Cinecritica: Esquema Fenicio

"ESQUEMA FENICIO" ("THE PHOENICIAN SCHEME", ALEMANIA - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE WES ANDERSON

Anatole "Zsa-zsa" Korda (Benicio del Toro) sobrevive a un nuevo intento de asesinato, que por lo visto para él ya son normales, pero como tiene una visión del cielo donde no es bien recibido, decide contactar a uno de sus hijos, la monja Liesl (Mia Threapleton) quien no solo no tiene interés en mantener contacto con él cínico magnate corrupto (¿hay de otros?), sino que directamente le cuestiona si son verdad los rumores de que asesino a su madre, y a las de sus ochos medios hermanos, por supuesto Korda niega todo esto, y ni siquiera le da importancia, ya que debe echar a andar el esquema del titulo, una megaobra que abarca todo el país, y que lo hará aun más millonario dejando un legado y una gran fortuna a la novicia, pero como unos burócratas quieren detenerlo a como de lugar, manipulan el mercado para que suban los artículos, y así hacer que la proeza sea imposible.

Por lo que de inmediato el multimillonario sale de viaje junto a su hija y su nuevo asistente noruego experto en insectos (Michael Cera, por mucho lo mejor de la cinta), y van recorriendo lugares en ese país ficticio, intentando recolectar el dinero suficiente para el emprendimiento, pero con todos en estado de negación, lo que se convierte en un juego de tiros de basquetbol, un enfrentamiento con comunistas en Francia, amenazas en alta mar, un matrimonio arreglado que no le ayuda en nada y el enfrentamiento con su hermano que se supone es el punto álgido de la cinta, todo esto en medio de una trama de espías con intentos de asesinatos, mucho dialogo financiero, en un intento de road movie, el detalle, es que todo esto nos es presentando en el clásico y amado estilo de Anderson.

Es decir, tomas fijas con tomas cerradas o media distancia, encuadres simétricos con una decoración super estilizada y recargada color pastel, manía por los chunches analógicos, vestuarios que calzan con el diseño de producción del momento, movimientos laterales tranquilos, movimientos arriba y abajo cortos, mucho fuera de foco en las acciones y personajes extravagantes que escupen sus líneas casi sin emoción y con poker face, aunque debo confesar que el hecho de que su estilo no cambie, evolucione ni mejore si es un problema, no es lo que me molesta de la cinta, después de todo ver estas casas de cartón en tamaño real mantiene su encanto, el problema es que la historia apenas esta trabajada, y conforme va avanzando va perdiendo interés hasta que llega el momento que uno espere que ya se termine y se acaben las vueltas que se sienten reiterativas.

De hecho, la única razón para soportar este soporífero viaje es la multitud de estrellas que aparecen, la mayoría desaprovechadas, pero que uno agradece ante el aburrimiento, así que por ahí están Tom Hanks y Bryan Cranston divirtiéndose de lo lindo, Scarlett Johansson, Bill Murray y Willem Dafoe desaprovechados, Riz Ahmed, Rupert Friend, Jeffrey Wright y un larguísimo etc. pero ni eso son suficientes para que esto funcione, y es que por más que la doble personalidad de Cera que parece nacido para actuar sin aspavientos y funcionar, y el viaje de la devota monja que descubre

paulatinamente que ama los excesos y el alcohol, no son suficientes para sostener esta trama, que además al final se pierde en una caricatura de excesos con Benedict Cumberbatch que solo esta ahí para decirnos que siempre no, que Anatole Korda nunca fue tan malo, que todo eran malentendidos, y que de la noche a la mañana se vuelve santo porque si, un malogrado desarrollo de personaje y narrativa que demuestran que Anderson esta estancado, aun más que su pésimo personaje principal.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Amateur: Operación Venganza

"AMATEUR: OPERACION VENGANZA" ("THE AMATEUR", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE JAMES HAWES

Entiendo la intención de hacer un thriller de espías que se diferencie del común, pero  me resulta imposible soportar las conveniencias de un guion que convierte a su protagonista en un Gary Stu, y que además de múltiples agujeros de guion presenta personajes de cartón piedra que fueron creados únicamente con un sentimiento y característica, en resumen, esta película producida por el mismo Rami Malek es un intento fallido de intentar algo diferente en un genero que hace varios años tuvo sus momentos álgidos. Charlie (el mencionado Malek) es un criptógrafo, programador, y genio informático que trabaja para la CIA y tiene un contacto del que nunca ha podido descubrir su identidad, aunque al inicio solo se nos presenta como un trabajador administrativo de sistemas más, con todo y burlas para su persona de el agente más malo malote apodado "The Bear" interpretado por Jon Bernthal que hace cameo, pero cierto día su esposa (la preciosa Rachel Brosnahan, desperdiciada) viaja por trabajo, con tan mala suerte que es una de las dos victimas de un ataque terrorista.

