Reseña: Hoppers: Operación Castor

"HOPPERS: OPERACION CASTOR" ("HOPPERS", ESTADOS UNIDOS, 2026) DE DANIEL CHONG

En algún momento de la nueva cinta animada de Pixar, la protagonista Mabel (voz de Piper Curda) le dice a su maestra y científica Dr. Sam (voz de Kathy Najimy) que la tecnología que creo de traspaso/transferencia de mentes es como "Avatar", y aunque se molesta, esta claro que así es, y uno podría decir lo mismo de la premisa y la historia, que roba o toma prestados - como se quiera ver - de varias cintas anteriores,

aparte de la mencionada me vienen a la mente "Vecinos Invasores" y la reciente "Robot Salvaje" ("The Wild Robot") por mencionar algunas, con esto dicho esta claro que aunque la cinta puede presumir de ser original, lo cierto es que no lo es tanto como parece, aunque se aleja lo suficiente del estilo Pixar como para no parecer un intento deslavado de recuperar sus viejos tiempos, como se sintieron sus películas anteriores, acercando su estilo y ritmo a los de su competencia, y esto, no es malo en si mismo, ya que aunque la cinta esta muy lejos de lo mejor que ha entregado el estudio, por lo menos es una mejora sobre las recientes.

Mabel es una joven adulta que hace todo lo posible por rescatar a los animales y la naturaleza, por lo que todo el tiempo se esta enfrentando al alcalde la ciudad, el narcisista Jerry (voz de Jon Hamm)), esta vez es por un claro donde vivía mucha fauna debido al pequeño lago que se creaba por el dique los castores, pero ya ningún animal esta en el lugar, por lo que el alcalde pasara por ahí una autopista que les evitara cuatro minutos de tiempo en traslado a algunos ciudadanos, que llorones, yo pierdo como media hora en retenes y no celebraría un genocidio ecológico por cuatro minutitos, el caso es que Mabel tiene todas las de perder, por más que su pasión y empuje la lleve a luchar enfrentándose a la constructora, a los policías, al mencionado alcalde, la verdad es que no puede hacer mucho, menos aun cuando a nadie le importa como vemos cuando intenta recolectar firmas y solo recibir portazos en la cara.

Todo cambia cuando descubre el invento de la doctora, lo toma a la fuerza, y se mete a un cuerpo robótico de castor para ir con los animales y convencerlos de que regresen al claro donde vivió las mejores memorias de su vida con su entrañable abuela, así conoce al rey de los animales, o mejor dicho de los mamíferos, el amigable y optimista George (voz de Bobby Moynihan), quien mantiene unidos a todos los animales, en una sociedad de respeto y ayuda mutua, siempre pensando lo mejor de todos, estos no parecen muy interesados en recuperar su lugar, pero Mabel descubre que es debido a que Jerry puso algún cachivache tecnológico que molesta a los animales por medio del ruido, y se enfrenta a la situación, ganando el respeto y cariño de los animales, hasta que claro, el ambicioso alcalde regrese por sus fueros a robarse lo que no es suyo, lo que literalmente desencadena una guerra con todo el reino animal, en gran parte debido al iracundo y explosivo carácter de Mabel.

La cinta avanza cambiando de tono, y hasta de genero, el problema es que guarda lo peor para el final, el inicio es una hilarante muestra de alguien de altos valores luchando sola contra el mundo, al tiempo que sufre por no poder cumplir una promesa crucial a la única persona que la ha entendido, después de mueve hacia la aventura de descubrimiento y crecimiento personal, con Mabel entrando en el mundo animal, entendiéndolos, y ayudándolos, pero al mismo tiempo condenándolos ya que los usa para sus creencias y beneficio personal, pero hacia el final todo se vuelve una comedia desatada, que a veces funciona - los cambios entre la forma antropomórfica de los animales y la real que ven los humanos -, pero en ocasiones derrapa de forma terrible como con ese tiburón blanco volador que aunque da risa dura tanto que uno al final termina extrañado y confundido incapaz de entender que sucede, menos aun en la conclusión donde la ciencia ficción y el terror toman el mando y las conveniencias y trampas del guion llegan a borbotones, eso si, siempre es muy divertida, es amable, simpática, y con un mensaje ecológico valioso, una lastima que al mismo tiempo sea incongruente al convertir al villano humano en héroe con esos gringos actuales que siempre deben tener políticos intachables, y en cambio, poner como malos a animales, una contradicción que no puede pasarse por alto y que traiciona su supuesto espíritu, Pixar tiene miedo de incomodar, y ese - ser cobarde - es el mayor pecado de esta propiedad nueva

Calificación: Bien

Reseña: En Sueños

"EN SUEÑOS" ("IN YOUR DREAMS", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE ERIK BENSON Y ALEXANDER WOO

En el momento de rompimiento de la cinta, la quisquillosa Stevie (voz de Jolie Hoang-Rappaport) decide quedarse con Sandman (voz de Omid Djalili) a vivir su sueño, o mejor dicho, en su sueño, abandonando a su cargado hermano Elliot (voz de Elias Janssen) en el proceso, ya para el final Stevie nos deja claro cual es el mensaje de la película, que no se debe ser perfeccionista ni aferrarnos a que todo ocurra como queremos, que los cambios son inevitables, y que no podemos ni debemos controlar todo, a fe mía que no tenía que explicarlo ya que esta muy claro en la historia, pero luego recordé que esto no va dedicado a mí, sino a los más pequeños del hogar, y aunque aún así se explaya demasiado, si que es necesario para que los niños capten de que va toda esta locura imaginativa entre sueños, pesadillas, y la realidad, que viene a ser como una dolorosa combinación de ambos

