi fueron los hechos que son enfermizamente seguidos por el director) pero el final donde suben a Nick a la camioneta y a su inevitable destino es una de las mejores escenas que he visto en el año, sabemos como terminara todo pero no queremos creerlo, el ver como el personaje de Timberlake le jura y perjura que no le pasara nada es increíble y ver como Nick se desmorona es formidable, sin duda lo mejor de la cinta, junto a cierta escena en la piscina donde Yelchin se saca la lotería con Amanda Seyfried y una amiga suya, asi como al epilogo donde tenemos el placer culpable de ver como pagan cada uno de los culpables mostrando que en el otro lado la justicia si existe, o por lo menos muchísimo más que aquí. Atención especial al enfermizo modo exacto en que nos es mostrado cada uno de los testigos que son muchísimos y que además en los extras del DVD viene la declaración de cada uno de ellos.

 

Calificación. Bastante Bien

Trailer: El Hobbit: La Desolación de Smaug

Después de la decepción de la primera parte de la trilogía solo queda esperar que por lo menos la segunda parte entretenga y que Peter Jackson no se pierda totalmente:

Cinecritica: Último Turno

ULTIMO TURNO (END OF WATCH, EU, 2012)

Al inicio de la cinta escuchamos la voz en off del entregado policía Brian (Jake Gyllenhaal) mientras se suscita una persecución que es grabada por la cámara de la patrulla y que culmina de manera brillante, después de esta descripción y con el mismo policía informándonos que tiene un proyecto donde debe grabar todo lo que le acontece día a día, incluyendo por lo visto hasta cuando no esta trabajando, la cosa no le parece a su igual de entregado compañero Mike (Michael Peña) pero se llevan tan bien en la clásica rutina de pareja dispareja que lo soporta, de hecho esto es lo mejor de la cinta, la combinación que logran los dos actores que funciona tan bien como la de otras parejas clásicas y con un inteligente sentido más actual y real, lastima que la manera en la que esta grabada sea lo que melle la calidad de la cinta.

 

Era obvio que el estilo documental llegara a todos los géneros habidos y por haber, por el momento el terror/horror es el que ha usado en mayor medida este medio pero se ha popularizado tanto que todos lo usaran y no exactamente por motivos artísticos o estilísticos, aquí David Ayer lo usa pero es obvio que lo hace por motivos económicos y se equivoca ampliamente porque si bien al principio parece funcionar al final resulta casi autoparódico, en primera porque la necedad de Brian de grabar todo es cansina y resulta forzada, en segunda porque Ayer abandona la formula cada vez que necesita o cada vez que se le olvida y asi de pronto vemos como entra en acción la cámara normal y nos quedamos ¿? y lo que es peor, de pronto seguimos con la cámara en mano pero nadie la carga, no es Brian, no esta en ninguna parte, pareciera que un fantasma tomo una cámara y decidió seguir grabando para ayudarle a Brian o para que nosotros no perdamos momentos pero es un error garrafal y una soberana estupidez.

 

Y lo peor de todo es que los actores hacen muy bien su trabajo, el ambiente es buenísimo, y el guión es terriblemente bueno a pesar de que abarque muchos cliches, los policías se enfrentan a los malos todos los días mientras filosofan y de pronto enojan a un narco con contactos en Sinaloa quienes son los que controlan a los grupos de pochos pandilleros de los Angeles, comenzando una guerra de la que obviamente no saldrán bien librados, de aquí violencia, una historia sórdida, compañerismo, balaceras y un final sacado de la manga funcionan solamente quebrados por ese recurso fílmico tan vano, aun asi Ayer lo hace bien, mucho mejor como guionista que como director y logra una cinta interesante de policías en los Angeles con un reparto exquisito donde sobresale Anna Kendrick que como siempre se roba cada escena en la que aparece, interesante cinta que merece un vistazo.

 

Calificación: Interesante

Cinecritica: Little Miss Sunshine

LITTLE MISS SUNSHINE (IDEM, EU, 2006)

Algunos ven en esta película esa dotación de cine independiente que al parecer forzosamente tiene que estar en los oscares, como si fuera la manera en que los amantes del cine independiente o "artístico" voltearan a ver los premios y les dieran valor, y aunque siempre hay alguna asi la verdad es que esta cinta es mucho mas, detrás de esa portada de presunción que le quieren poner esta una bonita road-movie de crecimiento personal y familiar en este caso que nunca toma caminos sencillos y que se niega al final fácil, los directores Jonathan Dayton y Valerie Faris grabaron la cinta sin estorbar en ningún momento y dando lugar a que los personajes tomaran el protagonismo al igual que los diálogos del inteligente guion de Michael Arndt.

