Cinecritica: Judy

JUDY (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)

He leído y escuchado en todas las criticas que Renée Zellweger imita de manera magnifica los ademas. posturas y gestos de la leyenda Judy Garland, y lo ven como un gran logro digno de que gane todos los premios habidos y por haber, pero me pregunto ¿la actuación es igual a imitación? como un loro que aprende a hablar por repetición a Zellweger como al Freddie Mercury de Rami Malek y muchos mas actores de biopic, la mayoria premiados, les basta con copiar y repetir gestos, ademanes y tics cuando la actuación va mucho mas alla, y no tiene que ver con esos detalles o el parecido físico sino a poder mostrar el alma de la persona representada y que la veamos como a ella misma, no que digamos "ha mira tiene el mismo tic", en fin es lo que hay en este nuevo mundo de cinefilos que tan confundidos parecen estar y hasta uno mismo se contagia de esas malas costumbres, la prueba esta en esa malograda actuación de Malek en "Bohemian Rhapsody".

Todo esto viene a colación porque lo mas llamativo de la película de Rupert Goold es justamente la actuación de la reaparecida Zellweger que principalmente intenta copiar ademas y posturas de la gran Judy Garland, pero todo el asunto termina siendo caricaturesco, sobre todo cuando la actriz saca a la luz sus conocidos gestos y ademanes característicos, aunque para ser sincero Zellweger esta muy por encima del mencionado ganador del oscar, por lo menos ella en ciertos momentos si parece conectar con la actriz (y ella si es la que canta y aunque no es Garland no lo hace nada mal) y deja de mostrar maniqueísmos para entregar una actuación real donde pareciera que estamos viendo a la persona en cuestión, el problema es que no es todo el tiempo y sumado a una cinta que parece no ir a ningún lado y que apunta a muy poco apenas contándonos las ultimas semanas de Garland, la verdad es que desilusiona.

Judy (la mencionada Zellweger) esta en quiebra y apenas sobrevive gracias a su fama y pequeñas apariciones donde siempre lleva a sus pequeños, con su ex a punto de quitarle la custodia decide hacer unas presentaciones en Inglaterra donde todavía la quieren y aclaman y ganaría mucho dinero en poco tiempo, el problema es que para Judy no sera sencillo pues las drogas, el alcoholismo, la ansiedad, los fantasmas de su pasado (mostrados en flashbacks con una joven Judy (Darci Shaw) en medio de la grabación del "Mago de Oz") y los problemas de maridos mantenidos no la dejaran jamas, tanto asi que la mujer termina sencillamente derrotada aunque para nosotros ha resultado tan frió y distante el recorrido que no nos importa mucho, pero Garland es Garland y solo esa escena final con el publico que la abuchea, la ovaciona, la odia y la ama se entrega a ella por un momento y la ayudan a cantar "Somewhere Over the Rainbow" cuando ella se quebra no queda mas que rendirnos a la cinta, o mejor dicho rendirnos ante el talento y la imagen que tenemos de la maravillosa actriz y cantante.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Faro

EL FARO (THE LIGHTHOUSE, EU - CANADA - BRASIL, 2019)

El cojo marinero Thomas Wake (Willem Dafoe, sobre-actuado) y el joven ex-leñador Ephraim Winslow (un desatado Robert Pattinson) llegan a una isla de nueva Inglaterra donde se verán obligados a pasar cuatro semanas cuidando el faro hasta el siguiente cambio de turno, ahi se supone que los dos se turnaran el cuidado del faro pero de forma imponente el viejo lobo de mar Thomas se apodera del mismo y le deja todas las actividades cansinas y pesadas a Ephraim que las hace de no tan buena gana, asi el tipo se pone a fregar pisos, limpiar cisternas, palear carbón y un larguísimo etc. que parece no tener fin, en tanto el viejo pedorro solo se la pasa en la noche en la luz del mismo faro y duerme el resto del día, solo levantándose al anochecer para comer y ponerse una buena borrachera, y aunque al inicio el chico se niega a caer en las garras del alcohol poco a poco cederá ante el viejo y también ante sus instintos mas básicos.

Masturbación, sueños de sirenas, alucinaciones que no van a ningún lado, Ephraim poco a poco perderá la noción de la realidad mientras se emborracha con el anciano y este lo increpe y le diga cosas contradictorias todo el tiempo, tanto asi que nosotros mismo terminaremos confundidos y sin saber que creer, por ahi se asoman cientos de simbolismos, que las gaviotas como guías de las almas de los marineros, que el faro casi como un anhelado símbolo falico, la tormenta como demostración de locura y estar ahogado en alcohol, y por supuesto la preciosa fotografía que nos remonta al impresionismo alemán con un sonido donde cada crujido y graznido se sienten en lo mas profundo de nuestro ser, y dos actores que dan todo de si aunque se sobreactuan causando tanto terror como humor mala leche, que supongo que era la intención del director y guionista Robert Eggers.