Stevie es una perfeccionista consumada, controladora a mas no poder -esto queda claro cuando descubrimos que ella es la causante de un extravió -, cuyas peores pesadillas son no cumplir con las expectativas necesarias para que todo fluya de manera idónea, esto lo notamos cuando comienza a notar problemas entre sus padres, y piensa que los detalles que no son perfectos en su vida son causales de ellos, y peor aún, que ella puede solucionar algo que en lo que no tiene nada que ver, ah, y aparte la chica le tiene alguna animadversión a su hermano como queda claro desde la primer secuencia. El caso es que Stevie toma como responsabilidad mantener unida a su familia, y para ello todo debe ser perfecto, por supuesto los problemas de sus padres no tienen que ver con ella, sino a las distintas formas de pensar que han ganado con los años

Su mamá (voz de Cristin Milioti) quiere seguir creciendo en su profesión como maestra, y va por un buen puesto que la obligaría a mudarse a la ciudad, en tanto el relajado papá (voz de Simu Liu) quiere seguir trabajando en el disco que tiene pendiente, no piensa mudarse, y le reclama a su compañera que antes era chévere, ósea que antes formaba un grupo con él, buscando un libro para la escuela los niños dan con uno de Mr. Sandman, que les dice como pedir un deseo, por lo que comparten sueño donde este les dice que lo encuentren, por lo que deben enfrentarse a Nightmara (voz de Gia Carides) que parece entercada en que despierten para que no den con la entidad de Sandman, los dos hermanos no se darán por vencidos, visitando mundos coloridos, sus peores pesadillas, y con la ayuda de un peluche simplón - Baloney Tony (voz de Craig Robinson) - a bordo de una cama voladora que parece provenir de "El Pequeño Nemo en la Tierra de los Sueños" ("Nimo"), harán todo lo posible por salvar a su familia, aunque ello signifique no tomar en cuenta a los padres

La animación esta bien hecha, es colorida e imaginativa, los sueños están llenos de

locuras, y las pesadillas de los niños son hilarantes, y algunas terroríficas debo admitir, con todo y números musicales, claro que el ritmo es algo apresurado, sobre todo en el nudo de la historia, algo esperado ya que dura apenas hora y veinte minutos, y al final se le otorga el tiempo necesario para que todo cuadre, o casi, ya que ya cerrando si se acelera un poquito, aun así es una bonita cinta, amable y divertida, que toca temas que el cine

familiar casi siempre evita, en especial el animado, los problemas familiares, los celos de hermanos, la ansiedad por tener todo controlado, el divorcio, la necesidad de la felicidad aunque no sea real, y una cosita muy interesante que llega de parte de la que suponemos es la villana de la historia, cuando platica con el hiperactivo Elliot sobre la importancia de las pesadillas, de conocer y enfrentar nuestros miedos, de que no todo sea una fantasía perfecta, porque solo de esa forma maduramos, mejoramos y estamos preparados para lo que nos arroje la vida, aunque no tengamos la culpa de los fregazos que inevitablemente nos llegan, a fe mía que no es para nada un mal consejo, incluso para los adultos.

Calificación: Bien

Reseña: GOAT: La Cabra que Cambio el Juego

"GOAT: LA CABRA QUE CAMBIO EL JUEGO" ("GOAT", ESTADOS UNIDOS  - CANADA, 2026) DE TYREE DILLIHAY Y ADAM ROSETTE

La típica historia de superación deportiva que nos han contado decenas o centenas de veces, ya saben, el tipo que pelea por un sueño gigantesco, y que aunque él mismo piensa que es imposible no se da por vencido, hasta que a base de esfuerzo y sacrificio logra el sueño casi

imposible, ya sea porque alguien lo noto casi por casualidad, o porque una serie de circunstancias le dieron la oportunidad de entrar en la lucha, y siempre tienen alguna lucha adicional, alguna circunstancia que hace que todavía sea más difícil lograr su meta, algún impedimento de extracto social que les niega oportunidades - "Cinderella Man" -, problemas personales y cargas familiares que no permiten que se enfoquen en lo que son buenos - "Garra" ("Hustle") -, alguna capacidad diferente que complica todo, problemas dentro del equipo que evita que compitan a su mejor nivel - "Invictus" - y por supuesto, que el protagonista no cumpla con las características ideales para el deporte al que aspira, lo que se confunde con falta de talento - "Rocky", y "GOAT" es un poquito de todo esto.

No aspira a ser original, por lo menos no en el terreno de la historia, ya que la animación es otro característica muy diferente de la que escribiré más adelante, pero el guion, aunque cliché siempre se mantiene interesante, al tocar varias de las aristas mencionadas, y en especial, por enfocarse a la mejor de todas, y es que, si en este mundo de animales antropomórficos los que juegan Rugeball - que es baloncesto con florituras - son poderosos depredadores de gran tamaño, por aquello de poder alcanzar el aro y cubrir con su cuerpo, esta claro que la pequeñita cabra Will Harris (voz de Caleb McLaughlin) la tiene peliaguda por no cumplir los estándares, también sabemos que su esfuerzo al final dará frutos y lograra su sueño, de hecho lo sabemos desde el inicio donde de pequeño dice que sera como su ídolo, la poderosa pantera Jett (voz de Gabrielle Union, no nos queda duda de que así será.

Y si, todo su camino es interesante, por más que no deje de ser conveniente - se hace parte del equipo de sus sueños por un video en redes sociales -, pero toda la parte del esfuerzo, la amistad, como sus amigos lo apoyan, su madre le dio aliento y creyó en él siempre, dan en el clavo, al grado de resultar entrañable, principalmente porque el tipo no es un creído que quiere demostrar que es el mejor, solo quiere jugar con las personas que admira y ayudar a su equipo, eso hace que sea más cercano a las personas reales, por supuesto también puede ser una forma de blanquear la imagen del productor y basquetbolista Stephen Curry, ya que la historia parece basarse en él, por lo menos en cuanto a su imagen de tirador y como era criticado por su físico, el caso es que Will cae muy bien, y sirve como desencadenante del mejor conflicto dilema de la cinta, Jett y su hambre por demostrar que es la mejor, la GOAT del titulo.

