Cinecritica: Gladiador

"GLADIADOR" ("GLADIATOR", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO - MALTA - MARRUECOS, 2000) DE RIDLEY SCOTT

Russell Crowe hace un general romano con pesadumbre pero increíblemente carismático cuyo destino es sufrir lo indecible para luego tomar venganza al mismo tiempo que le da esperanza a un imperio en decadencia, Joaquin Phoenix se divierte de lo lindo haciendo un psicópata histriónico que hace caras y gestos en plena masacre de gladiadores y Ridley Scott usa todo su talento para entregar hazañas visuales que nos transportan al mismismo imperio romano con todo y momentos en los que uno quiere saltar del asiento sacar la espada y enfrentarse a los enemigos, otros donde abre los ojos como platos y algunos más donde el nudo en la garganta está a punto de ganar la batalla y convertir todo en un rio de lágrimas, algo casi imposible de lograr con ese soundtrack y la bellísima canción original que es imposible de escuchar sin conectar con esta cinta, el resurgimiento del péplum o cine de romanos, y de las cintas grandilocuentes y ambiciosas pero de una forma sencilla, con la ambición de entretener al respetable, de otorgarle un espectáculo digno de celebraciones, sin mensajes pesados y exceso de simbolismos, como si fueran la versión cinematográfica de ese circo romano, siempre apantallante, a veces emocionante, y algunas veces vibrante.

La verdad sea dicha, esta cinta toca las teclas correctas en todo momento, de tal forma que por más que se alegue la veracidad histórica de la misma - una ridiculez ya que el cine no es una clase de historia - es imposible negar que tiene momentos donde se le pone a uno la piel de gallina, y otros donde emociona hasta las lágrimas, de tal forma que cualquier persona que la ve por queda genuinamente emocionado, y aunque se revisite muchas veces nunca cansa, es un entretenimiento cinematográfico en todo su esplendor, algo en lo que Scott es un maestro, podemos criticarle que rueda algunos guiones fallidos, que tiene manía por sacar múltiples versiones de sus cintas, y que a veces se alarga en demasía, pero cuando graba cine, esos momentos de batalla, de usar la cámara para transmitir algo, de usar imágenes para crear mundos y darnos sensaciones, el tipo casi siempre da en el blanco, de tal manera que aunque nadie los una, esta cinta tiene sus mejores momentos en el cine en estado puro, esos instantes de batallas, esas imágenes, esos fotogramas que quedan en la memoria.

Además de que aquí presume de una trama sencilla y funcional, pero que se eleva por encima por presentar una narrativa con la historia del héroe clásico, con todo y su caída, camino y redención, con diálogos que perduran en la memoria por la fuerza de los mismos, y que a la fecha son recitados de memoria incluso por gente que no es aficionada al cine, por supuesto en eso ayuda mucho un reparto intachable con un Crowe en estado de gracia, que es capaz de transmitir su tristeza, decepción y deseo

de venganza sin pronunciar una palabra, pero que al mismo tiempo no cae en la depresión ni nos lleva a ella, por el contrario el heroísmo, el respeto, el honor, el orgullo y el amor es lo que lo mueve, y sabe demostrarlo perfectamente, con sus ojos, sus gestos, su lenguaje corporal y hasta su mera presencia, además de conservar todavía destellos de humor que evitan que la cinta caiga en pesadumbre, y cuando habla, lo hace solo para decir frases épicas y poderosas, lo que le confiera un aura aún más heroica.

Maximo Decimo Meridio (Russell Crowe, excepcional) es general del ejército romano y es quien lidera la guerra contra los barbaros germánicos en una batalla inicial que demuestra la maestría de Scott al montar espectáculos épicos de primer nivel, cuando esta termina conocemos al emperador Marco Aurelio (Richard Harris dando catedra) quien le confiesa que está próximo a morir y quiere cederle el poder para que a su vez este se lo pase al senado cuando esté listo, Maximo no está de acuerdo, solo quiere regresar a casa para pasar lo que le resta de vida junto a su mujer e hijo, pero no puede negarse a una petición tan importante, en tanto que los hijos del emperador, la prudente Lucilla (bellísima Connie Nielsen) y el ambicioso Comodo (un adecuado Joaquin Phoenix enloquecido y desatado) llegan al lugar, a la primera su padre se queda a medias sobre lo que quiere hacer, a su hijo le dice la verdad y eso cobra su vida, algo que de inmediato nota Maximo que decide no darle su lugar al nuevo emperador.

Pagando con su vida y la de su familia, el escapa de la muerte por un pelo, su esposa e hijo no tienen tanta suerte, sin nada porque vivir es tomado como esclavo y su compañero Juba (un carismático Djimon Hounsou poniéndole el grado de humor necesario al asunto) le salva la vida, cuando es enviado a la arena decide ayudar a los demás y ganar la pelea, demostrando al dueño de esclavos Proximo (Oliver Reed, sensacional) que tiene lo necesario para ser un gran gladiador, como Comodo reinstalo los juegos del coliseo y tiene días inagotables de estos en honor a la muerte de su padre Proximo ve una oportunidad de oro, en tanto que Maximo ve la opción de llegar a Roma y con ello al mismo emperador en busca de venganza, el único motor de vida que le queda, lo que sigue es una épica romana de esas que ya no se usaban, con un héroe realizando proezas dignas de relatos, con un Scott demostrando su maestría visual y su manejo del ritmo, no hay un solo instante que parezca de más y al mismo tiempo nunca se siente apresurado.

Así que vemos a Máximo liquidar a múltiples enemigos sin inmutarse y reclamarle al público que si le gusta el espectáculo, en una muestra de moral dolida, para luego ayudar a su equipo a sobrevivir en una desigual batalla contra unos africanos en bigas y luchar con el mejor gladiador en medio de un grupo de tigres de bengala, todo esto con muchísima emoción, al mismo tiempo que se desenvuelve una trama paralela donde Comodo quiere acabar con el senado para tomar el poder completo y algunos miembros del senado confabulan para ayudar a la amenazada Lucilla en derrocar a su hermano, viendo como herramienta crucial la fama y respeto que tiene Maximo con su ejército y el pueblo mismo, Phoenix lo hace genial como ese enfermizo hombre incestuoso deseoso de poder que a la vez es patético y amenazante, y también aparece por ahí Derek Jacobi otorgándole mucha clase al asunto, y mostrando el lado menos feo de la política.

