Critica: Hamnet

"HAMNET" ("HAMNET", REINO UNIDO - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE CHLOE ZHAO

En la función de cine a la que asistí, además del olor a palomitas y algunas otras botanas, se escuchaban los incesantes cuchicheos, comentarios, bromas, sarcasmos, y hasta reclamos la pantalla, no es algo tan extraño de notar en mi querida ciudad, pero esta vez era demasiado, como si el ritmo de la directora, y esa fotografía exquisita contemplativa, les parecieran insoportables al cinéfilo común, esto ocurría de manera particularmente desesperante con la pareja que había

detrás, pero de pronto empezaron a callarse, cada vez hablaban menos, hasta que en cierto momento quedaron en silencio total, que a su vez fue cambiado por sorbos de narices, carraspeos de gargantas, y suspiros quejumbrosos que solo se escuchan cuando se intenta ahogar el llanto, yo los entendía perfectamente, estaba en ese estado desde mucho tiempo antes a que ellos llegaran, pero que este par de orates se rindieran, y lloraran a tambor batiente cuando por supuesto que no era su intención, demostraban la calidad de lo que visionábamos.

Cuando llegaron los créditos finales la sala quedo en silencio, lagrimas por aquí y por allá, sollozos en la oscuridad, largos suspiros interminables, y una vergüenza generalizada porque nadie quería ser visto llorando, por lo que nadie se levanto, aun con la luz prendida, la sala estaba en shock, y también totalmente derrotada, comenzamos a vernos las caras, ya no existía la vergüenza, solo el reconocimiento del sentimiento propio en cara de los demás, es algo que muy pocas veces he vivido en una sala de cine, que una cinta que no busque el chantaje toque los corazones de los asistentes, solo por esta experiencia, me recordé a mi mismo el valor de ver el cine en el cine, como esa experiencia grupal que nos une en otro mundo, por lo menos durante unos breves pero perdurables instantes.

La cinta cuenta la historia imaginada sobre lo que pudo haber causado que uno de los autores más importantes de la historia e4scribiera su obra más emblemática, y lo hace de manera tan bella que uno no puede más que rendirse a ella. Iniciamos con una toma hermosa de la naturaleza, y la luz colándose a través de los arboles, para después ver a la hermosa Agnes (Jessie Buckley en estado de gracia) durmiendo en medio del bosque, entre las raíces de los arboles, para que entendemos de inmediato que clase de persona es, después la vemos llamar a un halcón, y la vemos casi hipnotizados, pero no tanto como el profesor de latín Will (Paul Mescal, excelente), que de inmediato la busca para conocerla, ahí la chica que tiene algo de salvajidad celta toma su mano, una manera que tiene para ver el yo interior de las personas, y dejarse besar, justo como le había asegurado que sucedería el pretendiente.

De aquí en más los vemos conocerse, como van acercándose el uno al otro, y un detalle crucial, el como ella ya le ha adelantado su futuro, al tiempo que esto se ve mostrado en ese relato del amor imposible de Orfeo y Eurídice, donde además se toca la negación a la muerte, y como esto lleva a otras penurias, pero principalmente, donde el hijo del guantero demuestra su habilidad narrativa, en tanto Agnes lo escucha absorta, transportada a ese mundo, sin nada más que la voz elocuente de un hombre, en este primer acto vemos el inicio del amor de esta pareja, lo que tienen que enfrentar, al mismo tiempo que nos queda claro como era su vida antes de conocerse, pero también que cuentan con el apoyo de otras personas, como el hermano de Agnes, el buenazo Bartholomew (Joe Alwyn), que siempre esta para ayudarla, en contraparte de los que siempre los agreden y obstaculizan.

Para entonces la cinta ya me había ganado, con esa fotografía hermosa, que da preponderancia a la luz natural, y logra que las personas parezcan salir de alguna pintura victoriana en los fotogramas de la película, con la importancia dada a la naturaleza, ese montaje tan logrado, incluso con los saltos de tiempo, y esos encuadres que dan el mensaje que justo quiere mostrar la directora junto a su co-guionista Maggie O'Farrell, autora del libro en que se basa ese mito histórico. Agnes da a luz a su primogénita Susanna (Bodhi Rae Breathnach), y luego a dos gemelos, Judith (Olivia Lynes) y Hamnet (Jacobi Jupe, muy bien), con todo y mucho drama, la madre recordando su tormentoso pasado, pensando en su muerte, con todo y niña sin signos durante momentos que se sienten interminables, a partir de aquí nace el temor de Agnes por perder a Judith, y con su esposo siempre ausente, para poder trabajar en el teatro que ama, si no quiere volverse un ser amargado.

En esto siempre lo apoya su mujer, hasta que sucede algo que para la época no era tan extraño, pero que no por ello es menos doloroso, y el matrimonio empieza a derrumbarse, hasta esa parte final catártica, que es un climáx alargado majestuoso, y que como ya anote, silencio por completo a la sala, a no ser por los llantos de dolor y felicidad imposibles de evitar. El punto crucial viene en ese dialogo de Agnes para con su hijo "Nunca, nunca te dejaré ir", que en lugar de ser esa idea de amor pensada, los condeno a los dos a quedarse varados, ella por ser una atea consumada, él por quedarse esperando algo que nunca llegaría, Agnes aleja a Will, le recrimina, lo culpa, le infiere a cada momento su abandono, su lejanía, su ausencia, y este desesperado, después de perder a su hijo y su familia, queda entre dos decisiones, escapar de la vida como un cobarde, o enfrentar la realidad aprendiendo a vivir sufriendo.