GOAT es un juego de palabras que los fanáticos de los deportes conocen bien, y también cabra en ingles, pero la verdadera GOAT de la cinta es la pantera Jett que es criticada porque nunca ha ganado un campeonato, aunque tenga los mejores números de ese deporte, la tipa es una pedante egocéntrica, que no sabe jugar en equipo y menosprecia a sus compañeros, y como juega sola siempre pierde, además de desencadenar los problemas de sus compañeros que se reducen a si mismos a perdedores como los ve la misma Jett, que si el rinoceronte (voz de David Harbour) solo quiere ser buen padre, que Olivia (voz de Nicola Coughlan) es esclava de las criticas en redes sociales, que si Modo (voz de Nick Kroll) es muy extraño para el equipo, o que la jirafa Lenny (voz del mismo Curry) no se tiene confianza, todo esto tiene que cambiar, y lo hará cuando Will se enfrente a Jett que a diferencia de Cristiano Ronaldo entiende que ser la mejor significa trabajar en equipo, todo esto en una animación extraordinaria de estilo Sony animation que nos recuerda los graffitis, e imaginativos partidos con todo y detestable villano Mane (voz de Aaron Pierre) estereotipado como negro pedante pandillero, todo funciona y tiene buenas enseñanzas, aunque a veces el humor de cringe.

Calificación: Bien

Critica: Super Mario Galaxy: La Pelicula

"SUPER MARIO GALAXY: LA PELICULA" ("THE SUPER MARIO GALAXY MOVIE", JAPON - ESTADOS UNIDOS, 2026) DE AARON HORVATH, MICHAEL JELENIC Y PIERRE LEDUC

Antes de tocar el inevitable tema de la polémica que se ha generado alrededor de esta cinta, tengo que explicar la experiencia que tuve al verla, que aunque no modifica la

calidad de la misma, si entrega algo que es inherente a este arte-entretenimiento, la experiencia de ir al cine y disfrutar en grupo, con personas que ni siquiera conoces, que posiblemente nunca volverás a ver en tu vida, pero que durante el tiempo que comparten en la misma sala - incluso un poco antes y después - ríen, celebran, echan alaridos y hasta se quejan a la vez, es una sensación maravillosa que se ha ido perdiendo poco a poco con el tiempo, ya sea porque ir a una sala de cine se ha vuelto incosteable, o por la comodidad que ha supuesto para la mayoría de las personas el tener la opción de servicios streaming en casa donde no tardan tanto en que lleguen los estrenos, ya que aun pagándolos son mas accesibles que una ida al cine, aunque como ya deja claro, la experiencia de ello es inigualable.

Comento esto debido a mi experiencia al ver la cinta el día del estreno, con tantas personas en familia en el cine, y a diferencia de las mayorías de las películas animadas, aquí se notaba que los adultos no estaban indispuestos, por el contrario había mucha gente con merchandising alusivo al estreno, niños y adultos, y algunos mas que gritaban somos fanáticos con completo descaro, la misma sensación se tuvo en la sala, e incluso en los créditos, donde los detuvieron de inmediato para dar cierta información, pero la sale entera reacciono con indignación soltando reclamos, con todo esto quiero decir que, de alguna manera esta cinta ha logrado juntar a las personas en ese ritual comunitario de ver cine en el cine, y en familia además, una experiencia que por si misma realza el asunto, hablando de la cinta, no es para nada el desastre que clama la critica profesional, que cada día parece mas alejada del cine que nunca, llegando al grado de decir tonterías como el tipo que supuestamente se lastimaba solo para soportarla, el mismo que disfruto a morir "Emilia Perez" además.

Supongo que esta cinta es el intercambio equivalente del destino, ellos amaron esta cinta y nosotros no lo comprendíamos, ahora es al revés, y también deberían comprenderlo, regresando a la cinta, es un festival de fanservice y referencias, al por mayor, de tal manera que prácticamente no existe momento donde no veas algún personaje de la gran N, algún detalle de sus mundos, referencias a sus juegos, notas de la música que han creado, y hasta escenas que son claros homenajes a algún juego en especifico ¿esto es malo? por supuesto que no, siempre y cuando se logre integrar de manera adecuada a la narrativa, esto por desgracia no sucede en todo momento, por lo que algunos si se notan insertados a la fuerza, pero debo confesar que otros son muy orgánicos, como la aparición de Fox McCloud (voz de Glen Powell), que se integra de manera perfecta, siendo de los mejores personajes, sumando a la dinámica del grupo, y teniendo buena química con el equipo, llegando al grado de protagonizar un hilarante intercambio de miradas, y una animación 2d explicando su historia que son de lo mejor de la cinta.

La principal queja de todos, hasta de los que les gusto la cinta, es la carencia de historia, ni diría que es tanto así como que no tiene historia, en todo caso es demasiado sencilla, casi simplista, pero la realidad es que su mayor defecto es que no sabe como llevarla a cabo, después de plantearla se pierde en muchos instantes, de tal forma que nos perdemos en subtramas que no cesan, por lo que pareciera que la historia principal tiene un freno de mano que nos mantiene donde mismo, para que lo demás fluya, ese es su problema, y por supuesto, el ritmo, es uno incesante que apenas deja respirar, en todo momento sucede algo, y cuando esto acaba de inmediato empieza algo mas, como no existen momentos de calma nunca descansamos, y lo que es peor, no distinguimos los cambios de ritmo, ya que siempre estamos en el mismo cambio, algo que resienten los momentos climáticos.