La producción es majestuosa, con muchos decorados gigantes, uso de sets grandilocuentes y un uso de buenos efectos especiales - para la época - que están a disposición de la película, el vestuario es fabuloso y la banda sonora de Hans Zimmer y Lisa Gerrard logra ser épica al tiempo y sentimental al mismo tiempo, con "Now We Are Free" como la joya de la corona en ese final de antología que lo deja a uno destrozado pero extrañamente feliz, un final agridulce preciso para una épica histórica, y donde uno puede recitar felizmente esos diálogos que perduran en el pensamiento popular, - "Lo que hacemos en la vida resuena en la eternidad", "Me llamo Maximo Decimo Meridio, comandante de los ejércitos del norte, general de las legiones Félix, leal servidor del verdadero emperador Marco Aurelio, padre de un hijo asesinado, marido de una mujer asesinada, y alcanzare mi venganza en esta vida o en la otra" y por supuesto "Ve con ellos", "¿Roma vale la vida de un buen hombre? eso creímos una vez, hagan que volvamos a creerlo, Él fue un soldado de Roma, ríndanle homenaje", estos momentos siguen causando la misma grata impresión. ¡Fuerza y Honor!

Calificación: Excelente

Cinecritica: Gladiador II

"GLADIADOR II" ("GLADIATOR II", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO - MARRUECOS - CANADA - MALTA, 2024) DE RIDLEY SCOTT

Se antojaba muy complicado que la secuela de esa más que notable cinta de Scott de inicios de este milenio lograra el efecto que tuvo la anterior, ni que alcanzara esas cotas de calidad, más aun pensando en como todo se conjunto en su momento para que se lograra esa calidad en todas sus facetas, esta secuela sufre el problema de secuelitis, es en rasgos generales un remake de la cinta anterior, ya que comparte la premisa principal y sus escenas parecen ser ecos de escenas de la primera, ademas de usar escenas de la anterior de forma directa, lo que parece más una apelación a la nostalgia que a un verdadero uso narrativo, ademas de que destruye ciertas ideas o usa cuestiones que en la primera eran diferentes o ambiguas con tal de dotar de cierta fuerza emocional a cuestiones que en realidad no lo tienen, ya que esta película esta consciente de sus limitaciones narrativas y en historia, por lo que intenta de cualquier manera aferrarse a algo de lo épico y dramático de la majestuosa cinta original.

Hanno (Paul Mescal) lucha defendiendo un fuerte en un puerto junto a su mujer (Yuval Gonen) de los romanos, pero son derrotados, la mujer muere y Hanno es tomado como prisionero, vendido a un tratante de esclavos llamado Macrinus (Denzel Washington robando cada escena en la que aparece) que a su vez le promete venganza contra el general Acacius (Pedro Pascal en un personaje sin aristas) siempre y cuando gane, así que Hanno anda en su búsqueda por venganza donde tiene que enfrentarse a changos salidos de algún juego de "Resident Evil", rinocerontes blancos gigantes, y tiburones en una pelea naval en pleno coliseo inundado, con esto dicho queda claro que a Scott no le interesa el rigor histórico, por el contrario parece burlarse del mismo, quizá a proposito para levantar ínfulas en aquellos que tanto le han reclamado desde la primer "Gladiator" y su vilipendiada "Napoleon", como no se toma en serio nada, es obvio que nos invita a lo mismo, a ver un espectáculo circense en el que solo interesa el show.

El problema de esto es que después de que parece que se nos invita a esa locura desbordada la cinta toma un gravitas que no embona entre tanto desmadre y fantasía, repitiendo las mismas frases de la cinta anterior pero sin contexto en lo que sucede en pantalla, e incluso con dos discursos al final que se sienten didácticos y facilones, uno no termina de creerse que palabras tan vanas de alguien que no conocen causen tanto impacto en ellos, no lo logra ni en nosotros, que hemos seguido en todo momento al protagonista, en general este viaje del héroe tiene menos fuerza por varios detalles, en primera no se entiende tanto deseo de venganza del protagonista contra alguien cuando es una acción normal en una batalla, no es personal, aunque Hanno lo tome así, tanto así que se convierte en un ente vengativo a diferencia de Máximo, que aunque buscaba venganza, está nunca estuvo por encima de su moral ni sus ideales, de tal manera que en final de aquella cinta lo más importante no es la venganza, sino la defensa de los que ama y valora.

Dicho todo esto, lo cierto es que este viaje no logra su cometido - con todo y Connie Nielsen y sorpresa incluida -, como tampoco lo hace toda esa subtrama de la toma de estado que solo estorba, y se extraña muchisimo la banda sonora anterior que era infinitamente mejor, pero si tiene sus momentos y puntazos valiosos, ademas del manejo de la acción por parte de Scott y lo logrado de la producción, tenemos a esos emperadores gemelos desquiciados, Joseph Quinn como Geta y Fred Hechinger como Caracalla, que tienen sus mejores momentos cuando el chango Dundus (la macaca Sherry) entra en acción, y con un Washington desatado cual gánster en esa época y que desde que dice la filosofía de Cicerón queda claro lo que desea, no esta contento con dejar de ser esclavo sino que desea esclavos a sus ordenes, y de paso un imperio, para lo que es capaz de hacer lo que sea; conspirando, manipulando, utilizando, amenazando y asesinando, simplemente porque el sistema se lo permite, el personaje más interesante por mucho en esta palomera secuela.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Hereje

"HEREJE" ("HERETIC", ESTADOS UNIDOS - CANADA, 2024) DE SCOTT BECK Y BRYAN WOODS

En la primer escena de la cuarta cinta de la dupla Beck-Woods vemos a dos hermanas mormonas hablar sobre una marca de condones, una esgrime que a pesar de la fama son iguales a los demás, y la otra comenta que no puede ser posible, ya que no solo la marca realza esa característica sino que todos están de acuerdo en que una verdad, desde aquí la cinta deja implícita su idea principal, el como una narrativa repetida y publicitada puede afectar la narrativa general de la sociedad para con ella, más allá de lo real o falsa que resulte ser, al final el consenso, la fama, la idea popular, se encuentra ahí, entonces vemos a las hermanas - la segura y directa hermana Barnes (Sophie Thatcher) y la ingenua y dulce hermana Paxton (Chloe East) - tratar de predicar la palabra de Dios, que en estos tiempos a nadie le interesa o de plano hacen risión de ella como esos crueles adolescentes y el chiste de la ropa interior mágica, algo a lo que no es ajeno la inocente Paxton que secándose las lágrimas recuerda ese hilarante musical de South Park donde los ridiculizan.