El problema es que si dejamos de lado los planos casi perfectos y los logros técnicos y artísticos de la cinta la verdad no tiene tanto que ofrecer, una historia sin pies ni cabeza que termina siendo cansina por lo repetitivo del asunto, desde muy temprano suponemos que el protagonista cederá a la locura, y solo se reitera en el asunto con larguísimos monólogos de Dafoe y un Ephraim que esta tan o mas confundido que nosotros, sobre las teorías que yacen en la cinta si bien es verdad que son muchas y variadas y que quizá ninguna de ellas sea, la mas obvia me parece la de Proteo y Prometeo, una simple burla de Eggers a la naturaleza humana y como esta es tan frágil y detestable como el mar mismo, por ello mismo los dos terminan siendo Thomas ya que Proteo es una muestra del subconsciente de uno mismo, es decir vemos a la misma persona en dos representaciones distintas con todo y el final de Prometeo, por ahi lei que quiza esta en el purgatorio y la luz es la sabiduría o salvación que desea (como el fuego de sabiduria de Prometeo) la cual también encaja con la cinta y algunas mas pero decido quedarme con la burlona, despues de todo si no la entiendo asi y pienso que Eggers se tomo la cinta muy en serio seria una muy grande desilusión despues de haber entregado una obra mayor como "The Witch" y ahora este pastiche, hermoso claro, pero sin un rumbo claro.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Arte de la Autodefensa

EL ARTE DE DEFENDERSE (THE ART OF SELF-DEFENSE, EU, 2019)

Casey Davies (Jesse Eisenberg, extraordinario) es un solitario perdedor a mediados de sus treinta, es un perdedor tanto en su trabajo como en su casa donde hasta su mimado perro salchicha parece imponerse, es asi como tiene que salir de noche a comprarle comida y apenas despues de que un grupo de motociclistas le pregunten si tiene arma sera atacado despiadadamente al parecer solo porque si, al salir de terapia intensiva el tipo comienza a tener un verdadero pavor a salir fuera y a la noche por lo que decide por fin tomar cartas en el asunto y poder defenderse, su primera opción es comprar un arma pero termina llegando por casualidad a un dojo donde el Sensei (Alessandro Nivola, impresionante) es el típico macho alfa y termina despertando la curiosidad en el pobre protagonista que decide inscribirse para probar y que termina genuinamente seducido por lo que puede darle el karate, ademas de que el maestro se ha tomado el reto de convertirlo en todo un macho, o mejor dicho en sacar el hombre que existe dentro de él.

Claro que como notamos desde el principio este dojo no es uno normal, las normas de poder que promueve y los valores o mejor dicho anti-valores que se dan son todo lo opuesto a lo que enseñan en las artes marciales, su maestro se toma como algo personal llevar a Casey a tomar confianza, a cambiar su forma de vida y hasta darle consejos cual padre adoptivo, esto es muy importante ya que forman parte básica de los muchos mensajes y simbolismos de la cinta, ya despues la situacion comienza a cambiar de una sátira de un humor negrisimo a un extraño thriller y terminar en una parodia donde no se respeta nada ni nadie y que por eso mismo resulta tan increíble, con un final sorpresivo a forma de gag que da paso a una oscuridad perpetua por parte de nuestro extraño protagonista que finalmente tuvo una evolución loable y creíble durante el extraño viaje y logro su propósito, es decir convertirse en aquello que teme, o por lo menos en parte y quizá forma mas pensante y por ello mas escalofriante.

El director Riley Stearns que también nos firma el guion logra una película extraña y estrambotica que siempre cambia de piel y nos sorprende constantemente, nunca sabemos adonde va la cinta como tampoco lo sabemos con nuestros personajes, que eso si, nunca toman decisiones raras o contradictorias, o por lo menos que no se sientan orgánicas y naturales con su actuar y pensar, la cinta en primer lugar cuenta la historia de un pobre diablo que encuentra su lugar en el mundo, volveré a esto en el final, por otro lado es una rigurosa sátira de la hombría, del machismo, de todas esas formas y el actuar de los hombres o por lo menos lo que suponemos admirable, es decir el Sensei es un tipo misogino, imponente, violento, manipulador, controlador, pero también es carismático, atractivo y todo lo que siempre se nos dice que es lo que debe ser un macho alfa, detesta a las mujeres, aunque estas lo amen y odien al mismo tiempo como Anna (fantastica Imogen Poots) suelta frases misoginas por aqui y por alla, y por supuesto todos le siguen, los que lo siguen anhelan ser como él y la sátira esta ahi en todo momento, ya sea por los sobrios comentarios fuera de lugar, por la realidad tergiversada y por supuesto por los simbolismos como esas cintas como símbolo falico de poder.

Es obvio que Stearns también esta muy interesado en mostrar como funcionan las sectas, la manera en como Casey es acorralado de alguna forma para entrar en el dojo, el líder que tiene la verdad absoluta, el poder sobre los demas y la única opción de decisión, todos los que le siguen que solo esperan tener una valoración positiva del líder, en este caso el Sensei con sus cintas de colores, y por supuesto las cadenas de poder que existen en las sectas que aqui se ven hasta en el lugar que te sientas, y el personaje de Casey es la victima perfecta, un perdedor sin amigos que solo pasa su vida viendo televisión y alimentando a su perro, al que solo le habla su jefe en el trabajo y que queda todavía mas desprotegido al ser atacado, en cambio en el dojo, tiene amigos, compañeros, alguien a quien admira, una meta, se siente parte de un grupo sin importar que pierda la identidad propia, y bueno despues de reírnos de tonterías machistas como hacer sentadillas y carcajearnos con inobjetables comentarios misoginos solo podemos asustarnos de lo que esconden las sectas y finalmente maravillarnos porque el protagonista se ha convertido en algo que no era, no en un villano pero Stearns se da el lujo de decirnos que un poco de todo no es malo y al abrazar este tono grisáceo el final es todavía mas perturbador.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Jojo Rabbit

JOJO RABBIT (IDEM, NUEVA ZELANDA, REPUBLICA CHECA, EU, 2019)

