03 noviembre 2026

Reseña: Adolescencia, Sexo y Muerte en Campamento Miasma

"ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA" ("TEENAGE SEX ANND DEATH AT CAMP MIASMA", CANADA - REINO  UNIDO - ESTADOS UNIDOS, 2026) DE JANEE SCHOENBRUN
Estamos en un set de grabación donde la fotografía cambia para ver la escena, una sumamente ridícula donde una pareja pasea un perro en medio del bosque mientras comentan recetas, de pronto un sujeto se acerca en un ¿overol, impermeable? traslucido, un respiradero en la cabeza y una lanza
con doble punta fálica, los ataca matándolos, no sin que exagerados chorros de sangre salgan a borbotones, uno de ellos como pozo petrolero, acto seguido nos enteramos que forma parte de las cintas "Camp Miasma", un slasher setentero/ochentero que transito de la misma manera que las franquicias de esa época, la primera fue reconocida y un trancazo en taquilla, la segunda no desmereció, logrando que la franquicia despegara con  merchandising hasta la explotación desmedida, que se confirman con diez secuelas mas, un reboot y un crossover, que vivieron de la sombra de una fama olvidada que ahora se recuerda con vergüenza, ya que para los tiempos actuales, la historia resulta "retrograda", de todo esto nos enteramos en los imaginativos créditos.

También nos enterramos de que la protagonista, Billy Presley (Gillian Anderson con afectados modales y acento sureño), no acepto salir en las secuelas, y que ahora vive como una ermitaña retirada del medio, es mucha información en muy poco tiempo pero deja claro cuales son las referencias y convenciones que toma y acepta la cinta, por lo menos la franquicia del asesino  "Little Death" que fue tan famoso que hasta monitos y juegos - de mesa y electrónicos -  tuvo, esta
claro que es una mofa al mismo tiempo que homenaje a los slashers de la época, más que nada a la saga de "Viernes 13" ("Friday the 13th") con el inmortal Jason, pero con reticencias a la saga "Halloween", "Pesadilla en la Calle del Infierno" y hasta "Psicosis", a diferencia de lo que uno podría pensar, la cinta no se avergüenza de ello, por el contrario las abraza con cariño,  parafraseándolas directamente, y copiando/emulando ideas de algunas cintas de ellas, es decir, uno podría pensar que estamos ante una sesuda cinta que deconstruye el genero - y en  parte es así - pero también ante una que las homenajea con respeto y admiración.

Digamos lo que podría ser "Scream", pero en un tono mucho más onírico, resultando una cinta extraña, surrealista, casi introspectiva, pero mucho más inteligente y con más pasión de lo que uno esperaría de estos estudios sobre cintas de genero antiguas. "Camp Miasma" es una franquicia zombi, y como los estudios en hollywood no pueden dejar de ganar dinero en su ambición capitalista, deciden que pueden rescatarla y modernizarla, después de todo ya todo el mundo solo va a lo seguro, a ver franquicias y caras conocidas, como asegura la nueva infant terrible Kris (Hannah Einbinder), que después de cierta obra donde en el tercio final somos algo asi como la cortina psicosis - es decir vemos todo desde el punto de vista de la cortina - se gano a los críticos aunque el publico no co9necto, esto fue suficiente para que le dieron la oportunidad de revivir esa franquicia, que por azares del destino ama muchísimo, por lo que a esos petulantes ejecutivos satánicos les salió mal la jugada.

    Kris de inmediato explica el tono de su trabajo como algo entre lo queer y las representaciones culturales de la monstruosidad, por lo que podríamos pensar que es el alter ego de Schoenbrun ya que de esto va su cine, sumado a como este medio afecta nuestra propia vida. En fin, Kris esta consciente de porque la contrataron y que esperan de ella, como se define como queer con todo y pareja poliamor que la obliga a estar con un pesado tipo bisexual es la persona perfecta para lavarle la cara a una saga "transfobica", para ello viaja donde vive Billy que es nada menos que la locación e la primer película, para convencerla de un cameo, pero a Billy no puede interesarle menos todo el embrollo intelectual de Kris, para ella estas cintas van sobre "carne y fluidos", adolescentes cachondos asesinados sádicamente por un tipo que disfruta matar con pasado sexual complicado como historia de inicio, de hecho no son pocas las veces que Billy calla a Kris antes de sus desvaríos filosóficos, que de todas maneras siempre son interesantes.

