Reseña: La Posesión de la Momia

"LA POSESION DE LA MOMIA" ("LEE CRONIN'S THE MUMMY, IRLANDA - ESTADOS UNIDOS -  ESPAÑA - CANADA, 2026) DE LEE CRONIN

Dejemos las cosas claras, Cronin es un director talentoso, lo demostró en su ninguneada "El Bosque Maldito" ("The Hole in the Ground"), sobre una madre traumada y rebasada por la responsabilidad

materna en un bosque de cuento de hadas (o de pesadillas), y en la desquiciada actualización de la saga "Evil Dead" con "Evil Dead: El Despertar" ("Evil Dead Rise") que recobraba la violencia y mala leche de Raimi, aquí de nuevo hace las cosas bien, aunque debo admitir que esperaba algo distinto, ya que a final de cuentas termina siendo una versión de "Evil Dead" con skin egipcio, que quede claro que no es queja, pero esperaba algo distinto de Cronin, apelando mas al monstruo clásico aplicando su tono distintivo, pero al final prácticamente entrega un Deadite vendado y momificado, pero con el mismo sentido del humor gamberro y escatológico que tan bien logro antes.

Con ese tema fuera, solo queda admitir que la momia de Cronin es tan macabra y tenebrosa como uno podría esperar, desde el inicio uno esta tenso y lleno de aprehensión, una situación que se va in crescendo durante todo el metraje hasta llegar a ese clímax desquiciado que no puede dejar a nadie impávido, uno esta aterrorizado, presionado, asqueado, destornillado, con momentos donde uno quiere quitar la mirada de la pantalla, al mismo tiempo resulta imposible apartarla. Cronin se encarga de eso, con esos planos cerrados que nos hacen ver todo en primerísimo plano, sean vómitos, sangre, heridas, bichos, vendajes combinados con piel, gestos demoníacos y tomas de piel mancillada, todo esto con un sonido muy cuidado que le da mucho valor a todo lo que pueda escucharse, sea algún rasguño o un castañeo de dientes crucial para la trama, sumado a una banda sonora incomoda con muchas cuerdas que alterna entre sonido y notas rítmicas que incomodan tanto como lo que se ve en pantalla.

Todo empieza en Egipto donde Charlie Cannon (Jack Reynor) es un periodista serio y profesional, mientras la madre lidia con su trabajo en el hospital, Charlie se queda con sus dos niños pequeños, la enojona Katie (Emily Mitchell) y el desmadroso Sebastián (Dean Allen Williams), pero Katie ha hecho una amiga a escondidas, por desgracia en lugar de su pequeña amiga llega su madre (Hayat Kamille) y pasa lo inevitable, la pequeña Katie es raptada destrozando a la familia, ocho años después la familia vive en Nuevo Mexico con la abuela Carmen (Verónica Falcon), hasta que por arte de magia su hija aparece, en un sarcófago negro y en estado catatónico después de que la avioneta donde viajaba se estrello, se supone que lo mejor que puede sucederle es tener cerca el amor de la familia, claro esta que Katie (Natalie Grace) no parece la misma niña que desapareció hace tanto.

Todos sabemos lo que se viene, Katie es un enigma que ataca a la abuela cuando le reza en la cara, y aunque la juega de tonta paralizada, por las noches se mueve a máxima velocidad por las paredes huecas, por otro lado, el padre hace todo lo posible por resolver el enigma de lo que le sucedió a su hija a pesar de las quejas de la madre (Laia Costa), mientras es apoyado por la detective egipcia Dalia (May Calamawy) quien esta haciendo grandes avances en ese Egipto mágico y tétrico con todo y demonio milenario, que al final desata toda su locura en un velorio donde el humor negro y soez asoman, donde la mala leche se

impone, sean un par de viejas víboras que critican a la muertita, un zombi patón que regurgita un escorpión exaltado, una niña (Billie Roy) que cambia sus dientes por una dentadura, un bateador excitado (Shylo Molina), cerditos lamidos, uñas cortados voladoras, cameos mocosos, jeringas con anestesia y declamaciones espirituales para contener a un demonio desatado, sardónico y burlón que solo quiere ver arder el mundo. Además todo esto tiene un subtexto, el de la podredumbre de la casa con vomito incluido que hace alusión a como se pudre una familia que vive una perdida así, y como si regresan no son la misma persona que se fue, sumado a ese triple final que pasa de lo trágico a lo lindo para culminar en lo revanchista generando una sensación de satisfacción poco visto en este tipo de cintas y nada esperable.

Calificación: Bastante Bien

Reseña: Michael

"MICHAEL" (("MICHAEL", ESTADOS UNIDOS - CANADA, 2026) DE ANTOINE FUQUA

Edulcorada y hasta infantil hagiografía del rey de pop, uno ve tanta dulzura y amabilidad que termina de verla con caries en las muelas, por supuesto esto es un defecto como ya he señalado en múltiples ocasiones con otras biografías de artistas, y no solo de ellos, en general las biografías hollywoodenses tienden a santificar a sus protagonistas, sean importantes personajes históricos, reconocidos profesionales de su ámbito, luchadores sociales, actores y cantantes como en esta ocasión, pero aunque blanquean a la inmensa mayoría, la realidad es que apuestan por ponerles algún defecto que muestre un desarrollo en ellos o por lo menos tienen un conflicto a resolver, el principal problema aquí es que Michael (Jaafar Jackson, nada menos que sobrino del rey del pop) es directamente un santo, que nació con un don que no le quieren dejar dar al mundo, porque el único problema de este ser iluminado es que su padre Joseph (Colman Domingo) no quiere que brille, por lo menos no solo.

