Cinecritica: Arthur: Una Amistad sin Límites

"ARTHUR: UNA AMISTAD SIN LIMITES" ("ARTHUR THE KING", ESTADOS UNIDOS - CANADA, 2024) DE SIMON CELLAN-JONES

Michael Light (Mark Wahlberg) fracasa estrepitosamente en la su ultima carrera de más de 700 kilómetros debido a que juega individual a pesar de ser el líder, una fotografía deja patente su desgracia y es lo que marca el fin de su carrera, por lo que no puede trabajar tranquilo en el negocio de su padre ya que se cree un perdedor, debido a esto su esposa (Juliet Rylance) lo anima a intentar una ultima vez, por lo que reúne a un equipo nuevo, con un experto veterano pero prácticamente sin rodilla (Ali Suliman), Olivia (Nathalie Emmanuel), la joven hija de una leyenda y el impostado por el patrocinador, su compañero-rival Leo (Simu Liu) quien subió la foto que lo atormenta, en tanto un perro (el sorprendente can Ukai) sobrevive en Republica Dominicana, escapando de perros que lo persiguen, consiguiendo alimento de la basura, soportando personas que lo golpean y maltratan y de la inclemencia del clima.

Cuando inicia la carrera pareciera que el equipo de Michael no tiene oportunidad pero poco a poco, con una buena estrategia, atajos atrevidos, trabajo en equipo y maximizando las virtudes de los integrantes logran meterse de lleno en la competencia, pero es aquí cuando el perro los encuentra, y una sola albóndiga prodigada por Michael causa que el lomito no se les despegue en ningún momento, aunque lo dejan atrás los alcanza, por más riscos que escalen, ríos que crucen y kilómetros recorridos en bicicleta que hagan, el solovino los alcanza, y después de que le salve la vida al pedante Leo lo dejan ser parte del equipo y acompañarlos, esto a la postre causa que el huraño Michael encuentre el verdadero camino a la felicidad, que nada tiene que ver con éxito, y si mucho con valores universales ya olvidados, y por supuesto, esa extraña cosa llamada amor.

Es decir, estamos ante una amable y tierna cinta sobre animales y su relación con nosotros, mostrando un caso especifico que además sucedió en la vida real pero con diferentes nacionalidades por parte de todos los involucrados, el Michael real es sueco y el perro ecuatoriano, aderezada por una artesanal cinta de aventuras que no otorga descanso, con un ritmo trepidante y una fotografía hermosa que le saca jugo a esas verdes selvas donde casi se puede sentir el calor y la humedad, y por supuesto la necesaria dosis de drama, por

ahí sobreviven a una caída en un cable tirolesa con decenas de metros de distancia, Arthur los salva de caer por un precipicio, suben un risco no planificado, hasta llegar a ese clímax en kayak donde Michael entiende que es lo importante en la vida y toma la decisión correcta, una que como espectadores entendemos, y que los mismos integrantes y competidores comparten, para dar paso a un tramo final sensible y lacrimógeno que resulta el desenlace obvio de esta bonita y tierna historia que apela a la sensiblería pero sin ser chantajista, al final uno se enamora de Arthur, queremos que sobreviva y sea feliz, al igual que Michael que se enfrenta a gobiernos, veterinarios y el tiempo con una escena final que estruja las tripas, y esos créditos finales con las fotos reales que ponen la guinda en el pastel.

Calificación: Bastante Bien

Critica: El Agente Secreto

"EL AGENTE SECRETO" ("O AGENTE SECRETO", BRASIL - FRANCIA - MEXICO - ALEMANIA - PAISES BAJOS - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE KLEBER MENDONCA FILHO

Nuestra historia tiene lugar el Brasil de 1977, una época de mucha picardía...  así es que comienza esta obra de Kleber Mendonca Filho, donde el director retoma todos los intereses y obsesiones para llevarlos a otro nivel, de tal manera que logra entregar una historia que sirve al mismo

tiempo como critica a una dolorosa época, como una carta de amor por esos tiempos pasados que ya no volverán, con ese dejo de romanticismo que solo podía lograrse con esa tecnología análoga, las limitaciones de la época, y una forma de vivir que la sociedad ha olvidado casi por completo, escrito de esta manera parece una contradicción, después de todo "El Agente Secreto" es un thriller político que toca temas serios y sensibles, que recuerda esa época de dolor e injusticia, tratando de que no lo olvidemos, pero al mismo tiempo le da valor a esos mismo años, porque el hecho de que una dictadura y sus remanentes causaran tanto daño, no impidió que el amor de las personas, su fe y ese hermoso Brasil de antaño brillaran por cuenta propia.

Después de estas palabras, que siguen después de un compendio de imágenes de archivo al ritmo de "Samba no Arpege" de Waldir Calmon, vemos un escarabajo amarillo que viene por la carretera, se sale del camino para acomodarse en una gasolinera en medio d e la nada, la cámara va bajando hasta ponerse casi a ras de suelo, para mostrarnos un muertito tapado con cartón, del que solo podemos ver los pies, Marcelo Alves (Wagner Moura, sencillamente perfecto) - quien en realidad se llama Armando Solimoes -, quiere huir de inmediato del lugar, pero el dependiente lo alcanza de inmediato para atenderlo, limpia su cristal, le despacha gasolina, y le cuenta como es que el ese pobre tipo acabo en ese lugar, amenazado por ser comido por los perros a cada instante, resulta que intento asaltar el lugar y termino asesinado, los dueños no han respondido, quizá por ser semana de carnaval, y la policía les dejo claro que no irán ahí hasta el miércoles de ceniza, porque tienen mucho trabajo.