Charlie quiere venganza, investiga y resuelve el casi con unos clips, algunos modelos 3D, inteligencia artificial y demás supercherías, para darse cuenta de que a sus jefes (Holt McCallany y Danny Sapani) ese tema se les resbala, después de todo ya sabia gracias al contacto que son corruptos y ahora concluye que esos "terroristas" trabajan para ellos, así que los amenaza con sacar todo a menos que lo entrenen y dejen ir por los asesinos, y en un pequeño montaje con el tipo entrenando lastimosamente y la CIA buscando la información rompiendo su privacidad el tipo se convierte en un super agente, no sabe disparar claro, pero sabe hacer todo lo demás sumado a sus super habilidades de hacker, va por la primera de la lista y la mata por accidente, al segundo le pone una trampa que ya se ha visto, y con el tercero usa la clásica bomba terrorista, que no es terrorista porque él es el bueno claro esta.

Para llegar con el ultimo de los malos, el que apretó el gatillo, interpretado también por un desperdiciado Michael Stuhlbarg, a los que les pone una trampa digna del Bond más fantasioso, donde los malos prefieren aleccionarlo soltando largas peroratas sin darse cuenta que cayeron en una trampa, resulto que son idiotas claro, pero en su defensa nadie podría imaginar que el Gary Stu informático pueda hackear y manipular todo con cualquier tuerca tirada, y si ya teníamos que soportar el guion sin sentido, las conveniencias al por mayor, un Malek que nunca termina de funcionar, un ritmo inconexo, y personajes que entran y salen porque si - lo de Bernthal es ridículo, no tiene peso alguno y si no existiría ni se notaria -, actores desaprovechados a los que se suma Laurence Fishburne, ahora le sumamos un final anodino que nos deja malas sensaciones por no concluir el asunto, y reafirmar que el protagonista todo lo puede por el poder del guion.

Este asunto es el que más me molesto durante la película, que el tipo tuviera el guion de su lado, todos se convierten en imbéciles cuando están junto a él, pueden matarlo o detenerlo mil veces pero no lo hacen porque necesitan que siga la historia, y su decisión final es incongruente con lo visto hasta el momento, su búsqueda de venganza queda mocha, como queda a medias su transformación de rata nerd de oficina a experto agente vengativo, los momentos alucinados con su esposa solo estorban, y para acabarla de regar el único tema interesante de la trama, la corrupción y manipulación de la CIA del terrorismo mundial, queda en dos corruptos y todos los demás dando gracias, porque sin ellos dos ahora son impolutos, más patriotero el asunto imposible, puede verse, pero no sin incomodar bastante.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: El Muro Negro

"EL MURO NEGRO" ("BRICK", ALEMANIA, 2025) DE PHILIP KOCH

Una premisa interesante que parece salir de algún episodio de "La Dimensión Desconocida" o sus inspiradas copias contemporáneas, nunca es una mala idea, incluso el final que aunque bastante resultón resulta inofensivo para la trama de la historia, aunque eso si, con tal de no quebrarse la cabeza y ser más "realistas" toman la opción más facilona y por ende cobarde, pero lo que en realidad afecta esta película es su ejecución, el compendio de ideas que se van sumando que no llegan a nada, los problemas de ritmo, y por sobre todo, los personajes tan detestables que se van sumando a la historia, de tal manera que como a uno - por lo menos personalmente -, no podrían interesarme menos los personajes de la pantalla, mucho menos me interesa que se salven, y hasta arrastran la resolución del misterio, además de que todo se alarga en demasía artificialmente, por ahí hay intentos de meter dramas en todos los personajes, aunque al final resultan ser puro cascajo cliché.

Tim (Matthias Schweighöfer) es un programador que trabaja haciendo videojuegos, y solo piensa en eso, ni siquiera le da por atender a su potable esposa Olivia (Ruby O. Fee) quien tiene esperando que salga de su caparazón dos años, específicamente desde que falleció su pequeña bebe, el caso es que en medio de esta crisis Olivia decide dejarlo pero cuando quiere irse del departamento se topa con el muro negro del titulo latino, este cubre la puerta, paredes y las ventanas, es inamovible, indestructible, y es magnético, además de tener un patrón que repite en cada posible salida, aunque eso uno lo nota de inmediato los personajes lo descubren casi en su tercio final, haciendo que la situación se haga cansada debido a que en lugar de reaccionar como personas normales lo hacen con un histerismo desesperante, como Olivia, que cuando ve el muro culpa a Tim, lo amenaza, grita, y hace berrinche, claro, porque el tipo se levanto en la madrugada, levanto un muro por todos lados sin hacer ruido, con la tecnología mas avanzada disponible.

Entiendo que su relación esta en crisis, y todo eso, pero esta reacción hace perder unos cinco minutos que pudo haberse ahorrado la cinta, lo mismo ocurre conforme conocen a los vecinos en su plan de escape que los lleva a destruir paredes y pisos para llegar al sótano-bunker, todo son peleas, gritos, histrionismo, dramas forzados y demás tonterías, que solo hacen perder tiempo, nadie actúa como persona normal, ni los drogos calenturientos, ni el abuelo enfermo con nieta inclusiva (nada menos que con sangre extranjera, lesbiana y vistiendo como subnormal), ni el loquito suelto conspiratorio que a todas luces se nota es el malo maloso, con todo y sonrisa caricaturesca, y aunque el plan no es malo, y le otorga movimiento a la trama, y un despiste que ayuda a alargar la historia, la verdad es que esta pesimamente implementado.