Jojo Betzler (el descubrimiento Roman Griffith Davis) se pone su uniforme de la juventud hitleriana, se acomoda la gorra, sus zapatos y se ve al espejo con inseguridad, a lo que el mismísimo Adolf Hitler (el también director y guionista Taika Waititi) le alienta que se ve magnifico y que sera un gran dia, por lo que el niño sale cargado de energía saludando efusivamente a todos los que se topa en la calle, este tipo de fanatismo ciego en los pequeños y los alemanes es algo que Waititi refuerza con el montaje de esa versión alemana de "I Wanna Hold your Hand" de The Beatles, por lo que entendemos que ese amigo imaginario que tiene Jojo asi como su entusiasmo por el campo de entrenamiento se deben solo a la desinformación y la poderosa maquinaria mercadotécnica de adoctrinamiento, es decir desde el inicio entendemos que Jojo no es un niño con malos sentimientos, solo esta confundido, desinformado y solo, al igual que muchos otros pequeños, mención especial al entrañable Yorki (adorable Alfie Allen) y eso se nota en su infantil y bufonesco Hitler ideado por su cabeza.

La cinta que ha construido Waititi solo puede describirse como adorable, un compendio de dulzura de un pequeño que parece no mataría una sola mosca y que aun asi se encuentra arrastrado por un torbellino de violencia y destrucción, indiferentemente de cual sea la postura del dictador sobre la segunda guerra mundial y Hitler la cinta funciona en la comedia y deja una sensación de alegría al final con todo y lo agridulce del asunto, lo que si es verdad es que la cinta va perdiendo filo conforme avanza, comienza siendo una locura irreverente donde Jojo va al campamento donde un hilarante Capitán venido a menos (Sam Rockwell, impresionante), y una rubia gorda desternillante (la siempre bienvenida Rebel Wilson) nos sacan carcajadas al por mayor, con los accidentes de cuchillos, los bobos ejercicios, las políticas machistas y hasta una alucinación fascinante de Jojo que lo lleva a tener un accidente.

El problema es que despues de esto la cinta da un tremendo bajón cuando se rebele un personaje mas que es escondido por la rebelde madre de Jojo (Scarlet Johansson, bien), la judía Elsa (la hermosa Thomasin McKenzie) que no solo se enfrenta a Jojo sino que demuestra una fortaleza no acorde a su edad, de aqui la historia va por derroteros mas conocidos y menos arriesgados, dejamos la locura y la hilarancia de reirnos de los nazis al obvio melodrama que sabemos donde terminara,con todo y cambio de tono en la fotografía y el soundtrack,  lo que no se puede negar es que Waititi logra algunas muy buenas escenas como la llegada de la SS a la casa, o las tensantes cenas de Jojo con su madre, pero algunas otras son reiterativas, de cualquier forma al final la situacion se compone un poco con algunos aliados sorpresivos, una dolorosa imagen de unos zapatos y por supuesto ese final donde se ve a los civiles alemanes, ancianos, mujeres y niños, defender la ciudad ante la inmisericorde llegada de los americanos cuando la guerra ya estaba perdida.

Vamos que solo por estas escenas, por estos momentos, de las personajes peleando para salvar la vida de sus hijos o de los pequeños protegiendo a sus familias y a si mismos la cinta tiene un valor que la rescata, es decir es de las pocas cintas que nos muestran como los alemanes fueron masacrados sin piedad y sin oportunidad como represaría sin sentido, creo que esta no era la intención del director pero asi quedo el final y quizá por ello la cinta levanto tantas infulas, una cinta que se atreve a victimizar y vanagloriar a los alemanes ademas de humanizarlos va en contra de lo que a uno le enseñan en sociedad, cinta quebrada pero que vale la pena revisar, y frente a lo visto y vivido solo nos queda bailar y que mejor que al ritmo del maestro Bowie.

Calificación: Bien

Cinecritica: 1917

1917 (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)

Un soldado (esforzadisimo George Mackay) esta tumbado junto a un árbol descansando de una de las guerras mas cruentas de la humanidad, la primera guerra mundial o gran guerra, junto a el esta su compañero Lance Blake (Dean-Charles Chapman, bien) y cuando apenas los estamos conociendo les llega la orden de ir con el general quien les dará una misión crucial, informar a las lineas aliadas que estan mas adelante de que detengan el ataque ya que la inteligencia descubrió que los alemanes se repliegan como señuelo, si no detienen el ataque miles de jóvenes soldados morirán y entre ellos se encuentra el mismo hermano de Blake, Joseph (Richard Madden), es asi como la pareja se enfrasca en una empresa que parece imposible donde tendrán que sortear territorio enemigo, alambre de púas, bombas, trincheras enemigas y propias, laberínticos túneles, una ciudad destruida y hasta ríos sin descanso ya que es una carrera contra el tiempo.

Con esta sencilla premisa el director y escritor Sam Mendes (basado en las memorias de su propio abuelo) vuelve a entregar una obra de calidad, mas que por la historia misma por la gran dirección y en especial de una fotografía de Roger Deakins que casi alcanza la perfección, con luce natural, hermosos filtros, y una cámara que siempre debe estar donde debe, y lo mas impresionante de todo y lo que todos comentan, la manera en que esta filmada y mostrada de forma que parece ser una toma única, y solo con dos o tres cortes notorios y que logran que uno se sienta completamente inmerso en la película, como si fuéramos el tercer pobre diablo que los acompaña en esa misión suicida, y como lo mas importante es el tiempo esta decisión es mas que correcta y satisfactoria, el reloj nos persigue sin parar y el ambiente no nos da ningún respiro, le sumamos unas locaciones asombrosas, manejo de tiempos y extras sensacionales, un conocimiento del espacio perfecto, efectos prácticos y especiales que nos convencen de que estamos ahi y tenemos una experiencia asombrosa.

