Critica: Valor Sentimental

"VALOR SENTIMENTAL" ("SENTIMENTAL VALUE", NORUEGA, 2025) DE JOACHIM TRIER

"Cosas con Valor Sentimental" le dice la sensata Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas, espléndida) a su cerrada hermana Nora (la siempre fascinante Renate Reinsve), al tratar de convencerla de llevarse algún recuerdo de la casa que dejó su madre al morir, pero que finalmente le quedo a su ausente padre, esta sencilla línea esconde mucho más de lo que aparenta, por supuesto, todas esas cosas, sean un jarrón bonito, sea una baratija,

esconden un valor mucho más importante del monetario, el sentimental del título, por ello la casa es tan valiosa para todos - por más que necesiten el dinero de su venta -, ya que es ahí donde pasaron su infancia, donde corrían por las escaleras, el objeto que inspiró un ensayo escolar, donde su madre trabajo toda su vida, donde los gritos de sus padres llenaban el entorno, con una grieta que se hace más grande, y por supuesto, dónde sucedió una tragedia familiar - un suicidio por ahorcamiento - que sigue revoloteando por el ambiente, y que es pieza clave para la trama, no por el hecho en sí, que sucedió hace muchos años, sino por lo que lo causó, y más importante, lo que desencadenó a sus descendientes, es decir, lo que sigue ocasionando.

Aunque hacer esta simplificación no es justa para Trier, que junto a su habitual co-guionista Eskil Vogt, entregan una historia tan compleja y llena en matices, como cada uno de sus personajes, para muestra el que los cuatro personajes principales han sido nominados a la mayoría de los premios, ganando en muchas ocasiones, y debo añadir, con toda justicia. Es aquí el retrato de una familia que tiene ¿debe? cargar con todos los traumas familiares que pasan de generación en generación, aunque hayan nacido de una buena intención fallida, o quizá precisamente por ello, pero también las familias disfuncionales qué irremediablemente causan un impacto en todos los integrantes de la familia, el abandono familiar, que también puede ser mental y espiritual, no solo físico, la dificultad para madurar, o mejor dicho construir un carácter adulto, un tema ampliamente tratado en su obra mayor anterior, la grandiosa "La Peor Persona del Mundo", el estancamiento emocional, el ser distante y cínico como forma de defensa, y el más interesante de todos, quizá por ser menos tratado, la creación artística como algo que encierra al artista de mala manera.

Esto es interesante, debido a que casi siempre el arte, y el artista, son mostrados como un individuo esquivo, egocéntrico, narcisista, atormentado y obsesivo, pero casi siempre alegando que esto es algo bueno, que el arte viene del dolor, que se les debe perdonar el ser así, Trier no opina lo mismo, por lo menos no es tan condescendiente, por supuesto, los artistas pueden ser genios, pero eso no los exime ni libera de las responsabilidades que tienen como personas, esto es aun más valioso, ya que él mismo forma parte de este grupo de genios en ciernes, por lo menos a como va su filmografía. La cinta comienza con una voz en off qué cuenta la historia de la familia, con la casa como un personaje más, en una apertura majestuosa, para después pasar a presentarnos a la Nora de Reinsve, una talentosa actriz que sufre ataques de pánico antes de subir al escenario, una forma genial de mostrarla, ya que con los detalles de pantalla sabemos todo de ella, por la forma en que necesita escapar de la realidad para realizar su trabajo, y por supuesto, la obra que están representando.

En la siguiente escena estamos en el velorio de la madre de las hermanas, y la entrada de su padre Gustav (Stellan Skarsgard, exquisito), un talentoso y famoso director de cine, que no actúa de acuerdo a la ocasión, se ríe, hace bromas, solo habla de él, y da opiniones cerradas sobre todos los demás, es además, llevada de forma muy ingeniosa, con ese eco que descubre el presente, como lo hacia en el pasado, la siguiente vez que se miran Gustav y Nora, este le ofrece el protagónico de su última película, una que trata nada menos que de la vida de su madre, es decir abuela de ellas, y su suicido cuando era pequeño, aunque como bien dice Gustav varias veces más adelante, "no es sobre mi madre", Nora no acepta, en parte porque cree que usa su prestigio como actriz para conseguir financiamiento, pero principalmente porque no quiere nada de él, la abandono, los olvido, los trato mal, y hasta la fecha no sabe nada de él a menos que este borracho, prefiriendo siempre a su otra familia, los actores con los que rodada sus cintas, con los que convivía en todo momento, y que formaban el centro del universo según el proyecto en turno.

Después de esto Gustav consigue a una joven estrella norteamericana llamada Rachel Kemp (deslumbrante Elle Fanning) para que haga la película, lo que causa aún más roces con su hija Nora, ya que literalmente, esta tomando su lugar, no solo en el proyecto de trabajo, y en un papel escrito explícitamente para ella, sino que convive de tal manera y con tal familiaridad, que parece ser su hija, lo que obviamente afecta de sobremanera, a la ya de por si, resquebrajada Nora. La narrativa avanza por medio de escenas tranquilas, en fundidos en negro, que muestran las dificultades para grabar la cinta que ya existe en la mente de Gustav, ya que esta claro, que aunque no han iniciado grabaciones, este ya conoce cada segundo de su cinta, sumado a que su actriz no es la adecuada, por los productores que quieren mandarla a streaming, y por su propio ego.