De tal manera que al final cuando ya están resolviendo como abrir el mentado muro, ya me encontraba harto de los arranques violentos del drogo, la imprudencia de la drogadicta, molesto con la regañona nieta sabelotodo, con la pareja histriónica, el abuelo dramático, y el policía conspiratorio, que aparte aguanto una bala en el centro del pecho para convertirse en super atleta porque si, es ahí cuando yo decía, tiene que haber una explicación más arriesgada que el error militar tecnológico para explicar todo esto, las cámaras, la resurrección del tipo, que el muro no cierre solo el edificio y no los departamentos, y pues no, decidieron ir por lo mínimo, y quizá no estaba mal, para entonces ya ni me interesaba como terminara esta accionista del pánico alemana, solo que lo hiciera, eso si, me llamo la atención un filme alemán protagonizado por un rubio, casi se siente antinatural por su enfermiza tendencia inclusiva.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Perdido en la Montaña

"PERDIDO EN LA MONTAÑA" ("LOST ON A MOUNTAIN IN MAINE", ESTADOS UNIDOS, 2024) DE ANDREW BOODHOO KIGHTLINGER

Desde el inicio se nos dice que es lo que estamos a punto de ver, una historia de supervivencia en 1939 sobre un niño que sobrevivió nueve días, cuando ya todo el mundo daba por perdida la lucha y solo esperaban encontrar un cuerpo, es todo lo que se nos dice, un pequeño se perdió y es la historia de su lucha por sobrevivir, y como acabamos de ver que la producción viene de Sylvester Stallone de inmediato pensé que tenía que sobrevivir, que la lucha del chico debia que tener un final feliz, no puede ser de otra manera con el optimista director, productor y super estrella, pero he de aceptar que conforme avanzaba la película más pensaba que no había manera, que por más que luchará Donn (un entregado Luke David Blumm), su historia no podía tener un final feliz, lo que quiere decir que estaba completamente inmerso en la historia, y eso siempre es un triunfo.

Estamos a finales de la década de los treinta, en medio de un caos en Estados Unidos, por un lado están sufriendo los estragos de la gran depresión, que a la postre fue el segundo gran aviso de que el capitalismo es un sistema erróneo, y por el otro la segunda guerra mundial esta sucediendo, esto causa que Donald Fendler (Paul Sparks) se vuelva una persona dura para hacer que sus hijos se hagan fuertes, y distante por la necesidad de

trabajar incesantemente, que a su vez hace que su relación con Donn se vaya resquebrajando, por lo que en una excursión exprés bastante peligrosa en el monte Katahdin - qué tiene su propia leyenda escalofriante -, desafía a su padre para seguir hasta la cima, y ahí se pelea con su hermano Ryan (Griffin Wallace Henkel) como acostumbra, para después salir huyendo y perderse en una inmensidad de densos bosques en un territorio con temperaturas bajo cero, sol abrasador y lluvias torrenciales en un mismo día.

A partir de aquí seremos testigos del periplo de Donn, que acepta sus errores, pide

piedad al cielo, hace un trato infantil con Dios, ruega por salvarse, y sigue las enseñanzas de su padre para sobrevivir si alguna vez se perdiera - mantener la cabeza serena, encontrar un arroyo y seguir el caudal, siempre seguir adelante -, en tanto vemos a la familia hacer hasta lo imposible por rescatarlo, con un padre incansable y una astuta madre (Caitlin FitzGerald) que viven su propio periplo. La cinta es lo suficientemente inteligente para no dramatizar ni exagerar el viaje del chico, por lo que lo vemos caminar, tomar agua de donde puede, alimentarse como puede, soportar las inclemencias, y celebrar las pequeñas victorias, sintiéndose siempre realista y posible.

Donn cuenta con un optimismo inspirador en estos tiempos pesimistas, y una terquedad qué lo emparenta con los héroes de los mangas y los personajes de Stallone, de tal manera que deseamos que se salve, que lo logre, que se reúna con su familia, todo esto con una fotografía preciosa en localizaciones impresionantes, e interacciones familiares creíbles tanto antes como después del suceso, basado en una historia real es otra buena adición a los valores que Stallone ama visibilizar, y que uno ve con admiración cuando vemos a los protagonistas reales, que vivieron y disfrutaron su vida, porque para eso la tenemos, para compartirla con nuestros seres queridos mientras aprendemos en el proceso.

Calificación: Competente

Cinecritica: Lilo y Stitch

"LILO Y STITCH" ("LILO & STITCH", ESTADOS UNIDOS - AUSTRALIA - CANADA, 2025) DE DEAN FLEISCHER CAMP

De alguna manera las versiones live action de la casa productora todo poderosa Disney se las arreglan para que ser más largas que las versiones originales, pero contar menos, es algo increíble, en el peor sentido de la palabra, pero aquí nuevamente lo logran, y lo que es peor, como de costumbre destruyen, contradicen y despotrican contra los mensajes de las cintas originales, supuestamente con el afán de "actualizar" las historias, pero más bien parecen una agenda impuesta, pero eso es otro tema, y todas comparten una situación ridículamente idiota, intentan emular momentos y escenas de las originales pero sin entender porque funcionaban entonces, destruyendo el contexto y la importancia de estas, y en los chistes el remate, como ejemplo de esto la escena donde Stitch construye una ciudad con lo que puede en el cuarto de Lilo, emulando la cinta "Earth vs. the Spider", que vio en una tienda, en ese momento Lilo descubre la maldad intrínseca de Stitch, pero comprende que hay algo más detrás, que lo lleva a parecerse a si misma.