Por supuesto que la decisión es la segunda, con todo y el folclore sobrenatural que parece inspirarse en su mujer, y así Agnes asiste casi a regañadientes a esa obra que se supone puede ser la desilusión total de su esposo, que tomo su dolor para convertirlo en un espectáculo morboso, pero en lugar de ello, entrara a un mundo surrealista, casi idílico como su bosque, donde es testigo de una obra que ve al inicio con desconfianza, con incomodidad, para pasar a la ira total, y mutar a sorpresa, comprensión, orgullo de ver a su marido despedirse y a su hijo cumplir su deseo, hasta ese final majestuoso donde Agnes lo entiende, su marido logro que todos lloren la muerte de su hijo, por la eternidad, lo perdona, y por fin libera a su hijo para que avance a la eternidad, liberándolo de sus palabras, amándolo igual que siempre, en ese tour de force que es ver a Buckley destrozarnos el corazón solo con gestos tan sencillos de leer, junto a la música de Max Ritchter, la dirección de Zhao, y la fuerza imperecedera de la obra de Shakespeare.

Calificación: Excelente

Critica: Los Cantores Rusos

"LOS CANTORES RUSOS" ("THE SINGERS", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE SAM A. DAVIS

Desde el inicio queda clara la apuesta de Davis, con la apertura de la imagen de un bar en medio la nada, en la oscuridad de la noche, y con un formato cuadrado anacrónico a pesar de que parece estar situada en la actualidad, esto quizá se debe a lo que especifica rápidamente, este cortometraje está basado en el relato corto "Los Cantantes" de Iván Turguénev de 1850, y que sigue tan vigente como en el momento que se escribió, el espíritu del cuento se mantiene de manera perfecta, mostrando como hace casi dos siglos teníamos los mismos problemas y depresiones qué en esta supuesta avanzada modernidad más humana. Entramos en el bar donde vemos a un grupo de hombres tomando, dialogando, estando en silencio, o de plano inconsciente por la borrachera, ahí uno insiste en contar un chiste que parece no tener remate, en tanto todos los demás dialogan sobre sus problemas y vivencias, dos se cuentan sus historias de guerra, de violencia y aunque quieren no recordar, parecen siempre regresar a ellas.

Un diabético explica su enfermedad y lo que pudo haberla causado, el barrero atiende a todos de forma seria, un enfermo con apoyo no dice no pio, un tipo serio solo baja la cabeza ante todo lo que sucede contestando con monosílabos, el de allá es invisible, el del chiste comienza a ponerse pesado y uno más los visita uno por uno, pidiendo prestado, o ya de perdida una cerveza, les asegura que pagara cuando le paguen mañana. Como la cosa comienza a ponerse tensa el barrero le dice que deje en paz a todo, pero el pilichi ofrece cantar por una bebida, a lo que el encargado de las bebidas reacciona retándolo a un concurso de canto, el que lo haga mejor se queda con una cerveza, y la propina de 100 dólares escondida entre los billetes de a uno, es así que el desahuciado decide abandonar su voto de silencio para cantar de forma exquisita acompañado por su rival en el piano, que después suelta su interpretación llena de sentimiento, para escuchar a solas al introvertido, y a uno que aparece por sorpresa y hace que todos se unan,  para dar paso a otra sorpresa final

Lo mejor por supuesto, es saber lo menos posible de la historia, pero conocerla a cabalidad no afecta ni un ápice la experiencia, al final el espíritu del relato está intacto, todos somos humanos y amamos lo mismo, y amar y disfrutar con lo que nos eleva como personas es lo que nos hace una comunidad, y por supuesto el mensaje de Turguéniev, lo hermoso habita y esconde hasta en los lugares más insospechados, por ello estos pobretones y parias esconden tanto talento, porque así es la vida y este mundo, todo viene de las oportunidades, y sin ellas el talento solo puede compartirse con amigos y conocidos ¿y por que no? con desconocidos en un bar. Los cantantes lo hacen de forma impresionante, Mike Young, Chris Smith, Will Harrington, Judah Kelly y Matt Corcoran están increíbles, y dejan claro el mensaje, con una cinematografía más que funcional, sucia pero adecuada, un corto poderoso y bello que deja con ganas de mucho mas.

Calificación: Muy Bien

Critica: Cumbres Borrascosas

"CUMBRES BORRASCOSAS" ("WUTHERING HEIGHTS", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2026) DE EMERALD FENNELL

Estaba en la sala de cine viendo la película cuando de pronto aparece Jacob Elordi entre la bruma, con un look diferente al del inicio, que se podría describir como ese cliché de novela erótica, el tipo con cabello despeinado pero que le queda genial, aretes en sus orejas, vestido como

chulo, y con una sonrisa picarona que no hace - pero si hace - juego con sus ojos tiernos, justo en ese momento se escucharon múltiples exclamaciones, seguidas de suspiros alargados, y finalmente risas incontrolables, fue cuestión de unos segundos, pero durante ese breve tiempo comprendí de que iba todo en este producto, y el porque se vendía de esa manera, estos instantes de calentura adolescente son los que buscaban cuando realizaron la película, que un grupo de mujeres, sin importar rango de edad - desde pubertas hasta señoras de la tercera edad -, se derritieran cuando vieran a Elordi mostrando pechos, músculos, diversos looks, actitud callejera, y en múltiples escenas sexuales.