Con estas platicas y situaciones ya conocemos perfectamente a las chamacas que tienen una parada en una casa en la colina donde los recibe el encantado Mr. Reed (Hugh Grant, en estado de gracia) que las convence de pasar porque afuera hay una tormenta, demuestra interés en el tema religioso y su mujer está dentro horneando una tarta, las mujeres no pueden negarse, después de todo Grant sigue conservando y usando todos esos tics que le dieron fama al ser el carismático y adorable galán de los noventa, un leve tartamudeo, esa atención que demuestra al escuchar a los demás, los ademanes exagerados y nerviosos de su cuerpo, la tierna sonrisa que al mismo tiempo parece una mueca, y esa dicción nerviosa pero atrayente ya que puede cambiar el tono de pronto a decir las cosas con la mayor seguridad posible, todas estas características se usan en un tono muy diferente, ahora su sonrisa adorable como mueca va cambiando hasta convertirse en un gesto malvado, esos ojos atentos cambian a una mirada penetrante, y esa seguridad en los diálogos toman un giro malévolo.

De tal forma que cuando las chicas se sientan y la cierra se puerta nosotros como espectadores ya sabemos que esto no puede terminar bien, algo que ellas también notan de inmediato ya que el "amable" señor Reed si está muy interesado en la religión, pero no en lo que ellas tengan que decir, sino en lo que él les puede cuestionar, por lo que empieza un monologo donde suelta sus ideas sobre su religión, y el como Joseph Smith uso la secta que fundo y a la que pertenecen para poder tener muchas mujeres, algo que Barnes intenta explicar en un argumento que parece pretexto, pero Reed no se detiene ahí, sigue

cuestionando, preguntando, atacando de forma sutil, sugiriendo blasfemias, y finalmente haciendo analogías de las principales religiones monoteístas con el juego de mesa monopoly - que inicio con una idea muy diferente a como se usa actualmente - y demostrando su punto con Lana del Rey que como todas las cantantes actuales tienen cero de originalidad, y como plagio "Creep" de "Radiohead" que a su vez plagiaron "The Air That I Breathe" de "The Hollies" dejando un claro un punto clave.

Toda esta parte de la cinta es magnífica, con un Grant esplendido que usa todas sus características dándoles un giro siniestro, y que justo por esa normalidad, por la amabilidad, por la temática intelectual del ataque, crea un villano muy original y poderoso, demostrando de nueva cuenta que es un gran actor, algo que demuestra película tras película en esta nueva etapa, e incluso le da un tono cómico a todo, uno oscuro, usando humor negro, donde a pesar de la situación nos es imposible contener la carcajada con sus extravagantes muecas, imitaciones, sarcasmos, puntadas y hasta momentos cantados, la segunda parte sigue la historia y avanza más la trama pero

también es cierto que es más convencional, pero continua siendo interesante y sorpresiva, algo que se va perdiendo en su clímax final, donde queda claro el punto del villano, pero más aun su verdadero naturaleza, con todo y mensaje final alentador, lástima que no mantiene el nivel inicial pero en general es una buena cinta, con un villano formidable, y protagonistas inteligentes en premisa interesante, un buen thriller con una fotografía formidable e interpretaciones impactantes en ese juego de gato y ratón que nunca pasa de moda.

Calificación: Bien

Cinecritica: Barbaro

"BARBARO" ("BARBARIAN", BULGARIA - ESTADOS UNIDOS, 2022) DE ZACH CREGGER

Tess (Georgina Campbell, un agradable descubrimiento) llega en medio de una noche lluviosa en su camioneta a un lugar desolado donde solo parece mantenerse en pie una acogedora casita, la chica ha rentado el lugar por medio de una aplicación el lugar pero no encuentra la llave para entrar, nadie le contesta y cuando esta a punto de irse ve una luz encenderse, cuando toca descubre que alguien más se hospedad ahí, el amable y acelerado Keith (Bill Skarsgard, cada vez entregando mejores interpretaciones) al que parece gustarle la chica quien no acepta las insistentes llamadas de su ¿ex? novio, por supuesto que Tess sospecha en todo momento del tipo, y nosotros también, desde que acepta pasar por la puerta y aparecen los créditos esperamos lo peor, después de todo estamos ante una película de terror y cliché obliga que el encantador desconocido resulte ser una amenaza, por lo que pensamos lo mismo que Tess, quien ni tarda ni perezosa le pide pruebas de que también rento el lugar y ante el desagrado de este por la desconfianza tenemos más reminiscencias.

Tess no se toma el te que le preparan sin pedirlo, mantiene su distancia, es renuente a aceptar cualquier idea o cosa que venga de él e incluso toma fotos de su información personal rebasando una linea en la que ya no estamos de acuerdo, pero aun así, por mas encantador, comprensivo y respetuoso que sea Keith, seguimos con cierta desconfianza como la protagonista, que aun después de compartir una botella de vino y una enriquecedora platica con todo y bromas al final no termina de fiarse del tipo, menos aun cuando en la noche escuche algo, vea su puerta abierta y lo vea tener pesadillas, cuando va a verlo uno desconfía de él aun más que ella, Cregger ha logrado su cometido, a jugado con nuestras expectativas y con los clichés, y actualidad obliga, con esa desconfianza que tenemos todos, incluidos hombres y mujeres, por el genero masculino, cual si todos fuéramos unos monstruos hasta que se compruebe lo contrario.

Todo esto motivado por el guion, unos personajes construidos inteligentemente y una astuta dirección que nos regala siempre close ups al rostro preocupado, feliz, triste, molesto, desconfiado y asustado de Campbell en tanto mantiene a Skarsgard desenfocado al fondo, fuera del encuadre, lejos de la cámara, para que no veamos su rostro en todo momento, causando así una desconfianza buscada, y el tipo resulta ser un tipazo, interesante, chistoso y consciente de lo que vive la chica, esto se nota en la hilarante escena donde explica cantinfleando porque no ha abierto la botella de vino, aun así Tess sufre algunos percances que la hacen querer irse del lugar del que querrá salir chicoteada cuando se quede encerrada en el sótano por una razón desternillante que causa tanto nuestras sonrisas como el temor y la tensión, ya que en el lugar hay una puerta oculta, que da a un lúgubre pasillo con una horripilante habitación al final.

