Critica: Aun Estoy Aqui

"AUN ESTOY AQUI" ("AINDA ESTOU AQUI", BRASIL, 2024) DE WALTER SALLES

En una de las escenas más poderosas del filme, y del año, Eunice Paiva (Fernanda Torres, perfecta) llega a su casa en plena madrugada, sin hacer ruido, ve a sus hijos dormidos en sus camas, y a una de sus hijas acostada en su cama, pasa sin hacer aspavientos, se mete a la regadera y sufre en silencio, esta es una exquisita muestra, de la clase que muestran el director y su protagonista, de como contener sin dejar de mostrar el sentimiento interno de una persona, olvidando la

dramatización cada vez más usual en el cine, que lo va asemejando a esas novelas mexicanas donde para mostrar hay que exagerar, es decir, en manos menos hábiles y de menos talento esto se habría prestado para una victimización excesiva, con la protagonista llorando a tambor batiente, golpeando paredes, y gritando su dolor mientras se lo pasa a todos los demás para que la acompañen en un rito chantajista hacia el respetable, cada vez menos respetado, en lugar de eso Eunice hace lo que escribí, se toma un baño donde se talla con fuerza la mugre y con esos movimientos rudos de manos, ese encorvamiento de espalda, esa mirada perdida, la entendemos perfectamente, mucho mas cercana qué si hubiera hecho una escena.

Es abrazada por su hija Nalu (Barbara Luz) que la espera a que termine, y le pide que la deje descansar hasta el día siguiente, cuando despierta Eunice encuentra a otra de sus hijas, Eliana (Luisa Kosovski) acostada junto a ella esperando a que despierte, y luego recibe a todos con alegría y sonrisas, no hay quejas, solo resiliencia de una mujer que contagia a sus hijos una fuerza impresionante, en una situación donde cualquiera se derrumbaría, este es el sentimiento final que desea transmitir la cinta, por supuesto, estamos ante una dolorosa y encabronante crónica de un hecho real, la desaparición de una persona por parte de una dictadura militar, que con la excusa de detener comunistas asesino miles de personas, y somos testigos de la historia de una de estas familias destrozadas para siempre, porque como dice la matriarca familiar más avanzada la historia, no se puede olvidar el pasado, porque sería como si no pasó, olvidar a los muertos, y dejar esas manchas para siempre en la historia del país haciendo como que no existen.

Walter Salles entrega una cinta preciosa, que técnicamente roza la perfección, con esa fotografía en verdes grisáceos qué destila luz por todos lados, con un diseño de producción qué cae en lo enfermizamente quisquilloso al recrear la época de los setenta, y con música de la época que hacen imposible que uno no entre en la fantasía, además de escuchar sin cesar el soundtrack al terminarla, y con un reparto en estado de gracia que nos sumerge en la historia, Salles filma con clase, incluso las partes más duras y exigentes, porque apuesta por el amor en lugar de la crítica, el odio, o el chantaje, dando la obra que merece la mujer que lucho tanto contra una injusticia, además de que parece tener mucho de autobiografía, ya que en esa época el mismo Salles era un adolescente que disfrutaba al tiempo que empezaba a conocer el mundo, siendo amigo de Nalu, una de las protagonistas, se entiende por ello, lo personal que resulta para el director, y lo intimo que es la historia, de tal forma que la recreación de esa época es formidable, más que técnicamente, en espíritu.

Salles apuesta por presentar un inicio de cinta donde conocemos a toda la familia Paiva, desde su patriarca Rubens (Selton Mello), que es todo lo acuachador posible con sus cinco hijos -cuatro hijas, un hijo-, jugando al futbolito, prestando una camisa, aceptando a un chucho callejero, bailando cada que puede... como dice Eunice, es un niño más, ella tiene que controlar el  hogar, o por lo menos intentarlo, y vemos a todos bailar, jugar fútbol, practicar vóleibol, ir a la playa, nadar, tener reuniones un día si y otro también, ir al cine, escuchar música, y tomarse fotos, derrocharse amor, bromear, pelear, enojarse... así que cuando llega el momento donde los militares llegan como si nada a su casa, ya tenemos cariño por todos, y vemos como un acto tranquilo pero perverso destruye a una familia, a partir de entonces el tono cambia, los interrogatorios a Eunice son sombríos, oscuros, con tomas cerradas, y ausencia de música, y cuando la dejan salir vemos su lucha desesperada, por saber donde esta su esposo, y por mantener a su familia, sin nunca soltar una queja, sin dejar de sonreír, sin victimizarse, pero sin dejar de luchar aunque se quede sola.

Pero Salles nunca señala de manera directa, incluso muestra la faceta turbia de los revolucionarios, esos rebeldes de la dictadura, que tomaban embajadores como rehenes para liberar compañeros, haciendo que la situación cada vez estuviera más tensa, y notamos poco a poco que Rubens tiene algo que ver con ellos, se lo oculta a la familia, es reservado en el asunto, llegan mensajes que solo el recibe, atiende llamadas a espaldas de los demás, y si no contesta él cuelgan, es decir, sabemos que esta metido en algo y podemos intuir en que, pero nada nos prepara para lo que viene después, pero es importante señalar que no lo desvincula totalmente de responsabilidad, pero también deja claro que nada puede merecer lo que pagaron, al tiempo que entendemos que su privilegiada vida vino de su tiempo como diputado, donde además hizo valiosas amistades, y por ello el duro golpe de caer a ser de clase media baja cuando se desata el infierno, pasando de una casa donde cruzando una calle estabas en una playa preciosa, a vivir de arrimados en un sector urbanizado.