Por lo que Michael es obligado una y otra y otra vez a cargar con sus hermanos en los "The Jackson 5" incluso después de consagrarse con el álbum thriller, siendo su tardada emancipación el clímax sin fuerza de la película, aunque debo ser sincero, el ataque de la critica es exagerado y superlativo, en primer lugar la mayoría solo critican que no se toque los temas peliagudos del rey del pop, lo cual directamente es una estupidez ya que cronológicamente no se llega a esos años, por lo que pareciera que solo buscan una excusa para atacar una cinta que no apunta a otra cosa que ser un entretenimiento musical, los que no caen en esa narrativa apuntan lo mismo que yo, Michael blanquee al personaje y es sosa, pero lo hacen de manera destructiva cuando hay decenas de biografías iguales, algunas mucho peores que ponen a sus retratados no solo como santos sino directamente como profetas o salvadores mesiánicos perfectos, la detestable "Harriet: En Busca de la Libertad" ("Harriet") por mencionar alguna que es infinitamente peor y más lamebotas.

Queda claro que la critica se ensaña con la película quizá por razones que van más allá de lo cinematográfico, quizá la respuesta esta en la cercanía de las empresas para quienes laboran con el poder y la información de los archivos Epstein que no solo exonera a Michael sino que lo retrata como antagonista para la elite mundial pedófila y satánica. Volviendo a la cinta esta nos narra todo desde 1966 cuando la familia Jackson vivían en Gary, Indiana con su padre atrapado en una fabrica y con el sueño de salir adelante por el talento de sus hijos a quienes hacia practicar hasta que doliera, ahí maltrataba al pequeño Michael (Juliano Valdi) física, verbal y mentalmente, pero al mismo tiempo vemos como el chico ama bailar y cantar, y se toma todo muy en serio, llega el éxito y con ello el interés de Michael al proceso creativo, pero apenas cosa se esta poniendo interesante cuando brincamos hasta Los Angeles del 78, donde por fin se lanza como solista, regresando al grupo cuando su padre lo demanda.

De aquí en adelante la cinta avanza como "Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddy Mercury" ("Bohemian Rhapsody"), saltos temporales donde se nos presentan a personas importantes en su vida, o famosos que conoció, momentos icónicos, las canciones que definieron su fama, lo popular que fue, su amor por los animales, su temor a su padre, su infantilización y obsesión por "Peter Pan", su soledad, la cercanía que sentía por los pequeños, y un larguísimo etc. Pero nada de esto se aborda, solo se pasa de refilón, como para que recordáramos, lo mismo sucede con su música, no vemos como se creo, su proceso creativo, de donde salían las ideas, lo estrafalario del vestuario, su obsesión por la perfección, las practicas hasta el agotamiento, en lugar de eso, y este es el verdadero pecado de la cinta, se limita a presentar los momentos e imágenes icónicas, a recrearlas, para que señalemos la pantalla y digamos - "¡oye! es esto", "me acuerdo de esto", "conozco este momento", pero poco más, los conflictos se resuelven en una llamada o se olvidan.

Además de que no solo se blanquea a Michael sino a toda su familia - productores de la cinta -, y personas cercanas administrativamente, convirtiéndolos en tenues apoyos o decorados con tal de no salir embarrados en que obviamente se aprovecharon de él, eso si, cuando uno escucha las icónicas canciones del Rey del Pop, ve los vestuarios y recreaciones se activa algo en el cerebro, no solo es la nostalgia, es el reconocimiento de que disfrutamos - y seguimos haciéndolo - de un artista irrepetible, entregado y talentoso, que no solo tenia un don sino que trabajaba en su obra, donde además metía sus gustos como las cintas de terror y lo visual en concordancia con el sonido, para los fans algunas partes serán muy disfrutables, pero también ellos serán los primeros en notar las limitaciones y que no se cuenta lo más interesante, frente a la promesa de una secuela espero que ahí se aborde todo, no solo sus escándalos, también toda la información reciente de su vida, aunque viendo lo visto hay pocas esperanzas en un posible volumen II.

Calificación: Aceptable

Reseña: Proyecto Fin del Mundo

"PROYECTO FIN DEL MUNDO" ("PROJECT HAIL MARY", ESTADOS UNIDOS, 2026) DE PHIL LORD Y CHRISTOPHER MILLER

Se vende como una película de ciencia ficción apocalíptica, y en parte lo es, pero la realidad es que esta cinta basada en el libro de Andy Weir es más que nada una buddy-movie, una muy ñoña por cierto, pero encantadoramente bonita, a tal grado que uno termina de visionar su mas de dos horas y media con una sensación gratificante, recordando que la vida es

bella, que vale la pena luchar por este mundo, y mas aún si se tiene a alguien que deseemos proteger, aquí creo que me quedo corto, haciendo honor a la historia, lo correcto es luchar por todos los planetas donde exista vida y hasta los que no, quizá en todos ellos existan varios Rockys por los que merezca la pena jugarse la vida, o directamente sacrificarse ¿Qué otra cosa puede hacerse ante un individuo que solo tiene amor y caridad para dar? Ryland Grace (un encantador Ryan Gosling derrochando carisma) es un profesor de secundaria al que sus alumnos quieren mucho, hasta que es contactado por la fría y profesional Eva (Sandra Hüller, bastante bien) para que los ayude con la línea Petrova, un haz de luz que conecta el Sol con Venus y que de alguna manera lo esta apagando.

El tipo es un neurótico solitario que usa el humor como defensa y casi va a fuerzas, pero como es brillante con el "defecto" de no doblegarse con sus superiores, descubre que una forma de vida a la que nombra "astrofagos" están devorando el Sol, hasta hacer que cambie la temperatura de la tierra y todos mueran, es entonces que lanzan el proyecto del titulo, el "Ave María" con pocas posibilidades de éxito pero la única opción para salvar el planeta tierra y todos sus habitantes. Esto lo conocemos después, por medio de flashbacks que regresan poco a poco a la memoria de Ryland, ya que al iniciar estamos tan perdidos como él, en una nave espacial a años luz de la tierra, como único superviviente de una misión que no recuerda, y condenado a quedar varado cerca de la estrella Tau Ceti, con el tiempo sabemos por los recuerdos de Grace que esta ahí para descubrir porque esa estrella no esta muriendo, resolviendo el dilema en una misión suicida, lo extraño es que su personalidad nunca lo habría hecho acceder a esa misión.