Esto incomoda a Armando, que nota que la naturalidad de la muerte y la violencia ya forman parte del día a día de los brasileños, es decir, mira con horror como se ha normalizado la muerte en el año de 1977, con una dictadura asesina que no permite que nadie no afín al régimen se salga aunque sea un poco de la línea, en ese momento llega la policía, un par de uniformados mal encachados, que tienen manchas de sangre en el uniforme, y a los que poco y nada les importa el muertito tirado, ellos solo vienen a revisar concienzudamente el carro de Armando, y cuando no encuentran nada fuera de regla, piden un donativo al fondo de policía para el carnaval, algo que resultara muy familiar si se es mexicano, es decir, ese típico asalto de personas con placa, que se supone no es asalto, con esto queda clara cual es la apuesta de Mendonca Filho, una critica acida al sistema de esos años, pero con una combinación de géneros muy arriesgada.

Ya desde esta escena de apertura podemos notar el thriller político en esos momentos de tensión, algo de suspenso, el western, específicamente el espagueti western en ese paramo desierto y solitario con amenazas latentes casi en un duelo, el drama social, y un humor negrísimo que nos da una comedia que casi roza con el absurdo, algo a lo que no rehúye el director y guionista, como veremos más adelante, por lo que incluso vemos a una familia salir pitando con todo y gritos al ver la "picaresca" escena. La fotografía con estilo setentero es hermosa, y la manera en la que encuadra y filma una escena el director es sorprendente, después de esto vemos a Armando viajar al tiempo que conocemos al país de esos años, pasando a una extraña escena con la policía revisando una pierna que apareció en el estomago de un tiburón, y en la que presenta mucho interés las autoridades.

Luego de esto conocemos a la ingobernable doña Sebastiana (Tania Maria, deslumbrante), una encargada de una vecindad, que presenta a Armando a todos, al tiempo que actúa de forma criptica con él, así que esta señora que rescato a un chico noble que "no era el tipo de hombre que su papa y tío deseaban", y que mantiene a una gata de dos caras será una parte crucial mas adelante, así pasamos de escenas intimas donde conocemos mas de Armando demostrando una vez más la maestría de la música y el soundtrack, algo que forma parte del alma de la cinta, a su hijo junto a su pesadilla/obsesión que da nombre a este capitulo, y muestra el amor cinéfilo del director, que va mucho mas allá de apuntes o referencias, ya que deja claro que el cine forma parte integra de la vida, por los sueños, deseos, pesadillas, los lugares que nos hace vivir y revivir, y como este se enlaza con la realidad, para bien y para mal.

Hasta llegar a la historia de una par de matones de curiosa historia, que son contratados por un empresario ricachón que trabaja con el sistema, tan malo que no solo no se tienta el corazón ante nada, sino que necesita demostrar su poder sobre los demás, al tiempo que su riqueza le permite pasar por encima de todos, aunque sea tan idiota como su hijo. El director separa todo en tres capítulos, el segundo presenta el servicio de documentos de identificación, que son parte crucial en la idea principal de la historia, las digresiones se van acumulando, por aquí la historia de como el poder del dinero, el valor de acuerdo al capitalismo, causa que una ricachona sea la victima aunque su criada sea la que perdió un hijo, algún momento sexoso por aquí y por allá, otro romántico, una pesadilla que se cierne sobre el protagonista, la historia de los sicarios muy cercanos a la policía que lo persiguen, estos en sus pintorescos episodios con todo y protagonista acompañando.

Los momentos de espionaje clásico, otros de acción, horror cómico con esa pierna peluda que anda atacando incautos de poca moral, y hasta pura fantasía, para dar paso a esa acción violenta que parece provenir de un giallo, y créditos setenteros, todo esto suena demasiado caótico, y en cierta manera lo es, pero esto no es malo, ni siquiera una característica, sino una virtud, logrando que este compendio de estampas que nos regala el presidente sean no solamente formidables, sino parte intrínseca de un todo, en una narrativa

fascinante que funciona en muchas capas, y de nueva cuenta retoma ese pensamiento de Kleber Mendonca Filho que lleno la también maravillosa "Aquarius", con todo y critica al capitalismo, el poder de los lugares y como son nuestras casas y cosas son una extensión de nosotros mismos, y de manera maravillosa, enlaza tres tiempos distintos, el presente de 1977, el pasado de unos antes en esa encabronante crónica de como el poder puede aplastar todo lo demás, y ese futuro/presente que compartimos con Flavia (Laura Lufesi) que se enlaza de otra manera con la meta principal de Armando, el amor de poder salvar a su hijo, en tanto Flavia descubre y muestra su historia como otra muestra de amor, una información necesaria para poder dejar de tener pesadillas sobre ese pasado, como tenia ese pobre chiquillo antes de ver a un terrible "Tiburón".

Calificación: Genial

Critica: The Three Sisters

"THE THREE SISTERS" ("THE THREE SISTERS", CHIPRE - RUSIA, 2025) DE KONSTANTIN BRONZIT

Bronzit hizo algo muy inteligente para lograr el reconocimiento que merece este hilarante corto animado, dejo de lado su conocido nombre, lo quito de publicidad, y dejo que el arte trabajará sin política afectando, el resultado, premios, todos viéndolo y

disfrutándolo, que culminan con una nominación al oscar, pero para ello tuvo que ocultar su identidad rusa, una pena conociendo su largo trabajo en animación, y una muestra más de la doble moral que impera en nuestros días, en los que un serio profesional no puede mostrar su trabajo, pero un estado genocida continua campando a sus anchas, millonarios depravados siguen manejando el sistema, y dictadores zafados rigen con la estupidez de su lengua, pero bueno, aclarado el punto debo dejarlo atrás, eso quisiera el buen Bronzit.