Kris entiende que la femme fatale ermitaña que tiene enfrente es un personaje por si mismo, y que la cinta debe ser sobre ella aunque no tenga gancho mediático, después de todo la mirada de su yo joven en una incomoda escena sexual es justamente la magia de esa cinta, así que tenemos varias líneas narrativas, por un lado el despertar sexual de la ñoñisima Kris enlazado con sus primero deseos, por otro vemos la cinta original que despertó el amor de las dos mujeres por el cine en un homenaje/sátira a las cintas slasher mencionadas, y por otro las complicaciones para llevar a cabo
una obra real ante las presiones y estupideces de agentes, ejecutivos y productores que solo buscan y esperan dinero, todo esto con múltiples subtextos y una forma de filmar anacrónica, muchos efectos practicas y humor mala leche, que recuerdan a esos años. Fascinante el segmento de la masacre a ritmo de "A Long December" de "Counting Crows" donde queda más claro que nunca la sexualidad de las ejecuciones, algo que Kris abraza con brío con esa fantasía de correr en ropa interior con los pechos rebotando mientras es perseguida por un tipo que quiere penetrarla con una lanza fálica, es decir, Schoenbrun nos presenta una inteligente deconstrucción del genero, burlándose sardónicamente de él, y abrazándolo con emoción y nostalgia, una contradicción tan grande como la ambigüedad y grandeza de la cinta.

Calificación: Excelente

31 octubre 2026

Reseña: Buddy

"BUDDY" ("BUDDY", ESTADOS UNIDOS, 2026) DE CASPER KELLY
"Buddy es un unicornio que vive en otra dimensión, y cuando se hace grande es realmente sorprendente", bien podrían cantar esta conocida canción infantil que era el leitmotiv del tétrico dinosaurio lila Barney del programa infantil del mismo nombre en esta cinta, ya que a todas luces es una sátira de los programas infantiles que pulularon
en los ochenta y noventas, con coloridas botargas, instrumentos con vidas y mundos amables encerrados en sets pequeñitos, y si bien pensé inicialmente que todo seria una broma de Kelly para mofarse de esos programas la idea va mucho más allá, no es la simplista idea de tomar algo infantil y corromperlo hasta mostrarlo sucio  y morboso, su idea es mucho más compleja y conseguida, aquí no es solo hacer por hacer, ya que la sátira mencionada funciona perfectamente de tal manera que los primeros minutos parece que estamos viendo uno de esos programas mencionados.

Inicia como si uno fuera uno de esos capítulos infantilizados, con el set colorido pero notablemente falso, lleno de criaturas con vida en cada centímetro, un formato 4:3 ad hoc a esa época, con todo y granulado junto a las líneas de transmisión que asemejan las imágenes en las teles de bulbos, hasta la ropa de los pequeño va acorde a años anteriores como si se hubieran quedado atrapados en el tiempo, aqui vemos la platica de dos niños muy bien portados, el bailarín Wade (Caleb Williams) y la empática Freddy (una notable Delaney Quinn) quienes reciben el correo del cartero para el buzón y luego ellos, la invitación a una fiesta de baile que da paso a que  llamen al muñeco de peluche Buddy que se hace gigante y humanoide para darles lecciones en forma de canciones bobaliconas, todo va perfecto en este  mundo idílico hasta que Buddy intenta hacer que Josh (Luke Speakman) baile con todo y zapatos mágicos, pero el chico que lee un libro de interesante titulo se niega solo porque no desea bailar, sacando a la luz la verdadera personalidad del unicornio naranja.

Esta es la de un ególatra narcisista, justo como el dinosaurio morado y todos sus congéneres, demostrando que estos amados programas están liderados  por tiranos que imponen sus pensamientos y deseos arrebatando la libertad de los demás, es un apunte muy interesante de Casper, por supuesto esto da paso a que los demás niños sospechen hasta llegar al grado de que todo se sale de control, donde además nos enteramos que los pequeños son intercambiables. Pero cuando pensé que Kelly me iba a ofrecer una acida critica a estos shows para programar chamacos con la mala leche de un slasher retorcido y violento, me demuestra rápidamente que va más allá, pone reglas especificas a este universo, que se reinicia en un bucle parecido, en forma de programa de televisión, para pasar a una segunda parte en la que casi creí que me habían cambiado la cinta, mi acompañante hasta pregunto si era  otra historia en la misma película ya que el cambio es notorio, pantalla completa, imagen nítida en una historia actual donde vemos a una madre (Cristin Milioti, bien) en familia idílica en medio de una crisis existencial.

Con todo y marido papanatas interpretado por Topher Grace, ella esta segura de que algo esta mal, y pasamos a otro tono de terror, que rápidamente se empata con lo que habíamos visto hasta el momento en otra parte que parece homenajear al "Mago de Oz" con muy mala leche, estrellas infantiles, muñecos tramposos, flores quejosas, drogas alucinógenas y una persecución que termina con una mala leche extraordinaria, con todo y dos momentos sexualizados muy incomodos, demostrando la naturaleza de ciertos personajes, para finalmente pasar a la parte final, terrorífica, violenta, desatada donde hay lugar para el amor, el rencor, rehenes, muertes al por mayor y una dimensión que genera respuesta dejando un interés latente, casi tanto como para desear secuelas. En pocas palabras Casper Kelly ha construido en esta obra un universo imaginativo y malévolo que puede leerse de muchas maneras (la critica al trumpismo esta), pero que principalmente es una terrorífica y divertida cinta de humor negro con terror que se atreve a terminar de una manera que nadie vio venir, Kelly es valiente en esto, su atrevido concepto y su inherente crueldad, fascinante.