El problema es que despues de la premisa no hay mucha mas historia, todo se trata de ir del punto A al punto B sin que suceda nada mas que las dificultades que se topan en el transcurso, y esto no es algo malo, de hecho Mendes logra mantener la tensión en todo momento pero nunca conocemos a nuestros protagonistas por lo que no nos sentimos identificados con ellos y solo tenemos un poco de empatia sin que nos despierten gran cosa, y esto se va haciendo grande conforme avance la cinta, cada mas mas técnicamente deslumbrante pero emocionalmente distante,  pero se le agradece a Mendes que no villanice a los alemanes, aunque para ser franco la cinta vaya que vale la pena, tanto asi que en todo momento me tuvo pegado a la pantalla, verla en pantalla grande es una experiencia fenomenal, y con algunos brincos en ciertos momentos puntuales y algunos chascos como esa chica con el bebe y una casualidad de pena ajena.

Antes apunte que la cinta es fría, y si lo es, pero al final cuando tenemos esos cánticos y el clímax por fin empezamos a sentir verdadera emoción, de esa heroica de los viejos tiempos que se ve engrandecida por un pequeño gesto corporal, de objetos, de lineas entre dos personajes que por fin nos entregan lo que necesitamos, una emoción y dramatismo que hace que nos desahoguemos y que contemplemos agradecidos una repetición de lo que vimos en el inicio, quizá la calma antes de la inevitable tormenta y la única forma de soportarla, la memoria de nuestros seres queridos.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Caso de Richard Jewell

EL CASO DE RICHARD JEWELL (RICHARD JEWELL, EU, 2019)

En cierto momento de la cinta el abogado con corazón Watson Bryan (Sam Rockwell, muy bien) le dice a su cliente, el gordo bobalicón del titulo, el tal Richard Jewell (Paul Walter Hauser, en una perfecta elección de casting) que no abra la boca, que solo él puede hablar y que Richard se quedara callado sin decir ni hacer nada, para estos momentos ya sabemos como lo sabe también Watson que esto es imposible, cuando la policía llega a allanar la casa del sospechoso Richard no solo les ayuda y les da ideas repitiendo que los comprende ya que también es policía y que entiende que solo hacen su trabajo sino que dice ciertas lineas e ideas que solo lo hunden mas y mas, como apunte antes para este entonces este comportamiento no nos parece raro aunque si exasperante, mas que nada porque sabemos que Richard es un buen hombre, un americano con moral y ética intachable, buenazo, patriota, dedicado, profesional en su trabajo pero también es ignorante, ingenuo y demasiado quisquilloso en su trabajo lo que lo convierte en la presa ideal de la prensa y el gobierno.

Aunque para ser francos de no ser por lo quisquilloso e incluso paranoico que es no habría sospechado de una mochila que termino siendo una bomba puerta en los juegos olímpicos de Atlanta y que hubiera causado mucho mas daño de no ser detectado por este. Richard nos es presentando como un personaje ingenuo, incluso un poco bobalicón como indique antes pero con buenos sentimientos que hace migas con un abogado jugando videojuegos mientras sueña dejar la guardia de seguridad para convertirse en policía, en los juegos olímpicos Richard consigue empleo como guardia despues de fallar en un empleo policíaco y aunque añora ser policía de nuevo realiza su trabajo respetuosa y profesionalmente, tanto asi que va enfermo a trabajar y salva a muchísimas personas cuando descubre una bomba en una extraña mochila despues de algunas falsas alarmas que mando el hombre de días anteriores.

Para este momento vemos a Richard tener una fama y respeto que nunca había conocido pero que disfruta mas su madre que él aunque pareciera entender que por ahi esta su oportunidad de crecer profesionalmente, hasta que los medios inescrupulosos y liberales extiendan sus garras hacia él y lo tiren a los buitres de los medios informativos que solo buscan la nota y el rating y las masas que son manipuladas por ellos, en tanto el FBI solo busca un chivo expiatorio para mantener la tranquilidad de los civiles y el nombre en el extranjero y no hay nada mejor que usar a un tipo que tiene todo el perfil de un terrorista, ignorante, pobre, solitario, frustrado profesionalmente, sin pareja, sin amigos, que vive con su madre, que ha tenido problemas con sus jefes en trabajos anteriores y que gusta de las armas.

Como el traje de héroe le quedaba mal lo prefieren de villano y rápidamente lo estigmatizan, es asi como Richard Jewell se convierte en la victima perfecta del gobierno estadounidense y los medios que tienen tanto poder en ese país y en prácticamente todos los demas, las investigaciones, los interrogatorios, la persecución, todo se ve y se entiende como una excusa, una presión, una forma de destruir al pobre tipo cuyo unico defecto es no ser un modelo liberal, pero es aquí cuando el director Clint Eastwood dirigiendo con un clasicismo y una maestría encomiables saca a relucir su forma de pensar, no importa si tu pensamiento es conservador o liberal en cierto momento pensaras y casi gritaras a la pantalla, a esa rapaz periodista Kathy Scruggs (entregada Olivia Wilde) y a ese detestable agente Tom Shaw (Jon Hamm, bien) que dejen en paz al pobre de Richard, y en mi caso incluso al nefasto Bill Clinton que nos es presentando en imágenes televisivas y que se entiende o por lo menos eso da a entender la cinta, que es parte de esta mentira, una que hace romperse a la tranquila madre de Richard, Bobi (Kathy Bates, perfecta) en un gesto que hace que todos los que tenemos madre o abuela nos rompamos también.