Es valioso mencionar que toda la ambientación cambia conforme se suceden las vivencias, después de la desaparición cambia no solo el tono de la cinta, sino la fotografía y ambientación, siendo ahora ocre y opresiva, pero aun así con momentos luminosos que brillan más que nunca, es impresionante el ambiente de tensión que logra cuando son abordados por los militares, la presión que uno siente cuando los secuestran, el suspenso cuando son vigilados, el dolor de buscar a alguien de quien se teme lo peor, pero más importante aun, los momentos álgidos que vienen de la tenacidad de una madre y esposa que no se rinde ante nada, que nunca se ve derrotada, que no acepta la victimización, que mantiene el temple en todo momento, y que siempre hace lo más adecuado e inteligente, sin que en ningún instante traicione su ética y moral, ni que ceda a los caprichos de sus hijos aun en medio del dolor. Con una elipsis majestuosa desde una feliz fotografía en las playas de Rio de Janeiro a otra cuarenta y cuatro años después, muy diferente, pero con las mismas entusiastas sonrisas.

Eunice se permite pocos momentos de sufrimiento -cuando ve a otras familia felices comer helado-, y siempre son mostrados con un gesto, una mirada, un labio tembloroso, un movimiento de manos, un tono de voz, un ritmo en la pronunciación, porque como aparento con esos asesinos que no tenía miedo, debe aparentar frente a sus hijos que no está destrozada, que la vida sigue, que no están derrotados, y lo transmite a su descendencia, con esa magnífica y espléndida escena de la foto, donde todos los integrantes de la familia se rehúsan a dejar de sonreír, "ah, el editor quiere que estemos tristes", "sonrían chicos, sonrían", ante la mirada desconcertada del fotógrafo y reportero, porque Eunice y su familia requieren sonreír, no para esconder su dolor, sino para mostrarlo valientes, porque esas personas que querían verlas derrotadas, destruidas, tristes, cabizbajas, vean que no es así, porque la mejor manera de retar a ese sistema -y a cualquier sistema asesino-, es demostrar que a pesar de todo somos felices, seguimos viviendo, y esbozamos una radiante sonrisa.

Calificación: Sobresaliente

Cinecritica: Mickey 17

"MICKEY 17" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS - COREA DEL SUR, 2025) DE BONG JOON-HO

Defenestrada por casi todo el mundo, está cinta de ciencia ficción no es tan fallida como se dice, quizá es el adjetivo que debe cargar al ser la siguiente cinta del genio después del clásico moderno "Parásitos", en realidad estamos ante una extravagante mezcla de géneros que no son ajenos al director y guionista, que esta vez apuesta por la ciencia ficción, la sátira y el humor negro dejando de lado el thriller que tan bien se le da, pero jamás dejando abandonadas sus obsesiones, que vienen a ser la encabronada crítica al capitalismo, y la lucha por el derecho de los animales, por que quizá esta es la perfecta pieza de acompañamiento de otra cinta del director, la sentimental

"Okja". Mickey 17 (Robert Pattinson, majestuoso) esta a punto de morir congelado en un planeta Inhóspito, su "mejor" amigo Timo (Steven Yeun) lo encuentra pero lo deja ahí, mañana te replican le dice al tiempo que esboza una sonrisa bobalicona, y se va mientras por otro lado llegan los habitantes de ese planeta, unos seres parecidos a cochinillas gigantes qué sin duda lo devoraran, "ojalá lo haga rápido" piensa Mickey, "sería mejor que morir congelado", y es así que en un largo flashback se nos cuenta su historia, desde un fatídico accidente que lo lleva a vivir con culpa, su intento de negocio junto a Timo qué solo causa que un usurero los persiga para deleitarse con su sufrimiento al verlos morir, aunque claro, solo si no pagan, el detalle, es que pareciera que no quiere que le paguen.

Con esta presión, y sin oportunidad de pagar, Mickey se enrola en una empresa que viaja por el espacio colonizando planetas, como no tiene virtudes que lo hagan especial aplica como "prescindible" sin leer la letra "chiquita", por lo que lo suben de inmediato, pero solo para que Mickey se de cuenta de que acaba de dar su consentimiento para que lo clonen/repliquen al morir con una especie de copiadora 3D, el detalle está, en que ahora hace los trabajos más riesgosos y difíciles porque si muere de todas formas tendrá otra vida ¿o no? Por lo que vemos a la inmoral empresa capitalista usarlo como conejillo de indias; lo envían al espacio a morir lentamente mientras los médicos se regodean sádicamente, prueban un artefacto mortal en él, le inyectan virus e intentan vacunas, y lo que se les ocurra, es decir, prácticamente todas las muertes son causadas por los mismos humanos y sus experimentos sádicos.