Calificación: Muy Bien

29 octubre 2026

Reseña: Invocación

"INVOCACION" ("THE SURRENDER", CANADA, 2025) DE JULIA MAX
La cinta inicia con un ente monstruoso abierto en canal en la espalda, de donde salen múltiples manos al tiempo que devora el cuerpo de alguien en el suelo, esto mientras se escucha de fondo y distorsionada "Of You" de "The Human Beinz", es una promesa astuta de la directora y guionista Julia Max, ya que así promete a los amantes del genero
gore, criaturas horrendas y terror, algo importante, ya que durante el primer tercio vemos otro tipo de terror, uno en forma de dos mujeres en una situación limite que se recriminan una a la otra mientras la persona más importante para ellas yace postrada en una cama, el segundo tercio es un terror ambiental, lúgubre, sobre una planificación que acentúa más aun sus problemas psicológicos y los demonios que cargan, hasta que llega el tercio final donde el terror explota hasta las ultimas consecuencias, donde o abandonas por lo extremo de la propuesta o abrazas la locura.

Apunte que era inteligente el inicio debido a que toda esta primer parte podría no llamar la atención de los más desesperados, se mueve de manera pausada, nos presenta y desarrolla a los personajes, nos dice todo lo posible sobre la situación sin ser expositiva, y aun así se respira terror en todo momento, esto debido a los indicios sobre algo oscuro que ya esta puesto en marcha, se constata desde que la estresada Megan (sorprendente 
Colby Minifie) encuentra una bolsa con dientes al limpiar las necesidades de su padre moribundo, con su madre Barbara (Kate Burton, notable) arrancándose el cabello y haciendo un extraño collar con el, también notamos que ambas aman demasiado al tipo con cáncer indefenso que cuidan como bebe pero con morfina suministrada cada tanto, Megan adora una fotografía y Barbara no puede dejarlo solo un segundo.

Esta de más decir que en algún momento Robert (
Vaughn Armstrong) muere - aunque la forma en que lo hace no la esperaba -, para revelar que su esposa tiene planeado el ritual del titulo en español, que lo traerá de la muerte, para ello ha realizado un sinfín de peticiones desde hace tiempo, y dado todo su dinero a un hombre (Neil Sandilands) con "buenas" referencias de otra ricachona. Al inicio el terror se encontraba en la quebrada relación entre madre e hija, las diferencias, los reclamos, los rencores, el abandono, la distancia y la lucha por el amor de la misma persona causan incomodidad, una que se ve incrementada por las cosas raras que ocurren, poco a poco vamos pasando a la etapa de la preparación, que primero creemos un fraude igual que Megan, hasta que todo llega tan lejos en lo escabroso que no queda más que aceptar que es real.

La parte final tira toda la carne al asador, con el ritual efectuándose y ese viaje a un lugar oscuro lleno de seres que no desean mostrarse y se cubren con los cuerpos fallecidos, canibalismo, espectros deambulando, un circulo que no deja pasar el mal, rostros diabólicos en la oscuridad, mutilaciones como sacrificios, viajes por la memoria, y confesiones aceptando la realidad de ellos mismos, al final Max deja un mensaje claro, Barbara comete el pecado de no entregar a su esposo como dice el titulo original, en tanto que Megan es arrastrada por el amor a su madre pero también por la ambición de la herencia, y ambas son afectadas por la mutabilidad de los recuerdos, Megan recuerda a su padre como el hombre ideal aunque su madre le especifica que no es así, y esto lo constata al ver la realidad de un hombre que idolatraba al crear una versión idealizada de él, aunque no todo fue malo, como ese sabio consejo sobre la muerte que estas mujeres debieron tomar cuando era tiempo.

Calificación: Bien

27 octubre 2026

Reseña: Leviticus - Ritual de Sangre

"LEVITICUS - RITUAL DE SANGRE" ("LEVITICUS", AUSTRALIA, 2026) DE ADRIAN CHIARELLA
Una chica esta sola junto a una alberca, al parecer trabaja como salvavidas, cuando se esta retirando la regadera se abre sola y ella pregunta a la nada que esta haciendo ahí, acto seguido se desnuda y baña al tiempo que
notamos que se esta tocando, más extraño aun, que parece estar teniendo relaciones sexuales con la nada, de pronto es atacada y la vemos sangrando para pasar al titulo, que es muy importante para el tema que trata, de aqui vemos en algún pueblo gris y abandonado en la Australia profunda a dos jovenes, el delicado Naim (extraordinario Joe Bird, tambien visto en "Talk to Me") y el atlético Ryan (stacy Clausen) que deambulan de aquí para allá, viendo a una serpiente devorar una rana, metiéndose en una fabrica abandonada, y tirando piedras para causar daño en propiedad ajena, aunque este abandonada.