Escribí que en cierto momento casi quise gritarle a la mentira que es Clinton y es justamente eso lo que molesta a los críticos de Eastwood, es cierto que la cinta tiene una obvia tendencia republicana echando sal a las heridas de los medios liberales y atacando las débiles organizaciones gubernamentales pero mas aun ¿no sera la reinvindicacion de un héroe común? del ciudadano común norteamericano que no tiene poses o comportamientos de héroe sino que simplemente sale día a día a hacer su trabajo con profesionalidad y seriedad, de esos que forman la norteamerica de antaño y que parecen anacrónicos en la actualidad, esos tipos que sueñan con servir a su pais y sus ciudadanos y solo son tratados como dinosaurios y enajenados, como el propio Eastwood lo ha sido, y la verdad sea dicha cuando esta forma de ver la vida se muestra con una maestría tal que va del suspenso al melodrama, al drama judicial, el suspenso y hasta una comedia negra y satírica delirante solo queda rendirse ante el genio de Eastwood y valorar como se debe al héroe común, y por ello mas valioso, que es Richard Jewell.

Calificación: Notable

Cinecritica: Parásitos

PARASITOS (PARASITE (GISAENGCHUNG, COREA DEL SUR, 2019)

Unos calcetines se estan secando frente a la ventana a ras de suelo por donde apenas entra la luz, ahí donde apenas se alcanza a percibir el alboroto de una calle saturada de basura y cosas, y donde un borracho orina un día y el otro también, la cámara baja y nos presenta al tranquilo Ki-woo (Choi Woo-shik, muy bien) quejándose porque la vecina puso contraseña al wifi, esto no solo afecta su entretenimiento sino que es usado como forma de conseguir trabajo y sobrevivir ¿de que otra forma podrían recibir mensajes y textos? asi con apenas unos segundos el maestro Boog Joon-ho nos explica quienes son los Kim y como viven, lo que sigue es su pelea por la supervivencia, desde el padre bueno para nada Ki-taek (el actor fetiche del director Song Kang-ho luciéndose como acostumbra), la madre arisca y huraña (Chang Hyae-jin), la cinica hija Ki-jeong (Park So-dam, maravillosa) y el mencionado chamaco callado pero astuto.

La familia sobrevive en empleos de la mas baja calaña como el doblar cajas de pizzas pero siempre con aspiraciones mas arriba, y funcionando como una familia/equipo de la mejor manera como se muestra en esa escena donde acorralan a cierta jefa para que contrate al hijo que no puede entrar a la universidad por cuestiones sociales y preferencias mas que por sus capacidades, dejan las ventanas abiertas para que el gobierno les fumigue la casa, tienen sus celulares pegados al techo para alcanzar la señal de algún lugar y hasta lo celebran brindando, es decir son una familia de pobres perdedores, literal y figurativamente, que no puede salir de su miseria y que tampoco parecen querer hacer nada para lograrlo, algo que mas adelante entenderemos como que no es que no quieran sino que no se puede, o por lo menos no de manera moralmente aceptable pero quizá si de otra forma.

Esta oportunidad les llega cuando cierto amigo de Ki-woo le propone entrar a cubrirlo en su trabajo como tutor de una adolescente ricachona dándole clases se ingles, como el chico no tiene los papeles su hermana ayuda a falsificarlos y ya dentro de la casa gana la confianza de la neurótica madre (esplendida Cho Yeo-jeong) y al ver una oportunidad mete a su hermana a la casa lo que despues se ira haciendo mas grande hasta que toda la familia Kim llegue a la familia Park para vivir de ellos como parásitos, aunque ¿no sera que los verdaderos parásitos no son ellos? despues de todo trabajan para lograr su cometido, son astutos y arriesgados, pelean y planean para lograr sus metas como un equipo, algo que no podemos decir de los Park que piensan como entes individuales, despues de todo el mundo esta a sus pies, desde el arrogante padre Dong-ik (Lee Sun-kyun), la insegura hija (Jeong Ji-so) hasta el malcriado hijo (Jung Hyeon-jun).

Pero Bong Joon-ho no sataniza a ninguno de los dos bandos, y a los que se sumen a estos, simplemente se enfoca en presentar sus defectos y virtudes, es decir los ricos que son ingenuos y amables viven alejados de la realidad y detestan a los que son pobres y consideran menos que ellos como lo refleja claramente un dialogo clave sobre el olor de los que viajan en metro, la peste de la pobreza, y los pobres que al ser parasitados por el sistema donde sirven a los ricos solo por la diferencia económica se ven obligados a aprovechar las debilidades del sistema para para parasitar a los de arriba y asi poder sobrevivir, aunque claro, los pobres parasitan el sistema y el dinero y hasta la vida de los ricos que anhelan y desean con desesperación, mientras que los ricos necesitan a los pobres para que les limpien, alimenten y trabajen, teniendo una vida comoda de lujos sin apenas mover un dedo o preocuparse.