Por lo que queda claro que Mickey Barnes es el esclavo perfecto para el sistema, puede morir y renacer para trabajar de forma inmediata con los conocimientos adquiridos, es fácilmente  reemplazable por él mismo, nunca morirá por lo que siempre será una herramienta y lo más importante, jamás se quejara porque supone que ese es su lugar en el mundo, por supuesto todo cambia cuando volvemos al presente y Mickey 17 sobrevive y al llegar al cuartel se topa con Mickey 18 (otra vez un asombroso Pattinson en registro diferente pero familiar), pero como no se permiten "múltiples" -por la historia de una explicación que bien podría tener su propia cinta- solo uno de ellos puede sobrevivir, pero apenas estamos en este debate filosófico cuando la cosa se sale de madres, su amada Nasha (Naomie Ackie de "Blink Twice") intenta ayudar a ambos Mickey en tanto el líder Kenneth Marshall (Mark Ruffalo, pasado de rosca) quiere exterminar a los pobladores del planeta y de paso destruir la aberración de los múltiples.

Es aquí donde la mayoría de las personas se incomodan con la historia, se dejan de lado  los dilemas éticos/morales y sociales de que es lo que hace a un ser humano para entrar de lleno en la sátira capitalista con todo y personaje mitad Trump mitad Musk, pero Bong va más allá, con el personaje de la esposa Ylfa de Toni Collette nos dice que estos monigotes no son más que inseguros hombres ávidos de poder, y por ello muy manipulables, por lo que en realidad nunca son los que mandan, por lo menos no en lo más alto de la piramide, y uno más osado con el personaje de Daniel Henshall, una muestra directa de que los rostros del poder no deciden nada, pero si lo hacen estos entes que ahora están en medio de un genocidio sin que nadie diga nada, por ello este personaje se preocupa tanto por grabar y manipular la historia, es una decisión valiente del director. Lastima que esta vez sus ideas estén muy por encima de su ejecución, y es que Mickey 17 es una fascinante e hilarante cinta de ciencia ficción que ataca a todos, pero que no siempre cierra sus temas y que a veces no acierta, pero eso sí, siempre es muy ingeniosa y divertida, con una factura impecable y un final donde Bong por fin se da el lujo de ser optimista, y demostrar que claro que aborrece/odia el capitalismo, pero que aun ama más a sus personajes humanos por más imperfectos que sean.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Warfare: Tiempo de Guerra

"WARFARE: TIEMPO DE GUERRA" ("WARFARE", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2025) DE ALEX GARLAND Y RAY MENDOZA

Vemos a un grupo de soldados mirar con  entusiasmo un programa de aerobics, se ven felices, contentos, y hasta bromistas, pero todo cambia rápidamente cuando se dirigen a una misión de ¿reconocimiento? ¿de ataque? ¿de espionaje? y tomen a la fuerza la casa de un pobre iraquí que se ve obligado a permanecer encerrado en un cuarto junto a su esposa y pequeñas hijas, de ahí tendremos casi media película de la hora y media qué dura, donde vemos a estos soldados tomar puestos, hacer relevos, comunicarse por radio en jerga militar y esperar, esperar, esperar y... esperar que suceda algo o recibir una orden distinta, porque ni siquiera depende ellos, solo siguen ordenes así que no importa si los enemigos ya los vieron, los rodean o los atacan, solo siguen un proceso como si fueran obreros pero con rifle.

Esto debido a que el guion coescrito por su codirector Mendoza quiere ser lo más cercano a la realidad que se pueda, por lo que parece que estos soldados de elite casi todo el tiempo solo están esperando y haciendo tiempo pacientemente mientras matan el tiempo como pueden, algo que no dudo sea real, pero que afecta el interés en la historia, por fortuna a partir de un momento clave pasando la mitad de la cinta se desata el caos, la locura y la confusión, mostrando como estos pobres diablos solo intentan sobrevivir, aquí ni hay heroísmo, ni drama, ni siquiera emoción, solo miedo, errores, desmoronamiento, histeria y muchos heridos, mostrando como este grupo de Navys esperan ser rescatados mientras sobreviven a como pueden, en medio de sangre, vísceras, disparos, sangre, explosiones y alegatos.

Eso si, lo acepto, la factura técnica es muy buena, se le intenta dar un enfoque documental en el que se tiene éxito, con imágenes claras, sin aspavientos, sin banda sonora y muchísimo énfasis en el sonido que sin duda alguna, es lo mejor de la película, cada disparo, cada pisada, cada grito y golpe se sienten claramente, por lo que verla con el mejor equipo de sonido o en un cine a la altura - cada vez mas difíciles de encontrar - es la mejor opción para visualizarla, además el reparto cumple, en su mayoría jóvenes actores, pero algunos de ellos ya despegando, eso si, el que hace el papel del guionista director siempre parece más modelo que actor, pero supongo que lo escogió para dar esa imagen de si mismo.

Por desgracia la cinta falla en lo más básico, no conocemos a las personas, no nos interesan, no sabemos que hacen ahí, y ni siquiera los distinguimos, entiendo lo que querían hacer, que la historia que cuentan la vivió personalmente Mendoza, pero la ejecución no parece adecuada, o quizá no había nada que contar, a no ser que la guerra es mala claro, lo sabemos pero nunca está de más recordarlo, el detalle es que no parece lo antibélica que pregona ser, tiene un aire patriotero a final de cuentas, con todo y reuniones y fotos al final de los verdaderos protagonistas, que siguen siendo camaradas y Navys como si eso fuera bueno per se, y las ideas más interesantes no se profundizan porque no las vivieron los protagonistas, que serían esas vistas aéreas donde todos los humanos no son más que hormigas pixeladas enviadas a morir, y el pobre hombre Iraquí qué al terminar todo ve destrozado como destruyeron su casa... porque si, sin razón alguna, nomas porque se les antojo, justo como destruyeron su país, pero bueno ¿Qué se le puede hacer?