La cinta abre con Rosalina (voz de Brie Larson) quien es atacada por Kamek (voz de Kevin Michael Richardson) y Bowser Jr. (voz de Benny Safdie), al final es capturada para salvar a sus destellos, uno de ellos llega a pedir ayuda a Peach (voz de Anya Taylor-Joy) quien va en su rescate, en tanto Mario (voz de Chris Pratt), Luigi (voz de Charlie Day) y el recién llegado Yoshi (voz de Donald Glover), quien roba cada momento que tiene en pantalla, ayudan al reino champiñón, por lo menos hasta el rescate de Bowser (voz de Jack Black) que tiene su propio arco de redención-perdición por ayuda de su hijo, por cierto, estos son los personajes mas trabajados y mejor elaborados, una relación padre-hijo que se siente

real y amorosa, a pesar de que los dos son villanos reales, con todo e historia marionetil muy lograda, lo siguiente interesante es la historia del trio, en tanto la subtrama de Peach termina cansando un poco, al final uno se queda pensando que se podría haber usado ese tiempo de mejor manera, para desarrollar a una Rosalina que se hizo a un lado por ejemplo, y finalmente debo admitir que hay escenas creadas únicamente para fans, pero que funcionan, sea la escena de "Yoshi Island", o la de "Mario Maker" con esa pantalla ocho bits que hizo reír a carcajadas a toda la sala, algo parecido a lo que ocurrió con el chiste de Rob, en conclusión es una ráfaga de colores acelerada, que ataca el corazoncito del gamer en todo momento, al tiempo que regala una entretenida historia, excesiva y quebrada claro, pero siempre carismática y orgullosa.

Calificación: Bien

Critica: El Rey de Reyes

"EL REY DE REYES" ("THE KING OF KINGS", COREA DEL SUR - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE SEONG-HO JANG

Contar la historia de Jesús le da una ventaja inmediata sobre la siguiente distribución de Angel Studios, "David" también del año anterior,  pero que acaba de  estrenarse en cines, esto debido a que, aunque no se puede negar la gran fuerza de la historia del

David bíblico, tampoco puede decirse que este ni cerca de la historia del Rey de reyes como dice el titulo, desde ahí esta historia toca más nuestros corazones, no podría ser de otra manera, y menos aun si eres creyente, ver la historia de Jesucristo, aunque sea de forma resumida y animada, siempre alimenta el alma de una forma indescriptible, a diferencia de lo que podrían pensar muchas personas, no me parece que tener a Jesús animado sea una falta de respeto, y por el contrario, lo veo como una oportunidad para que los más pequeños se acerquen a la historia de forma sencilla y amena, esto también lo viví en mi infancia, con esas biblias infantiles que eran el primer acercamiento con la fe.

Ahora, dejando eso claro, tengo que admitir que a muchas personas puede incomodarles, más allá de la animación, debido a que la narrativa se presenta como rápidas viñetas que apenas dejan tiempo de comprender que es lo que acabamos de ver, y que por supuesto, se dejan muchas cosas fuera, después de todo es una historia resumida de hora y cuarenta minutos, que intenta abarcar  lo más posible de la vida de Jesucristo, y evita casi cualquier tipo de violencia - aunque si aparece el relato de los demonios y los cerdos - debido a que su publico objetivo son los más pequeños. Todo lo mostrado de los Evangelios es poderoso, logrando que hasta los más pequeños entiendan el poder de lo ven en pantalla, sin rehuir de temas importantes pero complejos, e incluso con la pasión mostrada, todo esto con una animación sencilla pero nunca simplista, que aunque tiene momentos donde se nota la falta de presupuesto o experiencia, tiene otros de una factura técnica sorprendente y que resultan hermosos a la vista.

La cinta empieza con Charles Dickens (voz de nada menos que Kenneth Branagh) tratando de representar su famosa novela "Cuento de Navidad", pero es interrumpido por su hijo menor Walter (voz de Roman Griffin Davis), que esta obsesionado  por la historia del rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda, la relación entre ellas esta quebrada, y no ayuda en nada una histérica gata que resulta desesperante, y no solo para Dickens, el caso es que su esposa Catherine (voz de Uma Thurman) lo anima a que recupera la relación con Walter, ganándoselo con lo que mejor sabe hacer, narrando una historia, nada menos que un manuscrito que tiene sobre la vida de Jesucristo, que se volvería una tradición anual en la familia Dickens, Charles le dice a su hijo que la historia del rey Arturo se basa/copia de la que le contara, y aunque el pequeño se encuentra renuente por escuchar sobre un rey sin espada mágica ni dragones con los que luchar, al poco tiempo queda prendado con esta.

Dickens le cuenta la historia desde antes del nacimiento de Cristo, hasta su resurrección, pasando por pasajes de gran fuerza, todo esto esta muy bien, e incluso de que ellos mismos entren en la historia como testigos en el lugar que solo pueden ser espectadores muestra como se siente uno mismo al leer, escuchar o ver la historia del Señor, pero al mismo tiempo es su defecto primordial, ya que el ritmo del relato se ve afectado por la gata correteando, o ellos dialogando, al grado de perder fuerza por momentos, algo que entiendo que es para que los pequeños no se aburran, momentos de distracción para que vuelvan a

interesarse en la cinta, pero que  personalmente me parecieron demasiado intrusivos, y por momentos hasta faltos de respeto, pero conforme avanza la cinta van desapareciendo, de tal manera que Walter se convierte en un testigo de lo que sucede, y aprende, ama y sufre junto a nosotros los espectadores, además la cinta muestra muy bien porque los fariseos estaban en  contra de Jesús, y el hecho de que Walter este ahí, sirve para ese momento majestuoso, donde se ve como las personas sanadas, exorcizadas, resucitadas y salvadas, en ese momento donde Walter no toma el lugar de Pedro, sino el de todos nosotros, "Dudaste, por eso te caíste. Ten fe en Mí y serás salvado." En medio de ese simbolismo hermoso de Jesús sacrificándose al tomar su lugar, solo por ese precioso instante cristiano, merece verse.