Todo parece normal, incluso se dan carrilla y se comportan de forma ruda entre ellos, pero es aquí cuando la situación comienza a cambiar, a tergiversarse, en esas luchitas que de pronto las abuelas veían mal, los chamacos deciden cambiar los golpes, jalones y sumisiones por besos y agarrones, Ryan muestra sus verdaderos sentimientos sin decir nada, a lo que Naim responde confirmando esto, cuando salen de ahí dicen básicamente que lo que sucedió en el lugar, ahí se queda, y algún reclamo por no tratarse bien enfrente de todos. Es así que comienza este amor juvenil entre estos dos hombres, que saben muy bien donde habitan y por ello lo mantienen en secreto, ya que al parecer los pueblos de la Australia profunda son bastante cerrados e intolerantes con estos temas. 

De todas maneras las cosas van viento en popa, hasta que Naim descubre a Ryan comiéndose la cara con Hunter (
Jeremy Blewitt), el hijo del reverendo, con esto Ryan cumple un estereotipo homosexual, y Naim rompe uno, ya que el despechado y celoso muchacho les pone dedo con el reverendo para después ver como los dos chicos son obligados a acudir a un exorcismo frente a los feligreses, realizado por un extraño tipo tatuado barbón (Nicholas Hope) que recita versículos para curarlos, solo que ese ritual no los cura en si, sino que desata un ente que se presenta ante ellos como lo que más aman/desean para después lastimarlos al grado de matarlos, Naim se da cuenta de esto e intenta ayudarlos, desatando la misma maldición en él. La metáfora es directa, el ente toma la forma de la persona que aman para que le teman, "curando" de esta manera la aberración en la que desean vivir.

Es bastante poderosa también ¿Qué puede causar más temor que el ser amado te intente matar cada que estés a sola con esta persona? Chiarella aprovecha esta historia para hacer una alegoría de las terapias de conversión, imagino que así deben sentirse al ver a la persona que los atrae, con temor de acercarse, de perder lo logrado, de volver a "enfermar", pero a pesar de lo evidente del asunto mantiene la tensión y el interés en todo momento, además de que el terror opresivo se respira cada minuto del metraje, no solo porque cada que están solos los protagonistas dudan de si la persona que aparece frente a ellos es real, sino porque aun sabiendo que no es real no pueden dejar de arriesgarse a amar, y principalmente porque con esa confesión final de su madre (Mia Wasikowska también productora) queda claro que ese pueblo toxico, donde se expone a los diferentes al escrutinio social, donde se ponen trampas para dar palizas a estos, donde se apedrean entre ellos mismos por la culpabilidad, y donde tus seres queridos prefieren hacer tu vida un infierno a aceptarte, esta lleno de habitantes peores que los entes invocados.

Calificación: Bastante Bien

25 octubre 2026

Reseña: Vi el Brillo del Televisor

"VI EL BRILLO DEL TELEVISOR" ("I SAW THE TV GLOW" ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2025) DE JANE SCHOENBRUN
"Vi el Brillo del Televisor" es una auténtica rareza, una de esas cintas que solo pueden existir en lo mas recóndito de las mentes de ciertas personas y que remiten al cine de Lynch y Cronenberg en su manera criptica de contar la historia, y mas aun el significado de esta. Owen (Justice Smith en el mejor papel de su carrera) deambula solo por todos
lados, hasta acampa solo y junto a una fogata recuerda sus días de niñez, así que viajamos a 1996 donde un pequeño Owen (Ian Foreman) es tan retraído como el adulto, lidia con una mama amorosa (Danielle Deadwyler) y un padre huraño (Fred Durst de "Limp Bizkit"), y aun asi logre entablar amistad con una chica dos años mayor, la rebelde Maddy (Brigette Lundy-Payne), esto debido a que la joven estaba leyendo una guía especializada en el programa "Rosa Opaco" ("The Pink Opaque"), un programa que a Owen siempre le ha llamado la atención, pero nunca ha visto ya que lo pasan los sábados por la noche después de su hora de dormir

Maddy le habla con tanta pasión a Owen sobre el programa que convence al niño de mentir a su mama con ir a dormir donde un amigo, para en realidad ir al sótano de su nueva amiga y otra chica y ver el mentado programa, que en realidad es muy noventero, una mezcla entre "Escalofríos" y "Le Temes a la Oscuridad" con tema parecido a "Ciencia Traviesa", ya que va sobre dos amigas que se conocen en un campamento, la miedosa Isabel (Helena Howard) y la luchona Tara (Lindsey Jordan), y se unen por el poder del rosa opaco para enfrentarse al monstruo de la semana - un helado/heladero maldito, un payaso, dos demonios que si dan miedo -, todos estos son secuaces de "El Señor Melancolía", el verdadero villano que intenta acabar con el mundo aunque nadie se de cuenta. Owen se obsesiona con el programa tanto como Maddy e incluso dos años después lo sigue viendo religiosamente, aunque sigue sin permiso de verlo, por lo que Maddy le deja grabaciones en el cuarto oscuro