Keith llega pero no quiere salir del lugar huyendo, tiene que verlo por sus propios ojos y demostrarle a Tess que es un hombre, lo que sigue es una pesadilla, esta es la primer parte de una película inquietante, que presume mucha inteligencia, suspenso y tensión en esta parte, que muta de una cinta de suspenso a una romántica y finalmente una de terror, después de un corte abrupto conocemos a AJ (un sensacional Justin Long) quien es un actor pedante y creído que recibe la noticia de que su compañera de reparto de lo ha acusado de violación por lo que la cadena y hasta su asesor financiero lo han abandonado, con las deudas hasta el cuello decide vender sus propiedades en la destruida Detroit resultando ser el dueño de la casa de renta, al entrar piensa que alguien la esta habitando, descubriendo la puerta secreta y los pasillos subterráneos, esta segunda incursión en lo profundo del infierno tiene una razón mucho mas desaforada que la primera y es inevitable reír a carcajadas, aunque ya sabemos lo que le espera.

Esta segunda parte es mucho mas ligera, con un personaje despreciable pero simplón, que se metió en un problemón y busca otro mucho peor, para dar paso a una tercera parte que comienza mucho más colorida, con ese Estados Unidos antiguo donde todo era felicidad, romantizado al grado de ser deformado, pero que esconde los peores monstruos, uno que no se esconde en unos túneles/catacumbas sin luz sino a plena luz del día saludados por todos los vecinos, dando paso a una parte final donde entendemos todo, la raíz del mal, el verdadero bárbaro, la critica a la sociedad, a los gobiernos, a las autoridades que ven ciudadanos de primera, segunda y tercera, al machismo dañino que se ve representando en ese monstruo desalmado y al monstruo actual actualizado, menos cínico pero quizá por ello más despreciable y que a final e cuentas son los que creadores de ese monstruo deforme, y a esa desconfiada chica que ya no es capaz de diferenciar entre los buenos hombres de los otros, cual si fuera una metáfora de las relaciones, un patán la destruye, ella no puede fiarse y destruye al hombre bueno para, por culpabilidad, arriesgarse con un nuevo patán peor que el anterior que no duda en salvarse el pellejo tirándola a la basura en ese desquiciante final, todo esto con mucho humor, suspenso y terror en un mundo donde los barbaros campan a sus anchas, andan en plena luz del día, son queridos, admirados y hasta emulados.

Calificación: Excelente

Cinecritica: El Asesino del Juego de Citas

"EL ASESINO DEL JUEGO DE CITAS" ("WOMAN OF THE HOUR", ESTADOS UNIDOS, 2024) DE ANNA KENDRICK

El debut en la dirección por parte de Kendrick resulta curioso por diversas razones, la primera es que trata sobre un asesino serial extremadamente prolífico, el descendiente de mexicanos Rodrigo Jacques Alcala Buquor después Rodney James Alcala, que realizo muchos asesinatos, 150 según algunas estimaciones, del que se ha hecho poco material, en segunda que se opta por enfocarse en la anécdota que lo hizo famoso en lugar de su vida, y que la película le da preponderancia a la historia de la mujer que lo acompaño en el dichoso concurso, esto tiene su lado bueno y su lado malo, comenzamos viendo el modus operandi de Alcala (Daniel Zovatto, bien) que tiene el tacto para escuchar, es paciente, conversador, culto e interesante, para luego mostrar su verdadera y destructiva naturaleza sádica, de ahí conocemos a Sheryl (Anna Kendrick), una aspirante a actriz que está a punto de darse por vencida, pero que ve como última posibilidad presentarse a un programa de citas para obtener visibilidad según su agente.

Deambulamos entre la vida de Sheryl que no hace otra cosa que presentarse en castings donde no la pelan, soportar el coqueteo agresivo-chantajista de su vecino (Pete Holmes) y querer rendirse, y lo interesante, algunos de los ataques del asesino que van desde una pobre mujer que comete el error de pedir ayuda para subir unos muebles, una chica que escapo de casa a la que convence de ser su modelo y una chica que acaba de terminar con su novio, aquí es donde conocemos la naturaleza de Alcala, ya entrando al programa Kendrick apuesta por lo mismo, en medio del programa que va de lo interesante a lo penoso se nos intercala una subtrama con la amiga de una víctima del asesino que la reconoce, pero todo mundo la tira a loca, así hasta la anécdota real, Sheryl escoge al asesino en serie pero al convivir un poco más con él siente algo extraño y decide no salir con el tipo, y luego un final que aunque cortado, presenta al personaje femenino más fuerte e interesante, al superviviente Amy (Autumn Best, bien).

A grandes rasgos esa es la historia de la cinta, y aunque técnicamente es buena, la dirección de Kendrick es cumplidora y tiene momentos inspirados, la recreación de época es estupenda a excepción de los peinados, y la fotografía es hermosa, otorgándole tonalidades claras y poderosas, pero en cuanto a la edición, no me termina de convencer, la idea de que brinque abruptamente de fecha me parece buena pero mal implementada, y creo que aunque Zovatto actúa bien no era el indicado, Alcala era bien parecido, por ello las mujeres eran atraídas y caían con él, aquí Alcala parece asesino serial desde km de distancia, Kendrick se guarda el papel protagonista pero el personaje carece de la fuerza que ella piensa, aunque presuma la mejor escena del filme - el tenso escape en el estacionamiento -, en realidad es más interesante el papel de Best, y nos quedamos con más ganas de ella.

Y finalmente el subtexto que casi siempre estorba, para la directora está claro, todos los hombres somos monstruos a temer y por culpa de nosotros esos monstruos eran libres, por ello su vecino es un pusilánime, el conductor un idiota engreído, un concursante idiota, el otro machista, y el otro asesino serial, el novio de una no le cree, el vigilante toma a chiste un problema grave, y a la policía no le interesa menos, todos ellos hombres, malos, cínicos, machistas, es decir, monstruos, eso desvirtúa la historia ya que le quita responsabilidad a Alcala, Kendrick comenta además que hizo así la historia para hacer un homenaje a las víctimas, pero estas se limitan a morir, ni las conocemos, más bien se reservó el protagonismo, aunque es acertado no endiosar al asesino, y un último apunte, Kendrick supone que todos los hombres son malos pero escoge al encantador, respetuoso y atractivo (en la vida real) Alcala, quizá no lo ve así, pero los atributos que incluso una feminista anhela y desea son los que le otorga a una asesino serial, viéndolo así el mensaje sería interesante, pero viendo lo directo del guion dudo que intentara decir algo tan valioso y a contra corriente.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Venganza Silenciosa