Y aunque esto nunca deja de ser interesante, lo cierto es que lo mejor llega pasada una hora de metraje, cuando es abordado por otra nave espacial, de otra civilización con la misma misión, y un único tripulante sobreviviente como él, es así que Ryland Grace - buen juego de palabras con el titulo original - conoce a una forma de vida que no es a base de agua, una forma rocosa sin rostro que vive en  atmósfera de metano y se comunica con sonidos y vibraciones, es así que conocemos al entrañable Rocky (voz de James Ortiz), quien tiene la misma misión y es un inventor impresionante, una especie de ingeniero rocoso muy simpático. Está por supuesto es el alma de la cinta, ya que poco a poco empiezan a comunicarse, establecen una colaboración que avanza hasta una hermosa amistad donde se tienen el cariño más sincero. La primera palabra que llego a mi mente para describirla fue humana, pero no sería justo para el mejor personaje de la cinta, el entrometido, encimoso y honorable Rocky, que se gana el cariño de todos los que lo vean en pantalla, a pesar de ser una marioneta - o quizá justamente por ello -, una decisión muy acertada ya que al minimizar los efectos computadorizados se logra que sepamos que lo vemos es real, algo táctil, esta ahí, y eso es algo que ni el pixel mas realista puede lograr.

Lo mismo aplica para todos los escenarios, en realidad están ahí y es de admirar la dedicación que se puso a los diseños de producción, la música experimental y el buen gusto del soundtrack - desde "The Beatles" a Mercedes Sosa -, escogido para los momentos justos, mientras para los más cinéfilos tenemos múltiples referencias, desde "Rocky", "Superman 2", pasando por "Hellraiser" hasta "Interstellar", además de que todos sabemos que toma como premisa a ese otro extraterrestre bonachón de Spielberg "ET the Extraterrestrial". Cuando el "bromance" toma el control de la historia es cuando la cosa se pone mejor, la misión se vuelve cada vez más peligrosa y los protagonistas se ponen en riesgo, y uno los tiene tanto en estima que personalmente me importaba mas que sobrevivieran ambos que el futuro de sus planetas, por supuesto la cosa se vuelve peliaguda y sufriremos mucho, abandonando ese desatado sentido del humor para darnos un doloroso drama que nos muestra el valor de la amistad, del amor entre dos seres vivos, y con esa evolución del egoísta protagonista que ahora si tiene alguien por quien sacrificarse, por quien vale la pena perderlo todo, probablemente porque el amor a un ser querido lo es todo...

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Napoleón

"NAPOLEÓN" ("NAPOLEON", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2023) DE RIDLEY SCOTT

El Napoleón de Joaquin Phoenix y Ridley Scott es muy diferente a lo que esperaba el publico en general, y en particular los franceses e hispanoamericanos que ven con devoción idolatra su figura, por lo que este quisquilloso, bobalicón, inseguro, vanidoso, ególatra, cornudo, glamoroso y megalomaníaco emperador de Francia les

resulta un insulto a su memoria, desde esta humilde butaca me parece una acertada critica que desmitifica personajes que durante siglos han vivido en un respeto tan idolatra que parecen intocables, solo falta ver que uno diga algún defecto o error de estas personas para que se desate la furia de todos los que se vanaglorian de leer historiadores, wikipedia y fichas de papelería, aquí en México tocar una figura histórica conlleva el linchamiento hasta de los mas cercanos, solo con decir que no fue a esa escuela, o que se caso dos veces, se tiende a santificar a estos personajes y es un error fundamental en casi todas las biopic, que Scott escape de esto es muy refrescante.

Como si fuéramos corriendo sin cesar y con tiempo medido vemos toda la vida de Napoleón (el mencionado Phoenix, brillante) desde que presencio la decapitación de María Antonieta, vivió el infierno que vino después de la revolución, aprovecho esto para ascender militarmente, y luego traicionando a su padrino político se volvió monarca y emperador de Francia, para luego comenzar sus propias guerras, vivir su caída y finalmente su muerte, pero como a Scott no le interesa vanagloriar a su personaje tampoco le interesa mostrar cada momento y situación importante que haya vivido, en lugar de eso se enfoca en mostrar el carácter de este pusilánime ambicioso que vive en su propio mundo, cual ególatra desatado, que es capaz de hacer berrinches como niño pequeño - "se creen mucho porque tienen barcos" - le grita al embajador ingles.

Que aguanta los cuernos de su mujer debido a la necesidad de amor que tiene por ella, que es capaz de dejar a su ejercito solo en Egipto porque es el hazmerreir de Francia porque todos saben que le ponen los cachos, por lo que regresa para correr de su casa a Josephine (Vanessa Kirby, bastante bien), luego reclamarle, ponerle reglas para regresar con ella y terminar dominado por una mujer que conocía realmente su pobreza de carácter, es en estos momentos, donde la película muestra lo que en realidad esta interesada en contar, no los sucesos históricos ni la politiquera que vivió el emperador, sino su forma de ser, el carácter, las debilidades y virtudes, representadas tan bien por un grandísimo Phoenix que posa consciente de su necesidad de grandeza y lo que significa su nombre, que es capaz de poner mirada amenazadora a sus enemigos y luego de corderito a su mujer, que hace berrinches frente a todos, que busca hacer un heredero en todo momento y reclama siempre a su mujer, sea a solas, sea en una lujosa cena que termina en sombrerazos.