Desde el inicio esta clara la postura del director, una animación en segunda dimensión bastante sencilla con un único escenario, personajes con diseños sencillos pero no simples, y una banda sonora que junto al sonido forman parte integra de la animación, de la historia en sí - me encantaron los tres golpes seguidos que siempre acompañan algo más -, la tres hermanas - no monjas como algunos alegan - salen de sus casas rumbo al templo, una alta, otra mediana y una chaparrita, de pronto la cámara "gira" y muestra que son tres casas, cada una habita un de ellas, pero cuando llegan los mercaderes a la isla un accidente les hace perder el dinero, por lo que se ven obligadas a rentar una de las 3 casas, lo que obliga a dos de ellas a vivir juntas, el inquilino es un marinero maloliente y pillo que causa aversión a dos de ellas, en tanto una queda prendada con la fetidez - literalmente -, e intenta quedar bien con él lavando y planchando su ropa.

Esto extraña a sus hermanas, que reaccionan de forma impredecible, primero aterrorizadas, luego escandalizadas, y finalmente con mucha curiosidad, cayendo una a una ante los músculos del patán de turno, llegando al grado de pelear por él, en una semana de desenfreno donde cambian su verdadero ser. Con una animación sencilla pero funcional, que tiene mucho carácter, y que brilla principalmente en su forma narrativa, como si la cámara estuviera estática, mostrando un solo escenario, del que vemos solo una parte, para que nos imaginemos lo demás. Todo en el cortometraje es hilarante, uno se ríe a carcajadas, pero también se conmueve por estas solitarias mujeres, con un remate final tan desternillante como doloroso, eso sí, Bronzit es un sádico realista qué retrata la naturaleza humana, sin rehuir con ello a la esperanza en ese cierre casi idílico.

Calificación: Bien

Critica: Fue Solo un Accidente

"FUE SOLO UN ACCIDENTE" ("YEK TASADOF-E SADEH", IRAN - FRANCIA - LUXEMBURGO - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE JAFAR PANAHI

"Fue solo un accidente" dice una mujer embarazada después de que su marido Rashid (Ebrahim Azizi, muy bien) atropello a un perro que aparentemente se lanzó contra el automóvil en medio de la noche, en una carretera a oscuras sin iluminación alguna, la mujer reitera que sucedió porque Dios

así lo quiso, acto seguido, la niña argumenta que Dios no tuvo nada que ver con matar a ese perro, pero su madre insiste en que todo sucede por algo, en eso el automóvil se avería, y todo lo que hemos escuchado y visto en esta toma inicial ininterrumpida de más de cinco minutos acompañará el sentido de la historia, una trama que nos hace cuestionar en todo momento las imposibilidades del mundo, los sistemas de gobiernos, la valía de la rebelión, dilemas morales, e incluso los "accidentes" como el que da inicio a la trama que se  desenvuelve como fichas de domino cayendo, ya que este suceso desencadena todos los demás  de alguna manera. 

Rashid baja a pedir señales para llegar a un taller, y es ayudado por un buen samaritano que repara el carro, por lo menos para que lleguen a su casa, su colega Vahid (sorprendente Vahid Mobasseri) platica con su madre por teléfono, pero algo llama su atención, al grado de que evita que la familia en problemas lo vea, y cuando le llaman se jala la boca para modificar su voz, a partir de este momento Vahid sigue de forma obsesiva a la familia despertando nuestra curiosidad. Vahid llega al grado de casi atropellarlo en las calles de Teherán, y termina secuestrándolo para enterrarlo vivo en el desierto a las afueras de la ciudad, ahí Vahid por fin le confiesa que es lo que sucede, lo ha reconocido como Eghbal "pata de palo", un sádico torturador del régimen iraní, y Vahid fue una de sus víctimas, destruyendo su vida para siempre, al grado de que el dolor de espalda no lo deja en paz ni un solo momento, Vahid es claro, supo quien era por el sonido de la prótesis en su pierna - ese chirrido que lo persigue en todo momento -, nunca olvidara ese sonido, ya que en todo momento estuvo vendado, es lo único que le puede dar una pista sobre quien es, y el recuerdo de su voz.

Pero el padre de familia jura y perjura que esta equivocado, que no sabe nada del tema, que es alguien más, una persona distinta, y que acaba de perder la pierna en un accidente, Vahid empieza a tener dudas sobre su certeza inicial, y decide visitar a su amigo Salar (Georges Hashemzadeh) para que disipe las dudas, es decir, verifique que el tipo es el culpable de sus pesadillas. Salar se rehúsa a ayudarlo ¿Qué ganarían en caso de que fuera compinche del régimen? Aunque finalmente acepta enviarlo con otra víctima más, que quizá si pueda ayudarlo, así que Vahid se embarca en una road movie donde va sumando personajes, todos ellos víctimas de la dictadura iraní, y que fueron víctimas del "pata de palo", a Vahid se suma la sensata fotógrafa Shiva (Mariam Afshari), la desquiciada novia a punto de casarse que se estaba tomando las fotos, Golrokh (Hadis Pakbaten), el novio que llego de a gratis (Afssaneh Najmabadi) con familia ayudada por el gobierno, y el perdedor Hamid (Mohamad Ali Elyasmehr), que esta lleno de furia y resentimiento contra todos y todo, y que prefiere encargarse primero del asunto, y averiguar después.