"VENGANZA SILENCIOSA" ("SILENT NIGHT", ESTADOS UNIDOS - MEXICO, 2023) DE JOHN WOO

Un hombre corre desesperado mientras un globo rojo se leva al cielo, el sujeto esta lleno de sangre que no parece ser de él, de pronto alcanza lo que perseguía, un par de carros con frijoleros arriba, una de las bandas liquida a la otra y aunque el tipo logra que choquen termina baleado por un tipo tatuado hasta la calva (la estrella mexicana Harold Torres), sobrevive milagrosamente pero el disparo que le dieron en la garganta destruye sus cuerdas vocales, su esposa Saya (Catalina Sandino Moreno) lo acompaña en todo momento mientras se recupera, pero en casa Brian Godlock (Joel Kinnaman en el mejor papel de su carrera) no puede pensar en otra cosa que no sea martirizarse por la perdida de su pequeño hijo en medio de fuego cruzado de dos pandillas de narcotraficantes, una bala perdida acabo con lo más importante en su vida y ahora solo le queda rememorarlo como se ve por medio de esos flashbacks ensoñadores, casi idílicos.

Esto hasta que Brian decide pasar de deprimido a encabronado y dedicarse enteramente a la venganza, convencido de que la policía no hará nada, así que vemos su riguroso entrenamiento por casi un año, donde aprende a disparar, pelea cuerpo a cuerpo, múltiple uso de armas y manejar como conductor profesional, para luego pasar a una parte final esplendorosa por el uso de la violencia y la hechura del clímax. Woo no engaña a nadie, el especialista en cine de acción regresa a este lado del charco luego de dos décadas para entregar una cinta como solo el sabe hacer, deja las florituras para enfocarse en la acción cruda y dura, aquí no hay bailes de ballet como en "John Wick", la violencia se siente real, cercana, explicita, el protagonista no es un superhéroe, tiene que prepararse arduamente, se equivoca, falla, sufre las consecuencias, debe recibir castigo, duda en ejercer la violencia, tira bilis cuando comete su primer asesinato, sufre cuando un inocente sale lastimado y esta completamente en un extraño estado de miedo iracundo.

A fin de cuentas estamos ante otra fantasía violenta, otro placer culpable mas pertinente que nunca con unos narcos que causan muertes de inocentes en luchas propias, pensando que solo sus vidas son importantes y desestimando a los civiles, que manipulan a la sociedad como se ve en esa escena del regalo de billetes, y que justo ahorita nos tienen como ganado, encerrados y con temor, pero mas allá de esto, Woo sabe como filmar, para prueba las múltiples escenas de acción de gran calidad a pesar de su pobre presupuesto, la persecución en automóvil es maravillosa, la primer pelea cuerpo a cuerpo es tan realista que duele, las balaceras están bien montadas, siempre tenemos claro que sucede y donde están todos, y por supuesto ese majestuoso plano secuencia de las escaleras que dura varios minutos demostrando una impresionante planificación enfermiza, ademas Kinnaman aguanta los madrazos sin pantalla verde al igual que los stunts, esa profesionalidad junto a la de Woo son mas que suficiente aliciente para disfrutar y sufrir tanto como ellos al realizar la cinta.

Calificación: Recomendable

Cinecritica: Agente Fortune: El Gran Engaño

"AGENTE FORTUNE: EL GRAN ENGAÑO" ("OPERATION FORTUNE: RUSE DE GUERRE", REINO UNIDO - ESTADOS UNIDOS - CHINA - INDONESIA - TURQUIA, 2023) DE GUY RITCHIE

El sinvergüenza Nathan (Cary Elwes) contacta al cínico agente Orson Fortune (Jason Statham), una especie de James Bond con menos clase pero más sardónico, por orden de su burócrata jefe (Eddie Marsan) para que los ayude en una misión, particularmente a nadie le gustan los métodos - y menos los gastos - del ostentoso Orson, pero saben que nadie es tan bueno como él, ahora debe seguir la pista de algo que robaron en un laboratorio, y que valía tanto la pena como asesinar a los involucrados, nadie sabe que es, no saben quién lo robo ni quien quiere comprarlo, pero si el intermediario, que no es otro que el poderoso empresario Greg Simmonds (Hugh Grant robándose cada escena en la que aparece), este estrafalario multimillonario es el enlace entre los incognitos, por lo que Fortune junto a un equipo conformado por su jefe directo Nathan, el novato J. J. (Bugzy Malone) y la cínica cerebrito Sarah (una Audrey Plaza, inusitadamente sexy) idean un plan tan poco convencional como increíble.

Así que primero chantajean al productor de turno que carga muchos pecados en el maletero, algo que ya es casi un cliché, para llegar a la superestrella del momento, el fantoche Danny Franscesco (Josh Harnett agarrando cura), quien es el actor favorito de Gregg y por lo tanto la entrada a ese mundo de millonarios informáticos, ricachones cínicos y delincuentes ucranianos, para así descubrir toda la verdad, recuperar el paquete misterioso y detener a todos los involucrados, con el plus de que los protagonistas tienen a otro equipo siguiéndoles los talones, con la misma meta, pero métodos más convencionales que no pasan del marro y la lanza, lo que sigue de aquí es la típica cinta de espías de toda la vida, tratada con mucha ligereza, con un ritmo muy ágil que nunca se detiene, y una buena mezcla de humor y acción con todo y secuencias de peleas de Statham, de hecho esto diferencia a esta cinta de todos esos thrillers de equipos que salen a borbotones, su protagonista.

Statham es capaz de soltar frases y chascarrillos ácidos y mala leche provenientes del siglo pasado con mucha parsimonia, sin siquiera sonreír, siendo siempre sardónico, y sin que lo detenga estar en medio de unos catorrazos, los suelta casi escupiéndolos, como estrella de acción del siglo pasado, y al mismo tiempo parece que de un coscorrón puede dormirte, porque Plaza sigue demostrando su gran vis cómica, todavía recuerdo cuando la mire en "Scott Pilgrim vs the World", y que como en esa cinta es capaz de soltar improperios y vulgarizades de forma sabrosa, además de hacer de voz sexy cumpliendo en el asunto, por la dirección de Ritchie que es tan dinámica como acostumbra, con su típico humor inglés y personajes peculiares, y que le da un descanso a Statham después del tono tortuoso de su personaje en "Wrath of Man", y finalmente por Grant, que esta genial en esta nueva faceta de su carrera, donde dejo atrás a su tartamudo galán siempre carismático para hacer personajes más cínicos, complejos pero igual de atrayentemente carismáticos.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Black Adam

"BLACK ADAM" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE JAUME COLLET-SERRA

Teth-Adam (Dwayne Johnson, es decir "The Rock") reparte madrazos por aquí y por allá, tira rayos, vuela por los cielos y tiene una fuerza capaz de temblar el suelo al tiempo que pasa por las paredes de los edificios como si fueran de papel mache, todo esto por supuesto mientras que la Roca voltea la cámara haciendo poses y viéndose "cool", porque eso es lo que es esta cinta del agotado genero de superhéroes, un vehículo de lucimiento para el ex luchador que ahora es estrella mundial y actor con carisma, aunque parece que nunca aprenderá a actuar, y queda claro que no lo necesita, lo suyo es posar con el musculoso cuerpo y hacer el mismo gesto de siempre, aquí pone la cara cool y prácticamente no la quita durante todo el metraje, después de todo hace el papel de un ser super poderoso, prácticamente indestructible y al que todos temen, aunque debo aceptar que si tenemos algo fresco en la formula.