Se nombra en todo momento como líder mesiánico, se inventa una realidad alterna - les discute a unas jóvenes que el quemo Moscú - que no existe, donde él es el elegido por el destino, el pueblo y Dios mismo, piensa que su descendencia esta destinada a gobernar Francia, y es incapaz de aceptar un error, como le dice pomposamente a unos jóvenes que lo idolatran - "mi único defecto es no poder pasar mi genio a mis subordinados -, pero también es la critica a todo un sistema de poderosos que no tienen empacho en mandar a morir a cientos/miles de soldados, en usarlos como peones estratégicos o de plano verlos como fanáticos idiotas que no les importan, y esto lo comparten todos los políticos franceses, ingleses, rusos y austriacos, que no quieren terminar rápido una batalla, o son capaces de conversar platicando después de cientos de horribles muertes de sus soldados, quizá esta postura no le guste a casi nadie, pero es imposible negar lo sardónico de la idea, así como tampoco esas majestuosas batallas épicas que logra Scott, regalándonos momentos como la toma del puerto, el asalto de caballería y por supuesto esas tropas huyendo solo para caer a un lago que se tiñe de rojo, cine épico, cine en su máxima expresión.

Calificación: Bastante Bien

Reseña: Lindas y Letales

"LINDAS Y LETALES" ("PRETTY LETHAL, REINO UNIDO - ESTADOS UNIDOS - HUNGRIA, 2026) DE VICKY JEWSON

En un momento puntual de esta película una de las bailarinas del titulo, Princess (Lana Condor), se cuela de nuevo en el edificio, encuentra una habitación repleta de armas y dice para ella misma que porque no la habían visto antes, la respuesta es harto sencilla para nosotros los espectadores, simple y sencillamente porque no lo requería el guion, sabemos que esta ahí para darle el arma que necesita para rescatar a la verdadera protagonista Bones (Maddie Ziegler, nada menos que la pequeña que brillaba bailando en los videos de Sia, ahora adulta), justo esto sucede y por supuesto no tomo alguna otra arma que pudiera ayudarle, ni falta le hará, en resumen esta es la película, una sucesión de conveniencias y situaciones que están para que el guion avance más que narrar, esto de nota muchísimo en la villana de la función, una Uma Thurman haciendo de dueña mafiosa acomplejada que cambia de carácter y meta de acuerdo a lo que necesite la historia.

De tal manera que comienza como una mafiosa despiadada arranca lenguas para pasar a bailarina traumada, virar a madre desnaturalizada, convertirse en la jefa final para al ultimo ser la salvadora con todo y mensaje de sororidad, por lo que uno termina de ver esto con la cara extrañada, nunca sabemos porque la mujer actuaba así, si su misión y plan es el visto ¿para que torturar y mandar asesinar a las chicas? que además no se paraba de repetir que era un desperdicio, es todo muy extraño, pero habiendo dejado claro que la historia no tiene pies ni cabeza, debo añadir que tampoco es que lo busque, aquí solo se trata de ver a cinco bailarinas con mala suerte llegar a donde no deben y tener que luchar para defenderse contra un grupo de maleantes ¿húngaros? eso si, bailando ballet ocasionalmente, que a final de cuentas es como se vendió esta película.

Una especie de "Bailarina" ("Ballerina") pero con mucho menos presupuesto, menos seria y con muchísimas menos peleas, eso si, algunos momentos son muy disfrutables y no se escatima en la violencia, mención aparte para Ziegler que se nota que recibe castigo y es la única de las muchachas que en realidad esta aprovechando lo de la bailarina con esos movimientos y la elasticidad, y esto se aprecia ya que a excepción de ella y Condor las otras tres conformadas por Avantika, Iris Apatow y Millicent Simmonds a veces cantan demasiado con los dobles, e incluso en momentos puntuales con cgi al parecer generado por inteligencia artificial que se ve tan chafa que lo saca a uno de la fantasía. La trama va sobre estas cinco bailarinas, cada una en un estereotipo distinto; la sordomuda, la hermana preocupona, la religiosa, la ricachona pedante y la luchona con carácter, que se dirigen a una presentación llevándose muy mal.

El autobús se estropea y van caminando al pueblo más cercano, se meten a un bar mafioso y el junior del capo la riega como es la costumbre, asesinando a su maestra, después de esto no pueden dejarlas irse con vida ya que irían con la policía y ahora deben defenderse a muerte, esa es toda la trama, ellas resuelven sus diferencias pero no esta bien integrado, y los villanos son contradictorios, por lo menos la violencia en la acción vale la pena como ya apunte, el humor mala leche funciona la mayor parte de las veces, y ellas no son superheroínas, por lo menos no hasta el acto final, por lo que la fantasía femenina no se muestra tan desatada como para echar para atrás a algunos hombres, además se agradece que Simmonds siga teniendo carrera más allá de la saga "Un Lugar en Silencio" ("A Quiet Place"), y la efusiva, enérgica y gesticulosa Ziegler es un faro de carisma, tiene algo que vuelve inevitable quitarle la vista, ojala le sigan apareciendo oportunidades, y que sean mejores que esta donde podía lucirse pero de alguna manera no se lo permitieron como debían.

Calificación: Regular

Reseña: Bailarina

"BAILARINA" ("BALLERINA", ESTADOS UNIDOS - HUNGRIA, 2025) DE LEN WISEMAN

Que extrañas decisiones se tomaron para esta cinta, por un lado Netflix estreno una con el mismo nombre no hace mucho, y prácticamente con la misma trama, una cinta de acción estilizada, algo que hace parecer esto una copia, hasta que uno ve que esta se grabo hace años pero se atraso por regrabaciones, la virtud de poner a la preciosa y carismática Ana de Armas en un protagónico de acción de nivel, lo merecía desde su despampanante aparición en la última de James Bond, y la última decisión, la más rara de todas, es poner a un director casi retirado como Wiseman al mando de algo tan importante para esta saga, al grado de que cuando se entrego, Chad Stahelski, director de la saga "John Wick", regrabo muchas cosas, en especial las escenas de acción para que estén a la altura, es decir ¿para que contratas a un tipo que no esta a la altura si al final harás el trabajo? uno supone que del trabajo de Wiseman quedo en todo el soso inicio y las charlas donde la dizque trama se desarrolla, que no son mas que excusas baratas para ver lo que de verdad importa aquí, las peleas y balaceras estupendamente coreografiadas.