Y las andanzas de Nora, con relaciones paterno-filiales qué la destruyen, como la que lleva con el cínico compañero de reparto encarnado por el habitual actor de Trier, Anders Danielsen Lie, que se aprovecha sin empacho de ella aunque note que esta necesitada de cariño, cada vez más incapacitada para actuar por el desplome emocional, y con problemas psicológicos graves que ya tienen un historial muy doloroso detrás, y el peso de Agnes, que se hizo a un lado en cierta manera de ese mundo, y sirve como punto de unión para esas dos almas perdidas, incapaces de comunicarse de otra manera que no sea su trabajo artístico, Agnes es el contrapeso necesario, desde su vocación, que demuestra que es razonable y analista, y que ayuda para que la familia no se desmorone, por más que ella también deba cargar con los demonios que acosan a su hermana, pero con una gran diferencia, que se toca en la escena más sentimental del largometraje,

Después de todo, ellos son uno solo, y muchos a la vez, como se nuestra en esa escena de fundidos, al final queda claro qué el ególatra Gustav juega con Rachel como casa de muñecas personal, mientras la chiquilla está atrapada en un drama familiar al que no pertenece, al final por supuesto, Trier es claro, el arte no necesariamente sirve como forma de terapia para creador-espectador, pero quizá si para salvar algo del tiempo que nos queda juntos, si es la única manera en qué podemos comunicarnos, como estos pobres desdichados, y si vemos esto en un juego de espejos de película dentro de película, y personajes que son extensión pero a la vez centro de todos los demás, mientras volvemos nuevamente a los intereses de Trier, todo se vuelve aún más fascinante, narrado de forma exquisita, y grabado en excelencia... Dios, esa escena final con "Cannock Chase" de Labi Siffre, señores, esto es cine.

Calificación: Sobresaliente

Critica: Forevergreen

"FOREVERGREEN" ("FOREVERGREEN", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE NATHAN ENGELHARDT Y JEREMY SPEARS

Un osezno deambula solitario por el bosque, esta nevado y no hay comida, busca desesperado olfateando hasta que encuentra unas bayas, pero en un lugar muy peligroso, por lo que termina cayendo por el acantilado, o eso parece, ya que es salvado por un pino qué alcanza a tomarlo, a partir de

ese momento prácticamente lo adopta, lo alimenta, le sirve de hábitat, le enseña sobre la vida y el mundo, juega con él, lo mima y consiente, enseñándole los valores por medio de un retoño de pino qué cuida religiosamente hasta de los puercoespines qué le dieron tantos problemas durante su infancia, y así. el oso crece viviendo tranquilo y feliz, hasta que llega un momento de quiebre, con el deseo incontrolable de algo malo, representado por unas papas fritas qué el oso devora como desquiciado, solo acostumbrado a comer piñones toda su vida, esto será el inicio del fin, la madurez forzada por malas decisiones.

Esto despierta un deseo irrefrenable que causa el rompimiento de su relación, el pino no permite que el oso vaya a donde los pájaros toman esa comida chatarra, pero el oso reacciona de la peor forma posible, con una acción que destruye la confianza entre ambos, y lleva al oso adulto a un sentimiento nuevo, a sabiendas de que esta mal pero sin poder detenerse, yéndose y poniendo en riesgo su vida, hasta encontrar el fruto prohibido, que solo puede tener una consecuencia final, donde vemos pasar ese momento super cómico qué parece salido del humor slapstick más clásico, a un clímax emocionante, desesperante y sentimental, que deja un sabor agridulce pero hermoso, porque la vida acaba, pero siempre continua, y con un mensaje más que valioso en estos tiempos tan desesperanzadores e inhumanos, de tal manera que uno no puede evitar las lágrimas por las mejillas, o por lo menos el nudo en la garganta.

La animación es computarizada, emulando un stop motion casi de madera, es hermoso y bastante cinematográfico en sus encuadres y tomas, siendo además el apoyo exacto para el simbolismo del metraje, que por supuesto va sobre la amistad de un oso con un pino que roza lo maternal - ¿o paternal? -, pero que también va sobre como crecer, descubrir el mundo, los problemas que nos seducen, como las drogas quizá, y como los que nos aman intentan cuidarnos, al final cada uno tendrá que aprender por las malas, y quizá de paso seamos responsables del sufrimiento de un ser querido qué siempre estuvo ahí a pesar de todo, con mensaje de amistad, vida sana, el valor de la familia, la importancia de la naturaleza, y en especial el mensaje bíblico con el versículo Juan 15:13, envuelto en esa bellísima melodía del mismo nombre del corto de Josh Garrels e Isaac Wardell, y por si quedaba una duda, el agradecimiento a Dios en los créditos dejando claro los momentos de fe en la historia.