Esto repercute en escenas posteriores, donde le dice que en realidad es bueno, que hay bondad en él, y estas palabras afectan a Stitch, estos momentos no están en la version live action, por lo menos no de esa manera, el ataque se emula pero en la playa con arena y filmada de tal forma que veamos que Stitch (Chris Sanders repitiendo papel de voz) incluso tratando de ser malo se ve adorable, por supuesto, para vender millones de merchandising del alienígena que en esta versión no se ve como estrafalaria criatura, sino como un vil peluche comercializable, y seguimos con las tonterías que no funcionan en esta versión, una Lilo (Maia Kealoha, bastante mal) que en lugar de ser la extravagante depresiva adorable de la animada, es una malcriada traviesa y respondona que cae tan mal como desespera, y una Nani (Sydney Agudong) que se ha convertido en una Mary Sue siendo una genio a la que le ruegan que sea bióloga marina, superatleta, la mayor experta en apnea del mundo, y tan empoderada que todo el tiempo mira a los demás por debajo del hombro, incluso a su hermana dándose el lujo de decir que 'Ohana es basura.

Nada que ver con la carismática, madura y fuerte hermana mayor de la primer cinta, que si, ya era una mujer empoderada e independiente, sin necesidad de darle super poderes, por ahí tenemos a una vecina entrometida (Amy Hill) que solo sirve para desestimar el conflicto principal de la cinta, ah, y hacer de David (Kaipo Dudoit) un personaje sin relevancia, casi sin presencia y que uno no entiende como al final termina de pareja de Nani si no se trabajo en nada de eso, una trabajadora social (Tia Carrere, voz de Nani en la versión 2002) que solo estorba en la trama y termina afectando al personaje de Cobra Bubbles (Courtney B. Vance, terrible) que tampoco aporta nada, más que perder tiempo con momentos de relleno, lo mismo que Pleakley (Billy Magnussen) y Jumba (Zach Galifianakis) que no funcionan como personas de carne y hueso, destruyendo además el desarrollo de Jumba de padre ausente a postizo haciéndolo malo porque desaparecieron a Gantu, por ahorrar presupuesto supongo.

Y así un sinnúmero de personajes, cambiados, modificados, agregados, desaparecidos, que siempre son para peor, y ahora vamos a los problemas de narrativa, en la original Lilo pide un deseo y Nani escuchándola en secreto se lo intenta cumplir comprándole una mascota que resulta ser Stitch, aquí no sucede esto y Nani odia al bicho, además de que no existe la interacción final que los acerca, y desaparecen un documento clave de la animada, la historia del patito feo que obsesiona a Stitch porque se identifica con ella, aquí se la pasan por el forro causando que Stitch nunca tenga desarrollo, la critica a los turistas desaparece, ahora se ríen de los hawaianos obesos (y somos inclusivos eh), el chiste de los mosquitos desaparece, el final no tiene sentido, la resolución es tramposa y facilona, y chotean tanto la palabra 'ohana que da hueva escucharla, además ese final... donde Nani decide ser feliz porque primero va ella y después ella, y si queda tiempo ella, dando un mensaje de que pensemos en nuestras metas y sueños antes que en la familia, en conclusión un desastre que desgraciadamente tiene tanto éxito que ya viene la secuela, para vender más peluches con cintas sobre-explicativas, sobre-expositivas, feas y cansinas, todo sea por el cochino dinero.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Lilo y Stitch

"LILO Y STITCH" ("LILO & STITCH", ESTADOS UNIDOS - JAPON, 2002) DE CHRIS SANDERS Y DEAN DEBLOIS

En el planeta Turo la federación galáctica condena al científico chiflado Jumba (voz de David Ogden Stiers) debido a que realizo experimentos genéticos ilegales, creando al experimento 626 que no solo es la maldad pura, sino que es prácticamente indestructible, por lo que es encerrado sin posibilidad de movimiento, algo que no lo detiene mucho tiempo, escapando del capitán Gantu (voz de Kevin Michael Richardson), robando una nave y estrellándose en Kaua'i, una de las principales islas de Hawái, debido a esto la gran concejala (voz de Zoe Caldwell) quiere destruir la tierra, pero es detenida por el ingenuo agente Pleakley (voz de Kevin McDonald) quien le recuerda que es el refugio de los mosquitos, por lo que deben ser precavidos y no alterar el ecosistema, así que a esté le toca ir junto con Jumba para capturar o eliminar al experimento, antes de que lleve su destrucción por todos lados.

Es así que comienza la ultima gran cinta animada de la casa Disney (sin tomar en cuenta a Pixar por supuesto, que eran una productora aparte), con esta premisa contradictoria, bobalicona y fantasiosa, que no teme ser todo lo inverosímil que se pueda, y con humor que se aleja de la casa del ratón para parecerse más a la del rival Warner, pero eso si, conservando todo el edulcoramiento posible, pero sin que nunca se sienta chantajista, así el monstruo extraterrestre 626 que "es pura maldad" llega a Hawái para desatar caos y destrucción, pero siendo tan torpe que termina atropellado y rescatado por un refugio de animales, donde es adoptado por la depresiva pero centrada Lilo (voz de Daveigh Chase, bien), algo que idea el mismo monstruo ya que descubre que esta siendo cazado por la pareja de extravagantes extraterrestres que se hacen pasar por humanos con solo un sombrero, bigote, peluca y algún vestido sexy.