 

Primero nos presentan a los personajes, el padre (Greg Kinnear) perdedor que habla de éxito, la madre (Toni Collette) que debe lidiar con las locuras de todos, el abuelo (Alan Arkin) drogadicto, el tio (Steve Carell) deprimido-suicida, el adolescente (Paul Dano) misantrópico finalmente la adorable niña (Abigail Breslin) regordeta que sueña con ganar un concurso de belleza, por azares del destino tienen que llevar a la niña al concurso del titulo donde se toparan con muchísimas situaciones que los llevaran al limite, asi poco a poco iran descubriendo que son perdedores y que nada augura que su suerte cambie, y se van destruyendo y odiando cada vez mas, o por lo menos eso parece pero sabemos que al final descubrirán que en realidad se aman y que este fatídico viaje es lo mejor que les pudo pasar.

 

Y nosotros los acompañamos en cada momento sufriendo y disfrutando lo mismo que ellos, al final cuando lleguen al concurso ya todos tendrán una meta en común y donde se muestran los mensajes de la cinta, claro que es una cinta de crecimiento personal-familiar, por supuesto que es una critica/parodia de esos terribles y horribles concursos de belleza para niñas que hacen perder la inocencia y que se ven enfermizos, pero por sobre todas las cosas es un llamado a no tener ese eslogan que el padre recita a cada segundo al inicio de la cinta, el mundo, todos aman a los exitosos, los perdedores son repudiados, quizá, pero lo importante de la vida no es ganar, es vivirla, es divertirse, es subirnos al escenario sin miedo como la pequeña Olive y mostrarle al mundo que no le tememos y que aunque pierdamos ante gente más talentosa o bonita siempre es importante aceptarnos y amarnos, un consejo cliché por supuesto, pero nunca esta de más y mostrado de esa manera no se puede repudiar, y menos con ese final.

 

Calificación: Bastante Bien

Lo Mejor del Mes: Noviembre 2013

El debut de un famoso personaje de terror, Brad Pitt contra los zombis, la versión original del museo de cera, una extraña reinterpretación, un homenaje zombiesco, una thriller chafita, otra de cortos de terror que no dan miedo, una de culto sobre caníbales, una de Corman, una copia edulcorada de "Invasión of the Body Snatchers" y la magnifica versión original de esta, la llegada de los Adams a la pantalla grande, una adaptación de Stephen King y una popular de casas malditas, otra de adaptaciones del gran Poe, la secuela de "Star Trek", la nueva locura de Danny Boyle, dos impresionantes cuasidocumentales, Cruise en una subvalorada cinta de ciencia ficción, la locura de la guía intergaláctico, la excelsa versión original de Django y un clásico animado como "El Rey Leon", eso fue lo que reseñe en el movidito mes pasado:

 

Lo Mejor..... "Invasión of the Body Snatchers" de Don Siegel, sin lugar a dudas la película paranoica suprema sobre dominación extraterrestre, desde el primer minuto te atrapa en una atmosfera de tensión, desconfianza y miedo que nunca disminuye sino que sigue en incremento hasta que simplemente la trama, el protagonista ni nosotros podemos mas.

 

Mención Honorifica..... "Django" de Sergio Corbucci, este es un western de verdad a diferencia de la simplona versión actualizada, aquí dejando es un cinico maton que arrastra un ataúd a cuestas mientras llega a un pueblo donde hara que los dos bandos paguen a perpetuidad no sin antes sufrir por su atrevimiento, ¡y esa banda sonora!

 

Segunda Mención Honorifica..... "The Lion King" de Rob Minkoff y Roger Allers, película que quito de mi mente que las cintas de Disney eran solo para niños, una historia shakesperiana con familiar villano en ristre, simbolismos raciales y hasta un robo a un anime/manga del maestro Tezuka ¿se puede pedir más desmadre y además bien hecho?