Calificación: Aceptable

Cinecritica: El Último Respiro

"EL ULTIMO RESPIRO" ("LAST BREATH", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2025) DE ALEX PARKINSON

El experto en documentales Alex Parkinson, entrega este thriller de supervivencia, basado en su propio documental del 2019, desgraciadamente aún no visto por mí, y le da la suficiente fuerza para lograr, que incluso conociendo la historia, uno se interese realmente, esto debido a un respeto enfermizo por todos los aspectos técnicos de la cinta, se nota que el tipo conoce el teje y maneje de este trabajo, y nos retrata la vida de estos trabajadores de forma realista, tomándose su tiempo, y nunca exagerando nada, le ayuda bastante el diseño de producción, qué apuesta por un realismo académico quisquilloso qué vuelve todo muy verosímil, con toda la maquinaria y los tecnicismos necesarios en este difícil trabajo, algo indispensable para una cinta que presenta una historia real.

Chris Lemons (Finn Cole, bien) es un joven escoses, que trabaja como buzo de tuberías submarinas, que transportan gas incluso a cientos de metros bajo el mar, donde la presión es excesiva, y la luz inexistente, por ello su esposa Morag (Bobby Rainsbury) siempre teme por su seguridad, ya en el trabajo hace equipo con el simpático veterano Duncan (Woody Harrelson dando el tono cómico) y el excesivamente serio Dave (esforzado Simu Liu), el primero intenta siempre dar su mejor cara liberando la tensión del ambiente, el segundo es casi un robot ya que piensa que cualquier distracción es un suicidio, y solo espera sobrevivir para volver a ver sus dos hijas. Somos testigos desde su llegada cuando hacen los equipos, su entrada en la cámara de compresión y el inicio del trabajo con la inmersión en la campara y luego en solitario.

Pero lo que debía ser un trabajo de rutina - desde el punto de vista de estos suicidas - se complica por una tormenta que causa olas qué embisten violentamente el barco, por lo que en cierto momento, la tragedia se hace presente, con el peligro de muerte inminente y un contador de tiempo que da poquísimo oxígeno mientras todos hacen lo posible e imposible para salvar una valiosa vida humana, desde los buzos en la campana hasta los integrantes del barco, sea el capitán jugándose la chamba en un momento de lucidez donde le da la espalda al capitalismo empresarial, el técnico destrozándose los dedos para poner el sistema operativo en forma manual, o el jefe (Mark Bonnar, bien) que intenta todas las opciones posibles aunque parezca que ya no hay esperanza.

Se logra el sentimiento de asfixia, de tensión, de premura, la desesperación de estar en completa oscuridad, del avance del tiempo y hasta un poco de terror, es cierto que no hay aspavientos, ni dramatismo exagerado, pero esto es algo a favor, en conclusión, el director y su equipo han logrado entregar una cinta realizada de forma profesional, justo lo que va de acuerdo con este tipo de hombres, y de esta manera homenajeándolos de la mejor manera, una donde prefieren volver al trabajo sin levantar polvo, y disfrutar una fiesta con sus amigos al tiempo que aman a su mujer, y si suena "Go Be Free" de Gabrielle Aplin mientras los vemos cerrar la cinta, uno no puede pedir mucho más, solo dar las gracias por un evento que no puede ser explicado, pero podría ser considerado un milagro, el vivido por un hombre con la tenacidad necesaria para volver a casa con su mujer.

Calificación: Bien

Critica: Echo Valley

"ECHO VALLEY" ("ECHO VALLEY", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE MICHAEL PEARCE

Kate (la siempre camaleónica Julianne Moore) mantiene a flote una granja ella sola, llamada Echo Valley, apenas pudiendo levantarse debido a una reciente pérdida, que inclusive causa que se le dificulte bajar los pies de la cama y plantarlos en el suelo, escuchando audios de su amor fallecido todo el día para que siga sangrando la herida, aún en su completa soledad no duda en pedir ayuda financiera a su ex esposo (Kyle MacLachlan en cameo) y llevarse bien con su nueva familia, pero en realidad Kate no es tan sensata como aparenta, solo falta que regrese su única y adorada hija Claire (Sydney Sweeney haciendo de chica que siempre toma la peor decisión, haz de cuenta ella en la vida real) para que pierda cualquier raciocinio, Claire es un desastre, una drogadicta que viaja de aquí para allá con un novio patán qué vende droga, la engaña y con quien se agarra a golpes, pero mamá Kate siempre la recibe de la mejor manera, con la esperanza de que, ahora si, de veritas, sea la vez que cambie su vida para bien.

Por supuesto Claire no parece tener esa intención por más que lo pregone, de buenas a primeras se va con el patán sin decir nada, sigue metiéndose sustancias a la menor oportunidad, no trabaja ni por error, y es capaz de amenazarla con dañar al adorable perrito de la familia con tal de que ceda a sus caprichos, y uno supone que todo lo que sale de su boca es mentira, aun así Kate no puede abandonarla, menos aun cuando al pelear con su novio tiro por accidente la droga de un peligroso traficante llamado Jackie (un perturbador Domhnall Gleeson) y ahora este los persigue, el novio de Claire, Ryan (Edmund Donovan) no tardará en mitotear donde vive Claire, por lo que Kate tendrá que salvar a su hija, primero de esa persecución, después de su novio al que no le importa nada la chica, de su deuda financiera y finalmente de un cuerpo que aparece súbitamente demostrando hasta donde llega el amor de una madre.