Pareciera que Stahelski se encargo de la segunda mitad, o por lo menos de todas las escenas de acción a partir de cierto momento, y eso se nota, es ahí donde la cinta brilla, en esas coreografías que parecen un enfermizo ballet sangriento y ardiente, Ana de Armas recibe y reparte castigo con enjundia, y uno se emociona como enano ante tanto desmadre con esa bella fotografía y mucha imaginación, y si a todo esto se le suma la aparición de varios recurrentes de la saga y el cameo extendido del "Baba Yaga" Jardani John Wick (Keanu Reeves), no puede existir queja posible ante este espectáculo de acción y vehículo de lucimiento de Ana de Armas. Eve vive con su padre quien le promete una buena vida, pero rápidamente son atacados  por el villano de la ocasión,  el canciller (Gabriel Byrne), que cual calvinista, es un tipo sectario que cree en el destino y la predestinación mientras usa eso para ejecutar su voluntad.

Si en la cuarta parte el malo era un bueno para nada que sin poder no tenía cualidades, en esta de nuevo dan casi sin querer con el arquetipo de villano político con poder que pululan en la actualidad mundial, Eve ve como su padre muere y es salvada por Winston (Ian McShane) que la entrega a la Ruska Roma para que cuide de ella. Por supuesto viniendo de la familia que crío a Wick solo queda esperar que Eve se convierta en una máquina de matar, y que por pura casualidad decida que quiere ir a vengar a su padre para que todo se desate a pesar de los peros de la directora (Anjelica Huston), de aqui solo sigue acción, la trama es una excusa y la historia una ridiculez que roza el bochorno con eso de la hermana y demás, pero los guamazos y balazos cumplen lo prometido, además ver a Ana de Armas brillar sin sexualizarla es algo maravilloso, aunque claro que es castigada en esas escenas de acción riesgosas que valen el boleto.

La primer escena en la disco tiene muchos cortes pero la chica se luce, y aunque el encargo y el continental de Praga quedan a deber, todo mejora en esa secuencia de la armería con múltiples granadas, toda una carnicería socarrona que da paso a la pelea en el bar del pueblo sectario con tomas extendidas llenas de  violencia y mucho humor mala leche, es fascinante que todo el mundo sea un asesino sectario en el lugar, para dar paso a esa aparición de Wick ya anunciada, que le da su lugar al místico asesino y nos arranca una sonrisa por mas que sea fanservice descarado, para culminar con patines, lanzallamas y mangueras que nos regalan un clímax desquiciado que uno aplaude desde el sillón, por supuesto, nada tiene sentido ¿pero que importa? Si se siguen alcanzo estas cuotas de altísimo nivel e imaginación que hacen que uno quede boquiabierto por lo menos esos segundos donde creemos que la menudita cubana puede dar cuenta de un pueblo de fanáticos con mucha candela al tiempo que posa viéndose espectacular.

Calificación: Bien

Reseña: John Wick 4

"JOHN WICK 4" ("JOHN WICK: CHAPTER 4", ESTADOS UNIDOS - ALEMANIA, 2023) DE CHAD STAHELSKI

Cuando inicia la cuarta - y se supone ultima - entrega sobre el invencible asesino John Wick (Keanu Reeves) me sentí un poco perdido, es cierto, se agradece ese inicio que entra a la acción de lleno, poniendo la emoción necesaria para después hacer un guiño al cine de Lean cuando vemos a Wick en el desierto persiguiendo a caballo a unos pobres diablos para llegar con el regente, pero

es aquí donde me confundo, ya que la anterior culmino con un poderoso cliffhanger con Wick traicionado y derrotado, iracundo en busca de venganza, por lo que uno espero por cuatro años a que Jardani Jovanovich regresara para vengarse del regente, los lideres de la alta mesa y el mismo Winston (Ian McShane), vamos que hasta de la adjudicadora (Asia Kate Dillon) que era la villana principal en la tercera entrega "John Wick 3: Parabellum", pero no, en lugar de eso nos avientan de golpe que los regentes pueden ser asesinados como si nada, que de todas formas van a poner a otros, que la alta mesa no puede ser destruida, la adjudicadora no existe, y el enojo de Wick con Winston se le paso durante la recuperación.

En pocas palabras, ese encabronado "yeah" final quedo en nada, en lugar de eso se prefiere iniciar otra trama donde se deja claro que Wick no puede matar a todos como tanto alego y prometió desde la segunda entrega "Otro Día para Matar" "John Wick 2", por lo que ahora todo va sobre salirse de esa vida, claro, uno espera desde siempre que esa es la meta final, pero no de esta manera, se siente como una traición a lo construido, como si de un plumazo borraran todo para poder seguir ordeñando la vaca con los spin-off prometidos, así que no se animaron a destruir ese mundo, por lo menos eso aparenta esta entrega, por lo que ahora Wick debe enfrentarse al sádico y pedante Marqués de Gramont (Bill Skarsgård) a quien le fue otorgada libertad total por parte de la mesa para arreglar todo el asunto, por lo que después de darle en la madre a Winston saca de la jubilación al asesino ciego Caine (Donnie Yen) y contrata a un hábil rastreador (Shamier Anderson) con carismática compañera perrita.

Aquí llega el otro problema de la película, los choros mareadores que no parecen terminar nunca, así los tipos hablan y conversan y explican y repiten todas las reglas y rituales de su mundo para que lo tengamos claro, y el como Wick los afecta a todos ellos, pero todo se toma demasiado en serio, como si estuviéramos en otro tipo de saga, no la que dio comienzo en "Un Dia para Morir" ("John Wick") con la venganza de un asesino al que mataron su perrito y le robaron su carro, se que es más profundo que eso pero el guiño y la socarronería estaban en la trama, eso se ha perdido, existe demasiada seriedad en todo el asunto, y uno nunca puede tomárselo en serio porque por más líneas profundas que tiren vemos a John Wick caer varias veces de alturas imposibles y salir ileso, es decir, nosotros ya compramos la fantasía, no tienen porque intentar darle una complejidad que estorba.