Cinecritica: La Invasión de los Usurpadores de Cuerpos

LA INVASIÓN DE LOS USURPADORES DE CUERPOS (INVASION OF THE BODY SNATCHERS, EU, 1956)

Obra maestra de Don Siegel, joya del genero de ciencia ficción que no solo es la mejor versión del libro sino que además ha sido copiada hasta la saciedad, el simbolismo de la cinta es impresionante y aunque uno sabe que es debido al anticomunismo que impregnaba Estados Unidos solo que esta vez esta tan bien tratado que uno sigue sintiendo el miedo, y por supuesto el hecho de que Don Siegel logro una atmosfera tan pesada y claustrofóbica hacen que siga siendo actual, además en esta época de paranoia por aquí y por alla su poderosa premisa es más valida que nunca en estos tiempos en que todos temen por causa de los ataques terroristas y los extremistas que aparecen por aquí y por alla, justo en estos tiempos en que nadie confía en nadie y donde el enemigo esta en el vecino, en el mejor amigo, en la familia o en la pareja es donde funciona mejor la premisa del titulo, y no solo es que pensemos que nos quieran matar o que tengan ideas revolucionarias o diferentes, el puro hecho de querer afectarnos con tantas herramientas actuales hacen que nuestra existencia actual sea total y absoluta paranoia.

Por supuesto en los cincuenta con la cacería de brujas y el anticomunismo que existía en los Estados Unidos y en general en todo el planeta la película representa los miedos con los que vivían las personas, y más aun al constatar que el peligro podría venir de adentro, claro que también pudiera representar lo contrario, una mofa al exagero temor de la sociedad, cualquiera de ellas no es algo raro en la ciencia ficción de la época pero quizá nadie lo hizo mejor y tan pronto. El Dr. Miles J. Bennell (Kevin McCarthy, perfecto) regresa al pueblo de Santa Mira, California después de asistir a un simposio para enterarse de que muchas personas lo buscaban desesperadamente, extrañamente nadie le da importancia a que lo buscaban y que todo fue resuelto, además algunos lugareños se comportan de manera extraña, insisten en que sus familiares y/o amigos no son ellos sino que han sido remplazados, cosa que Miles no puede creer, los ha visto, ha conversado con ellos y son lo más normal que podrían ser, pero tantos eventos lo ponen en alerta, intentando dejar eso de lado para reconquistar a su antiguo amor Becky (Dana Wynter) Miles se topa cada vez con más pruebas hasta que unos amigos interrumpen una cita para mostrarle un extraño cuerpo que en lugar de un muerto parece una versión borrador del anfitrión de la casa.

 El cuerpo se levanta, Miles encuentra otro igual a Becky en casa de ella, Becky esta convencida del cambio de su padre, los extraños cambios de la noche a la mañana de las personas que sospechaban, todo hace que Miles se convenza y más cuando unas extrañas vainas rebelen su lúgubre contenido, de aquí en adelante Miles intentara escapar junto a la bella Becky mientras son buscados y perseguidos por todo el pueblo y sin poder dormir ya que las extrañas vainas alienígenas se apoderan de ellos cuando duermen, Miles descubre sus planes y se enfrenta a ellos para llegar a un desenlace pesadillesco del que es mejor no decir nada, un clímax y final memorable para una cinta también memorable. De lo mejor de la ciencia ficción, de los cincuenta y de su talentoso director que usa todos los recursos cinematográficos a su alcance y entrega una cinta tan entretenida como tensionante y emocionante, impecable la manera en que va construyendo el relato, nos llena de angustia, de tensión, de miedo, de una sensación de claustrofobia y soledad pocas veces vista, con un ritmo impresionante y uno de los mejores héroes protagonistas que me ha tocado ver, la fotografía y la banda sonora están a la altura, y además tiene una clase que no es normal encontrar en el genero, y un romance de esos clásicos que tanto me gustan y que le da todavía más valía a la cinta, a mi entender imprescindible para conocer los derroteros del genero y el nacimiento de un subgénero cinematográfico explotado hasta la saciedad, una de esas joyas paranoicas que como "The Thing" del maestro Carpenter parecen cada vez más actuales y por ello más angustiosas.