Es así, que este pintoresco grupo viaja por todo Teherán en busca de la verdad, de la confirmación de sus sospechas, al tiempo que debaten sobre los dilemas morales de lo que están haciendo, o pensando hacer, al tiempo que conviven, se conocen, y se reconocen, después de todo se pueden ver reflejado en el otro, en parte porque son victimas, pero principalmente debido a que son supervivientes y están llenos de dolor. Estamos ante un thriller ejecutado a la perfección, ya que en todo momento existe el peligro de que descubran qué tienen un cuerpo atrapado en la vagoneta de Vahid, con todo y logrados momentos de suspenso, pero Panahí es mucho más inteligente que eso, al mismo tiempo que eso, viajamos en una road movie por Teherán y sus alrededores, en una comedia negrísima qué no deja títere con cabeza, y que juega con la comedia absurda sin pasar la delgada raya del realismo.

Logrando entregar momentos hilarantes, como cuando empujan la camioneta sin gasolina, incluidos los novios vestidos para la boda, los gritos inagotables de  Hamid, y esos instantes folclóricos donde tienen que soltar dinero, sean unos músicos encimosos, unos guardias corruptos qué cargan con terminal, un despachador de gasolina sonriente, y hasta unas enfermeras qué esperan propina, en esos instantes sentí todo muy cercano a México. He de añadir que es impresionante como Panahí cambia, se mueve y muta entre géneros con una facilidad indescriptible, del humor absurdo al thriller, del drama al suspenso, de cine político al humor negro, de la road movie al drama personal, dejando que en todo momento la cinta respire Esto gracias a las largas tomas qué permiten que los personajes hablen, dialoguen, debatan, argumenten y peleen por sus diferencias, incluso con sospechas entre ellos, con tomas estáticas de forma inteligente a ciertos personajes fuera del encuadre.

Momentos cerrados de tal manera que nos obliga a poner atención a los personajes, con encuadres hermosos, que logran algunos fotogramas de una belleza extraordinaria a pesar de lo sórdida que es la historia de la que somos testigos, usando los colores y los encuadres para mostrar justo lo que desea, los puntos claves de su historia, como ejemplo esa escena climática donde queda fuera de foco justo lo necesario para hacer más poderoso el momento, y por supuesto esos dilemas morales qué traspasan la pantalla para volverse nuestros, ya que ¿la venganza es justicia? ¿Es justicia torturar a un torturador? ¿Se puede ejercer justicia ante la más mínima duda? Y si para obtener justicia es válido convertirse en aquello que se odia, por supuesto que Panahi no da respuesta, como buen director solo hace preguntas, las deja en el aire, para que maduren en nosotros.

Aunque al parecer él ya optó por un camino, aunque no nos lo imponga, el de la humanidad por sobre todas las cosas, el de dar importancia a seguir siendo humanos, a la resiliencia, la importancia de la familia, la fe en la humanidad, la empatía, y el perdón, a pesar de que no se merezca, pero ello no significa que rehúya el enfrentamiento, como muestra ese doloroso climax donde el secuestrado pasa por todas las fases, el reto, la negación, la ira, la desesperación, la manipulación, la aceptación, la idea de la justicia o el error recompensado en el cielo, el arrepentimiento, y por último, el índice de culpabilidad con la banalidad de la maldad, todo esto mostrado de forma fascinante, que solo crece más en ese plano final abierto resuelto de forma sonora, y que significa muchas cosas a la vez - trauma, venganza, persecución, poder, perdón, agradecimiento, miedo, dolor - de manera sublime, ahora si que con perdón de repetirme, Panahi entrega cine de primer nivel.

Calificación: Sobresaliente

Critica: La Voz de Hind Rajab

"LA VOZ DE HIND RAJAB" ("SAWT HIND RAJAB", TUNEZ - FRANCIA - PALESTINA - REINO UNIDO - ARABIA SAUDI - ESTADOS UNIDOS - ITALIA - CHIPRE, 2025) DE KAOUTHER BEN HANIA

Arribando casi a la hora del metraje, la supervisora de la media luna roja (cruz roja para nosotros) Rana Hassan (Saja Kilani, exquisita) se da cuenta que la pequeña que tratan de auxiliar esta herida, y va casi histérica a reclamar por auxilio al encargado de los rescates, el mesurado Mahdi (Amer Hlehel, bastante bien), quien tiene las manos atadas por la burocracia y la nula humanidad de los israelíes, esté rápidamente insta a

otro elemento que suba todo a redes sociales, que ponga los audios subtitulados en inglés, y que especifique que esta herida y sangrando para que la presión social les permita rescatarla, es entonces que el rabioso Omar (un adecuadamente intenso Motaz Malhees) le señala lo obvio, que nos golpea el estómago como si un verdugo nos diera con un mazo, el internet esta lleno de niños despedazados por los caminos ¿Qué cambio será escuchar la voz aterrorizada de una niña de cinco años pidiendo auxilio mientras unos soldados de Israel la tienen sitiada, sin dejarla ir, ni terminar el trabajo que tanto desean? es un momento poderoso, porque sabemos que Omar tiene razón.

Para muestra esta cinta, que se ha estrenado sin que a nadie le interese verla, sin apoyo de nadie, y con la respuesta de las personas de que "no quieren verla porque no desean sufrir", es decir, que sufran ellos, los más de 71 mil palestinos, más los más de 14 mil desaparecidos, con más de 20 mil niños asesinados, como la asustada y tierna Hind Rajab Hamada de solo 5 años de edad en el momento del indescriptible suceso. La cinta narra una parte del día de los rescatistas de la media luna roja, en medio del genocidio qué aun no termina, y con otros ya desarrollándose, gracias a cierto pedófilo de piel naranja que tanta gente sigue festejando, conocemos de manera rápida a las personas que seguiremos, la profesional Rana, el intenso Omar, el precavido Mahdi, y la estoica Nisreen (Clara Khoury) , que a su debido momento terminará desmoronándose de forma inevitable.