El programa en ellos despierta algo mas que solo un gusto, es su razón de vivir, su obsesión, Owen comenta en su constante narración rompiendo la cuarta pared que los ve una y otra vez, hasta que de pronto Maddy quiere escapar del lugar, Owen no tiene el valor para hacerlo y el programa se cancela, por supuesto esto es solo el inició, ya que sabemos que tanto la desaparición de la chica como el programa encierran algo mas que lo que uno pudiera pensar ¿o quizá no? Owen así lo piensa pero al mismo tiempo sabe que es imposible, a pesar de su terrible soledad y melancolía, la cinta es criptica pero no es tan complicado de entender lo que sucede, mucho menos en ese tercio final terrorífico y triste. La cinta esta grabada de forma muy pensada, con encuadres simétricos, largas tomas ininterrumpidas, rompimientos de la cuarta pared, letreros apareciendo en pantalla, muchas luces neón, números musicales discordantes y hasta grabaciones del programa noventero con su propio estilo, todo esto ayuda a que el filme sea siempre interesante, por lo dinámico de su estilo

Aunque se tiene que admitir que el ritmo de la historia por momentos es lento, tedioso, incluso exasperante por como se toma su tiempo, sus largas pausas, y las imágenes hipnóticas que remarcan el significado y las sensaciones, como ese helado horripilante, por esto no es para todo el público, ya que muchos pueden abandonarla a los pocos minutos o frustrarse en demasía, para los que disfrutan este cine onírico y surrealista
que parece provenir de una pesadilla, este es un lugar muy interesante, a mi me gustaron mucho los apuntes como el de que cuando regresas a ver algo que recordabas mejor ahora te parece chapucero ¿la mente jugándotela o alguien modificando la realidad? Se pudiera pensar que no es una cinta de horror per se, pero piénsenlo bien, el vivir condenados a una existencia solo avanzando, el no aceptar nuestro verdadero ser, que vivamos en un sueño creado por alguien mas, que la vida sea una ficción, y que aceptemos a vivir solo por sobrevivir son ideas terroríficas, mucho mas que un tipo con cuchillo persiguiéndonos.

Calificación: Recomendable

23 octubre 2026

Reseña: Engendro

"ENGENDRO" ("NIGHTBORN", FINLANDIA - REINO UNIDO - LITUANIA - FRANCIA - ESTADOS UNIDOS, 2026) DE HANNA BERGHOLM
La más reciente cinta de Bergholm es inquietante e incomoda en todo momento, los sustos casi no existen y más bien es el ambiente opresivo lo que causa el terror, es un paso atrás después de la sorprendente "Cría Siniestra" ("Hatching"), pero es una cinta recomendable con un subtexto muy interesante, que además retoma el folk horror que cada vez se ve menos, esta vez el finlandés y la leyenda del "changelling", donde unos entes que son como trols - o trols en si - cambian a un bebe humano por uno de ellos para que robe la energía y vida de los humanos hasta crecer fuerte, y aunque es cierto que toma algo de esta ley    enda en si se usa como base para crear una alegoría sobre horror maternal que parece pesadilla paranoica.

Saga (una más que correcta Seidi Haarla cargando todo el peso del filme) y su esposo británico Jon (Rupert Grint de "Harry Potter" ya barrigón) regresan a vivir a Finlandia para tener ahí su familia, en medio de la naturaleza y específicamente en la casa de la abuela de Saga, una mujer que era supersticiosa y desconfiada, en medio del verde lugar la pareja parece haber encontrado lo que deseaban, claro, la casa esta destartalada, llena de humedad y con un brote de árbol creciendo en medio de una habitación, pero nada que con algo de trabajo se remedie, eso si, dejando ese papel tapiz verdoso de su infancia, el caso es que la pareja se va al bosque donde en medio de troncos con forma humanoide y arboles con rostros humanos tienen una súbita calentura que lleva a que meses después nazca un bebe que de inmediato desconcierta a las enfermeras.

Esta claro que el bebe no fue cambiado ya que desde que salió del útero, en ese parto grafico, tenemos claro que si es hijo de Saga, por más peludo que sea, más extraño que actúe, que sus chillidos parezcan tortura y que la gente no pueda verle la cara sin extrañarse, pero Saga siente que algo esta mal, no solo es el físico del bebe, es su forma de actuar, la violencia y fuerza que desata contra ella, al grado de que cuando lo amamanta la lastima para ¿alimentarse de su sangre? que los rayos del sol le causan dolor y que incluso el hierro frio le queme, para acabarla de amolar los espíritus del bosque parecen colarse en la casa y su mente ahora que han limpiado de hierro las inmediaciones del terreno, así que Saga pasa de la desconfianza inicial, a la incertidumbre de la naturaleza de su hijo hasta finalmente abrazar su verdadero ser, dejando en ello ser parte de ella misma para convertirse prácticamente en una extensión del niño nombrado Kuura debido a un arranque ocasionado ¿por la naturaleza?