Ambos lados de la moneda son parásitos, y por lo tanto culpables según el director pero uno no puede sentirse mas apegado a los Kim, no solo por su inteligencia y empresa sino porque simplemente son mas parecidos a uno, a la mayoria por lo menos, sumado a la paleta de colores con los que se representa a la familia, y esos ángulos donde siempre estan unos arriba de otros la cinta esta llena de simbolismos que inundan nuestro subconsciente y apenas dejan respirar, con unos colores elaboradisimos que suman a una fotografía bellisima de Hong Kyung-pyo que sigue una dirección milimetricamente exacta que peca de perfección uno no puede mas que sentirse maravillado de lo que puede lograr el cine, y por supuesto su perfecta edición que nos ayuda a sentirnos inmersos en la brillante trama escrita por el mismo director.

Hablando del guion este es uno de los puntos fuertes de la cinta, una historia inteligente que sugiere y denota en lugar de mostrar, y que cuando tiene que hacer esto ultimo lo hace con fuerza y rabia, claro que un guion sin una buena dirección no es nada pero la de Bong es perfecta, en ritmo, encuadre e imágenes, el tipo sigue teniendo la marca de la casa y la lleva al extremo, no solo en su obsesión por retratar las diferencias entre las clases sociales sino la facilidad con la que puede cambiar de genero de un segundo al otro, de pronto la cinta es una sátira mordaz, una heist movie, un thriller, una comedia de humor mas negro que el carbón, una cinta de suspenso hitchcockiana, un denso drama, una película tristisima, una cinta de terror, y lo que se vaya sumando sin nunca dejar de lado completamente el genero que ya toco, y los detalles, desde los objetos maca Hitchcock que son mas importantes de lo que parece hasta los diálogos cotidianos que cobran una fuerza inusitada, junto a las pistas que deja aquí y alla el director que solo recordamos cuando asimilamos las múltiples vueltas de tuerca que se suceden una tras otra.

Solo apunte el inicio de la trama ya que esta obra debe revisarse teniendo lo menos posible de información para disfrutarse a cabalidad, sus múltiples capas y lecturas, sus vueltas de tuerca, su perfección enfermiza en la puesta en escena, la exquisita música de Jung Jae-il y su importante mensaje son maravillosos, atención a algunas escenas majestuosas como la que implica cierto durazno, una lluvia tan hermosa como devastadora que nos deja bien claro las diferencias sociales, el vouyerismo de cierta escena tan hilarante como incomoda, la aparicion de un fantasma, los múltiples guiños cinefilos incluidos los de su recomendable filmografia ("Memoirs of a Murder", "Mother", "The Host", "Snowpiercer", "Okja"), y ese climax final que es tan devastador como maravilloso y que nos regala el mas cruel de los finales que ha entregado Bong Joon-ho, uno tan tranquilo como doloroso, la mas dura carta de realidad a millones de espectadores y el repetido mensaje de luchar por un futuro mejor.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Boda Sangrienta

BODA SANGRIENTA (READY OR NOT, EU, 2019)

La joven novia Grace (brillante Samara Weaving, un verdadero descubrimiento para un servidor) esta hablando con el espejo, se encuentra nerviosa pero ansiosa de casarse con su asquerosamente rico prometido Alex (Mark O'Brien) sin importar que su cuñado alcohólico (Adam Brody) le coquetee, que su suegro (Henry Czerny adecuadamente sobreactuado) la crea interesada y poca cosa y que la tia (Nicky Guadagni) la mire con mirada asesina, no solo ama a su marido sino que la bondadosa y hasta ingenua chica ha vivido en casas de acogió al ser huérfana como le comenta a su futura suegra (Andie MacDowell destilando clase y todavía siendo encantadora) y por lo tanto ansia una familia, y que mejor si esa familia es de multimillonarios que tienen mansiones gigantescas con pasadizos de servicio, cuartos de todo y un patio que parece bosque, aunque muy pronto nos damos cuenta que algo no esta bien, todo mundo le pregunta su esta segura y le aconseja escapar.

En cuanto se casan la chica es informada de que tiene que realizar un extraño ritual ancestral que realiza siempre la familia al acoger a un nuevo miembro de este "dominio" que comenzó vendiendo cartas y juegos de mesa y que en la actualidad tiene hasta cinco equipos deportivos, asi conocemos a los integrantes de la familia, tanto los de sangre como los que se añadieron como ella, todos personajes caricaturizados de los millonarios algo que le ayuda a la cinta porque para entonces los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett ya han dejado clara cual es su alegoria principal, tenemos al suegro seguro y confiado, la suegra amable y con clase, la tía frívola, el hermano borrachales, la concuña pedante (Elyse Levesque), la cuñada idiota (Melanie Scrofano) y el marido bueno para nada de esta (Kristian Bruun), sumemosle las tres criadas, la favorita, la bailarina y... la otra, junto al mayordomo melomano (John Ralston), con el tiempo cada uno mostrara otra cara, una acorde a la primera pero mas exagerada, una escondida, una mas oscura y algunas genuinamente ridiculas.

Grace debe jugar a media noche lo que indique la carta que saque de una extraña carta de madera que como cuenta el patriarca de la familia le fue dado a un ancestro de la familia por un tal señor Le Bail que todavía los sigue cuidando en la actualidad, puede ser desde ajedrez a un simple disparejo, pero a veces el señor Le Bail pide algo mas y aparece la carta de las escondidas la cual le aparece a Grace por lo que debe esconderse hasta el amanecer mientras los otros la "cazan", y muy pronto la chica se da cuenta que es de verdad, todos los miembros de la familia buscan matarla ya que creen que de no lograrlo todos morirán, de aqui lo que sigue es una exponencializacion lo que ya veníamos viendo, una comedia de costumbres de humor negrisimo que nos regala suspenso y horror por igual al mismo tiempo que se destapa como un festival gore sin desperdicio.