Calificación: Muy Bien

Critica: El Drama de Época de Jane Austen

"EL DRAMA DE EPOCA DE JANE AUSTEN" ("JANE AUSTEN'S PERIOD DRAMA", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE JULIA AKS Y STEVE PINDER

¿Se puede hacer una película feminista qué busque la unión entre hombres y mujeres al tiempo que es hilarante y sirve como perfecto homenaje al trabajo de Jane Austen? Pareciera que la respuesta es un no rotundo, pero he aquí que el primer trabajo de Aks y Pinder como directores, demuestra lo contrario, a la vez los directores son los guionistas, la primera es la protagonista principal, y compositora de dos temazos desternillantes sobre el tema tratado, uno dentro de la trama, otra en los créditos. Comenzamos con un encuadre clásico qué toma un árbol gigante a un lado apenas visible y el hermoso verde de la naturaleza, notamos dos personas caminando por los paramos, Mr. Dickley (Ta'imua) esta cotejando a la escurridiza Estrogenia "Essy" (la mencionada Julia Aks sencillamente hilarante), con los clásicos malentendidos y verborrea de los personajes de Austen, de pronto todo parece ir viento en popa, el suelo de Essy se está haciendo real, y...

Lo mejor es no saber absolutamente nada de la trama de este cortometraje nominado al oscar de este año, una más que agradable sorpresa, y que muestra que quizá no todos los académicos son unos amargados egocéntricos. Durante apenas pasados doce minutos, vemos a esta mujer lidiar con algo extraordinario, y a la vez terriblemente común, no diré de que trata, pero tanto el nombre como el póster dan pistas muy inteligentes, porque todo está muy pensado en esta historia, el póster, el nombre, la música, y por supuesto esos gags qué si parecen provenir de Austen, con ese humor acido e inteligente británico, y además una dirección y diseño que calza de manera perfecta con el mundo que creo la escritora, y han extendido las adaptaciones fílmicas.

Con un reparto que esta sensacional, desde Samantha Smart como la hermana Labinia qué es la voz "consciente" de todos, la hiperactiva Vagianna (Nicole Alyse Nelson) que quiere estar y participar en todo, desde acarrear un trapo, hasta ¿acuchillar a alguien? el desternillante padre huidizo (Hugo Armstrong), vamos que hasta la gallina funciona, al final todos los clichés se usan como chistes, pero sin traicionar jamás el espíritu de la legendaria autora, de tal manera que uno termina convencido de que ella podría haber escrito esta hilarante e inteligente historia, por supuesto, no hay mejor halago para Julia Aks y Steve Pinder.

Calificación: Muy Bien

Critica: Si Pudiera, Te Patearía

"SI PUDIERA, TE PATEARIA" ("IF I HAD LEGS I'D KICK YOU", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE MARY BRONSTEIN

La cámara inicia en un close up cerradísimo a los ojos de nuestra protagonista, la desesperada Linda (Rose Byrne en una actuación maravillosa), ella no esta hablando, ya que la platica que escuchamos es entre su tierna pero manipuladora hija, y la juzgadora doctora que la atiende, de inmediato entendemos la incomodidad de Linda, después de

todo su hija esta diciendo que su padre es firme, pero su mama es como plastilina, se amolda, y soporta todo, aunque a veces parece estar triste, de inmediato Linda respinga, no es de plastilina, ni puede soportar todo, y tampoco esta triste, o si lo estuviera ¿que? no tiene derecho a ello, con este inicio queda clara la situación en la que se encuentra la protagonista, y lo cerca que esta del limite, pero también el como se ve a si misma, y como no desea verse, siendo una especia de contradicción maternal que solo puede entenderse al estar en esa situación, todo ello con una cámara tan cercana que parece estar encima de ella, lo que causa una incomodidad al mismo espectador quien siente como invade el espacio de la madre.

A partir de este momento seguimos a la desdichada Linda en su lucha diaria, donde su paciencia, su fuerza física, y su sanidad mental, se van desmoronando por culpa de una responsabilidad que no puede llevar a cuestas, pero no porque no pueda, como sucediera en "La Hija Oscura", sino porque no puede, por más que lo intenta, por más que lucha, por más que lo desea, y es justamente por ello que es mas doloroso el fallo, Linda no es una mala madre, por más que la culpa la oprime a cada segundo, solo es una madre rebasada, y creo que precisamente ahí es donde quiere poner el dedo en la llaga la directora y guionista Bronstein, en este, su segundo largometraje, evidenciando lo que significa para ella misma esta responsabilidad, porque no solo es la que se pone ella, sino la que le impone su marido ausente (Christian Slater), sus conocidos, los médicos, las sociedad misma, las otras madres, y claro esta, su propia hija, que exige y patalea más que nunca, porque reconoce su propia situación.

Linda regresa a su casa junto a su hija (Delaney Quinn), que quiere una pizza sin queso, y no sabe que quiere ir al baño aunque se este haciendo, nota que todo esta inundado, y descubre una rajadura en el techo de su habitación, por la que cae muchísima agua, de pronto el techo se desmorona y queda un hueco que no parece tener fin, desde este momento, queda claro que ese hoyo que las obliga a irse a vivir a un hotel de mala muerte representa la psique de la protagonista, que se ha resquebrajado al grado de convertirse en un agujero sin fin, y que conforme avanzan los acontecimientos, se hará más profundo y surrealista, como si viniera de una película de terror, algo hay de eso por supuesto, conforme la estabilidad mental de Linda comience a ceder, hasta perder contacto con la realidad, y en especial, con su deseo de ser madre, o mejor dicho, de ser una buena madre.