Por otro lado Lilo es una niña con gran imaginación que esta pasando una etapa complicada debido al fallecimiento de sus padres, además de que se aleja de lo que se considera "común", con una afición por fotografiar extranjeros - como obvia moneda de cambio -, y fanatismo por la música del "Rey", el gran Elvis Presley, y con un carácter tan fuerte que no duda en desgreñar, golpear y morder a las pedantes compañeras que le hacen la vida imposible, por si fuera poco su hermana Nani (voz de Tia Carrere) tiene que cuidarla haciéndola de mama obligada, abandonando su pasión por el surfismo, y buscando empleo y tiempo que le den la custodia, para acabarla de amolar el nuevo encargado de servicios sociales, el duro y serio Cobra Bubbles (voz de Ving Rhames), le tiene puesto el ojo, con todo y amenaza de llevarse a la pequeña si no demuestra que es apta.

De tal manera que tenemos dos historias que inevitablemente van a convergir para cambiar totalmente su vida, la pequeña Lilo nombra al destructor como Stitch (voz del mismísimo director Sanders, que entrega principalmente gemidos y ruidos guturales siendo sin duda algo vital para para la cinta), e intenta ganárselo, porque quiere creer que dentro de él es bueno, pero Stitch no se lo pone nada sencillo, destruyendo lo que puede, con ansias por conquistar, y siendo más grosero de lo que uno podría esperar en una cinta Disney, hasta llegar al punto en que las hermanas deben demostrar que pueden con el paquete, una obteniendo un empleo y la otra demostrando que Stitch puede vivir en sociedad sin ser un peligro, con todo e hilarante montaje de empleos fallidos y Stitch aprendiendo de Elvis.

Para estos momentos uno ya debe estar rendido ante la cinta animada, en primer lugar porque la hermosa animación con fondos de acuarelas es hermosa, porque el diseño de sus personajes son entrañables y originales, porque ese dibujo a lápiz destila alma por todos lados, porque la banda sonora de Elvis es majestuosa y se usa perfectamente en cada ocasión, porque las canciones de las bandas hawaianas son sorprendentes y sirven narrativamente, por la fluidez de la animación y el ritmo de la cinta, por el socarrón

humor que hasta peca de violento, por su mofa a los turistas invasores que se están robando la isla, por el humor absurdo que nunca se abandona con todo y extraterrestres camuflajeados flojamente, por la trama sencilla pero eficaz con problemas complicados pero comunes, por ese retrato de la depresión infantil, por el dilema existencialista de Stitch mostrado por medio del relato del patito feo, por la tirante y realista relación de hermanas, por el romance buscado por el insistente bonachón David (voz de Jason Scott Lee), por la trepidante acción final, y en especial por la maravillosa manera en que esta mostrado el mensaje de 'Ohana que como todos sabemos, significa familia.

Al final el pequeño monstruo azul adorable me gano, no solo tiene un desarrollo de personaje bien realizado, pasando de ser un patán violento a un tipo que acepta sus responsabilidades y entiende las necesidades de los demás, sino que encuentra algo que ni siquiera buscaba, no sabia que lo necesitaba, pero al tenerlo no puede evitar desearlo, Stitch no es un monstruo aunque lo hayan creado para ello, y lo hayan convencido de que eso era, pero tampoco es una perita en dulce, pero eso aplica para todos los personajes de la historia, incluso por ello se siente tan alejado de lo que regularmente hace la casa de animación, una película donde la ambigüedad impera por todos lados, pero que sabe que al final sus personajes deben aprender una lección, una muy compleja y profunda, aunque pueda resumirse en 'Ohana, Familia, y esta significa que nadie se queda atrás ni se olvida, por ello mismo, esa adición final de Stitch a la fotografía significa tanto y tantas cosas, y uno casi no puede evitar la lagrima en medio de una sonrisa de bobo.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Tár

"TAR" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE TODD FIELD

En la mejor escena de esta majestuosa cinta, Lydia Tár (Cate Blanchett, simplemente perfecta) esta dando una clase especial en Juilliard, no le parece la música que quiere dirigir un alumno ya que este no sabe que significa, de hecho Lydia piensa que ni la autora sabe que significa, por lo que le recomienda comenzar por Bach, a lo que el chamaco comenta que para él es imposible, siendo BIPOC (Black, Indigenous, and People of Color) y pansexual, no soporta la idea de escuchar a un compositor blanco, cisexual, y misógino, esta respuesta molesta a Lydia, quien le cuestiona que tiene que ver tiene que ver esto con su obra, el muchacho se mantiene ofuscado, el tipo tuvo como veinte hijos, y recibe un - "cierto, esta

documentado ¿y que?", el chico cada vez más espantado se mantiene terco en su decisión, en tanto Tár no entiende porque no separa la obra de la persona que la creo, argumentando qué se está perdiendo algo bellísimo, que Bach al contrario de él, no era cerrado, por el contrario su obra es un compendio de preguntas sin respuestas que invitan al oyente a responder, desde mi butaca no podía más que afirmar que los argumentos de Tár eran mucho mejores que la ridícula búsqueda de ofenderse por todo del chamaco, pero Lydia al ver que no pudo convencerlo comenzó a dar argumentos más duros, más claros, más cínicos, que golpearon directamente al chico, demostrando su temperamento y alcances, algo que entendemos le acompañó toda su vida y que forma parte de su difícil carácter, para bien y para mal.