Es decir, estamos ante una extensión más de esos productos eróticos como "50 Sombras de Grey" o "365 días", que por supuesto tienen una fanbase alta, pero por desgracia no me cuento entre ellos, no porque no me hayan buscando, sino porque nunca me ha llamado la atención revisarlas, las sigo teniendo en mi lista de pendientes. Volviendo a lo que concierne, no parece tener otra razón para existir, mas allá de ser el sueño húmedo de una directora que dice que así entendió la historia a sus catorce años - con sadomasoquismo incluido faltaba mas -, y que proyecta sus deseos más oscuros, que incluye sabrosearse al galán del momento, a todas las mujeres que puedan compartirlo, tanto así que Margot Robbie no ha parado de hablar de como le temblaban las torneadas piernas al compartir set con el jovenzuelo, y como sus amigas gritaban histéricas cuando la vieron en pantalla pegar chicos gritones, casi casi corriendo a sus casas desesperadas.

En cuanto a la cinta, más allá de los problemas de casting, que van mucho mas profundo de que no parezcan, ya que Margot esta extrañamente fuera de lugar en su actuación, y Elordi sigue demostrando que es limitado como actor, especialmente al intentar un acento que termina dando pena, además de que en lugar de actuar solo posa, en cuanto a lo del color demasiado pálido, no me genera mayor problema, aunque no habría estado de mas un bronceado. Retornando el tema, la mas grande pifia son los cambios de tono de la historia, por un momento es un drama de época, para cambiar a una historia erótica, mutar hacia una parodia, convertirse en un ligero camp y hasta finalizar como un dramón exagerado que nos quiere obligar a llorar, pero que causa el efecto contrario, una vacuidad infinita.

Esto sumado al montaje de videoclip, con un diseño de producción que no calza, totalmente anacrónico, estrafalario, y exagerado hasta el exceso, lo mismo va para los peinados y el vestuario, que se nota que es de este mismo año, en una modernización chillante que desvía la atención, a lo que se suma una música actual que tampoco pega, y formas de ser y pensar que solo pueden entenderse en este siglo XXI, en cuanto a la historia, se parece muy vagamente a la original, prácticamente solo respeta los nombres de los personajes y algunos pocos sucesos, esto no seria un problema, después de todo es una adaptación, pero estos resultan desdibujados, con poca profundidad psicológica, y con acciones que parecen provenir de pubertos tontos y no de adultos atormentados, es la historia de amor obsesivo de Cathy y Heathcliff, pero sin lo tormentoso del asunto y las criticas sociales/morales, solo dos personas egoístas que no pudieron estar juntas por culpa de los demás, pero que aun con eso pudieron amarse hasta donde pudieron. Como ya apunte, nada que ver con el libro, aquí los complejos y complicados personajes son convertidos en héroes trágicos, con todo y búsqueda de lagrima fácil, aun con todo esto, Fennell logro su cometido, convencer a su sequito de morbosos fanáticos de su cine, y polemizar a los demás debido a su pobre calidad cinematográfica, debo añadir que yo no me espanto, ni siquiera le puedo conceder eso, mas bien aburre y exaspera por momentos, no porque rompa esquemas, sino porque desespera su obvia búsqueda de polémica.

Calificación: No Vale la Pena

Critica: Amélie y los Secretos de la Lluvia

"AMELIE Y LOS SECRETOS DE LA LLUVIA" ("AMÉLIE ET LA MÉTAPHYSIQUE DES TUBES", FRANCIA - BELGICA, 2025) DE LIANE-CHO HAN JIN KUANG Y MAÏLYS VALLADE

"Al principio, no había nada. Nada, excepto Dios. ¿Desde cuando existe Dios? Nadie es lo suficientemente mayor para saberlo, los alrededores de Dios no estaban exactamente abarrotados, lo cual estaba bien, ya que Dios no miraba nada y no quería

nada. A Dios no le interesaba nada, ni siquiera ser Dios le emocionaba, podemos pensar en Dios como un... tubo, si, un tubo, te explicare porque", con estas curiosas palabras declamadas por la Amelie del titulo (voz de Loïse Charpentier) es como inicia esta hermosa y fascinante cinta animada, que cuenta de manera excepcional una etapa de la vida de una persona, específicamente la inicial, esa que solo recordamos en trazos y con las palabras de los que la vivieron siendo mayores, pero con algunas postales en mente que perduraran hasta el fin de nuestros días, pero seguramente resuenen por la eternidad.

Anote que son unas curiosas palabras debido a que, puestas así, fuera de contexto, se sienten extrañas, por lo menos esto me sucedió a mi, no podía ser que estuviera viendo la historia de una niña que es Dios encarnado, pero ella se nombrada así a si misma, describiéndose como un desinteresado tubo que digiere y evacua lo que toma, hasta su nacimiento, donde nos explica que los ojos son espectadores, y además muestran vida, justo ahí entendí que estaba ante una cinta cargada de simbolismos y metáforas, una decisión exquisita para mostrar como vería el mundo un pequeño bebe, que todavía no tiene la madurez para entender el mundo como lo conocemos los mayores, pero que si entiende su propio mundo, uno que ya aprendimos a olvidar, así que vemos a Amélie desde que nace, y es un bebe que acepta todo con facilidad, llegar a una familia con padres amorosos y dos hermanos mayores, es imperturbable, nada le interesa, pero todos están interesados en ella.