La metáfora esta clara, habla sobre como las mujeres tienen que lidiar con una persona que a pesar de habitar meses en su cuerpo, en realidad no conocen, la dificultad de reconocer a un ser vivo ajeno que depende totalmente de ella, e incluso lo complicado de verse reflejado en ello, algo que se nota cuando los familiares de Saga le recuerdan varias veces que el bebe se parece a ella aunque esta no lo reconozca, claro,
resulta desesperante que nadie note lo que Saga, lo obvio, Kuura es diferente, con necesidades inquietantes, pero esta es justamente la lectura más potente y valiosa del filme, por supuesto que nadie se da cuenta porque solo Saga vive con su bebe todo el tiempo, solo ella lo cuida en todo momento, solo ella conoce su verdadero ser, ni siquiera su comprensivo marido podría entenderla jamás, supongo que es un sentimiento maternal que solo una mujer con hijos puede comprender, donde además no se opta por el postmodernismo de la liberación irresponsable, sino con la liberación aceptada del amor materno a un hijo, sin importar como sea, como queda claro en ese desatado clímax que sigue la estela de violencia del filme.

Calificación: Recomendable

21 octubre 2026

Reseña: El Final

"EL FINAL" ("IT ENDS", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE ALEXANDER ULLOM
¿Qué puede dar más miedo que un monstruo saliendo de la oscuridad? ¿más terror que un asesino sádico persiguiéndonos? ¿más ansiedad que no poder dormir o estar quieto porque un ente nos acecha? la respuesta parece muy obvia, la vida misma, o mejor dicho, la falta de importancia en la misma, este es justamente el tema que toca Ullom con guion propio en esta cinta indie que en realidad resulta perturbadora porque el miedo que presenta no solo es real, sino que es más pertinente que nunca. Cuatro amigos se reúnen después de terminar la universidad, Tyler (Mitchell Cole) les esta ayudando a mudarse dándoles raite en su camioneta, él es un tipo que no estudio, se enlisto en el ejercito y trabaja como técnico con estadías y permisos, y como sabemos más tarde, alguien sin mucha paciencia que a su bola, un rebelde que no quiere soportar el sistema como queda claro con cierta anécdota desmadrosa.

También esta Day (Akira Jackson), una diseñadora grafica que no ha conseguido trabajo en ningún lado y se siente perdida, el valemadrista Fisher (Noah Toth) que no sabe que hacer con su vida, y el practico cínico James (
Phinehas Yoon), que a diferencia de los demás ya consiguió un trabajo donde va con traje y tiene planeada su vida, ira ascendiendo hasta conseguir un buen salario, se casara con alguna mujer seria, tendrá hijos, conseguirá una casa en algún estado tranquilo y ya esta, el detalle es como lo dice, cuando James enarbola su plan de vida no lo hace desde la emoción sino desde el hartazgo, como si en lugar de vivir algo idóneo estuviera condenado a esa vida que no le entusiasma, si sus tres amigos hablan desde la desesperación e inseguridad, James es quizá el opuesto, esta seguro de su éxito pero ello no le hace más feliz, de hecho es el más amargado de todos.

¿A que viene toda esta platica existencialista? a que justamente de esto trata la cinta, no es una trama de terror per se, sino algo más intimo, más real, que se trata de poner a modo de metáfora y funciona, aunque algunas cosas quedan sin explicación como los atacantes, seguramente no lo comprendí. Los cuatro viajan por carretera y se dirigen a comer algo hasta que entran a un atajo que nunca termina, cuando regresan el camino esta cerrado por el bosque, y cuando detienen el automóvil son atacados por una horda de personas que piden auxilio en aproximadamente minuto y medio, asi que solo les queda seguir el camino ¿infinito? en un carro que nunca se desgasta, nunca gasta gasolina y con ellos sin hambre, sueño o deseo, de aquí llegan las teorías, que si es el limbo, el infierno, que si quizá realizaron algún pecado imperdonable, un ritual que salió mal.

Todo esto con el tiempo ira cambiando hacia la aceptación, la lucha y el hastió, a final de cuentas no hay una razón impresionante para lo que viven, es simple y llanamente una metáfora de la vida real, de como se encuentran estos jóvenes en la era actual, incapaces de tener sueños y condenados a vivir como esclavos haciendo lo mismo si es que quieren vivir, quizá ese es el simbolismo de los atacantes, si uno se detiene a descansar o ver otra posibilidad la vida te destroza. La visión de Ullom es pesimista, pero no completamente cerrada a una pesadilla, después de todo cada quien a su manera y por su personalidad descubren que el viaje no tiene sentido, o que no existe una meta real, por lo que es mejor disfrutarlo en medida de lo posible, nos llama a no ser como James obsesionado con un significado, una meta final, el éxito financiero, la felicidad plena, sino a disfrutar una buena merienda sin perder a las personas que nos quieren en el proceso, cualquier platica sin sentido vale más que avanzar kilómetros interminables.