Black Adam es un antihéroe, por lo que a diferencia de los demás superhéroes del universo DC, de quienes hace añicos muñecos y posters en una escena que es toda una declaración de intenciones, esté no cuenta con esa moral de no matar, por el contrario tiene claro que tiene que eliminar a sus enemigos por lo que ni se inmuta, parece disfrutar acabar con ellos, sea con rayos, explosiones, algún golpe que lo va a reventar, mandarlo a volar cual caricatura de hace medio siglo o hacerlo polvo con electricidad mientras lo sujeta, pero eso es todo, lo demás es lo usual en una película de presentación de superhéroes, aparecen personas con los que los guionistas no saben que hacer cuando llega el protagonista, malos malosos sin peso en la trama y con la personalidad de una cortina, y un clímax donde ni la narrativa ni los niveles de poder importan un pepino.

Pero a pesar de los cargantes personajes, otros que no tienen nada que hacer en la trama, chistes tontorrones y efectos especiales que a veces cantan demasiado la película se deja ver, y sus efectos no son tan malos como los de marvel, además pone sobre la mesa ciertas ideas interesantes, un tipo que no dilata en matar, con todo y mensaje anti-invasiones por parte de los imperios, y que el pueblo y la gente de cada lugar tiene derecho a tener su idea propia de justicia y moral, lástima que estos detalles e ideas estén en una película tan vaga que se dedica a poner a Johnson y su ego en pantalla, eso si, Pierce Brosnan como Doctor Fate es algo asombroso, el tipo logra darle clase, sentido y hasta carácter a un personaje muy secundario, desde la mitad de la película ya solo me interesaba él, aunque ya se veía venir lo que pasaría, en cuanto a los demás, fuera del hombre halcón (Aldis Hodge exagerando una rayita) existen solo para que Black Adam/Dwayne Johnson pateen traseros, de tal forma que quizá lo haga hasta con el de Superman (Henry Cavill cuya única chamba en DC es hacer cameos), una película palomera si acompañamos con mucha botana.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Sonrie 2

"SONRIE 2" ("SMILE 2", ESTADOS UNIDOS - CANADA, 2024) DE PARKER FINN

Joel (Kyle Gallner), el abnegado policía que tanto apoyo y ayudo a la finada Rose, la protagonista de la primera cinta, termino en aquella cinta siendo el siguiente recipiente de ese ente larguirucho con sonrisa superpuesta infinita que es en realidad el protagonista de esta saga ha pasado seis días con la maldición, y como bien recordamos, nadie sobrevive más de una semana, Joel ataca a unos maleantes, esperando pasarles o terminar la maldición pero sin éxito hasta terminar en el suicidio consabido pero perpetuado de manera aleatoria ¿será que el ente tiene poderes cósmicos? pero en ese impresionante plano secuencia Joel no parece tan afectado por el monstruo de la sonrisa, por lo menos se ve consciente y centrado en la realidad, dentro de lo que cabe, quizá debido a la fortaleza mental de una persona que a pesar de sus defectos era segura y con una moral alta, pero lo que vemos después es justamente lo contrario, la insegura, presionada, estresada, traumada y solitaria superestrella pop Skye Riley (Naomi Scott dando todo, bailando y cantando en realidad) es la victima ideal del ente/demonio/monstruo de la sonrisa.

De hecho en cierto momento clave le suelta que su cerebro es muy apetecible, que es justo lo que busca, conforme a lo que hemos visto en la película el comentario no puede ser más acertado, la traumada Skye que acaba de retomar su carrera casi un año después de un accidente que casi le quita la vida, pero que si acabo con su novio actor (Ray Nicholson emulando a papá) y de paso le dejo una herida que no deja de dolerle junto a una cicatriz de la que se avergüenza, estas dos cosas en más de un sentido, le problema es que la verdad Riley no está preparada para afrontar una gira de esta magnitud, incluso pareciera que no está preparada para ser una estrella, ya que en todo momento se siente incomoda ante el acoso de los medios, presionada por todos los que dependen de ella y no paran de repetírselo, acosada por sus fanáticos que incluso pueden desencadenar pesadillas con todo y calzones manchados, atacada por sus detractores que no paran de recordarle su pasado de drogas y adicciones, su implacable soledad que resulta extraña cuando siempre está rodeada de personas y ese sentimiento de culpa que parece ser el motor del ente al mismo tiempo que es la cruz en sus víctimas.

Así que cuando Skye visita a su proveedor ya que nadie le receta algo fuerte para los dolores de espalda se topa con que el susodicho Lewis (Lukas Cage) actúa de forma extraña, habla de cosas paranormales, esta paranoico y termina gritando como loco para después sonreír y estragarse la cara con una pesa, por lo que sabemos que la maldición ya está con Skye, que a diferencia de Rose no tiene tiempo para investigar que le sucede, y mucho menos tratar de salvarse, la chica está condenada de antemano y casi de inmediato empieza a ver alucinaciones a tal grado que ni nosotros sabemos que es real o falso, quizá pensando que es parte de la misma presión, por lo que cuando acepta que algo le sucede es demasiado tarde siquiera para pelear, porque todos sabemos que Skye tendría un final así, por la culpa que la embarga, por la presión de su madre, por su infelicidad, por sus adicciones, por los traumas de un accidente, por las letras depresivas y suicidas de sus canciones, por el estrés de la gira y ser testigo de un suicido, porque tiene cargar con las expectativas de todos, incluidos los que la apoyan y atacan.