Calificación: Bastante Bien

Critica: David

"DAVID" ("DAVID", SUDAFRICA - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE PHIL CUNNINGHAM Y BRENT DAWES

El cine animado religioso ya no se usa en las grandes productoras, aunque existió un momento donde si tuvo un auge importante, con Dreamworks entregando obras de alto nivel, quizá ver algo así de nuevo sea imposible, pero las productoras independientes y pequeñas están entrando al quite, y lo están haciendo bien, lo cual es

una buena noticia, porque estas historias llenas de valores y mensajes son algo que no haría mal a los pequeños, y creo que quizá en estos momentos, aun mas a los mayores, por lo menos desde mi trinchera si celebro las cintas como la "David" que concierne, y más aun porque Angel Studios eligió una historia que va muy de acuerdo con  los valores cristianos, así que aunque se nos muestre una historia del Antiguo Testamento se toma una que nos recuerda valores cristianos en lugar de una sobre dominio o poder, lo cual en estos momentos y debido a la situación actual que vive el mundo, podría ser hasta peligroso para personas que han llevado un fanatismo sobre el pueblo elegido  por encima de la fe y las enseñanzas cristianas.

La cinta cuenta la historia de David (voz infantil de Brandon Engman y Phil Wickham como adulto), desde que era un pequeño que disfruta de pastorear a sus ovejas, protegiéndolas de los depredadores como leones, hasta que un día es ungido por el profeta Samuel (voz de Brian Stivale) para ser el siguiente rey de Israel, algo muy complicado, ya que Saul (voz de Adan Michael Oro) es el rey en funciones, uno que además esta en un estado mental y moral muy peligroso, encerrado en sus pensamientos, enfermo de poder, y con la distorsión de que su voluntad es la de Dios mismo, por supuesto seremos testigos de la famosísima historia de David contra Goliat (voz de Kamran Nikhad), una que me atrevo a decir que todos conocemos, por lo menos de manera general, aquí la veremos de nuevo, la fe y confianza de David y su honda con la que derroto a un gigante soberbio, y como todos se reían del pequeño por pensar que podía ganarle, incluyendo a los propios israelíes.

Pero la parte más importante de la historia es la que viene de3spues, cuando David empieza a ganar relevancia entre el pueblo, y poco a poco el rey Saul descubre que es lo que esta sucediendo, el que pensó que era un súbdito amado es el elegido para sucederle, por supuesto que no permitirá esto, y hará todo lo posible para detenerlo, aunque signifique perseguirlo y mancharse las manos de sangre con su propio pueblo, estos momentos, con un David ya adulto, son los mejores, no solo porque es una narrativa más elaborada, sino por la complejidad de la misma, ya no hay buenos ni malos, todos están manchados y pueden caer en el error, demostrando como funciona la ambición humana, aun cuando se este consciente del poder de Dios, al grado de que vemos a un Saul contradictorio, y a un David que duda al sentirse abandonado por Dios en "Why God - My God".

Hablando de las canciones, la mayoría son buenas, y tienen que ver con la historia, por lo que logran algo crucial del cine animado con canciones, estas hacen avanzar la trama, solo tiene una por ahi que me hizo arquear una ceja ya que coquetea mucho con la idea del destino manifiesto, algo impensable en las enseñanzas de Jesús, pero que entiendo es un pensamiento muy extendido en ciertas sectas evangélicas, por lo demás, la música, la letra, son buenas, la animación es lograda, con muchos detalles y un diseño de personajes y mundo que se siente propio, con alcances impresionantes en el vello facial, expresividad de rostro y el vestuario, una historia que demuestra la bondad de David sobre todo lo demás, mostrándolo como una buena persona ante todo, y que gracias a eso se gana a los demás, como al hijo de Saul, Jonathan (voz de Mark Jacobson) que tiene los mejores momentos junto al protagonista, como esa demostración de comunidad en el musical "Follow the Light", la decisión que toma ante la presión de su padre, y la resolución final llena de fe, Jonathan en la cinta quizá dudo menos que David, pero esta claro que la luz que lo guiaba era este pastor que a su vez solo demostraba la luz de Dios, bonita, emocionante y sentimental.

Calificación: Bien

Critica: The Three Sisters

"THE THREE SISTERS" ("THE THREE SISTERS", CHIPRE - RUSIA, 2025) DE KONSTANTIN BRONZIT

Bronzit hizo algo muy inteligente para lograr el reconocimiento que merece este hilarante corto animado, dejo de lado su conocido nombre, lo quito de publicidad, y dejo que el arte trabajará sin política afectando, el resultado, premios, todos viéndolo y

disfrutándolo, que culminan con una nominación al oscar, pero para ello tuvo que ocultar su identidad rusa, una pena conociendo su largo trabajo en animación, y una muestra más de la doble moral que impera en nuestros días, en los que un serio profesional no puede mostrar su trabajo, pero un estado genocida continua campando a sus anchas, millonarios depravados siguen manejando el sistema, y dictadores zafados rigen con la estupidez de su lengua, pero bueno, aclarado el punto debo dejarlo atrás, eso quisiera el buen Bronzit.