Es aquí que lo que parecía una drama rural de la américa profunda, se convierte en un tenso cine de suspenso criminal, y finalmente en un sádico thriller donde uno no puede evitar pensar que las madre sufren demasiado con nosotros los hijos malagradecidos, pero que aún así son mucho más fuertes de lo que uno podría llegar a pensar, un bien ejecutado thriller, mejor actuado y con una madurez no tan usual en el cine moderno, punto adicional para Moore qué sigue entregando buenas actuaciones, y que parece no cansarse nunca de su trabajo, y conservando esa belleza etérea que siempre la caracteriza, la tensión que logra Gleeson con pocos minutos en pantalla, y la belleza de Sweeney que por más que a uno cada vez le resulte más difícil empatizar con ella es imposible de negar, sin un ápice de maquillaje sigue luciendo espectacular debo confesar.

La idea más interesantes del filme por supuesto, es ese amor de madre que no puede ser apagado bajo ninguna circunstancia, ni siquiera alguien como Claire puede lograr que una derrotada Kate deje de amarla y preocuparse por ella, por más que uno quiera gritarle a Kate que no lo haga, que ya no crea en su hija, que no la ayude más, que no sea tan incrédula e ingenua, para Kate es imposible y uno lo sabe, uno también ama y el amor de una madre debe ser muy poderoso, por ello, a pesar de que Claire la deje varada con esa deuda impagable Kate no puede abandonarla, y nada tiene que ver con ser débil, como lo demuestra en esa astuta conclusión tan satisfactoria, Kate no es débil, es todo lo contrario, a pesar de que sospechemos que repetirá el error de siempre por ese fotograma final.

Calificación: Recomendable

Cinecritica: Vampira Humanista Busca Suicida

"VAMPIRA HUMANISTA BUSCA SUICIDA" ("VAMPIRE HUMANISTE CHERCHE SUICIDARE CONSENTANT", CANADA, 2023) DE ARIANE LOUIS-SEIZE

Cuando la reservada emo vampira del titulo (Sara Montpetit, bien) invita a su cantón - donde también anda de colada - al sensible adolescente suicida del titulo, él le pregunta haciendo platica, si existe algo que le gustaría guardar/conservar para siempre, en especifico alguno de los discos de su colección, a lo que ella responde poniendo un disco donde se escucha "Emotions" de Brenda Lee, y se suelta a bailar y cantar, mientras el joven intenta torpemente emularla, este momento sin duda, es el mejor de una cinta que regala momentos tan bellos e inspirados como este, en medio de una narración que nunca parece terminar de despegar, una lastima, ya que al inicio apunta de sobremanera, con una desangelada fiesta donde el payaso invitado termina siendo la merienda de toda la familia, frente a los ojos de una traumatizada pequeña (Lilas-Rose Cantin) que nunca termina de superar esto, a pesar de sus 68 años de edad cumplidos en el presente.

Como sus colmillos no salieron, sus padres la llevan con el medico - vampiro of course -, para descubrir, que al ver "Night of the Living Dead" no siente hambre ni exaltación, por el contrario sufre empatía, algo incompatible con un vampiro, y como su padre (Steve Laplante) buen rollo no la presiona, aun con las quejas de su madre (Sophie Cadieux), la chica crece comiendo las reservas de sangre que consiguen sus padres, hasta que llega el momento en que, como cualquier hijo zángano, es corrida del hogar, obligada a vivir con su severa prima (Noemie O'Farrell), quien no le da de comer y la presiona a cazar, causando incluso un zafarrancho que los lleva a tener otro vampiro, para entonces la chica ya ha conocido al suicida Paul (Felix-Antoine Benard) que fue el primero que le hizo sacar los colmillos, así que convenientemente se reencuentran en un grupo de terapia para suicidas, y el chico suma dos más dos con la confesión de Sasha, ofreciéndose como ofrenda-merienda de buena fe.

Los dos entienden esto, pero aun con eso, Sasha no se anima a cumplir el deseo del joven abusado por sus compañeros, se conocen más, y terminan en un viaje nocturno en búsqueda de cumplir todos los últimos deseos del chamaco, que van desde vandalizar un anuncio, revancha de su abusador principal, hasta despedirse de su madre, por desgracia nada sucede como lo planean, y este par de inadaptados se darán cuenta muy pronto - aunque a decir verdad uno ya sabe la respuesta a su soledad-, la tienen frente a sus ojos, así que que solo sigue que se den cuenta, es así que transita esta dulce, edulcorada y amable historia, donde ya sabemos que va a suceder, pero no como, y aunque por momentos se empantana un poco, la verdad tiene imágenes y escenas muy poderosas.