Fuera de esto la cinta es impresionante, las escenas de acción son fascinantes, cada coreografía es notable y se ejecuta de la mejor manera posible, se agradecen los guiños en dirección a otros géneros y cintas, la fotografía es exquisita al jugar con los colores y tomas inventivas, la edición es exacta, el sonido y música acompañan de la mejor manera, y los efectos especiales no desmerecen, además de que tiene un reparto estupendo con Hiroyuki Sanada sumándose a los mencionados, todo esto con una acción que literalmente te deja boquiabierto y que nunca renuncia al humor, sobre todo por parte de un carismático Yen y un desatado Scott Adkins como un mafioso gordiflón que tira buenas patada. Sumado a que el villano me parece fascinante fuera de su verborrea porque representa algo vital en ese mundo - y en este -, un bueno para nada con poder que siente que esta por encima de todos pero que tener que demostrar la más mínima capacidad queda retratado como lo que es, un inútil pomposo.

Sumado a que uno queda fascinado con el ataque al continental de Osaka y las hilarantes peleas con flechas, con ese enfrentamiento desquiciado en un loco antro en Berlín con varias caídas, con la magnifica persecución en el Arco del Triunfo con todo y perro haciendo parkour, la batalla en ese edificio con todos los parisinos a la caza que da paso a esa imaginativa secuencia sin corte en plano cenital que sigue a Wick cual si fuera un videojuego con las balas de fuego iluminando todo mientras vemos el desmadre desde arriba, la desternillante subida (y caída) en las escaleras, y con ese astuto duelo final, ante eso, la acción desmedida y pasada de rosca ejecutada de manera perfecta, uno no puede poner peros, en eso la cinta cumple a cabalidad, y eleva el listón de las acrobacias en el cine de acción al filmarlo de manera excelente, con eso le basta para que la despedida de Wick sea una cinta que aunque no este a la altura de las anteriores, sea una delicia para los amantes de la acción como quien esto escribe.

Calificación: Bastante Bien

Reseña: Exterminio: El Templo de Huesos

"EXTERMINIO: EL TEMPLO DE HUESOS" ("28 YEARS LATER: THE BONE TEMPLE", REINO UNIDO - ESTADOS UNIDOS - CANADA", 2026) DE NIA DACOSTA

La más reciente entrega de la saga "28... later" inicia justo donde se quedo la cinta anterior, con Spike rescatado de los zombis por ese grupo que rompía el tono, un equipo digresivo que se vestían como mafiosos ingleses con diferente color, y un líder que porta orgulloso un crucifijo al revés dejando clara su postura, uno intuye de esa manera que es el niño olvidado pero crecido con el que inicio la cinta anterior "28 Años Despues" - ("28 Years Later"),

anote que al niño lo habían rescatado, quizá es mas oportuno decir que lo secuestraron ya que de inmediato es obligado a pelear con otro integrante por su vida, el señor Jimmy Cristal (un esplendido Jack O'Connell creando otro villano icónico) solo puede tener siete dedos, la cantidad de secuaces que se permite tener, que son parte de su mano derecha, por ello lleva a cabo este "entrenamiento" en nombre de su padre Nick, esta claro que Spike no muere en ese momento, pero podría desearlo viendo lo que se le viene después, ahora pertenece al equipo y no puede escapar de esa secta que deambula por el mundo causando males, torturando y asesinando a los seres humanos que hallan.

Jimmy es un satanista orgulloso, que lidera a un grupo de jóvenes desquiciados que obedecen ciegamente en la creencia de que es el hijo del poderoso Nick, quien a su vez causo la destrucción del mundo en el que viven, soltando a los zombis que para él son demonios, ha bautizado a todos ellos como Jimmys y viajan causando dolor, desollando personas vivas, y haciendo rituales de sacrificios en base a su creencias, es decir, retomamos las bases de la saga, ya desde la película original del 2002 "Exterminio" - ("28 Days Later") - estaba claro el mensaje de que los verdaderos monstruos no eran los zombis maratonistas sino los seres humanos supervivientes, que enfermaban de poder, o mejor dicho demostraban su verdadero yo en esas circunstancias, siendo mucho mas peligrosos que los zombis y la enfermedad que se pasa por sangre y despierta en unos cuantos segundos, en esa cinta eran militares, ahora son fanáticos religiosos que siguen a un líder psicopático capaz de las peores bajezas solo por placer y ego.

Somos testigos del esfuerzo de Spike por sobrevivir, los intentos de escape, y como es obligado a ver las peores cosas inimaginables, en tanto en la otra línea argumental, el amable - incapaz de molestar incluso a un insecto - doctor Kelson (un majestuoso Ralph Fiennes) sigue respetando a los fallecidos, sean o no infectados, ampliando su monumento a los caídos, ese osario que es el templo de huesos del titulo, pero al tiempo que vemos el solitario y cansado día a día de Kelson, también lo vemos crear un vínculo con el infectado alfa Sansón (Chi Lewis-Parry, bien), en extrañas sesiones con morfina y tratamiento psiquiátrico que increíblemente comienza a funcionar, encontrando una posible cura para el virus de la rabia mutada, estos momentos son hermosos, divertidos, dulces y tiernos, quizá hasta bobalicones y contrastan con la crueldad de la otra historia que no escatima en el gore y la violencia.

Es cierto que como es usual en la saga no faltan las persecuciones, los enfrentamientos, los brotes de violencia, los infectados transformados de inmediato, y el ritmo acelerado de repente, pero son solo pequeños brotes dentro de una historia que no va sobre eso, los infectados son casi un elemento anecdótico, y aquí entramos de lleno a la maldad humana como en el tercer acto de la cinta original, del mismo modo DaCosta graba de forma serena la historia, pausada, dando tiempo a que el guion respire y con una cámara que no hace aspavientos, por el contrario esta plenamente al servicio de la historia, sin dejar de mostrar postales extraordinarias, en especial toda la parte final donde uno ve el desarrollo con la boca abierta, en lugar de un ritmo frenético se opta por la tensión, de tal manera que los mejores momentos no tienen que ver con zombis llegando, sino pasajes tranquilos pero con una tensión que se puede cortar en el aire, como esa platica/debate teológico, filosófico, científico y humano entre el bonachón y sabio doctor y el psicópata "Sir" Jimmy.