Conforme avanza la narrativa conocemos el día a día de Linda, obligada a cuidar a su hija que necesita apoyo en todo momento debido a una rara enfermedad, que esta obligada a vivir en ese hotelucho mientras reparan su casa, con un contratista al que no le podría importar menos arreglar ese asunto, un casero incontactable, su marido capitán llamando solo para reclamar y dar ordenes, un colega (Conan O'Brien,

sorpresivamente bien en otro tono) con el que tiene una relación cada vez mas tirante, una dependienta que se niega a venderle salvadoras botellas de vino, la doctora de su hija (la directora Mary Bronstein) que recrimina el actuar de la madre, y se inmiscuye demasiado en su vida, con su desgastado trabajo como psicóloga, las malvivencias con un vago dealer que la ve como una mina de oro, una paciente desaparecida nomas porque si, un bebe abandonado, un pesado encargado de estacionamiento que no la deja en paz, y hasta un hámster que se vio obligada a comprar para ganarse a su hija, pero que da paso a una hilarante secuencia de mala suerte por la mala actitud de este, que forma parte de esos momentos de humor negro como el carbón.

Hablando del hámster, existe para mucho más que ser un momento cómico, ya que demuestra la psicología real de la pequeña, que deja clara la relación real que tiene con su madre, que ya apuntaba en la primer escena, ya que quiere un hámster porque se les puede obligar a quererla, y ya con esto, sacar el partido necesario, algo que se cierra de manera magistral en la escena final, donde Linda no puede escapar, en si intento por emular a esa otra mujer que amaba hasta la locura, pero aun así no dudo en irse porque temía hacer algo grave, Linda también quiere irse, chocando con las olas, pero su hija no la deja retirarse, no cuando la necesita, no cuando la responsabilidad recae por el solo hecho de ser su madre, porque a ellas se les pide ser santas y soportar todo, es una regla no escrita, y por lo tanto completamente devastadora para las mujeres, obligadas a cargar con todo, aunque no puedan y no se sientan capaces, por supuesto, hay quien podría decir que Linda es una Medea, en mi caso no, solo es una mujer llevada más allá del limite, por una sociedad indiferente, por un marido distanciado, por una hija manipuladora, por su propio yo derrotado. Al final Bronstein lo logro, nos mostro una descarnada y compleja visión de ser madre, difícil de ver, pero fascinante de visionar.

Calificación: Excelente

Critica: Arco

"ARCO" ("ARCO", FRANCIA - ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2025) DE UGO BIENVENU Y GILLES CAZAUX

Arco (voz de) es un niño que vive en un mundo que nos puede parecer extraño a primera vista, pero que pensándolo bien es bastante relajante, las casas de las personas están instaladas en arquitecturas tubulares de los que no se alcanza a ver el inicio, como si fuera un árbol y desde las ramas nacieran plataformas donde casas redondas conviven de forma

perfecta con mucha naturaleza, una especie de simbiosis entre humanos y naturaleza que incluso les ha llevado a alcanzar la tecnología de volar y viajar en el tiempo, pero usando esta solo como herramienta para apoyo de su vida autosuficiente, de tal manera que la tecnología no es intrusiva, ¡hasta pueden comunicarse con las aves! pero Arco esta desesperado por ser parte de la expediciones familiares y conocer dinosaurios, algo para lo que todavía no es apto por falta de edad, así que el pequeño rebelde, toma la ropa, capa arcoíris y un cristal y se pone a volar, viajar por el tiempo, y caer perdido en un punto no elegido.

Iris (voz de) es una pequeña en el año 2075, donde la tecnología ha avanzado tanto que todo esta automatizado, y los robots han tomado la mayoría de las tareas del mundo, son los policías, los maestros, los trabajadores de caminos y hasta las niñeras, en tanto las personas parecen trabajar en todo momento, por lo que Iris se siente abandonada por sus padres, con la responsabilidad de cuidar a su pequeño hermano bebe Peter, y asfixiada en un mundo lleno de tecnología, donde todo el mundo tiene lentes que les impiden disfrutar la belleza del mundo, las clases son hologramas, y todo esta tan automatizado que no existe la libertad de pensamiento ni la imaginación o creatividad, por ello, cuando nota un extraño arcoíris que no sigue un camino fijo no duda en seguirlo, para descubrir que un niño ha chocado contra el suelo y esta lastimado, nada menos que Arco.

Cayo en este año, y ahora debe hacer lo posible para regresar a su tiempo, guardando silencio sobre quien es, entiendo que para no afectar el pasado, por supuesto esto no es nada sencillo, esta herido, el robot niñera Mikki hace lo posible por seguir las ordenes para las que fue programado, perdió el cristal que necesita, es perseguido por tres estrafalarios sujetos conspiranoicos, y la naturaleza esta tan afectada que si no esta cayendo una lluvia torrencial se esta quemando todo, por lo que las casas y edificios están dentro de cúpulas para protegerse. Lo que vemos en pantalla la historia de un coming of age de dos pequeños, que viven de forma completamente distinta, pero al mismo tiempo son almas gemelas, ella se siente abandonada en un mundo frio y estéril, él se siente oprimido por padres que lo quieren y protegen en un lugar idílico, y es así que quedan dentro de una aventura más grande lo que aparenta.