Rana esta a punto de irse a su casa luego de una larga jornada, pero en eso, Omar recibe una llamada de auxilio, de parte de una joven que ni siquiera tiene tiempo de decir su nombre cuando se escucha un ataque, Omar se derrumba, sabe lo que sucedió, israel acaba de dar la orden de evacuación de una zona, pero fiel a su costumbre jamás da tiempo de retirarse, ataca de inmediato y una familia fue emboscada por los tanques de guerra, parece que todo ha terminado en una tragedia más de las miles que les han ocurrido, hasta que se comunica un familiar desde alemania, para informar que en el coche queda alguien más, al llamar escuchamos del otro lado de la línea la voz de la pequeña Hind Rajab Hamada, de solo 5 años de edad, que pide, solicita, ruega, grita y reclama por ayuda, en medio de los cuerpos muertos y llenos de sangre de sus familiares, que ella cree dormidos, y con el ejército israelí deambulando como lobos el lugar con tanques pasando, y balas volando por todos lados.

Durante los escasos, y al mismo tiempo, eternos 85 minutos, escucharemos la voz real de la pequeña, y las conversaciones que tuvo con él equipo que intentaban apoyarla de todas las maneras posibles, dándole ánimos, tratando de distraerla, prometiendo ayuda, dándole largas, conversando con ella, conociéndola, y hasta rezando, pero sin nunca ver a la pequeña, ni nada de lo que sucede en ese lugar, que no está tan lejos de las oficinas, solo con escuchar comprendemos perfectamente qué está sucediendo, y esto lo sabe a la perfección la directora y guionista, que sabe que el poder esta en la mente del espectador, y que mostrar eso en pantalla es un recurso barato que le quitaría fuerza, por lo que solo conocemos a la pequeña Hind por medio de su voz real, y su físico por medio de fotos que los telefonista consiguen para presionar a su jefe, quien no puede enviar una ambulancia sin permiso del gobierno de israel, ya que sin luz verde serían atacados de inmediato, y ya ha sufrido tantas bajas que no puede cargar con más, por lo que vemos a estas cuatro personas reales platicar, dialogar, debatir, enojarse, llorar, desesperarse, pelear entre si, destruir parte de las oficinas, consolarse, y desesperanzarse mientras la rabia domina todo su ser.

En cuanto a la dirección de Ben Hania, no hay nada que reprochar, mantiene la tensión, el suspenso y el terror sin caer en chantajismo ni manipulación, no hay música que nos diga que sentir, y la cámara nerviosa encima de los actores otorga un sentido de urgencia cada vez más potente, por lo que vivimos desesperados lo que vivieron esos héroes anónimos, sabiendo que la ambulancia para auxiliarla estaba solo a ¡8 Minutos! del lugar donde estaba el carro atacado, además usa un juego de reflejos que le da muchísima clase, al tiempo que funciona como un poderoso simbolismo, y una suciedad en los enfocados qué indican realidad, evocando el documental que si emana de los audios reales, donde se nota el cuidado que se le otorgo al diseño sonoro de la cinta, y nos regala ese final, donde las imágenes reales grabadas ese día se funden con lo logrado en la cinta, vemos a los verdaderos protagonistas, y a los actores qué intentan homenajearlos de manera sublime. 

Finalmente, se podría alegar que usar la voz real es un ejercicio poco ético, pero creo que la directora demuestra que la intención era otra, y esta validada por la familia, con la madre creyendo firmemente que estamos ante una crónica necesaria, y que sirve, como argumenta la directora, para poder dejar muestra de la voz de esta pequeña para la posteridad, para que cada que escuchemos recordemos la crueldad que vivimos en esta época, y de la que todos somos cómplices, en mi muy humilde opinión, la directora da en el clavo, confesando que al terminar de visionarla lloré desconsoladamente durante más de 15 minutos y esa voz sigue en mi mente, solo puedo decir que el cometido se ha logrado, solo falta que hagamos algo al respecto.

La cinta avanza de forma dolorosa, con Hind manteniéndose tan tranquila como podría una niña de cinco años, y espera impaciente por la ayuda que le prometieron,  por supuesto, para cualquiera que siga noticias de la guerra, y no haga oídos sordos, ni se empeñe en escuchar personajes de ultraderecha que insisten en estupideces como que el ataque a la escuela en Irán es falso,  debe conocer la historia real, y como termino, pero no es lo mismo ver una noticia, un pie de página, un titular, o un mensaje en redes sociales, que escuchar a Hind y a las personas qué hicieron todo lo humanamente posible para ayudarla, es algo que se queda en el alma, qué perdura para siempre, y que te perseguirá durante toda la vida ¡y así debe ser! El día que me dejen de importar las vidas de los seres humanos, y que ponga ideologías políticas y sistemas monetarios por encima de ella, ese día estaré muerto, aunque siga vivo, habré perdido mi alma, háganmelo notar, se los pido de corazón.

Calificación: Excelente

Critica: Valor Sentimental

"VALOR SENTIMENTAL" ("SENTIMENTAL VALUE", NORUEGA, 2025) DE JOACHIM TRIER

"Cosas con Valor Sentimental" le dice la sensata Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas, espléndida) a su cerrada hermana Nora (la siempre fascinante Renate Reinsve), al tratar de convencerla de llevarse algún recuerdo de la casa que dejó su madre al morir, pero que finalmente le quedo a su ausente padre, esta sencilla línea esconde mucho más de lo que aparenta, por supuesto, todas esas cosas, sean un jarrón bonito, sea una baratija,

esconden un valor mucho más importante del monetario, el sentimental del título, por ello la casa es tan valiosa para todos - por más que necesiten el dinero de su venta -, ya que es ahí donde pasaron su infancia, donde corrían por las escaleras, el objeto que inspiró un ensayo escolar, donde su madre trabajo toda su vida, donde los gritos de sus padres llenaban el entorno, con una grieta que se hace más grande, y por supuesto, dónde sucedió una tragedia familiar - un suicidio por ahorcamiento - que sigue revoloteando por el ambiente, y que es pieza clave para la trama, no por el hecho en sí, que sucedió hace muchos años, sino por lo que lo causó, y más importante, lo que desencadenó a sus descendientes, es decir, lo que sigue ocasionando.