Esperan que haga su primer gesto, diga sus primeras palabras, realice su primer acción, y lo intenta al hablar lo que tiene en su mente, pero no puede más que balbucear sonido, por lo que entra en la edad inaguantable, hasta que llega la abuela con un chocolate celestial, y más importante aun, la nota, es así que Amélie comienza a percibir y disfrutar el mundo, convivir con su familia, demostrarles sus sentimientos, conocer a su niñera-criada Nishio (voz de Victoria Grosbois) con quien tendrá una relación tan cercana que terminara siendo tan hermosa como dolorosa, y descubriendo el mundo con todas las maravillas que puede regalar. Todo esto con una animación hermosa llena de colores brillantes, que no rehúyen el uso de los colores pastel, sino que por el contrario los presumen con la seguridad de que el mundo es hermoso, por más que intentemos negarlo.

Los trazos son fluidos y gruesos, que al mismo tiempo se desvanecen en los contornos, y no temen jugar con lo que puede otorgar la animación, con mucha imaginación y surrealismo, de tal manera que lo que vemos es la percepción del mundo que tiene la pequeña Amélie, con la naturaleza floreciendo a voluntad, con ella siendo la reina de este mundo, incluso abriendo el mar cuando lo requiere, es un mundo lleno de significados que solo pueden entenderse si nos ponemos en los zapatos de un niño pequeño, y específicamente en la protagonista, una que cobro consciencia del mundo el 13 de agosto de 1969, en Japón, un país en reconstrucción que todavía lamia sus heridas de la segunda guerra mundial, y veía con recelo a estos extranjeros haciendo trabajo político en su país, pero que con dos años tenia en su inocencia tener su "aspiradora" como su primer palabra.

Apunte en el inicio que todo es muy simbólico, y por ello la pequeña se pensaba como Dios, después de todo la contemplaban y hacían todo por ella, pendiente de sus acciones y pensamientos, una equivocación normal en un pequeño con reminiscencias de lo sagrado. Y así acompañamos a Amélie por las despedidas, los primero temores, el descubrimiento de sus sentimientos, de las estaciones con la naturaleza del planeta, y al mismo tiempo la aversión de otras personas, los celos, las burlas humorísticas, la lluvia que hace juego con su nombre, la vida, la muerte, el pasado tortuoso, que sus padres también pueden quebrarse, y cada pequeño pero grandioso momento de la vida, porque si hay algo que se le aplaude a esta cinta, es la capacidad de maravillarnos con cada cosa, con cada descubrimiento, y maravillarnos por ello, aunque en la actualidad hayamos perdidos esa bella capacidad.

Todo esto con reminiscencias al cine animado japones, no solo por el estilo de dibujo, con ojos grandes expresivos, sino por ese simbolismo juguetón, un realismo mágico nipón, con los valores familiares, del amor, respeto a la naturaleza, y del pasado que tanto repiten, y que ven ecos en esta historia biográfica de la escritora belga Amélie Nothomb, que realizo una brillante obra sobre su amor por eso, "soy japonesa" suelta la niña indignada en una escena clave, la música de Mari Fukuhara ayuda mucho en la ambientación, y es hermosa. De hecho no puede describirse la poesía que presume esta cinta en su poca más de hora de duración, lo que si puedo añadir es que es una obra de amor de Amélie a su pasado y vida, al mundo mismo, y las directoras primerizas lo captan a la perfección, de tal manera que en la parte final, desde la playa, no podía soportar las lagrimas, no solo porque es triste y sentimental, sino que sobre todo porque es hermoso y optimista, atesorando cada recuerdo vivido, ver y sentir todo, dar todo el amor que pueda con los ojos bien abiertos, porque como entiende Amélie, no es Dios, y es mucho mas agradable así.

Calificación: Excelente

Critica: Dracula

"DRACULA" ("DRACULA: A LOVE TALE", FRANCIA, 2025) DE LUC BESSON

Durante la primer escena vemos a Vlad II (Caleb Landry Jones en pasarela de disfraces) disfrutar las mieles del amor con su amada Elisabeta (Zoë Bleu), en una larga escena sexual de jugueteos, close ups a piel, y ñoñerías varias, incluso las criadas voyeristas riéndose detrás de la puerta, este momento inicial denota el tono de una película que no se puede tomar en serio, ya que intenta mostrar una historia de amor supuestamente muy poderosa, pero que cae en la edulcoración de los amantes pubertos, no plausible para un tipo con cientos de años de experiencia, peor aun, el filme nunca decide el tono, por lo que va brincando de uno a otro sin que nada los una, pareciendo postales donde Landry Jones se cambia el cosplay, sin que nada tengan que ver uno con otro en cuanto a la trama principal.