De aquí los efectos especiales prácticos, la cámara, el ambiente gótico, el escenario sobrecargado, las hilarantes lineas de todos, y por supuesto las groserías que escupe Weaving entre desesperada e incrédula mientras su vestido de boda se va desgarrando, rompiendo, destrozando, ensuciando y llenando de sangre hasta convertirse en un vestuario de batalla, con una fotografía exquisita y una banda sonora excelsa donde la película solo nos va ganando mas y mas hasta el impresionante tercer actos con sorpresas al por mayor y tantas vueltas de tuerca que nos deja boquiabiertos a cada momento y que siempre son congruentes con lo que vemos, y por supuesto la transformación de amable y tímida novia de Grace a una incansable luchadora que roza el cinismo, y por supuesto esos mensajes que tiene la cinta y que lanza como dardos envenenados.

El principal por supuesto la alegoría sobre los millonarios justo en la epoca en la que ya esta de moda atacar a esos parásitos en el cine, el otro mensaje de que nunca conocemos a la familia de nuestras parejas hasta que formamos parte de su familia es igualmente poderoso y reforzado por esa hilarante linea final, y otro mas, el como la familia es muy importante para todos, solo ellos nos conocen y nos dicen como comportarnos, despues de todo en cierto momento alguien dice que hacemos lo que sea si la familia dice que esta bien, pero me quedo con el primero, el mas filoso, como dice cierto personaje, en realidad los ricos son diferentes, y no hay mejor manera de decirlo que en esta cinta, no solo dice que son psicópatas en potencia sino que nos señala que tienen todos los defectos del mundo y que son tan inútiles que no pueden matar a una rubia escuálida, que practican cosas turbias, y lo mas oscuro, como abrazan inteligentemente al final, que todos los millonarios tienen trato con el diablo de una u otra manera, no tiene que ser literal pero si en la forma de comportarse, de enriquecerse, en su inmoralidad, y que esta afecta hasta a los mas pequeños que ya no tienen salvación como dejan claro en ese final de baño de sangre tan disfrutablemente culposo como políticamente incorrecto.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Exorcismo de Emily Rose

EL EXORCISMO DE EMILY ROSE (THE EXORCISM OF EMILY ROSE, EU, 2005)

Un medico llega a una solitaria casa en la América profunda donde una dolida familia lo espera al igual que un pragmático sacerdote que se encuentra, al poco tiempo queda claro que la muerte de la joven Emily Rose (esforzadisima Jennifer Carpenter) no fue por causas demoníacas sino totalmente naturales y de la cual es responsable el padre Richard Moore (soberbio Tom Wilkinson), despues de esto nos son presentados los demas personajes, principalmente una abogada agnóstica llamada Erin (Laura Linney, excelente) que toma el caso casi forzadamente al ver una oportunidad de crecimiento profesional, despues de todo acaba de salvar de la silla eléctrica a un tipo que todos sabían culpable, y por el otro lado el fiscal, un abogado creyente (Bruce Campbell, muy bien) pero que no tiene compasión en los juicios, quizá justamente porque no deja escapar a los culpables, principalmente a los que se creen pistoleros de Dios.

Ya con eso asistimos a un juicio que nos llevara la mayor parte de la cinta, un drama judicial muy bien escrito que nos emociona y nos ofrece giros y sorpresas al por mayor, con la suspicacia de los dos abogados, testigos y expertos en temas varios y por supuesto las infaltables pruebas, pero ademas la cinta tiene otro genero corriendo por sus venas y por el que la cinta es mas famosa, el terror, despues de todo asistimos a ver el exorcismo de Emily Rose, fallido es cierto, pero exorcismo al fin o intento del mismo, y la verdad es que también cumple con creces, todas las veces que entramos en ese terreno pantanoso del terror y mas aun basado en hechos reales la cinta cumple con creces, jugando ademas con la ambigüedad del suceso, abriendo la posibilidad de que todo estuviera en la mente de la sugestionable chica.

El director Scott Derrickson que también firma el guion logra conjuntar los dos géneros de manera soberbia no solo evitando que se estorben sino que se compensen, asi mientras el juicio avanza los flashbacks que vemos por las declaraciones nos presentan las dos caras de la historia, y vamos que el personaje de Wilkinson, ese padre Moore es maravilloso, primero un tipo huraño y ermitaño que solo se interesa por contar su versión y que cuando conocemos su historia y sus motivaciones nos gana totalmente, y mas aun con esa demostración de talento del actor que solo se permite romperse en el momento justo, Derrickson consigue trasmitir sentimientos en su historia y nos presenta dos tipos de direcciones, por un lado una pulcra e intachable durante el juicio y otra sucia, cuando Emily es acosada por los demonios y donde los que estan en el juicio son atacados por fuerzas oscuras de una forma que parece ser hasta documental en los sucesos ocurridos anteriormente e incluso en la actualidad fuera del juicio.

La historia real en la que esta basada no deja de ser fascinante y aunque la cinta guarda diferencias consigue lo que quería, y aquí hago un pequeño paréntesis en tratar de entender porque la cinta consigue tantas discusiones y diferencias de opinión, esta el que dice que lo engañaron y la cinta no es de terror, cosa que no entiendo ya que las escenas de terror con todo y ambigüedad estan bien logradas, y segundo porque cuando por fin se abraza el terror en el tétrico y tenebroso exorcismo la cosa solo puede dejarle los pelos de punta a uno, mas aun cuando por fin se revela la naturaleza de lo que acosa a la joven en una escena que debe de ser de las mas terroríficas que recuerdo, otros se quejan de la falta de fidelidad de la historia, de nueva cuenta eso es secundario, y por ultimo los que se quejan de que la cinta toma partido y muestra la fe de Derrickson y compañía.