Desde ese inicio musical con ella tocando el teclado en medio de la calle, el ataque malogrado a un idiota al que nunca le para la boca, el sádico final del payaso fuera de cámara, el mencionado baile con Lee de fondo y los movimientos hipnóticos de la anciana vampira con esos penetrantes ojos, el abusado liquidando un murciélago, y el momento en que la muchacha por fin ataca, madurando al fin como vampiresa, para dar paso a un final esperado, pero aun así presentando con la misma ternura con la que fue llevada la cinta, a final de cuentas estos dos extravagantes inadaptados están hechos el uno para el otro, y cuando ellos descubren como alimentarse siendo humanistas, uno no puede evitar esbozar una sonrisa, tan ñoña como la cinta claro.

Calificación: Aceptable

Cinecritica: Desafiantes

"DESAFIANTES" ("CHALLENGERS", ITALIA - ESTADOS UNIDOS, 2024) DE LUCA GUADAGNINO

Dos jugadores están disputando un despiadado partido de tenis a finales de los noventa, se nota una gran tensión, indudablemente son rivales, y el director nos presenta tomas de los atléticos cuerpos en su máximo esfuerzo, empapados, acalorados, llenos de adrenalina, cual si estuviéramos ante una sensual representación simbólica de una relación íntima ¿entre dos enemigos? En tanto una mujer mira atenta en primera fila pendiente no solo del juego, sino de todo lo que hagan los dos jugadores, sus ademanes, sus gestos, sus tics... En tanto los espectadores no tenemos ni idea de que sucede, pero desde este momento Guadagnino nos tiene intrigados y gana por completo nuestra atención con ese desatado inicio donde parece que tenemos a dos personas teniendo intimidad por medio del deporte, algo que no esta nada alejado de la realidad ya que las mismas palabras son enunciadas por la protagonista en cierto momento del metraje.

Por cierto, la atención ganada ya no perderá durante toda la cinta, sin duda la mejor de su carrera para el director, sobre una amistad fraternal qué será reemplazada por un tenso triangulo amoroso, ya que el atrevido, desinhibido y fogoso Patrick Zweig (Josh O'Connor, bien) competirá con su amigo del alma, el frío, endeble y tibio Art Donaldson (Mike Faist, bien) por la atención de la inalcanzable Tashi (una brillante Zendaya en el mejor papel de su carrera), una apasionada y obsesiva tenista que tiene todos los reflectores y esta en camino de ser una estrella, además de dejar boquiabiertos a todos los chicos que la ven, así que Art y Josh, justo después de ganar el torneo de dobles, y a punto de enfrentarse en la final individual, conocen como no queriendo a Tashi en la fiesta de premiación de ella, y no dudan en ir tras la chica sin que se decante por ninguno de ellos, sino que aun a su "pesar" los haga luchar por su amor.

Es así que comienza una competencia al más puro estilo del cine antiguo, a la época de oro del cine mexicano, y mediados de siglo del norteamericano, donde dos amigos/rivales intentan ganarse el uno al otro, y como casi siempre, la manzana de la discordia es una mujer, todo esto con el tenis como telón de fondo, pero que no solo se remite a ser un decorado, o el ambiente de los personajes, por el contrario, este siempre se usa como metáfora de las relaciones, y la lucha por el poder, tanto así que su espíritu se traslada a la dirección, como en esa escena donde dos personajes discuten y la cámara va y viene entre ellos como siguiendo a la pelota en un partido de tenis, o la obsesión de Tashi por este deporte de manera sensorial, de tal manera que a pesar de ser una cinta increíblemente sensual no necesita sexo grafico, porque en realidad trata más sobre la sensualidad del poder, de la lucha de este, y como vuelve más atractivas a las personas.

Todo esto siempre con una gran carga erótica - no podía ser de otra forma con Guadagnino -, de tal forma que compartir un hot dog, pegarle un mordisco a un plátano, arrebatar un churro, o tocar un muslo se siente como algo muy tenso, y es que como les dice Tashi a los mejores amigos, ella no es una rompe-hogares, es decir, no quiere meterse entre ellos, porque sabe que a final de cuentas este par de compadres se quieren más entre ellos de lo que jamás querrán a una mujer, una regla que elige romper porque le encanta ser manipuladora, después de todo es mujer, disfruta tener el poder, como en esa escena de la habitación, lo que causa que inevitablemente la amistad tenga que quebrarse en algún momento, pero no sabemos como ni porque, y esos saltos en el tiempo de adelante para atrás a adelante, en medio, adelante, más atrás y un largo etc. que abarcan trece años, son muy bien usados para tenernos siempre pendientes de que sucedió, sucede y sucederá, por supuesto mención especial a esa hermosa fotografía y a la majestuosa banda sonora que cargan la cinta, y que entregan juegos tan dinámicos y emocionantes qué uno termina genuinamente interesado por los partidos.

Finalmente esto va sobre una amistad alimentada por la rivalidad, con una fuerte carga homoerotica, al final quizá el par de masculinos hombres solo pelean por la misma mujer porque no se animan a ser pareja entre ellos, y esos triángulos amorosos qué como en el cine de antaño se resuelven de una sola manera, ¿para que pelearse por una mujer si todas son iguales? ¿Si son tan cambiantes que solo persiguen la hipergamia? Y que, aunque las mujeres engañen, mientan, jueguen y manipulen, lo único que siempre queda es la amistad del amigo, una que puede darnos los mejores momentos como ese frenético clímax final con impresionante banda sonora que pone la piel de gallina y nos hace gritar junto a Zendaya "¡VAMOS!" en plan histérico al borde de las lágrimas de felicidad, aplaudiendo como desquiciada, en efecto, Guadagnino lo logro...