Es una cinta extravagante para los que esperan una cinta de infectados y supervivientes escapando, plantea dilemas y problemáticas mas profundas, sin dejar de ser cine en estado puro, como bien demuestra esa mencionada parte final donde el acorralado Kelson monta un apantallante espectáculo para convencer a los "jimmys" de que es el señor de la oscuridad, ese al que siguen y temen, con pirotecnia, disfraces y bailes estrambóticos al ritmo de "The Number of the Beast" de "Iron Maiden", porque justamente de esa manera puede

escapar y luego enfrentarse a Jimmy y su fijación con satanás, es impresionante como Fiennes cambia de tono de un momento a otro, para darnos ese climax escalofriante que da paso a otro cliffhanger, por desgracia muchos caminos abiertos se cierran aquí, muchos harto interesantes; la ética y moral intachable de Kelson, la crueldad cobarde de Jimmy y la resistencia de Spike a perder su humanidad, y aunque me emocione con el final abierto, no puedo pensar en como van a superar o por lo menos equiparar esta deliciosa cinta que da tanto terror como risa incomoda con ese humor negrísimo al tiempo de hacernos pensar y amar a los personajes que luchan con humanidad.

Calificación: Excelente

Reseña: Familia en Renta

"FAMILIA EN RENTA" ("RENTAL FAMILY", JAPON, ESTADOS UNIDOS, 2025) DE HIKARI

Phillip Vanderploeg (un encantador Brendan Fraser) es un norteamericano que lleva siete años viviendo en el Japón contemporáneo, es un actor que fue para allá a probar suerte, e hizo un popular comercial de pasta de dientes que resulta hilarante, pero ahora batalla todos los días sin lograr sus sueños de fama, obligado a tomar el trabajo que caiga, aunque sea el de árbol en alguna producción- Esta en espera de su gran oportunidad con el casting que hace iniciando la cinta,  y no cabe duda que es un hombre solitario, no tiene amistades, conocidos ni familia, y se la pasa solo tristeando por la vida con los únicos momentos de felicidad por las noches, cuando puede espiar a los vecinos de los departamentos de enfrente, algunos tienen compañía y amor compartido, otros están solos como él, pero nadie tanto como para mirar a través de la ventana a cenando a oscuras.

En medio de esta vida le llaman para un trabajo sencillo y bien pagado, el tipo acepta sin saber bien a bien de que se trata, por lo que se lleva una gran sorpresa cuando llega a un velorio donde debe actuar como extranjero triste - justo lo que es en su vida real - para el muertito de la caja que no esta nada cerca de estirar la pata, en realidad todo es una puesta en escena para que el sujeto se convenza de que la gente lo ama y su vida tiene valía, todo esto ofrecido por la empresa "familia en renta", que se dedica a enviar actores que suplan, ayuden o engañen a las personas que los contratan y sus allegados, una premisa harto extraña pero que investigando un poco existe desde los ochenta en el triste Japón moderno. A Phillip le ofrecen chamba pero él no ve ético engañar a las personas o hacerse pasar por alguien mas, al final tendrá que doblar las manos ya que no tiene más trabajos.

Así el tipo toma todos los papeles de extranjero, el "gaijin" de la empresa liderada por el ambicioso Shinji Tada (Takehiro Hira), y complementada por la seria Aiko (Mari Yamamoto) y el nervioso Kota (Kimura Bun), aunque al inicio, el güero no estaba convencido del trabajo, al grado de querer abandonar su primer papel grande, termina genuinamente conmovido por lo que este trabajo puede lograr en las personas, ya que en su primer chamba como el esposo extranjero de una hija lesbiana que desea fugarse del país con su amante, causa que los padres estén orgullosos y felices a pesar de vivir una mentira, pero para Phillip es suficiente, entonces pasa tiempo con un solitario tipo de pocas palabras que le paga para jugar video juegos, se hace pasar por un periodista para entrevistar a un actor retirado con problemas de alzheimer (el prolífico Akira Emoto) que teme que lo olviden, y hace de papá reaparecido para la pequeña arisca Mía (Shannon Mahina Gorman) que necesita a ambos padres para ingresar a una prestigiosa escuela.

Lo que sigue no es complicado de adivinar, Phillip empieza a hacer migas con las personas aunque sabe que no debe hacerlo, se involucra con ellos, se hace amigo de los dos adultos, ayuda a uno con un deseo que le costará caro, y se encariña muchísimo con Mia ya que es la oportunidad de ser el padre que nunca tuvo y evitar que la niña crezca como él, pero aunque resulte obvio, Hikari nunca toma el camino sencillo, su dirección es sosegada, nunca dramatiza ni hace aspavientos, y eso ayuda a que los actores brillen con un guion escrito por la misma directora que los hace humanos, con un Fraser que regala una frágil humanidad que derrite mientras lo vemos, esta esplendido como ese bonachón triste que recupera su capacidad de asombro y al fe en la humanidad, y que por el camino va aprendiendo, no solo a ser padre, sino a ser amigo, humano y amarse a si mismo como deja claro esa postal final.

Además la historia abre el debate ¿es válido vivir una mentira si eso hace feliz a una persona? ¿O ello es inadmisible ya que forma parte de un engaño que al final puede ser descubierto? No nos deja respuestas fáciles, pero si toma posturas sobre cuales si y cuales no criticando a ese "servicio de disculpas", y tocando al mismo tiempo temas complejos del mundo actual, no solo en una sociedad tan cerrada como la japonesa, al final estamos tan solos, nos queremos tan poco y somos incapaces de comunicarnos para necesitar un servicio de esta índole, que por mas bonito que parezca no deja de ser triste, quizá no se necesitará si todos fuéramos un poco mas como el amable Phillip y menos como el jefe aun mas solitario, que por supuesto también aprenderá para redimirse, al final es una cinta amable, pero le deja a uno un nudo en la garganta y una sensación de fe en la humanidad tan linda que uno no puede pensar en otra forma de hacerla.