 Calificación: Excelente

Cinecritica: El Rey León

EL REY LEÓN (THE LION KING, EU, 1994)

El sol sale en el horizonte y comienza a sonar "Circle of Life" de Hans Zimmer en su banda sonora ganadora del oscar mientras la vida animada nos es presentada con la poderosa letra de Elton John y Tim Rice y que nos dice de manera inmediata de que trata la cinta, el poderoso e inacabable circulo de la vida donde todo se repite pero siempre de manera diferente pero igualmente hermosa, en ella vemos el majestuoso manejo de cinematografía por parte de los directores Roger Allers y Rob Minkoff que aquí entregarían su obra mayor, enmarcada por un ambiente colorido y realista que siempre juega con los simbolismos y que le da un preciosismo a los fotogramas que nos quedan grabados en memoria y pupila con esa historia shakesperiana que nunca deja de ser actual, aquí los bellos colores, los expresivos animales, los fluidos movimientos, los pulcros encuadres, y esa magnifica banda sonora retumban en tanto el mono cura/brujo/chaman Rafiki (voz de Robert Guillaume) levanta a Simba para presentarlo ante los súbditos pero también ante la naturaleza e incluso ¿Dios? con esa luz que llega de los cielos para aceptarlo y hacerlo mas visible a los demas.

Todo esto desde antes de que nos sea presentado el titulo de la película, pero desde entonces sabemos que estamos ante algo grande y portentoso, de aquí se nos presenta de manera precisa al villano, el pedante pero simpático Scar (fabuloso Jeremy Irons) que parece ser débil pero es inmensamente cerebral al tiempo que es burlón y sardónico, una maravilla de villano que poco a poco nos muestra que tiene muchas mas capaz de las que suponíamos, por el otro lado el mimado juniorsillo Simba (Jonathan Taylor Thomas) aprende de su sabio padre Mufasa (la potente voz de James Earl Jones) que ser rey no es solo hacer lo que quieres sino mantener el equilibrio y reinar con sabiduría y humildad, algo que Simba aprenderá a la mala cuando sea engañado para cruzar los limites del reino y enfrentarse a las mortales y desternillantes hienas Shenzi (Whoopi Golberg), Banzai (Cheech Marin) y Ed (Jim Cummings) que no entienden de equilibrio y se comportan como parásitos.

Esto es aprovechado por Scar que planea un cruel plan que lo lleva al reinado y la destrucción de Simba no solo en cuestión física sino espiritual y mentalmente, lo que lo lleva a huir y ser rescatado por Timon (Nathan Lane) y Pumbaa (Ernie Sabella), unos hippies que viven al margen de la sociedad y que le enseñan a no preocuparse con la iconica canción "Hakuna Matata", para finalmente ser encontrado por casualidad por Nala (voz de Moira Kelly) quien no entiende su renuncia a enfrentar su destino y el mismo Rafiki que gracias al aroma lo encuentra y le ayuda a encontrarse a si mismo con una epifanía personal en forma del espíritu de su padre y sabias palabras que lo empujan a enfrentarse a su presente confrontando su pasado. Esta versión de Hamlet en clave animada con animales funciona perfectamente, el hacerlo un musical es maravilloso porque los números no solo estan ahi para ser pegajosos o verse bien ya que son clave en el filme, y esos homenajes/guiños/robos a "Kimba el León Blanco" del dios del manga Ozamu Tezuka funcionan por mas que uno sepa de donde vienen.

En pocas palabras estamos ante una de las mejores cintas animadas de la casa Disney, una maravilla que en su tiempo dejo quijadas abiertas con el uso de su animación, estética y movimiento, que nos deja una historia fuerte que habla sobre la familia, la traición, la muerte, el sexo, la complejidad de la paternidad, la culpa, y por supuesto el equilibrio del ciclo de la vida, algo muy valioso ya que la cinta aunque es para pequeños nos entrega estos mensajes de vida, los niños no son tontos y desde temprana edad perciben estos temas así que ¿que mejor que dárselos en un drama doloroso y donde vemos una madurez difícil? Desde el uso de colores, los movimientos y ese ritmo perfecto que siempre nos tiene al filo de la butaca, el Rey León es un clásico inmortal, la mejor cinta animada de Disney de los noventa, lo que no es poca cosa ya que no ha alcanzado esa calidad en décadas recientes, si a esto le sumamos un elenco de voces extraordinario y la facilidad de usar clichés cuando todavía se podía tenemos una historia que entendemos rápidamente y que por ello podemos perdernos con mas facilidad en ella.