La animación es exquisita, prioriza la fluidez sobre lo demás, y eso se agradece en una época donde todo se ve estático, con un estilo retro futurista muy colorido que parece beber de las primeras historias graficas, y con mucho espíritu japones, esto se nota en el choque de mundos, y en la importancia otorgada a la naturaleza, ya que se nos repite que es parte vital, por ello en el futuro cercano los humanos están acostumbrados a los desastres naturales, lo miran normal, en el lejano han entendido que deben respetar el mundo en el que viven, la critica social existe, esos padres enajenados por el trabajo, esos adultos que ya no toman responsabilidad de nada ni de nadie, al grado de que incluso un robot es más humano que ellos, pero dejando claras las limitaciones de estas inteligencias, es cierto, la narrativa es sencilla, una aventura para regresar a Arco a su tiempo, pero nunca deja de ser interesante, y sobre todo optimista, con villanos que en realidad no lo eran, y un futuro más humano que nunca, al que por lo menos debemos aspirar, aunque no parezca posible.

Calificación: Bastante Bien

Critica: Plan de Jubilación

"PLAN DE JUBILACION" ("RETIREMENT PLAN", REINO UNIDO, 2025) DE JOHN KELLY

"Cuando me retire, contestaré cada correo que ignore, limpiare el escritorio de mi computadora, leeré 35 años de artículos guardados en mi lista, terminare todos los libros que inicie, jugaré todos los videojuegos qué me perdí durante toda una vida, miraré los pájaros, aprenderé qué las urracas son tan hermosas como terribles, aprenderé los nombres de los árboles, y cuales flores son las primeras en florecer. Nadare cada mañana, aprenderé a tocar una única canción en piano de manera excepcional, escribiré un poema devastado pero optimista. Tendré un perro, y un gato, quizá primero un pez, o un reptil, me recomendaran un terrario y me explicaran sobre la diferencia de ellos en la tienda de mascotas"... 

Este sería el primer minuto y medio de siete totales, del cortometraje animado nominado al Oscar, un compendio de imágenes que nos muestran a un hombre mayor fantaseando sobre lo que "hará" cuando este retirado, es decir, lo que todos siempre hemos pensando alguna vez, por lo menos desde que se tiene la edad en que las rodillas suenan con cada inclinación, se aplauda al bailar, y se prefiera hacer los quehaceres hogareños que irse a dar la vuelta, sean los suertudos qué se van con modalidad cuarenta o alguna pensión, seamos los salados qué nos iremos con las miserables afores, lo cierto es que no necesariamente el protagonista lentudo y pelón es un tipo de la tercera edad, ya que su voz está realizada de manera exquisita por Domhnall Gleeson, un tipo que no está para nada cerca de esa edad, por lo que podría ser cualquiera de nosotros, pensando en que haremos cuando "al fin" tengamos tiempo, con nuestra propia imagen imaginaria en nuestra vejez.

Vemos a este tipo divagar y fantasear, al tiempo que miramos estas aventuras, por medio de una sencilla animación qué apuesta por lo funcional, en tanto que la verborrea del protagonista no para, muy interesante - esos intereses nunca abordados -, cómico -regresar como fantasma solo para darle en la madre a una antagonista -, y hasta sentimental, después de todo, como ya apunte, todos queremos hacer lo que no podemos ahorita cuando estemos retirados, y ojalá así sea, con vida y salud para aprender cosas nuevas, terminar pendientes, retomar intereses, pasarlo junto a los seres queridos, descubrir el mundo desde otros ojos, ayudar a los demás sin la excusa de que no hay tiempo, notar que es lo que no nos gusta, evitar lo que nos amarga, en pocas palabras ¡disfrutar la vida!

Calificación: Bastante Bien

Critica: "Armado con una Camara: Vida y Muerte de Brent Renaud"

"ARMADO CON UNA CAMARA: VIDA Y MUERTE DE BRENT RENAUD" ("ARMED ONLY WITH A CAMERA: THE LIFE AND DEATH OF BRENT RENAUD", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE BRENT Y CRAIG RENAUD

Es complicado aceptar la ética de este mediometraje nominado al oscar, por un lado esta claro que el trabajo que realizaba en vida este periodista documentalista tenía mucho valor, metiéndose en la primer línea de fuego en todo momento, conviviendo codo a codo con los necesitados, y hasta dándole voz a los iraquíes, mostrando las atrocidades que hicieron los gringos a su país, especialmente a mujeres y niños que eran afectados de sobremanera, pero por otro lado, no se puede evitar notar, que tener al periodista fallecido como director, fotógrafo principal, y otros créditos, parece estar apelándose al más duro chantaje con tal de ganar premios, sumado a ese discurso de alguien en el entierro, donde se indica claramente que Brent hizo esto por y para Estados Unidos, para su gloria, un discurso patriótico que empequeñece la verdadera labor de este hombre.