Pero la película dista mucho de ser redonda, además de perder por completo la originalidad del asunto pareciera que Finn se pierde en dos cosas, una es que se dedica a demostrar una y otra vez la caída al infierno de su protagonista, criticando una industria y a sus clientes, pero al final todo resulta reiterativo y Finn parece decir que esas personas tienen más presión y problemas, algo que no necesariamente es así, y por otro lado la cinta hace trampa, jugando con las sorpresas y vueltas de tuerca sin cesar, por lo que llegado un momento a uno ya no le interesa que es real o no, sumado a un alargue de metraje, por supuesto se puede dejar llevar por esa cámara, los jumpscares, la banda sonora nerviosa y la idea macabra, pero la historia se deja un poco de lado, algo entendible con ese final que juega la carta mágica de que nada de lo visto importa, solo que Skye vivía en su propio infierno, ha tenido tanto éxito que para la tercera se viene otro estudio de personaje, quizá de la fan de esta gaga/swift/spears etc., no estaría mal ¿quién puede tener más problemas psicológicos que un fanático empedernido.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Un Actor Malo

"UN ACTOR MALO" ("IDEM", MEXICO, 2023) DE JORGE CUCHI

Hacia la mitad de la cinta escuchamos por enesima vez la misma pregunta, realizada de manera incesante a la resistente Sandra (Fiona Palomo con todo el peso de la cinta) ¿por qué no gritaste? todas las personas con las que ha tenido interaccion le han preguntado lo mismo sin falta, sean sus compañeras de trabajo (Karla Coronado y Patricia Soto), su jefe (Gerardo Trejoluna), la productora (Monica Jimenez), su abogado (Juan Pablo de Santiago), la abogada contraria (Ana Karina Guevara) y hasta su amiga/pareja por telefono, aunque cambien un poco las palabras - ¿por que no gritaste? ¿por que no pediste ayuda? - en tanto la victima intenta explicar que no pudo, entro en shock, no podia hablar, y tampoco podia creerlo, despues de todo su amigazo del alma Daniel (Alfonso Dosal) se aprovecho de ella en un momento de vulnerabilidad, en el instante en que grababan una escena de cama con todos los colaboradores alrededor y mientras filmaban, de hecho el mismo director nota algo raro y corta la toma, lo que le da tiempo a Sandra de rumiar todo y al final confesarse.

Para este momento ya conocemos a ambos, incluso sabemos que Daniel esta casado con un niño recién nacido al que cuida de forma responsable y con un prometedor futuro a las puertas de hollywood. En la primer parte del filme vemos un poco de cine dentro del cine, se nos muestra casi como un detrás de cámara como se vive la filmación de una película, lo cual solo nos horroriza más cuando somos testigos de lo que puede ocurrir incluso en un ambiente seguro, conocemos a los personajes, al cínico Daniel y a la moral Sandra, y un equipo de profesionales donde no falta el que tome todo a juego o tenga la lengua suelta, para luego pasar al momento de la horripilante escena donde notamos de inmediato lo que ocurre, llegando a un doloroso drama con una Fiona Palomo comiéndose la pantalla en inacabables close ups que le exigen muchísimo, a lo que responde de la mejor manera, y con un Daniel que siempre niega todo, victimizándose todavía más que la agredida.

Por ahí he escuchado y leído que se mantiene la duda y se juega con esta incertidumbre cual si fuera un thriller, en lo personal no me pareció así, no creo que la dirección ni el guion de Cuchí vayan por esos derroteros, en un inicio de nos muestra que Daniel no tiene empacho en tener sexo con quien sea, para de inmediato mostrarnos a su esposa e hijo, es decir, desde un inicio tenemos claro el nivel de patán que es, y esto solo va creciendo con otros momentos claves, el baño en la ducha y sus versiones siempre evasivas, hasta que llegamos a ese momento donde se ve patético, como un ángel y luego un demonio rencoroso, por lo que creo que no intenta crear incertidumbre, la cinta se hace en un estilo documental sin banda sonora que nos permite enfocarnos en los personajes, mostrando el peor aspecto de la sociedad negando las palabras de una mujer y su actuar, y que luego ataca de forma exagerada al hombre.

Que más allá de su cinismo y rabia no merece ese linchamiento mediático por parte de redes sociales, feministas radicales y "noticieros", esta critica se hace evidente con ese linchamiento literal y el cinismo de una mujer feminista que desde el principio abrazo la violencia como respuesta, en tanto el director como su protagonista lo tienen claro, no quieren que usen el dolor de una mujer como herramienta ya que es sobajarla casi tanto como el hombre que la ve como objeto, una película incomoda y muy interesante.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Monkey Man: El Despertar de la Bestia

"MONKEY MAN: EL DESPERTAR DE LA BESTIA" ("MONKEY MAN", ESTADOS UNIDOS - INDIA, 2024) DE DEV PATEL

El protagonista sin nombre (el famoso actor británico de ascendencia india Dev Patel) aguanta madrizas todas las noches escondido detrás de una máscara de mono para poder ganar algo de dinero en la ultra-capitalista india en la que vive, pero también para aprender a pelear, cosa que no parece suceder, ya que como aprendemos más adelante, subconscientemente recibe las golpizas como expiación ya que se siente responsable de la muerte de su madre a quien vio morir en manos del jefe de policía (fulanito), el tipo no gana experiencia, solo hace rico al dueño del lugar (un desaprovechado Sharlto Copley) por lo que lo vemos poner manos a la obra en el plan que orquesta, aunque no sabemos de que va ni porque, convence a la madrota Queenie (kkkk) de contratarlo y se gana al fantoche Alphonso (khgisank) hasta subir a la cima de la empresa/hotel/antro/restaurante/burdel lleno de ricachones, es entonces cuando despertamos del letargo en el que nos ha mantenido la cinta.

Con esta cruenta escena de acción donde el protagonista falla en su venganza por fin se nota el buen hacer de Patel como director de cine de acción, algo que no se nota en su hacer como guionista ya que la trama no es nada del otro mundo, es la típica venganza pero mal narrada, con exceso de flashbacks y un aire mesiánico que no funciona con muchísimo tiempo dedicado a una leyenda que no aporta mucho a la trama, la crítica social y al capitalismo rapaz con dos clases muy diferenciadas de forma enfermiza, policías y políticos corruptos como siempre, y un líder religioso moral que en realidad es un charlatán como esos cientos de gurús que pululan en internet, aun con todo este subtexto la historia no se siente enlazada ni con la fuerza necesaria que requería el mensaje.