Los tonos cambian tanto como le protagonista de estilo, comienza como una historia de amor trágico, para cambiar a una parodia dizque humorística con todo y gárgolas mal hechas en cgi, que dan risa por lo ridículo y fuera de tono, al grado de que llegue a pensar que era una parodia del "Dracula" de Francis Ford Coppola, por el robo a despoblado de la imagen del conde, y la parafernalia que acompaña todo, además de que en aquella, también era romantizado el vampiro como un pobre enamorado con mala fortuna y cero resiliencia, aquí también Drácula es un tipo resentido, que encuentra a su amada en Mina, pero a diferencia de aquella no hay romanticismo gótico, ni ambigüedad sentimental que es ganada por el erotismo, solo un amor terco que no acepta un no por respuesta, y que es aceptando con los brazos abiertos.

Esto no la convierte en una mala historia, solo es otraaaa versión más, una que saquea demasiado de la mencionada, pero a la que si se le pueden recriminar muchas otras cosas, por un lado la chafencia de la rebeldía del conde con Dios, es casi de programa mexicano de las tres de la tarde, para brincar al presente mencionado, donde todo parece paródico, para después pasar a un interminable numero de flashbacks, donde vemos a Drácula sufrir por su amada, acostarse en su tumba, buscarla reencarnada porque si en viajes soporíferos, mostrando la creación y efecto de un perfume saqueado del libro del mismo nombre, que obliga a todos a quedar bajo sus ordenes, con todo y baile kitsch que da un poco de pena ajena, a pesar de ser pintoresco, pero Besson lo graba de tal manera, y Caleb lo ejecuta de tal forma, que dan cringe.

De esta forma llegamos al presente, donde el tipo encuentra a Mina, se dirige a Paris en lugar de Londres, y seduce a la chica, solo tocándola, algo que la hace recordar toda su vida anterior, porque la seducción real no existe, en esta escritura tan sosa e infantil, en tanto el sacerdote (Christoph Waltz en tono cuasi paródico) esta en una blandengue búsqueda de la criatura, debo anotar que las escenas de Waltz son las mejores, solo el entendió que esto no podía ir en serio, al contrario del protagonista que parece tomárselo como tragedia griega, contrastando con unas exageradas Bleu y en especial Matilda de Angelis, que se sobreactúa tanto que da cosa verla en pantalla, por más hermosa que sea, el final es donde más se desmarca de la historia original, uno que intenta un mensaje que no es malo, por el contrario, si es original, pero esta ejecutado de forma tan pobre que carece de sentido, al final es una historia de amor y eso veremos, pero no es la gran historia de amor que cree Besson, es más bien un romance juvenil con skin de época y falsa grandilocuencia, ahí encontrara su publico, que quizá la recuerde con cariño nostálgico, aun conscientes de sus grandes fallos.

Calificación: Deficiente

Critica: Buttlerfly

"BUTTERFLY" ("PAPILLON", FRANCIA, 2025) DE FLORENCE MIAILHE

Otra nominada más de los oscars, una bastante débil además, pero su apuesta artística aún sigue siendo valiosa, una cinta animada realizada en acuarela que está tan bien hecha que uno sabe en todo momento que es lo que esta viendo, a pesar de jugar mucho con todo el tema del agua con todo y transiciones complejas, logrando instantes tan bien hechos como esos buceos que pasan a ser instantes de una vida entre burbujas. La parte débil es la historia, y no porque sea un guión de postales de la vida de una persona, ya que esto siempre resulta interesante, esta vez la de Alfred Nakache, un exitoso nadador de estilo mariposa durante algún tiempo en Francia, desde que era un niño que le tenía miedo al agua, apoyado por las palabras de su madre, hasta ser ese nadador experto admirado por sus amigos, apoyado por sus compañeros de equipo, y representante de Francia, con una familia que compartía su amor por el agua.

El detalle esta en como estas postales se van convirtiendo nuevamente en un grito de victimización, del judío perseguido, de un pueblo acusado injustamente, y de héroes qué no brillan como deberían porque todos les tenemos una especie de rencor, es un mensaje que en esta actualidad - cuando miles de Palestinos son asesinados por judíos con videos de violaciones, burlas y sociopatía, donde el payaso inepto de Trump es manipulado por el lobby judío explícitamente, solo falta ver quien maneja el ICE, y quien está en su gabinete, o el cambio de leyes que llevan en Argentina - simplemente no pega, va, que mucho de ellos sufrieron es imperdonable, pero seguir machacando el mismo tema sin nada alrededor que la sustente como narrativa coherente ya resulta cansina, y este corto representa lo peor de eso, eso sí, como apunte, la animación es imaginativa.

Calificación: Regular

Critica: Abrázame en la Luz

"ABRAZAME EN LA LUZ" ("COME SEE ME IN THE GOOD LIGHT", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE RYAN WHITE

La popular poeta oral Andrea Gibson nos cuenta que ha luchado contra el cáncer más de diez años, lo venció en un par de ocasiones, y siempre regresa, la última vez, los médicos le dijeron que no había manera de curarla, es decir, el cáncer gano la batalla, pero lo verdaderamente importante es como lo afronto esta mujer, que lejos de dejarse vencer como los médicos le decían, aconsejaban, recalcaban e insistían, por el contrario, decidió luchar en todo momento contra la enfermedad, aceptando cada tratamiento por más experimental que fuera, agradeciendo y disfrutando el tiempo que le ganaba, fueran un par de meses, tres semanas, o solo un segundo, que según la misma Andrea, ahora le parecía un instante eterno, mirando todo de manera distinta, devorando la belleza de todo lo que el mundo ofrece, un paisaje, unas palabras, el ataque de un enemigo, el mismo dolor... 