En pocas palabras, las imágenes que capturaba Brent son muy interesantes, son buenas, crudas, humanas, hablan por si solas, desde hondureños buscando el sueño americano para escapar de la miseria, a ucranianos indignados por la guerra a la que fueron arrastrados, el dolor de un genocidio en Irak mostrado por medio de un pantalón hecho jirones lleno de sangre, los airados reclamos por ayuda de los haitianos después del terremoto del 2010, la violencia del terrorismo en Somalia con un coche bomba devastador, y ese otro genocidio cínico en Afganistán causado por su propio gobierno, con mujeres y pequeños acribillados cínicamente,  y niños amputados al por mayor.

También cubrió algunas cosas esperanzadoras, como el programa infantil en Chicago que muestran el lado luminoso de su trabajo. El problema como ya anote, es lo que no grabó el personalmente, su hermano Craig, en su afán de hacer una oda de su vida, se pierde en el morbo, la politiquería, y un intento de chantajismo sentimental qué nunca da en el blanco, por fortuna su hermano si regala un buen material, el suficiente para poder hacerse un homenaje decente, a pesar de su pusilánime hermano.

Calificación: Deficiente

Critica: Bugonia

"BUGONIA" ("BUGONIA", IRLANDA - REINO UNIDO - CANADA - COREA DEL SUR - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE YORGOS LANTHIMOS

La cinta inicia con un largo monologo sobre las abejas, la importancia de esta, su naturaleza, y el peligro en el que se encuentran, de esta manera resulta obvio la metáfora de la historia desde el primer momento, o por lo menos el mensaje a enfatizar por parte del director, en esta critica abiertamente antisistema, anticapitalista, y completamente

misántropa, todavía no he visto la versión original de esta historia (algo que por supuesto debe cambiar), pero la sola premisa es fascinante, y aquí, el guion escrito por Will Tracy en colaboración con Jang Joon-hwan, director y guionista de la original "Jigureul jikyeora! (Save the Green Planet!) están a la orden de un director especialista en estos temas, y es que, uno tiene la impresión de que si no existiera esa obra, tarde o temprano Lanthimos habría hecho algo parecido, con su típica crueldad, misantropía, y humor negro que se ríe de todo y de todos, y es que, ante la desesperanza que despiden sus mundos - espejo del real en el que habitamos -, solo queda reírnos a carcajadas como lacónica respuesta a un futuro inapelable.

Pasada la introducción de la trama tenemos al paranoico y conspiranoico Teddy (Jesse Plemons, fabuloso) y su primo autista (Aidan Delbis, sorprendentemente bien) con su plan en marcha, han logrado el secuestro de una importante CEO de una empresa, la dueña de un capital poderoso, y que según sus propias palabras, es más importante que el gobernador, pero lo importante de este momento es cuando la secuestrada se despierta, desorientada, sin saber que sucede, pregunta si esta en el hospital, y cuando comprende en donde esta, ante el discurso surrealista de su captor, nota que la raparon y se extraña de ello, pero eso es lo de menos, ya que sus secuestradores no quieren dinero, sino algo más original, que confiese que es una alienígena andromedano con la misión en la tierra de atacarnos y destruirnos, por lo que quieren que los lleven ante su emperador el día que su nave pase por la tierra, en pleno eclipse lunar, esto nos deja desconcertados como espectadores, pero no a la preparada empresaria depredadora.

Esta se mantiene serena dentro de lo posible, intenta dialogar con ellos, amenaza sutilmente, los presiona al limite, cuestiona sus razonamientos, y se impone en todo momento, cediendo en que ellos tienen el control de esa habitación, pero no del mundo entero, donde sin duda ella ganara, en esta escena existen muchos elementos importantes, el más importante sin duda es la manera de manejarse de esta inescrupulosa capitalista, un monstruo manipulador, sádico y labioso que resulta más peligroso justamente porque no es el típico cliché de millonario malvado que nos vende hollywood, en lugar de ello, esta es una mujer empoderada capitalista realista, que puede fingir que escucha a los demás, que se interesa por ellos, y hasta que puede tener empatía por esos dos pobres diablos, que sabemos están condenados a perder, debido a que en todo momento, y a pesar de ser la "victima", la Michelle de Emma Stone es la que maneja y domina la situación.

Otro elemento estimable es la reiteración de las abejas por parte de Teddy como manera de expresar sus ideas y pensamientos, llegando al grado de poner a las abejas y sus seres queridos y entorno como la misma cosa, y otro detalle más, los que hacen que los secuestradores parezcan unos locos psicópatas perdidos de la realidad, el hecho de cortar el pelo de la empresaria, de llenarla de crema, todo porque suponen que es una extraterrestre con características muy especificas, esto sumado a la manera de filmar de Yorgos, hacen que todo sea increíblemente hermoso, casi hipnótico, sin dejar de ser surrealista, y sobre todo, incomodo, porque uno no puede evitar reírse de la situación, a pesar de que tenga culpa de hacerlo, después de todo lo que sucede es terrible, y los involucrados actúan de forma seria, convencidos de su propia verdad.