Aunque hacer esta simplificación no es justa para Trier, que junto a su habitual co-guionista Eskil Vogt, entregan una historia tan compleja y llena en matices, como cada uno de sus personajes, para muestra el que los cuatro personajes principales han sido nominados a la mayoría de los premios, ganando en muchas ocasiones, y debo añadir, con toda justicia. Es aquí el retrato de una familia que tiene ¿debe? cargar con todos los traumas familiares que pasan de generación en generación, aunque hayan nacido de una buena intención fallida, o quizá precisamente por ello, pero también las familias disfuncionales qué irremediablemente causan un impacto en todos los integrantes de la familia, el abandono familiar, que también puede ser mental y espiritual, no solo físico, la dificultad para madurar, o mejor dicho construir un carácter adulto, un tema ampliamente tratado en su obra mayor anterior, la grandiosa "La Peor Persona del Mundo", el estancamiento emocional, el ser distante y cínico como forma de defensa, y el más interesante de todos, quizá por ser menos tratado, la creación artística como algo que encierra al artista de mala manera.

Esto es interesante, debido a que casi siempre el arte, y el artista, son mostrados como un individuo esquivo, egocéntrico, narcisista, atormentado y obsesivo, pero casi siempre alegando que esto es algo bueno, que el arte viene del dolor, que se les debe perdonar el ser así, Trier no opina lo mismo, por lo menos no es tan condescendiente, por supuesto, los artistas pueden ser genios, pero eso no los exime ni libera de las responsabilidades que tienen como personas, esto es aun más valioso, ya que él mismo forma parte de este grupo de genios en ciernes, por lo menos a como va su filmografía. La cinta comienza con una voz en off qué cuenta la historia de la familia, con la casa como un personaje más, en una apertura majestuosa, para después pasar a presentarnos a la Nora de Reinsve, una talentosa actriz que sufre ataques de pánico antes de subir al escenario, una forma genial de mostrarla, ya que con los detalles de pantalla sabemos todo de ella, por la forma en que necesita escapar de la realidad para realizar su trabajo, y por supuesto, la obra que están representando.

En la siguiente escena estamos en el velorio de la madre de las hermanas, y la entrada de su padre Gustav (Stellan Skarsgard, exquisito), un talentoso y famoso director de cine, que no actúa de acuerdo a la ocasión, se ríe, hace bromas, solo habla de él, y da opiniones cerradas sobre todos los demás, es además, llevada de forma muy ingeniosa, con ese eco que descubre el presente, como lo hacia en el pasado, la siguiente vez que se miran Gustav y Nora, este le ofrece el protagónico de su última película, una que trata nada menos que de la vida de su madre, es decir abuela de ellas, y su suicido cuando era pequeño, aunque como bien dice Gustav varias veces más adelante, "no es sobre mi madre", Nora no acepta, en parte porque cree que usa su prestigio como actriz para conseguir financiamiento, pero principalmente porque no quiere nada de él, la abandono, los olvido, los trato mal, y hasta la fecha no sabe nada de él a menos que este borracho, prefiriendo siempre a su otra familia, los actores con los que rodada sus cintas, con los que convivía en todo momento, y que formaban el centro del universo según el proyecto en turno.

Después de esto Gustav consigue a una joven estrella norteamericana llamada Rachel Kemp (deslumbrante Elle Fanning) para que haga la película, lo que causa aún más roces con su hija Nora, ya que literalmente, esta tomando su lugar, no solo en el proyecto de trabajo, y en un papel escrito explícitamente para ella, sino que convive de tal manera y con tal familiaridad, que parece ser su hija, lo que obviamente afecta de sobremanera, a la ya de por si, resquebrajada Nora. La narrativa avanza por medio de escenas tranquilas, en fundidos en negro, que muestran las dificultades para grabar la cinta que ya existe en la mente de Gustav, ya que esta claro, que aunque no han iniciado grabaciones, este ya conoce cada segundo de su cinta, sumado a que su actriz no es la adecuada, por los productores que quieren mandarla a streaming, y por su propio ego.

Y las andanzas de Nora, con relaciones paterno-filiales qué la destruyen, como la que lleva con el cínico compañero de reparto encarnado por el habitual actor de Trier, Anders Danielsen Lie, que se aprovecha sin empacho de ella aunque note que esta necesitada de cariño, cada vez más incapacitada para actuar por el desplome emocional, y con problemas psicológicos graves que ya tienen un historial muy doloroso detrás, y el peso de Agnes, que se hizo a un lado en cierta manera de ese mundo, y sirve como punto de unión para esas dos almas perdidas, incapaces de comunicarse de otra manera que no sea su trabajo artístico, Agnes es el contrapeso necesario, desde su vocación, que demuestra que es razonable y analista, y que ayuda para que la familia no se desmorone, por más que ella también deba cargar con los demonios que acosan a su hermana, pero con una gran diferencia, que se toca en la escena más sentimental del largometraje,

Después de todo, ellos son uno solo, y muchos a la vez, como se nuestra en esa escena de fundidos, al final queda claro qué el ególatra Gustav juega con Rachel como casa de muñecas personal, mientras la chiquilla está atrapada en un drama familiar al que no pertenece, al final por supuesto, Trier es claro, el arte no necesariamente sirve como forma de terapia para creador-espectador, pero quizá si para salvar algo del tiempo que nos queda juntos, si es la única manera en qué podemos comunicarnos, como estos pobres desdichados, y si vemos esto en un juego de espejos de película dentro de película, y personajes que son extensión pero a la vez centro de todos los demás, mientras volvemos nuevamente a los intereses de Trier, todo se vuelve aún más fascinante, narrado de forma exquisita, y grabado en excelencia... Dios, esa escena final con "Cannock Chase" de Labi Siffre, señores, esto es cine.