Este momento, es toda una declaración de intenciones, por parte del director y guionista Field qué nos tira la pregunta clave en esta época de cancelaciones post metoo, ¿es válido despreciar, menospreciar o destruir la obra de un autor por los defectos personales de esté? La respuesta correcta por supuesto, es que no (por lo menos desde este rincón), pero como Bach, Field se niega a contestar y nos pone en una encrucijada vital, porque Tár también defiende mi argumento pero justamente porque ella no desea que su obra sea medida con su persona, ya que ella sabe mejor que nadie, que esconde muchos defectos y secretos, es así como este estudio de personaje va desarrollándose con un ritmo pausado, tranquilo, armando poco a poco la complicada maraña que es el pensamiento, el actuar y la vida de la talentosa directora de orquesta Lydia Tár.

Que lo mismo da una entrevista pretenciosa donde suelta complejas palabras en hebreo y alemán al tiempo que dicta difíciles referencias para que nadie las entienda, y de esta forma demostrar que es superior a los demás, pero explayándose con seguridad, su gélida belleza, su pensado vestir, y sus palabras casi en verso para que todo mundo quede maravillado, incluido el respetable que la ve a través de una pantalla, de ahí vemos como esquiva a un arrastrado y mediocre director judío (Mark Strong) al que tiene que soportar porque de ahí viene el dinero,por más que sabe que no hay talento ahí, por más que lo compre, para pasar a la mencionada escena tirante con el desquiciante alumno, grabada en una sola toma donde el espacio se maneja de manera perfecta, y seguir con un vistazo a su vida en Alemania, donde la espera su paciente esposa Sharon (Nina Hoss, exquisita), su amada hija Petra (Mila Bogojevic) y la orquesta donde rige con mano de hierro, después de todo "no es una democracia".

Lydia es muy talentosa, es dedicada, ama su trabajo, y en especial adora su música, pero también es cierto que se ama y adora a su misma, de tal forma que siempre esta buscando la forma de engrandecer su figura y leyenda, mirando a todos por debajo del hombro, dándose aires de importancia, y dejando claro que es un genio, porque en realidad lo es, y uno bastante centrado, que no se ampara en ser mujer, ni busca trato preferencial, lo que tiene es por su talento y trabajo, nada más que eso, al grado de realizar pequeñas obras en secreto para personas cercanas, pero conforme avanza la cinta vamos viendo que Tár no es la persona intachable que ella desea mostrar, tiene por ahí un oscuro secreto que siempre intenta evitar con el nombre de Krista, que al final será el detonante de su destrucción, alguien grabo y editó la clase para funarla, han llegado serios alegatos contra su persona, y hasta su círculo cercano la acusa de tener tratos "preferenciales", esto junto a un enojo la llevan a tomar una decisión terrible.

El abandono de los ricachones al primer problema, el no poder dormir, las alucinaciones cada vez más vividas - con todo y espectro deambulando -, el enfrentamiento de su mujer espetándole que todas sus relaciones son transacciones a su favor, y en especial su terrible encaprichamiento con una joven chelista (Sophie Kauer) que no solo la desenmascara, sino que cambia el juego de poder qué ella siempre ganó, al final entendemos que Lydia usaba su poder, su posición, para poder engatusar a las jóvenes promesas, un juego de poder que nada tiene que ver con género ni profesión, sino con colmillo y estrategia, una que por primera vez juega en su contra, y la lleva a acorralarse aun más, perdiendo quizá la único que amaba además de ella, su pequeña hija, ¿o solo la desea por orgullo?

Es cierto, Lydia Tár merece mucho de lo que sufre, pero también es cierto que muchas de las cosas que vive no tienen nada que ver con lo que hizo, y más que ver con destruirla y aprovecharse, porque ante la caída de una persona todos van tras ella, no por justicia, sino por el poder que dejó vacante, sea robándole las composiciones, sea dejándola sola, sea criticarla porque es cancelable, tomando su lugar profesional , destrozando su legado, y denigrando su obra y talento, por lo menos todavía hay lugares en el mundo donde puede resetearse, comenzar de nuevo, recordando que la música sirve para demostrar sentimientos que las palabras no pueden definir, y con ello, llorar quitándose aunque una sola vez la máscara(s) impuesta de por vida en una escena tan sentimental como maravillosa.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Fight or Flight

"FIGHT OR FLIGHT" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2024) DE JAMES MADIGAN

Lucas Reyes (Josh Hartnett aguantando catorrazos al por mayor) es un mercenario, que tuvo sus años de gloria al servicio del gobierno de los Estados Unidos, pero por hacer lo correcto un día - aguantar a fregazos a un político que gustaba de maltratar mujeres - fue puesto en la congeladora debido a las conexiones del depravado, ahora esta varado en Bangkok Tailandia donde se la pasa borrado un día si y el otro también, liquidando a los matones que se animen a prestarle, hasta que un fatídico día es contactado por su ex Katherine (Katee Sackhoff) quien ahora tiene un buen puesto en el gobierno y una empresa privada, le pide ayuda para detener al "fantasma", un hacker que le causa dolores de cabeza a todos los gobiernos, y del que no habían tenido pistas hasta ahora, el tipo acepta a regañadientes con la promesa de que le regresaran su antigua vida, así que sube al avión y se dispone a resolver el misterio.