Lo de Emma Stone ya es inconmensurable, logra otra actuación que perdurara en la historia del cine, su actuación es majestuosa, construye un personaje diabólico, una capitalista sin moral que se cree mejor que los demás, y que por ello tiene el derecho de pisotearlos, para muestra su presentación y el chiste recurrente del nuevo horario "pueden irse a las 5:30, siempre y cuando no tengan trabajo pendiente", lo deja claro en todo momento, su personaje es repelente, pero al mismo tiempo magnético, la actriz tiene un poder sobre la pantalla, de tal manera que sus gigantescos ojos bastan para mostrar mil pensamientos, lo que se ve exponenciado por el hecho de no tener cabello, y para los que pudieran tener dudas de su naturaleza, después de todo es la "victima" y se nos ha enseñado que el capitalismo es así, la escena del primer instante en el que tiene dominio físico, y esas palabras "No me vencerás, porque tú eres un perdedor, y yo, una ganadora, y así es la maldita vida".

Regreso al tema de las abejas porque siento que son parte esencial del relato, desde ese mencionado inicio que funciona casi como prologo, donde Teddy deja claro su sesgo, pensamiento y personalidad, viendo el sexo como algo sucio, lleno de dolor, que luego tendrá una explicación muy oscura conforme avance el relato, en tanto las abejas funcionan como metáfora perfecta del sistema donde vivimos, obligadas a trabajar sin descanso, para servir a alguien más, pero sobre todo, afectadas de tal manera que están muriendo, sin que nadie haga nada al respecto, como nosotros mismos, es decir, Teddy admira la naturaleza de las abejas - es decir nosotros - pero le molesta que las afecten, en tanto Michelle también las admira, pero porque son manipulables y explotables, incluso deja claro que si mueren, no es por culpa de nadie, un pensamiento completamente capitalista e inhumano, y por supuesto, el mito de donde viene el titulo, la destrucción necesaria para la creación.

De este tipo de momentos, de detalles, esta llena la cinta de Lanthimos, que ataca losdos lados de la moneda, Teddy es un hombre débil, temeroso, quebrado, deseoso de venganza y con necesidad de importancia, en tanto Michelle representa todo lo malo del sistema, en un duelo interpretativo y narrativo filmado de forma magistral, con mucho suspenso, y una banda sonora que estruja el corazón, y un soundtrack que invade el cuerpo, al final todo va de un par de idiotas que creen que un monstruo

capitalista manipula y maneja su mundo para destruirlos, y con todo lo que ha sucedido en los últimos tiempos, parece que Teddy tenia razón, que bien para todos los conspiranoicos, que mal para todos nosotros también, pero esto solo va de dos loquitos que se convencen de que una mujer poderosa es un alíen ¿o no? los ecos resuenan cada vez más fuerte en la realidad, y uno no puede evitar ver la cinta maravillado, incomodo, asqueado, divertidísimo, y con un dejo de triste desesperanza en ese clímax final, con un poderoso epilogo pesimista enmarcado por la hermosamente triste "Where Have All the Flowers Gone" en voz de Marlene Dietrich. ¿Sera que Lanthimos, Tracy y Joon-hwan creen que la única escapatoria para salvar al planeta es liquidar a todos? capitalistas y victimas por igual, resulta difícil no rebatir su argumento

Calificación: Sobresaliente

Critica: La Unica Opcion

"LA UNICA OPCION" ("EOJJEOLSUGA EOBSDA" ("NO OTHER CHOICE"), COREA DEL SUR, 2025) DE PARK CHAN-WOOK

Durante la parte final del más reciente filme de Chan-wook Park. el protagonista Man-Su (Lee Byung-hun, sobresaliente) es cuestionado sobre si le molesta trabajar sin personas, en una fabrica automatizada, "no estas obligado a aceptar" le sueltan sus sonrientes dirigentes capitalistas, pero él contesta que esta bien, no puede oponerse al progreso de la tecnología, es justo en este momento que

casi solté lagrimas al tiempo que me sentía completamente derrotado, porque este es el final de la transformación de nuestro protagonista, el descenso total a los infiernos, ya que desaparece por completo el preocupado hombre que luchaba por los demás que conocemos al inicio, cuando casi casi quiere hacer un sindicato para proteger a sus compañeros de trabajo, debido a que una empresa gringa acaba de comprar el negocio de papel donde trabajan, tomando la decisión inicial de despedir el 20% de la nomina, y da paso a un tipo capitalista que se preocupa por él, y solo por él, bueno... por él y por los suyos, como buen proveedor que es.

El director ha filmado una cinta fatalista y perversa, que critica el sistema actual en el que vivimos, una critica desatada al capitalismo, donde para poder sobresalir, mejor dicho, para sobrevivir, tenemos que pasar por encima de todos los demás, los que nos estorban, los que pueden arrebatarnos las oportunidades, los que podrían ganarnos, convirtiéndonos en una especie de perros galgos preocupados de forma perpetua por la liebre, sin que nos importe un bledo si para ello los demás perros deben quedar en el camino. Con lo escrito, podría parecer que estamos ante una cinta dramática y seria, pero es todo lo contrario, el director nos regala una historia repleta de un humor negrísimo, que coquetea con la sátira desatada en muchos momentos, pero que maneja tantos tonos que incluso es complicado describirlo, de forma simplificada se puede decir que estamos ante una tragicomedia donde el tono esta lleno de vaivenes que oscilan sin decidirse por uno de ellos.