Calificación: Sobresaliente

Critica: Forevergreen

"FOREVERGREEN" ("FOREVERGREEN", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE NATHAN ENGELHARDT Y JEREMY SPEARS

Un osezno deambula solitario por el bosque, esta nevado y no hay comida, busca desesperado olfateando hasta que encuentra unas bayas, pero en un lugar muy peligroso, por lo que termina cayendo por el acantilado, o eso parece, ya que es salvado por un pino qué alcanza a tomarlo, a partir de

ese momento prácticamente lo adopta, lo alimenta, le sirve de hábitat, le enseña sobre la vida y el mundo, juega con él, lo mima y consiente, enseñándole los valores por medio de un retoño de pino qué cuida religiosamente hasta de los puercoespines qué le dieron tantos problemas durante su infancia, y así. el oso crece viviendo tranquilo y feliz, hasta que llega un momento de quiebre, con el deseo incontrolable de algo malo, representado por unas papas fritas qué el oso devora como desquiciado, solo acostumbrado a comer piñones toda su vida, esto será el inicio del fin, la madurez forzada por malas decisiones.

Esto despierta un deseo irrefrenable que causa el rompimiento de su relación, el pino no permite que el oso vaya a donde los pájaros toman esa comida chatarra, pero el oso reacciona de la peor forma posible, con una acción que destruye la confianza entre ambos, y lleva al oso adulto a un sentimiento nuevo, a sabiendas de que esta mal pero sin poder detenerse, yéndose y poniendo en riesgo su vida, hasta encontrar el fruto prohibido, que solo puede tener una consecuencia final, donde vemos pasar ese momento super cómico qué parece salido del humor slapstick más clásico, a un clímax emocionante, desesperante y sentimental, que deja un sabor agridulce pero hermoso, porque la vida acaba, pero siempre continua, y con un mensaje más que valioso en estos tiempos tan desesperanzadores e inhumanos, de tal manera que uno no puede evitar las lágrimas por las mejillas, o por lo menos el nudo en la garganta.

La animación es computarizada, emulando un stop motion casi de madera, es hermoso y bastante cinematográfico en sus encuadres y tomas, siendo además el apoyo exacto para el simbolismo del metraje, que por supuesto va sobre la amistad de un oso con un pino que roza lo maternal - ¿o paternal? -, pero que también va sobre como crecer, descubrir el mundo, los problemas que nos seducen, como las drogas quizá, y como los que nos aman intentan cuidarnos, al final cada uno tendrá que aprender por las malas, y quizá de paso seamos responsables del sufrimiento de un ser querido qué siempre estuvo ahí a pesar de todo, con mensaje de amistad, vida sana, el valor de la familia, la importancia de la naturaleza, y en especial el mensaje bíblico con el versículo Juan 15:13, envuelto en esa bellísima melodía del mismo nombre del corto de Josh Garrels e Isaac Wardell, y por si quedaba una duda, el agradecimiento a Dios en los créditos dejando claro los momentos de fe en la historia.

Calificación: Muy Bien

Critica: El Drama de Época de Jane Austen

"EL DRAMA DE EPOCA DE JANE AUSTEN" ("JANE AUSTEN'S PERIOD DRAMA", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE JULIA AKS Y STEVE PINDER

¿Se puede hacer una película feminista qué busque la unión entre hombres y mujeres al tiempo que es hilarante y sirve como perfecto homenaje al trabajo de Jane Austen? Pareciera que la respuesta es un no rotundo, pero he aquí que el primer trabajo de Aks y Pinder como directores, demuestra lo contrario, a la vez los directores son los guionistas, la primera es la protagonista principal, y compositora de dos temazos desternillantes sobre el tema tratado, uno dentro de la trama, otra en los créditos. Comenzamos con un encuadre clásico qué toma un árbol gigante a un lado apenas visible y el hermoso verde de la naturaleza, notamos dos personas caminando por los paramos, Mr. Dickley (Ta'imua) esta cotejando a la escurridiza Estrogenia "Essy" (la mencionada Julia Aks sencillamente hilarante), con los clásicos malentendidos y verborrea de los personajes de Austen, de pronto todo parece ir viento en popa, el suelo de Essy se está haciendo real, y...

Lo mejor es no saber absolutamente nada de la trama de este cortometraje nominado al oscar de este año, una más que agradable sorpresa, y que muestra que quizá no todos los académicos son unos amargados egocéntricos. Durante apenas pasados doce minutos, vemos a esta mujer lidiar con algo extraordinario, y a la vez terriblemente común, no diré de que trata, pero tanto el nombre como el póster dan pistas muy inteligentes, porque todo está muy pensado en esta historia, el póster, el nombre, la música, y por supuesto esos gags qué si parecen provenir de Austen, con ese humor acido e inteligente británico, y además una dirección y diseño que calza de manera perfecta con el mundo que creo la escritora, y han extendido las adaptaciones fílmicas.

Con un reparto que esta sensacional, desde Samantha Smart como la hermana Labinia qué es la voz "consciente" de todos, la hiperactiva Vagianna (Nicole Alyse Nelson) que quiere estar y participar en todo, desde acarrear un trapo, hasta ¿acuchillar a alguien? el desternillante padre huidizo (Hugo Armstrong), vamos que hasta la gallina funciona, al final todos los clichés se usan como chistes, pero sin traicionar jamás el espíritu de la legendaria autora, de tal manera que uno termina convencido de que ella podría haber escrito esta hilarante e inteligente historia, por supuesto, no hay mejor halago para Julia Aks y Steve Pinder.