Llegando a esto tenemos los simbolismos, que en esta cinta estan a mansalva, tanto el bautizo ya escrito como muchos mas, la revelación en las nubes de Mufasa a Simba que no es otra cosa que su epifanía personal, el enamoramiento de Simba y Nala con la hermosa "Can You Feel the Love Tonight", y las demas canciones, desde la majestuosa "Circle of Life" que engloba el mensaje de la cinta, la juguetona "I Just  Can't Wait to Be King" donde vemos el defecto de Simba, en esta el mundo cambia a su modo de ver, un mundo inmaduro donde todo puede pasar y hasta los colores se ven diferentes, en este mas que un rey él es una estrella, algo parecido a "Be Prepared" donde vemos como el carácter de Scar es retratado perfectamente, un tirano vil y egocéntrico que se ve a si mismo como un elegido, algo que se nota en esa canción con coros de las hienas y el mismo dando a conocer su plan para despues perderse en un compendio de flores vanagloriándose de si mismo, es decir su punto débil, y por supuesto todo esto mostrado con la perdida de físicas, despues de todo el mismo Scar esta perdiendo el piso, ¿que mejor que hacerlo ver literalmente? y bueno, ese momento nazi es genial, hablando de las hienas otro simbolismo ahi, una es negra, la otra latina y finalmente un tipo con problemas mentales, me refiero a los acentos y estereotipos, diciendo que los enemigos del reino son los extranjeros que viven en las afueras del reino, esos negros, latinos e indeseables que no se llenan con nada y que no entienden el ciclo de la vida, una idea dolorosa pero que viendo la situacion en México y estando pegados a EU no queda mas que darles la razón, también los cambios de los temas dando mas fuerza y cambiándolos de acuerdo a la situacion, la evolución del tema de Simba, detalles que solo enriquecen una cinta que es una maravilla y que vive en los anales del cine 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Django

DJANGO (IDEM, ITALIA - ESPAÑA, 1966)

Después de ver la versión de Tarantino que incluso fue nominada al oscar tuve que regresar a ver la original, y si la de Tarantino ya me había molestado cuando la vi y cada vez que la recuerdo me agrada menos ahora que acabo de ver la original no cabe duda de que le voy a tener más cariño y a despreciar todavía más la "reinvención" actual, el Django original es un personaje huraño, sucio, vengativo, ambicioso, despreciable y al mismo tiempo carismático, un antihéroe que no busca salvar a su princesa ni es el compinche de nadie, es un solitario que quiere venganza y además regodearse en ella, y si en el camino puede sacar provecho del asunto pues que sea bienvenido, claro que la trama central de "Django" se parece a la primera cinta de la trilogía del hombre sin nombre del maestro Sergio Leone pero al mismo tiempo esta es una copia de "Yokimbo" del maestro Akira Kurosawa ya que el cine vive de copiar, de robar, de homenajear, de plagiar y de tomar ideas de uno y otro lado.

 

Ya desde el inicio la cinta de Sergio Corbucci es mucho mejor mostrándonos a Django (Franco Nero, perfecto) arrastrando un enigmático ataúd por el fango mientras la magnifica música de Luis Bacalov con letra de Franco Migliacci, sin duda desde ahí la nota es alta y casi no se baja hasta que nos entrega un desenlace magnifico, Django rescata a una muchacha que primero esta siendo castigada por mexicanos y después a punto de ser asesinada por un grupo de norteamericanos, a partir de ahí Maria (hermosísima y potente Loredana Nusciak) quedara prendada de Django a quien no parece importarle nada, ni las mujeres, ni las personas, al llegar al pueblo donde solo queda el burdel con chicas y el encargado Django se entera de los dos grupos que se pelean el poder, los racistas del mayor Jackson (Eduardo Fajardo, bien) y los mexicanos revolucionarios liderados por Hugo (Jose Bódalo como un pancho villa terrenal), Django busca pelea con los muchachos de Jackson y lo reta a traer a toda su gente para después matarlos con una sorpresa del ataúd donde habita Django.