Quizá es verdad que toman partido pero ¿eso vuelve mala a la cinta? ¿no tienen un mensaje todavía mas claro "Silence" del maestro Scorsese o "Hacksaw Ridge" de Gibson? y no por ello son peliculones en toda la regla, mientras la cinta muestre talento y calidad lo demas no importa, lo que se critica en ciertas películas adoctrinadoras, y si, también lo he hecho, es que son malas o se usan como excusa para mostrar un mensaje, aquí es todo lo contrario el mensaje se muestra a partir de una historia inteligente y bien contada, con un ritmo envidiable, una dirección exquisita, efectos prácticos que siguen funcionando perfectamente, actuaciones de ensueño y un sentimentalismo que simplemente gana, con una protagonista que sin creer comienza a dudar de su escepticismo por lo que le ocurre,  y otra virtud es que como mucho del mejor cine actual de terror prefiere dejarnos una sensación de incomodidad, de malestar, de autentico terror en lugar del susto fácil y los jumpscares, es tan buena que se da el lujo de contar con tres clímax, el exorcismo que nos deja incómodos y sintiendo escalofríos durante muchas noches, esa revelación del padre Moore que hará que hasta los mas renuentes suelten la lagrima y finalmente ese final inesperado pero congruente que nos deja una sensación de dolor si, pero de felicidad ante la tristeza de la vida y lo logrado, y porque no, hasta de la misma fe.

Calificación: Notable

Cinecritica: Venganza del Mas Alla

VENGANZA DEL MAS ALLÁ (REVENGE, FRANCIA, 2017)

Unos lentes de sol reflejan en colores vivos la majestuosidad del desierto mientras el rostro duro del millonario, de Richard (entregado Kevin Janssens) nos dice la clase de relación que tiene con la hermosa chica con actitud de lolita que vemos atrás, la preciosa Jen (majestuosa Matilda Lutz, todo un descubrimiento para un servidor), ya en tierra pronto entenderemos que su relación solo es carnal, el de amante joven y hermosa con rico casado en una paradisíaca isla, todo esta tranquilidad se rompe cuando llegan los dos amigos y socios también millonarios, que también quedan anonadados con la chica y que mas pronto que tarde causara un problema cuando el pusilánime Stan (graciosisimo Vincent Colombe) no distinga entre juego y realidad y viole a la chica, ante lo que el valemadrista Dimitri (Guillaume Bouchede) decida no meterse y mejor aun subir el volumen de la televisión para no escuchar los gritos de auxilio, esta manera de grabar la violación por parte de directora y guionista Coralie Fargeat es esplendida.

De manera inteligente se da cuenta de que no es necesario regodearse en la escena de la violación sino lo que sucede antes, desde la agresión anterior a esta donde el tipo supone que merece tener lo que desea y la atormenta psicologicamente y el otro que decide no hacer nada porque es mas cómodo, y es justo aquí cuando la cinta enloquece, si antes Fargeat ya me había ganado con los movimientos de cámara, los colores y la colocación de la misma aquí todo explota con múltiples sorpresas en el guión y aunque nos exige que dejemos de lado la verosimilitud lo cierto es que si abrazamos esta historia de venganza femenina con todo y su exquisito humor negro, violencia gráfica y caricaturesca y litros y litros de sangre vamos a disfrutar de un cóctel de muy buen cine, y si le sumamos los simbolismos que estan ahi colocados de manera inteligente nos seguiremos sorprendiendo de la inteligencia y astucia de la directora.

Ademas de una fotografía y un sonido esplendido que eleva aun mas la cinta junto a esa música de Rob que funciona perfectamente y esos experimentos creativos que sorprenden y agradan al mismo tiempo, al final creo que queda mucho mas que una cinta rape & revenge del monton y se nos entrega una cinta gore mas cercana al mejor Sam Raimi que abraza su mensaje de venganza de la mejor manera posible y donde los simbolismos convergen para no solo dar un mensaje feminista en el que  una mujer tiene derecho a ser tonta y coqueta sin que eso lo convierta en una cualquiera sino que también tiene un arriesgado mensaje en contra de los ricos, de la clase alta, de los privilegiados que no parecen ocupar trabajar ya que viven de nosotros y en lugar de eso usan su tiempo para cazar y llevar jóvenes amantes de vacaciones.

Una analogía de que los ricos toman lo que quieren justamente por ser ricos y poderosos y que nosotros mismos somos Jen, una persona que quieren que la noten sin importar el modo, es decir que queremos ser notados por los ricos y poderosos aspirando ser parte de su circulo como Jen quiere ser la mujer oficial, pero que para ellos solo somos carne de cañón intercambiable al que no le guardan ninguna estima y que se desecha a las primeras de cambio, que al no cumplir sus caprichos recibimos su ira y que por ningún medio nos dejaran obtener justicia, y si vamos mas alla, por los colores y la forma de ser, ¿no son los tres tipos Francia, EU y Rusia? uno toma lo que quiere aunque en el fondo es un cobarde resentido, el otro solo observa pero no hace nada para ayudarnos y la misma Francia tan orgullosa y autoelogiandose ¿no esconde la peor cara de todos detras de esa fachada atractiva y amable?

Calificación: Bien