Pero en el primer trago que le ofrece su compañero de asiento se da cuenta que lo han drogado, por lo que es casi asesinado de no ser por un golpe de suerte, y su capacidad para aguantar castigo, a partir de aquí no cofia en nadie y hace equipo con los azafatas para descubrir donde esta el fantasma y quien más es asesino. Siendo sincero la historia no tiene pies ni cabeza, toda la trama se siente rebuscada pero uno entiende que es solo una excusa para ver a este pobre diablo aguantar castigo, enfrentándose a múltiples asesinos, mercenarios, psicópatas y demás parafernalia al tiempo que intenta resolver el misterio que al final no resulta nada misterioso, por lo que todo se limita a ver las escenas de acción, disfrutar las escenas de peleas coreografiadas, y reírse con las ridiculeces que la cinta abraza casi deseando ser una serie B o hasta Z, con todo y veneno se sapos y alucinaciones coloridas pero sangrientas.

Por ello el alma de la película es un Josh Hartnett que vive un segundo aire y que acepta su papel con gracia, siendo que básicamente es poner cara de tonto incrédulo en todo momento, y aguantar muchísimo castigo ya que se nota que en realidad es él quien es azotado, aventado, golpeado, mallugado, acuchillado, y arrastrado por todos lados por mercenarios rusos, asiáticos con gusto por las armas blancas, árabes suicidas, y asesinos a sueldo anglicanos a los que vemos sucumbir con gusto, más que acción es una cinta cómica que acepta a lo que va, con un Hartnett que se defiende como sea de una sádica asesina conteniéndose y disculpándose porque es mujer, que aunque lo traigan como saco sigue preguntando que sucede, y que hasta saca una motosierra nomas porque si, porque se ve cool y lo vieron antes en el clásico "Evil Dead: Army of the Dead".

Para redondear el humor tenemos a Danny Ashok como el aeromozo que nunca para de gritar, asustarse y correr, y a Hughie O'Donnell como ambicioso aeromozo incapaz de corretear la chuleta aun en una situación ridícula, y Charithra Chandran como la azafata profesional que se mantiene ecuánime ante la situación, en pocas palabras, desmadre, comedia, violencia y mucha sangre en una cinta que no se toma en serio jamás, incluso la escena de apertura cuando llega es diferente, de tal manera que uno sabe que a veces las cosas se ven o suceden así solo para lograr un efecto o que se vean bien, ya depende de cada quien si entra en la convención o no, si se logra hasta las maestras en artes marciales salidas de la nada harán gracia, si no la pelicular será un suplicio, por lo menos se anima a poner sobre la mesa que el gobierno y las empresas están tan coludidas que son lo mismo, y la esclavitud infantil legal en Asia, ni los filmes "serios" se animan a ello.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Kraven El Cazador

"KRAVEN EL CAZADOR" ("KRAVEN THE HUNTER", REINO UNIDO - ISLANDIA - CANADA - ESTADOS UNIDOS, 2024) DE J.C. CHANDOR

Al parecer el sonyverso ha muerto, o por lo menos ha quedado en pausa, y francamente es lo mejor que le podía suceder, su intento de saga estilo marvel para presentar a todos los villanos para después enfrentarlos a Spiderman nunca funciono, de hecho nunca despego, en gran parte por ese problema que tiene hollywood en la actualidad de ser incapaces de tener a un villano como protagonista, o son antihéroes o están traumados por lo que se supone tienen excusas, y muchas veces ambas, de tal forma que ya nadie es malo, por lo menos los protagonistas, y esto causa el problema de que tengan que tener otros villanos, que ahora si son malos porque si, y que quizá en el futuro tengan su película explicando que no eran malos sino incomprendidos, el caso es que todos estos personajes ya no pueden ser los villanos de Spiderman porque los hicieron buenos, al grado de sacrificarse por la humanidad en la detestable "Venom el Ultimo Baile".

Terminando de soltar esta perorata ahora vamos a lo que interesa, la cansina, aburrida y mala película con la que tomaran una pausa, al inicio vemos a Kraven (un Aaron Taylor-Johnson dedicado echándole muchas ganas) entrar a una cárcel para asesinar a un malo malote, después de la presentación llega un flashback alargadísimo donde vemos toda su pasado, cuando era un adolescente rebelde (Levi Miller) que se la pasaba peleando con su padre (Russell Crowe, correteando la papa, la chuleta, y los postres) y que en un safari de caza es mordido por un león legendario, además le cae una gota de sangre del león en su torrente, y le dan un agua mágica, y ta tan, ha nacido Kraven, un superhéroe que vive en la naturaleza, convive con los animales y puede manejarlos cual "Aquaman" terrestre, y caza a los cazadores furtivos para vengar a los animalitos, y de paso mata a hombres malos como ya vimos al inicio.