Y esta era la manera más inteligente de contar esto ¿Cómo podría mostrarse de otra manera siendo la premisa tan oscura? Al iniciar vemos a Man-Su vivir - y presumirnos - su vida perfecta, tiene una esposa preciosa que lo ama (Son Ye-jin, muy bien), un hijo adolescente rebelde que a pesar de lo que diga es feliz, y una niña pequeña con alguna capacidad diferente, y una capacidad extraordinaria para tocar el violonchelo, dos perros hermosos y juguetones, una hermosa casa espaciosa, un bello jardín, y hasta un invernadero, el tipo no puede ser más feliz, esto se nota en la fotografía luminosa, casi dorada que nos muestra el director, su vida es "exitosa", lo ha logrado todo, de hecho la empresa para la que ha laborado 25 años le ha regalado una costosa anguila en agradecimiento por su arduo trabajo, al día siguiente Man-Su trata de defender a los obreros de los que es jefe, pero bateado de inmediato por los nuevos dueños, ya que bajar la nomina es "la única opción".

Por desgracia para Man-Su la anguila era literalmente lo que decía el texto, un agradecimiento por los años arrancados, antes de pegarle una patada y dejarlo en la calle, a partir de este momento vemos el declive de nuestro protagonista, primero el del orgullo, el amor propio, con todo y esas sesiones de auto-convencimiento junto a muchos desempleados más, con frases tan trilladas como el que no son culpables de perder el empleo, o que su familia los apoyaran, después el financiero, sin poder afrontar los gastos comunes, y llegar al grado de perder la casa que perdió su padre y había recuperado con tanto esfuerzo, el moral cuando toma una decisión de la que se convence es "la única opción", es decir, "acabar" literalmente con la competencia, y finalmente la espiritual, donde todo lo que creía y por lo que vivía se desdibuja en la muerte de su propio yo, de su propia alma. 

Man-Su intenta lo que puede, trabaja en lo que puede, y no deja de luchar asistiendo a cuantas entrevistas puede, aun a costa del trabajo actual, pero todo parece salirle mal, con su esposa empujándolo con frases optimistas, que recaen aun más pesadas en él por la presión extra que significa, una confianza que no puede traicionar, y es aquí donde se toca otro tema crucial para la trama, al que regresare después, cuando Man-Su se da cuenta que no importa que haga, no puede obtener el trabajo una peligrosa idea cruza por su mente, matar a la persona que tiene el puesto que desea, pero se da cuenta de inmediato que no es tan sencillo, después de todo lo lógico seria reemplazarlo por el postulante más capaz, por lo que decide acabar con todos los que posiblemente sean más aptos para el empleo, antes de ir por el pez mayor. Esto filmado de forma excelsa por el director, que tiene transiciones majestuosas, un manejo del encuadro maravilloso, y demás imaginerías como superposiciones que son perfectas en la narrativa de la trama, sin duda Chan-wook es un maestro.

Es así que Man-Su comienza una estrategia nefasta por parte del protagonista, que esta obligado a acabar con cada uno de sus oponentes/contrincantes, ya que es la "única opción" si quiere tener éxito, o por lo menos mantener la vida que tenia, es cuando esta cinta se convierte en una desquiciada locura, con nuestro protagonista investigando, acechando, y planeando los asesinatos, pero el tono oscuro se compensa con la forma de afrontarlo, ya que Man-Su no es un asesino despiadado, sino un hombre bueno llevado al extremo, completamente convencido de asesinar, pero realizándolo con una torpeza hilarante, que tiene su más alto punto, en esa escena magistral donde para perpetuar el primer asesinato acorrala a su victima en un cuarto sonorizado con "Red Dragonfly" sonando a tope, y el tipo pensando que es el amante de la mujer, en tanto esta lo ataca causando un desmadre de proporciones épicas.

Esta misma torpeza se sigue repitiendo, pero cada vez menos notoria, esto debido al significado de lo que hace Man-Su, ya que vemos que se entiende de forma perfecta con estos desempleados con los que comparte profesión y devoción a un arte, al grado de querer impedir que uno de ellos salga herido sentimentalmente, y compartiendo momentos valiosos junto a ellos, pero sin poder evitar matarlos porque afectan de manera indirecta su vida, al final, cada vez que Man-Su asesina destruye una parte de si mismo, por ello al final todo a mutado en tonos oscuros y gélidos, ya nada queda de ese mundo en el que antes habitaba, un hombre empujado por el sistema hasta que "no tiene otra opción", un mantra que repiten una y otra vez los personajes de la cinta, donde además del obvio ataque al capitalismo se nos dice algo más, con esa presión que Man-Su tomaba de su familia, de la esposa que le apoyaba, del hijo que se alejaba y del que le recordaban no era suyo, de la hija que no podría vivir por si misma sin su empujón, de los suegros que lo miraban con desdén, un hombre que no provee, no es un hombre, por lo menos así parece ser en esa Corea del Sur capitalista, y es exactamente lo mismo en este México igual de capitalista, dejando claro que el monstruo es el sistema, que nos obliga a ser monstruos con tal, ya no de tener éxito, ni de sobrevivir, sino algo peor, ser monstruos para salvar a los seres que amamos, como el desgraciado Man-Su con la presión extra de su niña, no se puede ser mas desesperanzador que esto, o eso pensaba hasta que vi ese final con la IA como principal amenaza, al final no tenemos salvación, cuando mucho podemos alargar nuestra agonía.

Calificación: Excelente