Calificación: Excelente

Critica: Telefono Negro 2

"TELEFONO NEGRO 2" ("BLACK PHONE 2", ESTADOS UNIDOS - CANADA, 2025) DE SCOTT DERRICKSON

Va la pregunta retorica de rigor ¿era necesaria una secuela del éxito en taquilla basado en un cuento corto de Joe Hill y extrapolado por Derrickson? por supuesto la respuesta es no, a menos claro que hablemos financieramente, y viendo el éxito de la primera ni Universal ni Blumhouse pudieron abstenerse de no obtener mas beneficios, sin más historia para contar -el cuento no tiene secuela- se opto por hacer todo más grande y estruendoso, de plano tomando, homenajeando y saqueando de otras cintas del genero, por lo que ahora vemos una especie de cinta slasher ochentera en su ambientación pero sin muertos, un villano con poderes muy parecidos a un personaje icónico de Wes Craven, y un estilo fílmico que esta tomado de la superior "Sinister", una cinta mucho más lograda del mismo Derrickson, y aunque el director logra algunos buenos momentos demostrando s talento, en general es una película que nunca termina de arrancar y por momentos desbarranca.

La historia empieza unos cuantos años después de que Finn(ey) (Mason Thames) acabo con el Grabber (Ethan Hawke), pero aun no supera lo que vivio por lo que es un violento drogadicto, por otro lado su hermana Gwen (Madeleine McGraw) esta teniendo vividos sueños donde camina dormida, llegando al sótano donde su hermano estuvo secuestrado, recibe llamadas de su mama, ve los asesinatos de tres niños, y es perseguida por el Grabber, ella decide que para detener esto y descubrir la realidad que la tortura debe ir a un campamento religioso donde trabajo su madre (Anna Lore), así que ella junto a su pretendiente Ernesto (Miguel Mora sin poder actuar) y Finn muy a huevo van al campamento invernal, para descubrir que se cancelo por una tormenta interminable y ahora están atrapados ahí, casi de inmediato el Grabber se comunica con Finn para amenazarlo con destruir todo lo que ama, y persigue a su hermana Gwen para liquidarla.

La premisa en si no es mala, con todo y que traiciona al de la cinta original, pero el problema es que esta muy mal ejecutado, y no me refiero a técnicamente, ya que Derrickson hace muy buen trabajo, logra interesantes secuencias de tensión-terror, con algunas imágenes poderosas, y un trabajo de edición en fotografía que tiene buenas transiciones entre sueños y realidad, pero el guion es lo que falla en demasía, la fuerza de la primera residía en lo sencillo del argumento, el terror de enfrentarse con un sádico psicópata y el poder de una niña creyente para encontrarlo, ademas con ayuda de las victimas que llamaban a través del teléfono negro del titulo, esta vez todo eso se ha abandonado, en pro de estridencia y exageración, teniendo escenas tan ridículas como esos giros interminables de la actriz como trompo que dan pena ajena, y es una lastima, porque no comienza tan mal, con las muertes de los niños y un misterio, pero conforme avanza abraza el ridículo y las conveniencias.

De tal manera que desde que se llega al campamento casi todo va cuesta abajo, no existe suspenso porque el Grabber se muestra ante todos a la primera oportunidad, sus poderes no tienen una lógica definida, así como Gwen que también van de acuerdo al poder del guion, la forma en que unen el pasado y muerte de la madre con ellos como elegidos es tan conveniente que uno no puede evitar poner los ojos en blanco, las escenas de enfrentamiento son más de acción que de terror, Finn no tiene arco, la forma en que resuelven las cosas con su padre es mala, el interés amoroso latino no aporta nada, todos los personajes parecen haberse reiniciado mentalmente, y algunas cosas de la trama son increíbles por lo tonto que resultan ¿están diciéndome que el tipo obsesionado con resolver las muertes de esos niños nunca unió las piezas de que el Grabber que trabajo en el campamento era el culpable? ¿nunca leían un periódico o que rollo? ni siquiera los actores demuestran su talento, ni McGraw que en la cinta anterior brillaba, bueno, aquí brilla en ese chantajista monologo final católico en un telefoneo negro, demostrando que es una buena actriz que debemos seguir, ojala le hubieran dado más conque trabajar.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Teléfono Negro

"EL TELEFONO NEGRO" ("THE BLACK PHONE", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE SCOTT DERRICKSON

El tranquilo Finney (Mason Thames) y su impetuosa hermana Gwen (una fantástica Madeleine McGraw) están viendo como un bully de la escuela recibe su merecido por parte de un niño pocho de armas tomar llamado Robin (Miguel Cazares Mora), casi de inmediato Finney es perseguido por otro grupo de bullies que lo acorralan en el baño donde es rescatado por Robin, que le da el consejo de que mientras más sangre mejor, así da un mensaje al publico, aparte de recomendarle "Texas Chainsaw Massacre" y pedirle ayuda con matemáticas, cuando llegan a casa Gwen esta siendo cintareada por su padre (Jeremy Davies) ya que no quiere que cuente sus sueños, "son solo sueños" la hace repetir una y otra vez al tiempo que la sigue golpeando, mientras la niña escupe rabia y lo mira desafiante, a lo que Finney solo puede ver mientras se lo come con la mirada y aprieta los puños, para luego ir a sentarse juntos viendo la tele con Gwen recargada en el hombro de su hermano que es incapaz de rescatarla.