Calificación: Recomendable

19 octubre 2026

Reseña: Letras Robadas

"LETRAS ROBADAS" ("POWER BALLAD", IRLANDA - ESTADOS UNIDOS, 2026) DE JOHN CARNEY
Rick Power (Paul Rudd en su mejor papel desde ¿siempre?) es el vocalista de un grupo versátil que toca en bodas y diversos eventos, a pesar de seguir viviendo de lo que le gusta tiene un dejo de resentimiento, un
sentimiento de fracaso en su vida por lo que pudo ser pero nunca fue, así que de manera común toca sus propias canciones en las fiestas, aunque no le interesen a nadie, aunque solo tres tipos las escuchen atentamente  - un  par de ellos tomados - y sea el momento que todos  aprovechan para sentarse y platicar, esto causa tensión en el grupo, Rick no lo puede evitar ya que rápidamente comprendemos que no ha abandonado del todo su sueño de ser un rockero exitoso, tiene un estudio amateur en su casa, y pasa todo su tiempo libre componiendo y arreglando música propia por más que su comprensiva esposa Rachel (
Marcella Plunkett) y su rebelde hija Aja (Beth Fallon) lo tiren a loco.

En una boda de mayor magnitud - ¡La hacen en un castillo! -, los novios solicitan que suba un amigo de ellos, quien es un antiguo miembro de una boy band y un cantante conocido a nivel mundial, pero que hace rato no despunta por falta de identidad propia, Rick no se siente cómodo ya que siente que la super estrella Danny Wilson (Nick  Jonas ¿haciendo de él?) lo opacara completamente, pero en realidad es un tipazo que le pide que cante junto a él el clásico "I Wish" de Stevie Wonder donde tienen una química brutal que se alarga en una velada tomando donde ambos se confiesan y se ayudan en las composiciones en las que trabajan, Danny quiere encontrar una voz propia pero la disquera no confía en él y hace rato no consigue un éxito, en tanto Rick le cuenta su vida al tiempo que le interpreta varias composiciones propias.

Al final todo termina con una bonita amistad donde Rick hasta se lleva una valiosa guitarra y una nota de animo, y al parecer Danny se va con más seguridad y mejoras en sus canciones, pero es hasta que su novia Marcia (Havana Rose Liu aprovechando sus minutos en pantalla) lo escucha que entiende que no tienen fuerza para ser éxitos, solo hasta que toca la canción de Rick y la chica la escucha es cuando entiende donde tiene su opción de salida, la posibilidad de ejecutar su sueño, aunque esta consciente de que no la escribió. Meses después Rick escucha la canción en un centro comercial y comprende que es la suya, por lo que intenta contactarlo de manera sensata, después de todo el tipo no le robaría ¡es un tipazo! ¿o no?

Es así que Carney - que también escribió la música original - da ese poderoso giro de narración normal con toques de humor y una estupenda música en el soundtrack hacia algo mucho más denso, con un personaje al que por supuesto el gran cantante no da crédito, que no tiene como comprobar que la canción es suya, que es bateado por el sistema, al que no escuchan ni su familia ni su banda, y que poco a poco va cayendo en la obsesión por el robo que lo ultrajo y la paranoia psicótica de la que no puede escapar, mientras ve como "How To  Write a Song Without You" se convierte en el éxito del momento, una canción adorada que llega a los corazones de todos, lo mejor en la carrera de Danny, y hace toneladas de dinero sin que vea un centavo. 
Todo esto, Carney lo hace sin abandonar el humor ni la música, ya que aunque Rick se obsesiona nunca deja de ser el bonachón buena onda que fue desde el inicio, solo que rebasado por la situación, con un ritmo perfecto y una hermosa amistad masculina con el bobalicón pero fiel Sandy (Peter McDonald también co-guionista).

Además pone sobre la mesa criticas acidas a la industria, desde la presión que sufren los cantantes, la ambición excesiva en ellos, el poder de las disqueras mostrado en el detestable personaje del agente (Jack Reynor), la codicia corporativa y el cinismo del capitalismo, aunque más importante aun, mostrando los valores importantes en la vida, la familia, la amistad, los amigos, la empatía con los otros y el valor del reconocimiento por lo logrado, no tanto en el dinero sino en como nace el arte, y cualquier persona se puede sentir identificada con Rick y su frustración, su lucha por su sueño y como a veces factores o personas externas nos aplastan sin justicia de por medio. Y es que el giro
final me sorprendió, uno piensa que Rick esta luchando por algo y resulta que lo hace por una cosa mucho más importante, a uno le vuela la cabeza cuando confiesa el significado real de la canción, y lo respeta aun más cuando comprende que para todos tiene un significado diferente, es valido, es arte, por ello cuando canta su canción frente a unas pocas personas uno esta derrotado ante Carney, ante esa edición majestuosa donde Rick canta "This could be the song that saves me" y Danny "Or this could be my albatross", justo como sucede en realidad con Rick comprendiendo lo que es esa canción y la vida que eligió con gusto, en tanto Danny pierde su alma, la música, el arte, nacen del amor, me quito el sombrero.