Desde el inicio esta clara la postura del director, una animación en segunda dimensión bastante sencilla con un único escenario, personajes con diseños sencillos pero no simples, y una banda sonora que junto al sonido forman parte integra de la animación, de la historia en sí - me encantaron los tres golpes seguidos que siempre acompañan algo más -, la tres hermanas - no monjas como algunos alegan - salen de sus casas rumbo al templo, una alta, otra mediana y una chaparrita, de pronto la cámara "gira" y muestra que son tres casas, cada una habita un de ellas, pero cuando llegan los mercaderes a la isla un accidente les hace perder el dinero, por lo que se ven obligadas a rentar una de las 3 casas, lo que obliga a dos de ellas a vivir juntas, el inquilino es un marinero maloliente y pillo que causa aversión a dos de ellas, en tanto una queda prendada con la fetidez - literalmente -, e intenta quedar bien con él lavando y planchando su ropa.

Esto extraña a sus hermanas, que reaccionan de forma impredecible, primero aterrorizadas, luego escandalizadas, y finalmente con mucha curiosidad, cayendo una a una ante los músculos del patán de turno, llegando al grado de pelear por él, en una semana de desenfreno donde cambian su verdadero ser. Con una animación sencilla pero funcional, que tiene mucho carácter, y que brilla principalmente en su forma narrativa, como si la cámara estuviera estática, mostrando un solo escenario, del que vemos solo una parte, para que nos imaginemos lo demás. Todo en el cortometraje es hilarante, uno se ríe a carcajadas, pero también se conmueve por estas solitarias mujeres, con un remate final tan desternillante como doloroso, eso sí, Bronzit es un sádico realista qué retrata la naturaleza humana, sin rehuir con ello a la esperanza en ese cierre casi idílico.

Calificación: Bien

Critica: Forevergreen

"FOREVERGREEN" ("FOREVERGREEN", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE NATHAN ENGELHARDT Y JEREMY SPEARS

Un osezno deambula solitario por el bosque, esta nevado y no hay comida, busca desesperado olfateando hasta que encuentra unas bayas, pero en un lugar muy peligroso, por lo que termina cayendo por el acantilado, o eso parece, ya que es salvado por un pino qué alcanza a tomarlo, a partir de

ese momento prácticamente lo adopta, lo alimenta, le sirve de hábitat, le enseña sobre la vida y el mundo, juega con él, lo mima y consiente, enseñándole los valores por medio de un retoño de pino qué cuida religiosamente hasta de los puercoespines qué le dieron tantos problemas durante su infancia, y así. el oso crece viviendo tranquilo y feliz, hasta que llega un momento de quiebre, con el deseo incontrolable de algo malo, representado por unas papas fritas qué el oso devora como desquiciado, solo acostumbrado a comer piñones toda su vida, esto será el inicio del fin, la madurez forzada por malas decisiones.

Esto despierta un deseo irrefrenable que causa el rompimiento de su relación, el pino no permite que el oso vaya a donde los pájaros toman esa comida chatarra, pero el oso reacciona de la peor forma posible, con una acción que destruye la confianza entre ambos, y lleva al oso adulto a un sentimiento nuevo, a sabiendas de que esta mal pero sin poder detenerse, yéndose y poniendo en riesgo su vida, hasta encontrar el fruto prohibido, que solo puede tener una consecuencia final, donde vemos pasar ese momento super cómico qué parece salido del humor slapstick más clásico, a un clímax emocionante, desesperante y sentimental, que deja un sabor agridulce pero hermoso, porque la vida acaba, pero siempre continua, y con un mensaje más que valioso en estos tiempos tan desesperanzadores e inhumanos, de tal manera que uno no puede evitar las lágrimas por las mejillas, o por lo menos el nudo en la garganta.

La animación es computarizada, emulando un stop motion casi de madera, es hermoso y bastante cinematográfico en sus encuadres y tomas, siendo además el apoyo exacto para el simbolismo del metraje, que por supuesto va sobre la amistad de un oso con un pino que roza lo maternal - ¿o paternal? -, pero que también va sobre como crecer, descubrir el mundo, los problemas que nos seducen, como las drogas quizá, y como los que nos aman intentan cuidarnos, al final cada uno tendrá que aprender por las malas, y quizá de paso seamos responsables del sufrimiento de un ser querido qué siempre estuvo ahí a pesar de todo, con mensaje de amistad, vida sana, el valor de la familia, la importancia de la naturaleza, y en especial el mensaje bíblico con el versículo Juan 15:13, envuelto en esa bellísima melodía del mismo nombre del corto de Josh Garrels e Isaac Wardell, y por si quedaba una duda, el agradecimiento a Dios en los créditos dejando claro los momentos de fe en la historia.

Calificación: Muy Bien

Critica: Arco

"ARCO" ("ARCO", FRANCIA - ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2025) DE UGO BIENVENU Y GILLES CAZAUX

Arco (voz de) es un niño que vive en un mundo que nos puede parecer extraño a primera vista, pero que pensándolo bien es bastante relajante, las casas de las personas están instaladas en arquitecturas tubulares de los que no se alcanza a ver el inicio, como si fuera un árbol y desde las ramas nacieran plataformas donde casas redondas conviven de forma

perfecta con mucha naturaleza, una especie de simbiosis entre humanos y naturaleza que incluso les ha llevado a alcanzar la tecnología de volar y viajar en el tiempo, pero usando esta solo como herramienta para apoyo de su vida autosuficiente, de tal manera que la tecnología no es intrusiva, ¡hasta pueden comunicarse con las aves! pero Arco esta desesperado por ser parte de la expediciones familiares y conocer dinosaurios, algo para lo que todavía no es apto por falta de edad, así que el pequeño rebelde, toma la ropa, capa arcoíris y un cristal y se pone a volar, viajar por el tiempo, y caer perdido en un punto no elegido.