En pocas palabras es Punisher con superpoderes, que además se adaptan a las necesidades de la trama, convirtiéndolo en un Gary Stu, a tal grado que cuando lo matan o derrotan siempre llega Calypso (Ariana DeBose repitiendo la maldición post oscar) para salvarlo, los malos son el Forastero (Christopher Abbott) que no pinta nada en la trama y Rhino (Alessandro Nivola) con un diseño horrible con mochilita incluida, se supone que también hay drama familiar con el padre y hermano (Fred Hechinger) de donde saldrá otro villano de Spiderman, en cuanto a la trama principal va de que secuestran al hermano y debe rescatarlo, brincando y aguantando guamazos, con algo de sangre digital, peleas de pena ajena, y malos personajes que hacen las cosas porque si, ah pero eso si, ad hoc a los tiempos Kraven el Cazador en realidad no caza animales, es más, ni siquiera come carne sintiendo orgullo de su veganismo, y también ad hoc a los tiempos es una pésima película, ¿Cómo se metió J.C Chandor en esto?

Calificación: Churro

Cinecritica: Un Viaje de Sobriedad

"UN VIAJE DE SOBRIEDAD" ("THE OUTRUN", REINO UNIDO - ALEMANIA, 2024) DE NORA FINGSCHEIDT

En un momento clave de esta biopic, la inteligente, metódica, organizada y seria Rona (una entregada Saoirse Ronan, impecablemente brillante) le pregunta a un señor de edad avanzada con quien comparte el mismo problema que si en algún momento será más sencillo, que si va a llegar el tiempo en que lo supere completamente, a lo que este le contesta honestamente que nanai, que nunca se vuelve sencillo, y que día a día lucha contra la tentación como si fuera el primero, además de recitar los años, meses, días y horas que lleva sin probar alcohol, como pasmosa evidencia de la dificultad del asunto, pero también le señala lo bueno, el cambio de vida que ha tenido, y la mejor persona que puede llegar a ser, estos momentos de honestidad son lo que separa la cinta de un genero muy recurrido y al que parecería que ya no se tiene nada que agregar con tantos exponentes y décadas a espaldas.

Esta honestidad - o cinismo -, también se ve en una platica que tiene la joven alcohólica con uno de sus compañeros de rehabilitación, el sueña con ver a sus hijos después de muchos años sin poder hacerlo por su adicción a las drogas, esta optimista, entusiasmado, pero la siempre impávida Rona mantiene una mirada indiferente para soltar algo así como "solo soy feliz cuando estoy tomando", una declaración muy fuerte que junto a los otros diálogos como el mencionado al inicio dicen algo que no muchas cintas e historias se han atrevido a sostener, que un alcohólico solo es feliz cuando esta probando/tomando alcohol, no solo porque es una adicción, sino porque en realidad, en verdad es feliz en esos momentos, es una idea tan valiente como dolorosa, pero quizá por ello profunda y complejamente real.

Ese mismo atrevimiento y dualidad es tomada por la directora, que juega con la narrativa no lineal dando saltos en el tiempo sin especificar jamás en que momento estamos, casi como si nos intentara meter en la confusa mente de su protagonista, pero específicamente para mostrar esta dualidad completamente diferente de la vida de Rona, pero también de la persona que es en uno u otro momento, así que pasamos de verla en el presente conviviendo con su familia para inmediatamente pasar una escena donde se cae de borracha en un antro, para luego mostrarnos una de su niñez quebrada con padres divorciados y papa bipolar, cambiar a cuando su relación se rompió y deambulaba por las calles lidiando con un abusador, regresar al presente donde apenas aguanta vivir en las islas Orcadas, ver su rehabilitación, movernos a su llegada a Londres con todo el futuro por delante, cambiar a cuando le reclamaba a su novio que sus intentos de protegerla eran en realidad excusas para controlarla y un largo etcétera.

Todo esto con la única pista de los variopintos cambios de cabello de la protagonista, que además de servir para ello nos dan una idea del estado de animo en su cabeza, es complicado al inicio pero conforme avanza la historia el rompecabezas se arma de forma orgánica, y aunque algún momento no podamos incrustarlo en un tiempo exacto no importa, porque esos momentos valen por si mismos, ya entendemos la complejidad de todo el asunto, uno donde una joven brillante y seria ama salir de juerga para después de unas cervezas convertirse en la estrella de la noche, y luego en la villana con sus accesos de cólera, berrinches y tonterías, tocar fondo, intentar salir del agujero al rehabilitarse - solo un 10 % lo logra -, ir a las islas Orcadas con su familia, e incapaz de frenarse castigarse yendo a la pequeña isla solitaria de Papay donde sufre las inclemencias del clima y su soledad, algo que le ayuda a conocerse a ella misma y conectar con la naturaleza, quizá nunca pueda volver a ser feliz al no probar una gota de alcohol, pero quizá si tenga sus momentos felices en otros lados, esperando ser encontrados como ese graznido casi mítico de la codorniz que busca.

Calificación: Bastante Bien