Calificación: Notable

17 octubre 2026

Reseña: Hope: El Primer Impacto

"HOPE: EL PRIMER IMPACTO" ("HOPE", COREA DEL SUR, 2026) DE NA HONG-JIN
El regreso al cine de Hong-jin con un cortometraje se alargo diez años, una pésima noticia para sus fanáticos - como el que escribe esto -, ya que después de la impresionante "The Chaser", la valiosa "The Yellow Sea" y la maquiavélica "El Extraño" ("Goksung" ("The Wailing")) uno esperaba con ansias la siguiente locura del director, que inicia
con planteamientos relativamente sencillos hasta convertirse en algo gigantesco, en algo ambicioso, y quizá esta es su cinta más ambiciosa, no en contexto filosófico pero si en cuanto a espectáculo cinematográfico ya que de alguna manera el director y guionista logra amalgamar muchísimos géneros cinematográficos, el thriller de suspenso, el terror, buddy movie, la accion, comedia, ciencia ficción y hasta western logrando que en ningún momento se sienta que no forman parte de la misma historia, todo es orgánico y funciona, la primer hora es de lo mejor que vi en el año y aun así acepto que la cinta se desinfla un poco en su anticlimático final.

Una vaca es encontrada atacada en el camino a las montañas de Puerto Hope, los cazadores liderados por Sung Ki (Zo In-sung) llaman al jefe de policía Beom Seok (
Hwang Jung-min) para mostrárselo, de buenas a primeras piensan que es un tigre, aunque no parece posible debido a que están en la frontera con Corea del Norte, un lugar minado y cercado con alambre de púas, y las heridas fueron causadas por algo más grande, por lo que deciden ir en su búsqueda con el apoyó de otros cazadores profesionales, en espera de una recompensa por supuesto, así Sung Ki parte  al bosque con su equipo, en tanto Beom se regresa a la ciudad para descubrir que están bajo ataque ¿por fortuna? todos los habitantes de la envejecida ciudad están armados, no puede ser de otra forma debido a su cercanía al país hermano odiado, como queda claro con la insistencia de los inagotables letreros que avisan sobre detener infiltraciones enemigas.

Pero lo que esta haciendo pedazos la ciudad no es el ejercito de Corea del Norte, sino una ¿bestia? gigante que ataca a todo mundo llevándose todo a su  paso, el jefe de policía se pone a perseguirlo, a cazarlo, a pesar de que se esta  muriendo de miedo no ceja en su deber por más torpe que sea para ello, se une con otro personaje y ambos siguen el rastro del monstruo, un camino lleno de destrucción y muertos inacabable, esto con una fotografía hermosa de colores saturados y un diseño de producción fascinante que no se limita solamente a mostrar destrucción al estilo hollywoodense, aquí en realidad se nota que era un pueblo que fue arrasado, vemos los objetos tirados y destruidos junto a los cuerpos y todo parece real, no hay nada fuera de lugar, esto junto a la banda sonora y le tensión lograda por el director en una persecución/búsqueda de un monstruo no visible pero a la vista terriblemente peligroso otorgan lo necesario para tenernos al borde del asiento.

Esta primer hora es sin duda lo mejor de la cinta, es astuta al no mostrar la fuente de la masacre pero siempre estar ahí en el punto del peligro, por medio de la devastación, el sonido y las muertes dentro y fuera de cuadro, el trabajo de cámara es impresionante, y se nos deja caer la idea principal del filme, los problemas y tragedias que nacen por falta de comunicación, en ese argumento es donde se hermana con la filmografía anterior, como el solo hecho de toparnos con lo que no conocemos es causal de una violencia sin limites, pero si solo nos enfocamos en lo cinematográfico toda esta hora, alternando entre el jefe de policía y los cazadores que encuentran cosas cada vez más raras hacen que la cinta vaya creciendo en tensión, hasta explotar cuando se presenta el monstruo a los 48 minutos para dar paso a la mejor secuencia de la cinta, el desternillante escape del policía que escapa por los  pelos.

Para seguir con ese enfrentamiento en patrulla donde brilla la policía Sung Ae (Hoyeo), donde de plano nos comemos las uñas, para terminar de forma casi anticlimática donde apenas comienza la trama, aunque es cierto que nunca alcanza las cotas registradas siempre se mantiene interesante, con un humor negrísimo mala leche con todo y detallada declaración con diarrea incluida, y varias revelaciones que demuestran una ambición que no encaja del todo con los limites logrados, pero cuando se pisa el acelerador de nuevo uno no puede quitar los ojos de encima, un descubrimiento terrible, una autopsia desternillante y combates a caballo por el bosque con criaturas transformables, Hong-jin no nos deja respirar para no ver las costuras, además de que siento que homenajea al tiempo que  parodia este genero de accion fantasía hollywoodense donde los héroes no mueren y todo es super exagerado, pero mejor filmado en cualquier sentido - ese escape a caballo y patrulla -, si, el final es anticlimático y confuso, y promete una continuación que probablemente nunca llegue, además de ser la cinta menos fuerte del director, pero siempre es un espectáculo trepidante, y eso se agradece mucho.

Calificación: Muy Bien

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