Quizá debido a la poca experiencia de Patel a quien se le olvida que para que disfrutemos este tipo de tramas se debe abandonar la seriedad total, en su caso sucede lo contrario, la hace tan seria que se siente pesada, y la parte central de la misma con un entrenamiento ridículo que lo convierte en un superhéroe es larga, mal montada y poco creíble, lo mismo sucede en la mayoría de las escenas de acción con un pésimo montaje y una cámara tan cerrada que no sabemos ni que sucede, por fortuna algunas escenas de acción si están bien hechas, de hecho son excelentes, la del intento fallido de venganza que es vertiginoso, el escape automovilístico casi paródico, el escape del burdel con todo y nariz arrancada a mordidas y ese exagerado final estilizado donde se pelea con lo que haya a la mano y termina con enfrentamiento de monjes travestidos con guardaespaldas hacen que valga la pena ver esta cinta.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: El Eco

"EL ECO" ("IDEM", MEXICO - ALEMANIA, 2023) DE TATIANA HUEZO

Una mujer les cuenta a los niños el comportamiento y características de las brujas, la predilección que tienen por los bebes y por elle mismo, el cuidado que deben tener por el recién nacido, como ese momento intimo y completamente natural esta repleto el documental de Tatiana Huezo, que como siempre presuma una sensibilidad desbordada y muchísima empatía con las personas que graba, con un respeto que uno no puede más que compartir, y por supuesto, ese estilo poético que cada vez es más depurado en la directora, que para estos momentos ha convertido las imágenes, el sonido del entorno, los elementos naturales y los etéreos en participes fundamentales de su narrativa, casi como si todo lo existente la acompañara ¿o como si fuera de las pocas personas que notan como todos los elementos existentes conviven y coexisten como un gran engranaje perfecto y poético? 

Escenas más adelante los niños debaten sobre las brujas, unos creen en ellas, otros no, algunos tienen miedo, otros están impávidos y a unos cuantos no les podría interesar menos, este momento nos remonta al mencionado anteriormente, todo se da de forma natural, con los habitantes del pueblo serreño en Puebla viviendo comúnmente, cotidianamente, permitiendo que la directora salvadoreña los grabe sin que se note, sin cambiar su forma de vivir frente a la cámara, esto se logro por los más de cuatro años que Huezo duro viajando al pueblo "El Eco", por lo que ella junto a su equipo dejaron de ser extraños para convertirse en miembros del lugar, por ello todos se abren a la cámara y son completamente naturales, mostrando sus virtudes y defectos, sus usos y costumbres, sus peleas y anhelos, sus derrotas y victorias, logrando que nosotros desde la pantalla también nos sintamos parte de esa pequeña comunidad llena de necesidades y corazón.

En esto tiene mucha importancia la edición de la cinta, que como en las escenas antes mencionadas recopilas los momentos exactos en su narrativa y los acomoda de manera magistral, sin desesperarse, nos muestra información y retoma el tema de forma que se siente el paso del tiempo real, se respeta este, la directora confía en nuestra capacidad de entender y comprender los ciclos, de que recordaremos los momentos y los datos que ya nos ha enseñado, apoyada también por una fotografía preciosa de Ernesto Pardo que nos enseña las hermosas postales de ese lugar, que van desde atardeceres hermosos, vientos que parece han recogido almas, hasta tormentas siniestras que se ven a lo lejos con rayos al por mayor, con esas nubes tan hermosas como amenazantes, así en "El Eco" somos testigos de la vida de todos los pobladores, pero solo de algunos cuantos a plenitud, la directora se enfoca en unos cuantos, principalmente mujeres, tres chamacas, la reacia Monse que cuida devotamente a su abuela, le da de comer, la cambia, la baña, y escucha pacientemente sus historias - pudo ser cantante comenta -. 

Su madre le encomendó cuidarla como si fuera un bebe y Monse toma eso literalmente con toda la responsabilidad posible, pero al mismo tiempo con todo el cariño y el amor que se le puede tener a una persona, también conocemos a Luz Ma, una trabajadora niña que no conoce el descanso, le ayuda en todo momento a su madre debido a que su padre trabaja en la ciudad y su hermano es demasiado pequeño, la niña ayuda con el ganado, la siembra y hasta rescata animales del ahogo, y finalmente la aplicada Sarahí que esta enfocada en estudiar, prepara las tutorías para los más pequeños con una devoción inesperada y es tan avispada que uno se pregunta como puede florecer académicamente tan bellamente algo en ese paramo de necesidades y miseria, a final de cuentas "El Eco" esta alejado de todo, esta inundado de ignorancia, de falta de tecnología, pero en su lugar es compensado con esfuerzo, astucia, viveza, dedicación, madurez, resiliencia y muchos sueños por cumplir.

Por  ello mismo vemos a Monse platicar con su mejor amiga que quiere irse de ahí para enlistarse en el ejercito, donde aclara, "no todos pueden ser malos", al tiempo que da todo su esfuerzo para ganar una carrera con amado caballo, y detenido por una frase lapidaria "digo que no porque soy tu madre", Luz Ma que soportar el exceso de trabajo con todo y padre que evita que su hermano levante su plato, "para eso están las mujeres" le dice, mientras los ojos de Luz Ma se abren desmesuradamente, pero al mismo tiempo es testigo de la lucha de su madre porque su padre cumpla con su función de papa para sus hijos, y a Sarahí escuchar que no podrá seguir estudiando sin explicación alguna, mientras la niña se baña con sus muñecos, da clases a estos bajo la atónita mirada de un perro, y escucha el consejo de una chica mayor que le dice que más adelante tendrá que cuidarse, aunque no le contesta de que ni de quien, pero nosotros al ver a la niña lo tenemos claro.

Huezo no abandona a los niños, desde ese pequeñín que quiere ayudar a como de lugar, hasta los picaros gemelos que trabajan mucho, todos ellos deben aprender las responsabilidades, el trabajo, la muerte y el dolor desde muy pequeños, y esto les ayuda a madurar sin dejar de ser niños como se ve en algunas escenas, la directora muestra todo esto sin atisbo de miseralismo, sino por el contrario, desde la resiliencia, el amor, la fortaleza, la madurez y - cosa rara - mucha esperanza, una autentica rareza en el cine de la directora que es más que bienvenido después de tanta oscuridad, hay algo más en México que dolor, corrupción, violencia y miedo, hay esperanza, amor, amistad, familia, sueños, metas, talento acompañado por las dificultades que hacen que estos valgan, hay vida a final de cuentas.

Calificación: Notable