Iris (voz de) es una pequeña en el año 2075, donde la tecnología ha avanzado tanto que todo esta automatizado, y los robots han tomado la mayoría de las tareas del mundo, son los policías, los maestros, los trabajadores de caminos y hasta las niñeras, en tanto las personas parecen trabajar en todo momento, por lo que Iris se siente abandonada por sus padres, con la responsabilidad de cuidar a su pequeño hermano bebe Peter, y asfixiada en un mundo lleno de tecnología, donde todo el mundo tiene lentes que les impiden disfrutar la belleza del mundo, las clases son hologramas, y todo esta tan automatizado que no existe la libertad de pensamiento ni la imaginación o creatividad, por ello, cuando nota un extraño arcoíris que no sigue un camino fijo no duda en seguirlo, para descubrir que un niño ha chocado contra el suelo y esta lastimado, nada menos que Arco.

Cayo en este año, y ahora debe hacer lo posible para regresar a su tiempo, guardando silencio sobre quien es, entiendo que para no afectar el pasado, por supuesto esto no es nada sencillo, esta herido, el robot niñera Mikki hace lo posible por seguir las ordenes para las que fue programado, perdió el cristal que necesita, es perseguido por tres estrafalarios sujetos conspiranoicos, y la naturaleza esta tan afectada que si no esta cayendo una lluvia torrencial se esta quemando todo, por lo que las casas y edificios están dentro de cúpulas para protegerse. Lo que vemos en pantalla la historia de un coming of age de dos pequeños, que viven de forma completamente distinta, pero al mismo tiempo son almas gemelas, ella se siente abandonada en un mundo frio y estéril, él se siente oprimido por padres que lo quieren y protegen en un lugar idílico, y es así que quedan dentro de una aventura más grande lo que aparenta.

La animación es exquisita, prioriza la fluidez sobre lo demás, y eso se agradece en una época donde todo se ve estático, con un estilo retro futurista muy colorido que parece beber de las primeras historias graficas, y con mucho espíritu japones, esto se nota en el choque de mundos, y en la importancia otorgada a la naturaleza, ya que se nos repite que es parte vital, por ello en el futuro cercano los humanos están acostumbrados a los desastres naturales, lo miran normal, en el lejano han entendido que deben respetar el mundo en el que viven, la critica social existe, esos padres enajenados por el trabajo, esos adultos que ya no toman responsabilidad de nada ni de nadie, al grado de que incluso un robot es más humano que ellos, pero dejando claras las limitaciones de estas inteligencias, es cierto, la narrativa es sencilla, una aventura para regresar a Arco a su tiempo, pero nunca deja de ser interesante, y sobre todo optimista, con villanos que en realidad no lo eran, y un futuro más humano que nunca, al que por lo menos debemos aspirar, aunque no parezca posible.

Calificación: Bastante Bien

Critica: Plan de Jubilación

"PLAN DE JUBILACION" ("RETIREMENT PLAN", REINO UNIDO, 2025) DE JOHN KELLY

"Cuando me retire, contestaré cada correo que ignore, limpiare el escritorio de mi computadora, leeré 35 años de artículos guardados en mi lista, terminare todos los libros que inicie, jugaré todos los videojuegos qué me perdí durante toda una vida, miraré los pájaros, aprenderé qué las urracas son tan hermosas como terribles, aprenderé los nombres de los árboles, y cuales flores son las primeras en florecer. Nadare cada mañana, aprenderé a tocar una única canción en piano de manera excepcional, escribiré un poema devastado pero optimista. Tendré un perro, y un gato, quizá primero un pez, o un reptil, me recomendaran un terrario y me explicaran sobre la diferencia de ellos en la tienda de mascotas"... 

Este sería el primer minuto y medio de siete totales, del cortometraje animado nominado al Oscar, un compendio de imágenes que nos muestran a un hombre mayor fantaseando sobre lo que "hará" cuando este retirado, es decir, lo que todos siempre hemos pensando alguna vez, por lo menos desde que se tiene la edad en que las rodillas suenan con cada inclinación, se aplauda al bailar, y se prefiera hacer los quehaceres hogareños que irse a dar la vuelta, sean los suertudos qué se van con modalidad cuarenta o alguna pensión, seamos los salados qué nos iremos con las miserables afores, lo cierto es que no necesariamente el protagonista lentudo y pelón es un tipo de la tercera edad, ya que su voz está realizada de manera exquisita por Domhnall Gleeson, un tipo que no está para nada cerca de esa edad, por lo que podría ser cualquiera de nosotros, pensando en que haremos cuando "al fin" tengamos tiempo, con nuestra propia imagen imaginaria en nuestra vejez.

Vemos a este tipo divagar y fantasear, al tiempo que miramos estas aventuras, por medio de una sencilla animación qué apuesta por lo funcional, en tanto que la verborrea del protagonista no para, muy interesante - esos intereses nunca abordados -, cómico -regresar como fantasma solo para darle en la madre a una antagonista -, y hasta sentimental, después de todo, como ya apunte, todos queremos hacer lo que no podemos ahorita cuando estemos retirados, y ojalá así sea, con vida y salud para aprender cosas nuevas, terminar pendientes, retomar intereses, pasarlo junto a los seres queridos, descubrir el mundo desde otros ojos, ayudar a los demás sin la excusa de que no hay tiempo, notar que es lo que no nos gusta, evitar lo que nos amarga, en pocas palabras ¡disfrutar la vida!