Calificación: Bastante Bien

Reseña: El Menú

"EL MENU" ("THE MENU", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE MARK MYLOD

Últimamente se ha puesto muchísimo de moda la comida de alta gama, que cambio a la nueva cocina para darle acceso a mas becerros que quieran tomarle la foto al platillo antes de sambutírselo, así que si antes te servían un taco con harta salsa eso se convirtió en una tortilla orgánica con carne de res relajada en una vinagreta de tomate, todo emplatado muy bonito, pero a final de cuentas lo mismo pero más malo, una

estupidez por supuesto, pero que en época de redes sociales no puede evitarse con tanta foto e historias, después de todo nadie va a subir como te hacen el tejuino al lado del templo, o los tacos del centro aunque estén mucho mejor que el sushi snob del momento, a pesar de que como dice uno de los personajes "de igual manera se convierte en mierda", esta cinta comienza como una especie de sátira y crítica a ese mundo pedante de la alta gastronomía, pero debo muta en algo mucho más interesante sin dejar de lado su base inicial, logrando que uno quede fascinado ante un discurso transgresor aunque obvio en su conocido mensaje.

Una pareja espera a un barco que los llevará a una isla apartada para vivir una elitista experiencia culinaria que cuesta 1250 dólares por comensal, para allá se dirigen el foodie Tyler (Nicholas Hoult, bien) y Margot (Anya Taylor-Joy, impecable), junto a varios más para conformar los doce del grupo, el chico está visiblemente emocionado y deja claro su conocimiento al comer la primer entrada en el viaje, en tanto Margot presiente algo raro, todo es demasiado elitista, extraño, como si estuviera entrando en un mundo ajeno al de ella, uno donde nada de lo que ocurre es normal, esa idea se va haciendo mas fuerte cuando reciben el tour por la isla y vemos indicios de perfección y militarismo que parecen sectarios por parte de los trabajadores del lugar, que como la seca y profesional maître d' Elsa (Hong Chau) dan muy mala espina, por lo menos a Margot y a los espectadores que nos sentimos representados en ella.

Ya en el restaurante el chef Julian Slowik (un esplendido Ralph Fiennes) presenta el menú de varios tiempos con toda la pomposidad y parafernalia posibles, suelta un discurso antes de servirlos  y hasta recibe aplausos de todos los asistentes, es aquí donde la sátira llega al extremo, con ese bello discurso sobre la naturaleza y lo efímero de la vida que hacen llorar al poser Tyler, cuando solo son piedras decoradas con un marisco encima, ante esta pretensión solo Margot se muestra sorprendida, hasta hastiada, pero lo que viene después deja clara la alegoría del relato, un plato de pan sin pan, los asistentes se sienten estafados porque solo tienen los acompañamientos en el plato, no entienden que sucede, aunque para el espectador el discurso del chef fue muy claro, el pan es un platillo considerado de pobres, para la gente común, es lo que el mismísimo Jesucristo nos enseñó a pedir ¿por que habrían de rebajarse a comer pan un grupo de ricachones pretenciosos? Aunque en realidad la idea es ¿por que tienen derecho a comer algo que no valoran? es toda una declaración de intenciones que se demuestra mas en el tercer platillo.

Uno donde el discurso de Slowik se torna macabro, y que deja claro que conoce a todos, sabe quienes son y sus pecados, ellos no escogieron comer ahí, él eligió servirles, pero no con buenas intenciones, sino para dejar claro su lugar en el mundo, el de unos parásitos que no valoran nada, y que han hecho que entregue su vida a algo que acabo repudiando, Julian creció en el negocio hasta ser ese respetado chef que vende "experiencias", pero dejo de crear comida, y lo hace para las peores personas posibles, un matrimonio tan pudiente que es incapaz de recordar un solo platillo suyo a pesar de que han ido muchas veces, tres socios de finanzas idiotas que amedrentan a quien tengan enfrente, un actor venido a menos y su asistente amante, una crítica culinaria pedante y su editor faldero, una mujer alcohólica y la pareja mencionada al inicio, todos pagaran el ser incapaces de saborear una comida, de agradecer un trabajo, de valorar a los seres humanos, esta claro que esta lucha de clases va mas allá de la comida, el simbolismo es sobre los ricos que no valoran nada porque tienen todo, y que exprimen a los seres humanos y su trabajo sin que les importe ni un carajo, Slowik podría matarse cocinando para ellos y nunca seria suficiente para alimentar sus insaciables y monstruosos egos.

Aunque hay algo fuera del plan, desde el inicio algo se salió del libreto, quedo fuera del menú, la aparición de Margot, alguien que no pertenece a  ese mundo y llegó por pura casualidad, el chef lo sabe y no puede castigarla como a los demás, por lo menos no se lo desea, no como a esos ricachones corruptos e inmorales, no como a ese aspiracionista que da asco por querer vivir en un mundo al que no pertenece, por lo que comienza una batalla entre ambos, que al final se decide por humanidad más que por intelecto, después de todo ¿Qué puede hacer mas feliz a una persona que realizar una acción para alguien que la valore? Un intercambio recíproco donde nadie es mas que el otro, solo hay reconocimiento, y una transacción $9.95 por una hamburguesa con queso hecha con amor, esa dicha no puede ser comprada con dinero, así que ha disfrutar que nosotros si valoramos estas "pequeñeces", sea una hamburguesa, un taco de carreta, una tostada de camarón, una tostada con mucha salsa, una cinta, una canción, o el trabajo de quien se tomó el tiempo de hacerlo, el que nos atendió, el de mantenimiento y el que administra, en pocas palabras todo lo que esa elite no puede valorar porque dejaron de ser humanos, al menos nos queda eso.

Calificación: Muy Bien