Calificación: Muy Bien

Critica: Si Pudiera, Te Patearía

"SI PUDIERA, TE PATEARIA" ("IF I HAD LEGS I'D KICK YOU", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE MARY BRONSTEIN

La cámara inicia en un close up cerradísimo a los ojos de nuestra protagonista, la desesperada Linda (Rose Byrne en una actuación maravillosa), ella no esta hablando, ya que la platica que escuchamos es entre su tierna pero manipuladora hija, y la juzgadora doctora que la atiende, de inmediato entendemos la incomodidad de Linda, después de

todo su hija esta diciendo que su padre es firme, pero su mama es como plastilina, se amolda, y soporta todo, aunque a veces parece estar triste, de inmediato Linda respinga, no es de plastilina, ni puede soportar todo, y tampoco esta triste, o si lo estuviera ¿que? no tiene derecho a ello, con este inicio queda clara la situación en la que se encuentra la protagonista, y lo cerca que esta del limite, pero también el como se ve a si misma, y como no desea verse, siendo una especia de contradicción maternal que solo puede entenderse al estar en esa situación, todo ello con una cámara tan cercana que parece estar encima de ella, lo que causa una incomodidad al mismo espectador quien siente como invade el espacio de la madre.

A partir de este momento seguimos a la desdichada Linda en su lucha diaria, donde su paciencia, su fuerza física, y su sanidad mental, se van desmoronando por culpa de una responsabilidad que no puede llevar a cuestas, pero no porque no pueda, como sucediera en "La Hija Oscura", sino porque no puede, por más que lo intenta, por más que lucha, por más que lo desea, y es justamente por ello que es mas doloroso el fallo, Linda no es una mala madre, por más que la culpa la oprime a cada segundo, solo es una madre rebasada, y creo que precisamente ahí es donde quiere poner el dedo en la llaga la directora y guionista Bronstein, en este, su segundo largometraje, evidenciando lo que significa para ella misma esta responsabilidad, porque no solo es la que se pone ella, sino la que le impone su marido ausente (Christian Slater), sus conocidos, los médicos, las sociedad misma, las otras madres, y claro esta, su propia hija, que exige y patalea más que nunca, porque reconoce su propia situación.

Linda regresa a su casa junto a su hija (Delaney Quinn), que quiere una pizza sin queso, y no sabe que quiere ir al baño aunque se este haciendo, nota que todo esta inundado, y descubre una rajadura en el techo de su habitación, por la que cae muchísima agua, de pronto el techo se desmorona y queda un hueco que no parece tener fin, desde este momento, queda claro que ese hoyo que las obliga a irse a vivir a un hotel de mala muerte representa la psique de la protagonista, que se ha resquebrajado al grado de convertirse en un agujero sin fin, y que conforme avanzan los acontecimientos, se hará más profundo y surrealista, como si viniera de una película de terror, algo hay de eso por supuesto, conforme la estabilidad mental de Linda comience a ceder, hasta perder contacto con la realidad, y en especial, con su deseo de ser madre, o mejor dicho, de ser una buena madre.

Conforme avanza la narrativa conocemos el día a día de Linda, obligada a cuidar a su hija que necesita apoyo en todo momento debido a una rara enfermedad, que esta obligada a vivir en ese hotelucho mientras reparan su casa, con un contratista al que no le podría importar menos arreglar ese asunto, un casero incontactable, su marido capitán llamando solo para reclamar y dar ordenes, un colega (Conan O'Brien,

sorpresivamente bien en otro tono) con el que tiene una relación cada vez mas tirante, una dependienta que se niega a venderle salvadoras botellas de vino, la doctora de su hija (la directora Mary Bronstein) que recrimina el actuar de la madre, y se inmiscuye demasiado en su vida, con su desgastado trabajo como psicóloga, las malvivencias con un vago dealer que la ve como una mina de oro, una paciente desaparecida nomas porque si, un bebe abandonado, un pesado encargado de estacionamiento que no la deja en paz, y hasta un hámster que se vio obligada a comprar para ganarse a su hija, pero que da paso a una hilarante secuencia de mala suerte por la mala actitud de este, que forma parte de esos momentos de humor negro como el carbón.

Hablando del hámster, existe para mucho más que ser un momento cómico, ya que demuestra la psicología real de la pequeña, que deja clara la relación real que tiene con su madre, que ya apuntaba en la primer escena, ya que quiere un hámster porque se les puede obligar a quererla, y ya con esto, sacar el partido necesario, algo que se cierra de manera magistral en la escena final, donde Linda no puede escapar, en si intento por emular a esa otra mujer que amaba hasta la locura, pero aun así no dudo en irse porque temía hacer algo grave, Linda también quiere irse, chocando con las olas, pero su hija no la deja retirarse, no cuando la necesita, no cuando la responsabilidad recae por el solo hecho de ser su madre, porque a ellas se les pide ser santas y soportar todo, es una regla no escrita, y por lo tanto completamente devastadora para las mujeres, obligadas a cargar con todo, aunque no puedan y no se sientan capaces, por supuesto, hay quien podría decir que Linda es una Medea, en mi caso no, solo es una mujer llevada más allá del limite, por una sociedad indiferente, por un marido distanciado, por una hija manipuladora, por su propio yo derrotado. Al final Bronstein lo logro, nos mostro una descarnada y compleja visión de ser madre, difícil de ver, pero fascinante de visionar.

Calificación: Excelente