Es un mensaje impactante viniendo de una poeta que siempre jugó con la idea del suicido y de la muerte, incluso con algunos intentos de quitarse la vida en su juventud, pero que justo cuando la diagnosticaron, entendió el inmenso valor de la vida, deja claro esto en un íntimo momento de vulnerabilidad en la bañera para con el director  Ryan White, cuando supo del cáncer decidió que estaba bien morir, pero "jamás sería obra mía" declara la mujer con seguridad desbordante. El director especializado en documentales grabó muchísimo material de Gibson desahuciada, y captó instantes y confesiones maravillosas, donde vemos a Gibson luchar día a día con el dolor, con la mejor cara, su pareja Megan Falley - escritora y editora de Gibson - soportar el peso de cuidarla tantos años, los momentos donde se derrumba, y esa sabiduría en Andrea que solo se obtiene cuando se sabe con el tiempo contado.

Poco más hay que añadir de este documental, son instantes de una vida que se va apagando frente a nuestros ojos, pero donde ambos -protagonista y director- decidieron mostrar el lado hermoso de la vida, el optimista, el de lucha, los momentos de felicidad, la esperanza efímera, la belleza del mundo, y el dolor de la despedida con todo y preparación para ello, tanto para un último show que no se sabe si podrá realizarse, como para el estar siempre para sus seres queridos, por si es la última vez, quedando claro en esa llamada religiosa a sus padres que nunca puede faltar en el día. Y quedan los momentos impresionantes, como la historia de baja autoestima de Megan por su imagen, siempre luchando contra sus kilitos de más, enviada a campamentos para bajar de peso en su juventud, y con vergüenza de su cuerpo algo robusto, y su momento de quiebre, cuando le pregunta a Andrea algo como "¿extrañas ser un icono del cabello?" para recibir un tajante "solo quiero tener un cuerpo, no me importa como se vea", resulta tan clarificante para ella como para nosotros como espectadores.

O ese momento donde se rompe después de salir de con la doctora, que le acaba de soltar un "podemos comprar unos meses", que se sintieron como un marro para un espectador, con mucha más razón para ella, y que además muestra la conocida indolencia de los médicos, aunque prefiero quedarme con lo bueno, con Andrea sacrificando su cuerpo, voz y memoria con tal de vivir un momento más, con su nueva visión de vida donde ser un icono feminista o estar molesta por nimiedades, como el como se dirijan a ella ya no importa, donde disfrutar un canto de un pájaro sabe a gloria, y celebrar un buen diagnóstico que le da un poco de tiempo más, porque cada segundo ya es larguísimo, al final uno termina deshecho, y si aguantaron como machos, cerramos con "Salt Then Sour Then Sweet" de Sara Bareílles, para terminar de derrumbarnos ante el final que a todos nos espera, aunque los caminos sean distintos.

Calificación: Bastante Bien

Critica: Alabama: Presos del Sistema

"ALABAMA: PRESOS DEL SISTEMA" ("THE ALABAMA SOLUTION", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE ANDREW JARECKI Y CHARLOTTE KAUFMAN

En uno de los tantos momentos esclarecedores - y casi surrealistas - de este documental, leemos y escuchamos información de una investigación federal, donde dice que durante una golpiza, las enfermeras escucharon a un oficial gritar: "Soy el segador de la muerte, di mi nombre", este arrebato desquiciado debería ser suficiente para que se pusiera atención en las 14 cárceles de Alabama, por el contrario, es solo una más, de las miles de pruebas que

demuestran un sistema corrupto, inhumano e inmoral, que no parecería posible en la supuesta tierra de la libertad, en "un país de primer mundo", donde se ufanan de ser avanzados, y que cada vez demuestran de manera más evidente como están embarrados hasta el cuello de mierda. Este documental es la crónica de una investigación sobre los abusos sistémicos qué se producen en las cárceles norteamericanas, que están sobrepobladas por lo menos al doble de su capacidad (más del 200 %), y con un tercio de personal necesario para administrarlas debidamente, lo que da paso a muchas otras situaciones, qué como bolas de nieve no pueden detenerse, y que encubren algo mucho más terrible, que llega a las altas esferas del poder en el país.

Todo inicio con una invitación a una reunión de reavivamiento que les hacen a los presos una vez al año, se invitó a los directores por la publicidad, una comida al aire libre con música, vestidos de blancos, y platos de fiesta, pero algunos presos empezaron a pedir auxilio y a quejarse de que no es así como viven, que hay cosas turbias ocurriendo, al interesarse los directores son corridos de inmediato por las autoridades, lo que solo aviva las sospechas. A partir de este momento los directores se comunican con los presos por medio de celulares que son suministrados por el mercado negro controlado por los guardias, y reciben las pruebas de lo que sucede dentro, un sinfín de ilegalidades qué no tienen nombre, castigos inhumanos, torturas, drogas suministradas por la administración aunque saben que los mataran, e instalaciones qué logran hacer ver cualquier prisión vista en una película como un hotel de lujo, seguimos siendo testigos de esto hasta que la muerte de Steven Davis, un jovencito acosado por un guardia matón que es golpeado hasta la muerte, y que aun con pruebas no puede obtener justicia, y así inicia otra crónica más encabronante aún que la que veíamos.