 

Los mexicanos llegan y Django tiene un plan para robar el oro que Jackson lleva a los mexicanos, al lograrlo Hugo lo traiciona pero Django sin inmutarse decide cobrárselas con consecuencias terribles para los dos lados, al final una balacera y una pelea final en un cementerio ponen la cereza en el pastel de un clásico, un spaguetti western que injustamente ha sido olvidado y subvalorado, una gran cinta que es sucia, violenta y tiene un humor sardónico y un personaje memorable, además la dirección tiene esa frialdad y suciedad del genero en esos años que tanto me gustan, las balaceras exageradas, la extraña relación de amor/odio del protagonista y la chica, los villanos exagerados y despreciables, escenas violentas que más que graficas lo son por el significado, cierto corte de oreja haciendo que la victima la trague, cierto deporte con mexicanos corriendo como si de animales de diversión se tratara o la desgarrante tortura a Django dejándole inutilizables las manos con bailes de caballo incluido, además están los simbolismos y una suciedad que ya no se ve, como la de la pelea mano a mano, de pronto se ven las fallas pero es tan sucia que uno termina disfrutándola, mención aparte a la escena final con esa blasfemia por parte del villano y el deleite final después de ver a Django disminuido por las manos destrozadas pero que termina en un desenlace agridulce con Django alejándose de cara mientras dejo las marcas de sangre en la tumba y la memorable canción del personaje suena y resuena en nuestros odios.

 

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Guia del Viajero Intergalactico

LA GUIA DEL VIAJERO INTERGALACTICO (THE HITCHHIKER'S GUIDE TO THE GALAXY, REINO UNIDO - EU, 2005)

Hacia el final de la película de Garth Jennings basada en la obra literaria de Douglas Adams justo cuando la tierra esta siendo reconstruida y un ambicioso constructor lleva al protagonista con unos extraños villanos inesperados (o no tanto) no pude dejar de pensar lo alucinante y psicodélico del asunto, y en la virtud lleva el pecado ya que para algunos esto resultara lo que les guste mientras que para otros los sacara de quicio, no cualquiera entiende o le gusta un chiste de mala poesía extraterrestre, o que dos personajes se conviertan en sillones, por supuesto que eso limita su audiencia pero el libro en el que esta basado tampoco es para todos los gustos, y a final de cuentas ¿Qué es para todo publico? lo que si es que si son amantes de la satira y del humor ingles este es un titulo que no deben perderse.

 

La cinta comienza mostrándonos hilarante musical de los delfines donde nos mandan a freir espárragos despues de querernos advertir y no hacerles caso, después vemos a Arthur Dent (Martin Freeman adecuadamente desesperante) quien literalmente odia su vida y que se recrimina un segundo si y el otro también haber perdido el amor de su vida, la jovencita hilarante Tricia (Zooey Deschanel que es simpática, hermosa y divertida como siempre), pero además se levanta con la noticia de que su casa será demolida para una via y mientras trata de impedirlo su amigo Ford (Mos Def) le confiesa que es un extraterrestre y que le salvara la vida ya que la tierra será demolida, en menos de lo que canta un gallo ocurre el fatídico evento y están de polizonte en la nave de los Vogones, una raza extraterrestre de burócratas sin imaginación ni talento que solo saben de papeles y tiempos.

 

Son encontrados y torturados con poesía Vogon para después ser expulsados donde son recogidos por corazón de oro robada por el presidente de la galaxia Zaphod (Sam Rockwell adecuadamente sobreactuado) quien viaja con el amor imposible de Arthur que ahora se hace llamar Trillian porque se oye más espacial y que busca la respuesta a la pregunta el sentido de la vida, el universo y todo lo demás por la gloria de lograrlo, en tanto que son perseguidos por el autosecuestro del presidente y el robo de la nave viajan por planetas extraños, se topan con alienígenas todavía más extraños y ven cosas estrambóticas a más no poder, al final los villanos no terminan siendo los vogones, ni el estúpido presidente con doble personalidad sino unos seres tan repugnantes como ambiciosos y muy cercanos a nosotros, mención especial para todas las criaturas creadas por Jim Henson Shop que le dan una credibilidad que no tendrían de haber sido hechas a computadora, por una loca banda sonora, por una fotografía lograda y por una historia llena de locuras donde el único pero es la falta de lógica ¿o es su virtud?

 

Calificación: Bien