Calificación: Bastante Bien

Critica: Amélie y los Secretos de la Lluvia

"AMELIE Y LOS SECRETOS DE LA LLUVIA" ("AMÉLIE ET LA MÉTAPHYSIQUE DES TUBES", FRANCIA - BELGICA, 2025) DE LIANE-CHO HAN JIN KUANG Y MAÏLYS VALLADE

"Al principio, no había nada. Nada, excepto Dios. ¿Desde cuando existe Dios? Nadie es lo suficientemente mayor para saberlo, los alrededores de Dios no estaban exactamente abarrotados, lo cual estaba bien, ya que Dios no miraba nada y no quería

nada. A Dios no le interesaba nada, ni siquiera ser Dios le emocionaba, podemos pensar en Dios como un... tubo, si, un tubo, te explicare porque", con estas curiosas palabras declamadas por la Amelie del titulo (voz de Loïse Charpentier) es como inicia esta hermosa y fascinante cinta animada, que cuenta de manera excepcional una etapa de la vida de una persona, específicamente la inicial, esa que solo recordamos en trazos y con las palabras de los que la vivieron siendo mayores, pero con algunas postales en mente que perduraran hasta el fin de nuestros días, pero seguramente resuenen por la eternidad.

Anote que son unas curiosas palabras debido a que, puestas así, fuera de contexto, se sienten extrañas, por lo menos esto me sucedió a mi, no podía ser que estuviera viendo la historia de una niña que es Dios encarnado, pero ella se nombrada así a si misma, describiéndose como un desinteresado tubo que digiere y evacua lo que toma, hasta su nacimiento, donde nos explica que los ojos son espectadores, y además muestran vida, justo ahí entendí que estaba ante una cinta cargada de simbolismos y metáforas, una decisión exquisita para mostrar como vería el mundo un pequeño bebe, que todavía no tiene la madurez para entender el mundo como lo conocemos los mayores, pero que si entiende su propio mundo, uno que ya aprendimos a olvidar, así que vemos a Amélie desde que nace, y es un bebe que acepta todo con facilidad, llegar a una familia con padres amorosos y dos hermanos mayores, es imperturbable, nada le interesa, pero todos están interesados en ella.

Esperan que haga su primer gesto, diga sus primeras palabras, realice su primer acción, y lo intenta al hablar lo que tiene en su mente, pero no puede más que balbucear sonido, por lo que entra en la edad inaguantable, hasta que llega la abuela con un chocolate celestial, y más importante aun, la nota, es así que Amélie comienza a percibir y disfrutar el mundo, convivir con su familia, demostrarles sus sentimientos, conocer a su niñera-criada Nishio (voz de Victoria Grosbois) con quien tendrá una relación tan cercana que terminara siendo tan hermosa como dolorosa, y descubriendo el mundo con todas las maravillas que puede regalar. Todo esto con una animación hermosa llena de colores brillantes, que no rehúyen el uso de los colores pastel, sino que por el contrario los presumen con la seguridad de que el mundo es hermoso, por más que intentemos negarlo.

Los trazos son fluidos y gruesos, que al mismo tiempo se desvanecen en los contornos, y no temen jugar con lo que puede otorgar la animación, con mucha imaginación y surrealismo, de tal manera que lo que vemos es la percepción del mundo que tiene la pequeña Amélie, con la naturaleza floreciendo a voluntad, con ella siendo la reina de este mundo, incluso abriendo el mar cuando lo requiere, es un mundo lleno de significados que solo pueden entenderse si nos ponemos en los zapatos de un niño pequeño, y específicamente en la protagonista, una que cobro consciencia del mundo el 13 de agosto de 1969, en Japón, un país en reconstrucción que todavía lamia sus heridas de la segunda guerra mundial, y veía con recelo a estos extranjeros haciendo trabajo político en su país, pero que con dos años tenia en su inocencia tener su "aspiradora" como su primer palabra.

Apunte en el inicio que todo es muy simbólico, y por ello la pequeña se pensaba como Dios, después de todo la contemplaban y hacían todo por ella, pendiente de sus acciones y pensamientos, una equivocación normal en un pequeño con reminiscencias de lo sagrado. Y así acompañamos a Amélie por las despedidas, los primero temores, el descubrimiento de sus sentimientos, de las estaciones con la naturaleza del planeta, y al mismo tiempo la aversión de otras personas, los celos, las burlas humorísticas, la lluvia que hace juego con su nombre, la vida, la muerte, el pasado tortuoso, que sus padres también pueden quebrarse, y cada pequeño pero grandioso momento de la vida, porque si hay algo que se le aplaude a esta cinta, es la capacidad de maravillarnos con cada cosa, con cada descubrimiento, y maravillarnos por ello, aunque en la actualidad hayamos perdidos esa bella capacidad.

Todo esto con reminiscencias al cine animado japones, no solo por el estilo de dibujo, con ojos grandes expresivos, sino por ese simbolismo juguetón, un realismo mágico nipón, con los valores familiares, del amor, respeto a la naturaleza, y del pasado que tanto repiten, y que ven ecos en esta historia biográfica de la escritora belga Amélie Nothomb, que realizo una brillante obra sobre su amor por eso, "soy japonesa" suelta la niña indignada en una escena clave, la música de Mari Fukuhara ayuda mucho en la ambientación, y es hermosa. De hecho no puede describirse la poesía que presume esta cinta en su poca más de hora de duración, lo que si puedo añadir es que es una obra de amor de Amélie a su pasado y vida, al mundo mismo, y las directoras primerizas lo captan a la perfección, de tal manera que en la parte final, desde la playa, no podía soportar las lagrimas, no solo porque es triste y sentimental, sino que sobre todo porque es hermoso y optimista, atesorando cada recuerdo vivido, ver y sentir todo, dar todo el amor que pueda con los ojos bien abiertos, porque como entiende Amélie, no es Dios, y es mucho mas agradable así.

Calificación: Excelente