Donde un abogado no puede hacer nada a pesar de los testigos de esta muerte atroz, porque uno de ellos, tan espantado de morir y a punto de ser liberado sigue la línea del gobierno, y como solo necesitan uno el sistema esta completo, prometiendo confesarse con su madre cuando este fuera, lo que sigue es algo digno del más complejo guión de thriller qué uno puede pensar, es impresionante e increíble, y rebasa cualquier ficción, teorías conspirativas validadas como sucede tanto en estos días, no es algo racial, ya que aunque los mayores colaboradores reclusos son negros, Steven es blanco, y el sádico guardia asesino es negro - Roderick Gadson -, más aun, con tantas pruebas y una investigación formal del gobierno federal los cambios parecen inminentes, hasta la solución de Alabama del título, donde la gobernadora decide construir tres mega cárceles qué sustituyan a las existentes, con un costo de 900 millones, qué se está elevando a 3000 millones, con ella otorgando licitaciones a sus amigos. 

Todo es corrupción, y seguimos esta exasperante crónica hasta descubrir que todo es un sistema capitalista, con esclavos usados por empresas millonarias ahorrando millones en mano de obra, más de 450 millones de ganancias solo en un estado aun con malos pagos, por lo que solo le queda a los encarcelados hacer una huelga que es atacada de forma inhumana, el pacifismo de ellos contra dejarlos morir de hambre por el sistema, golpearlos hasta la muerte, y reírse de ellos, mientras la sociedad se burla porque "son reclusos", "¿por que se les debería tratar como humanos?" palabras que recuerdan a muchos gobernantes, políticos, empresarios y pensadores qué la sociedad lastimosamente

sigue como borregos convencidos de que lo malo es bueno. Todo esto en una narrativa muy lograda, creada con videos y fotos de celulares, imágenes de la investigación federal, y entrevistas a los involucrados desde fuera, así como videos de noticieros, pero con tan buen ritmo y manejo que nunca se siente como reportaje, sino como una crónica en tiempo real. Al final queda claro que el dinero manda, que las palancas actúan, qué el gobierno encubre, que todos voltean hacia otro lado, y que ser un cabrón hijo de **** asesino te hace ascender, ¿frente a esto que podemos hacer? Prepararnos como Melvin Ray y ser pacíficos y resilientes como Robert Earl Council, quizá nuestros voces se escuchen, sino para nosotros si para los que siguen.

Calificación: Muy Bien

Critica: Blue Moon

"BLUE MOON" ("BLUE MOON", ESTADOS UNIDOS - IRLANDA, 2025) DE RICHARD LINKLATER

Toquemos de inmediato el tema fundamental de la película, la actuación de Ethan Hawke como patético, verborreico, agudo, egocéntrico y dependiente Lorenz Hart, es sin duda el corazón, cuerpo y alma de la historia, ya que Hawke carga en todo

momento la cinta, por lo que uno no puede evitar pensar, lo desafortunado que podría haber resultado de tener a otro actor en ese lugar, porque el tipo lo borda, desde hace décadas sabemos que es un gran actor, subvalorado por los premios y por el gran publico, pero aquí logra imprimir en todo momento el tono y ritmo adecuados, de tal manera que su acomplejado y disminuido letrista, que se siente escritor genio, siempre resulta tan encantador como desagradable, no es poca cosa para una historia donde este personaje es el motor de todo lo que vemos, y el personaje central de todo, de tal manera que vemos a Hart cobrar vida, no solo por el trabajo de maquillaje y los trucos de cámara, sino principalmente por la interpretación.

Y es que, mas allá de verlo caracterizado como un tipo calvo que intenta ocultar tímidamente su calvicie, y acomplejado por su estatura, siendo prácticamente un pigmeo, lo cierto es que Hawke da en el clavo con su actuación, desde los movimientos amanerados, el comportamiento histriónico, el tono de voz acorde a una elocuencia banal que nunca se detiene, y en especial los ojos, que demuestran que detrás de esa vanidad lasciva se esconde un tipo pequeño y débil, dependiente de los demás, que requiere los aplausos para poder sentirse alguien, porque no se siente contento consigo mismo, más allá de que esta seguro de que es muy talentoso, al grado de considerar a los demás personas débiles en su sencillez, Hart es un nefelibata y todos lo saben, y lo entendemos perfectamente, al igual que todos los integrantes del restaurante Sardi's, aunque no compartamos su histeria necesitada de amor.

Amor por cualquier cosa hermosa, como deja claro en cierto momento, el detalle es, la historia no resulta tan buena como se piensa, si, las actuaciones, tanto del protagonista como de los secundarios son buenas, incluso los papeles pequeños, y el guion de Robert Kaplow escupe líneas venenosas, sangrantes, irónicas, y hermosas con una facilidad admirable, lo que resulta aun más valioso al descubrir que escribió esto como adaptación por las cartas que intercambiaban Hart y Elizabeth Weiland (la siempre adorable Margaret Qualley), pero al mismo tiempo, la trama central no se siente tan potente como imagino que creen los creativos. Vemos a Hart abandonar la obra "Oklahoma!" con signo de exclamación, quejándose amargamente de la pobre calidad de la obra, y como aun así, ¿o justo por ello? sera el mayor éxito de su anterior colaborador Richard Rodgers (Andrew Scott).

Hart se adelanta a todos al bar, donde platica alegremente con los empleados del lugar, o mejor dicho suelta largos monólogos, con todo y cameo de E.B. White con guiño a "Stuart Little", esta ahí esperando a que lleguen para celebrar el éxito de su socio, y de paso pedirle perdón por su borracheras e irresponsabilidad, y contarle sobre un nuevo proyecto muy ambicioso, entre tanto se deleita en divagaciones y en una larga platica sobre el amor imposible que quizá se haga posible con una jovencita universitaria, y así seguimos toda la cinta, llena de cameos, guiños, una historia de amor imposible, y una relación rota, para que al final el alcohólico perdido Hart termine justo donde empezó, pero con mucho mas alcohol en la sangre. Es una cinta teatral, y aunque logra ser dinámica quizá canse a muchos, es un circulo que se cierra, y personalmente quizá la soporte más que la mayoría porque comparte el cinismo del personaje, pero aun así me agoto, por más que admire su adorable patetismo.

Calificación: Competente

Crítica: La Maquina: The Smashing Machine

"LA MAQUINA: THE SMASHING MACHINE" ("THE SMASHING MACHINE", ESTADOS UNIDOS - JAPON - CANADA, 2025) DE BENNY SAFDIE

Iniciando la primer cinta en solitario de Benny Safdie - que antes tuvo una exitosa carrera junto con su hermano, donde compartían la dirección- vemos a Mark Kerr (Dwayne Johnson "La Roca" detrás de maquillaje y prostéticos) pegarle una paliza a su contrincante, lo hace sin piedad, de forma sistemática y profesional, después de todo

necesita ganar, pero en cuanto termina el combate de inmediato pregunta preocupado si su rival esta bien, vuelve a preguntar, quiere acercarse, su rostro denota preocupación y empatía, dejando clara la personalidad del protagonista, y el tipo de historia que vamos a ver, porque Mark es una perita en dulce, el tipo es un gigantón musculoso que impone, pero sobre todo es un hombre amable y simpático, que siempre enarbola una sonrisa, puede platicar con la misma facilidad con una anciana a la que no le gusta la violencia que con un niño fan, habla siempre con tono suave y tranquilo, y es incapaz de ponerle un dedo encima a su psicótica novia chantajista y manipuladora (Emily Blunt).

Esto por supuesto que ayuda a que empaticemos con el tipo, pero al mismo tiempo lo hacen demasiado plano, y no creo que porque sea asi su personalidad, es solo que en el afán de querer hacer un homenaje a este deportista real, que allano el camino para muchos otros en una industria millonaria, todos los involucrados caen en la sacarina, de tal manera que vemos una hagiografía más que una biografía, donde incluso los momentos mas oscuros en la vida de este luchador, son presentados con tranquilidad y sencillez, por lo que si, el tipo se hizo adicto a los opioides durante más de un año, pero solo basto una llamada de atención para que decidiera dejarlos, recluirse en un clínica y listo, o su necesidad de ganar para ser admirado y querido se destruyo al perder por primera vez, lo que le afecta bastante, aunque solo decide darle la vuelta a la pagina y tan tan, y la relación toxica que tiene con su novia Dawn se resuelve en una noche donde hizo lo que siempre debió hacer, aunque luego cayera en lo mismo.

Es decir, la vida de Kerr si fue interesante, pero se presenta por el director como un compendio de postales que logran poca emoción, y presumen un distanciamiento que no resulta sano para el espectador y la trama, de tal manera que vemos pasar todos estos acontecimientos como si estuviéramos viendo un resumen con algunas imágenes de recreación, no es que la dirección de Safdie sea mala, pero no encuentra el tono correcto para la historia que cuenta, en su afán por rehuir los clichés del genero cae en la nada misma. Los que si están bien son los actores, en especial Johnson, que no es que por fin actué, sino que demuestra que es capaz de actuar bien, su dicción y tono de voz es diferente, la forma en que mueve su cuerpo, y siempre se mantiene sereno, mimetizándose con ese personaje tan bonachón, pero al mismo tiempo tan falto de carácter por momentos, con todo y sonrisa extraña pero sincera.

En todo esto ayuda bastante el trabajo de maquillaje y peluquería, que convirtieron a la superestrella carismática "La Roca" en otra persona, con dientes postizos, cambio de rostro, distintos dientes, y un peluquín ridículo acorde al asunto, esta claro que esta película esta realizada para el lucimiento de Johnson, para demostrar que sabe actuar, y sale airoso de la prueba, lo acompaña la siempre solvente Blunt, y un extenso reparto que esta a la altura de la situación, y es que, a pesar de mis quejas, la historia se mantiene interesante, y aunque al final decaiga el ritmo, se logran algunos momentos hilarantes, como las peleas de Mark con Dawn, que caen en el absurdo total, por lo que uno se ríe en lugar de llorar o preocuparse - por lo menos a mí me paso -, de tal manera que las esperaba con ansias, ya sea para ver romper a "La Roca" su casita en Phoenix, para escucharlo ponerle dedo a su novia con su padrino, para tirar un licuado mal hecho, o evitar un "intento" de suicido, con todo y policía, una lastima que no todo sea así de interesante, ni modo, se prefirió perseguir la temporada de premios, de la que no creo que saque tanto redito.

Calificación: Recomendable