Estos momentos de los setenta son lo más interesante de esta película, porque ninguno de los hermanos se victimizan ni quejan, saben como es su vida y se hacen fuertes para afrontarla, su día a dia es lidiar con profesores imperturbables, abusones de toda índole, padres alcohólicos, y para acabarla de amolar, con la desaparición de unos niños por un secuestrador al que los periodistas han apodado "The Grabber", todo esto sin que a nadie le preocupe demasiado, por supuesto, pueden ver prácticamente cualquier cosa para adultos y responsabilidades que los hacen madurar antes, por lo que, aunque sea más sencillo para los asesinos seriales campar a sus anchas, estos están mejor "preparados" para afrontarlos, aunque en realidad ¿Quién podría estarlo? por supuesto que Finney es secuestrado por el mago de marras que deambula por el pueblo con disfraz en una van y tiene la desfachatez de dejar globos negros como marca personal cuando se lleva a las victimas.

Finney es llevado a un sótano después de drogarlo, en el lugar esta el teléfono negro del titulo, un armatoste pegado a la pared pero desconectado "no funciona desde que yo era pequeño" le suelta el secuestrador, a lo que añade - "una vez pensé que sonaba", así que ya lo sabemos, más pronto que tarde el teléfono sonara, y desde el "otro lado" - nunca mejor dicho - se escuchara en medio de interferencia y en la lejanía las voces de las victimas anteriores que le cuentan al niño como quisieron escapar aunque hayan fallado, cada llamada es una victima diferente, ya ni siquiera recuerdan sus nombres, no saben donde están, pero tienen clara una cosa, su deseo de venganza, esto se nota con el reclamo vengativo de uno de ellos (Brady Hepner) y esto también es un punto muy interesante que si respeta del cuento original de Joe Hill - hijo de Stephen King - pero aquí esta mejor llevado, de hecho esta cinta se basa muy libremente en el cuento, del que toma la premisa y poco más, y se extrapola de tal manera que el guion de Derrickson toma mucho de sus propias vivencias, como el mismo ha platicado en entrevistas, a tal grado que comparte edad con el protagonista.

El caso es que cada llamada es diferente, una diferente victima, diferente pista, diferentes consejos y vivencias, y no parecen tener relación ni interacción entre ellos, haciendo que Finney sea el pivote entre ellos, esto ayuda a que nunca se sienta que se detiene el desarrollo, y que a pesar de estar en una sola ubicación se sienta diferente, todo esto dirigido con clase e inteligencia por parte del director, además de esta historia tenemos la historia de los sueños de Gwen que tiene un don que aterra a su padre, y donde la pequeña tiene mucha fe pero oscilando entre la duda y el reclamo,

algo que le da mucha fuerza a su historia, además de que la luchona niña es el mejor personaje, y hablando de personajes, Ethan Hawke quien siempre se había rehusado a interpretar a un villano construye uno tan interesante como repelente, un tipo elusivo que juega sádicamente - esos momentos con la camisa abierta y el cinto en mano -, que cambia de mascara de dos partes intercambiables dependiendo del momento y que con su timbre voz, sus movimientos corporales y una parte de la cara da tan mal rollo que uno tiembla desde el asiento, para muestra ese momento donde lo ve dormir y sus ojos llorosos destilan deseo, un momento tan asqueroso como escalofriante que Hawke logra con solo la luz de sus ojos, por fortuna Finney se convertirá solo en Finn cuando use todos los recursos que le han dado sus interlocutores, a su propia manera, y defendiéndose como se tenia que hacer en esos tiempo, como fuera y de quien fuera.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Paso del Diablo

"EL PASO DEL DIABLO" ("THE DYATLOV PASS INCIDENT", REINO UNIDO - RUSIA, 2013) DE RENNY HARLIN

Un grupo de exploradores nos explican lo que sucedió en los montes Urales en 1959, que es nada menos la extraordinaria e inexplicable historia real de 9 excursionistas liderados por Dyatlov - cuyo paso se nombraría en su honor - que murieron la noche del 2 de Febrero de ese año sin explicación que satisfaga lo que se encontró, ya que las tiendas estaban rasgadas desde dentro, dos de ellos estaban casi desnudos y con heridas de querer subir a un pino, otros murieron por hipotermia también sin ropa que los abrigue y los demás se encontraron un poco más retirados con golpes y heridas extrañas, algunos de ellos sin ojos, una persona sin lengua y otros con rasgos de radiación, debido a esto se han manejado múltiples teorías, desde la locura por hipotermia, la teoría de que el viento causa un sonido que causa locura en el ser humano, experimentos militares, el abominable hombre de las nieves, monstruos, causas naturales como un alud, tribus nativas asesinas y hasta alienígenas, todas ellas sin que den razones de peso para lo que sucedió.

Esta historia, real y sumamente interesante, es lo mejor que regala esta cinta del prolífico Harlin, para quien no la conocíamos es un suceso impresionante y del que se puede leer muchísimo, siempre manteniendo esa incógnita que quita el sueño, aunque siendo sinceros el prolífico Harlin logra entregar una cinta que en realidad aborda de manera curiosa el tema, aunque desde el inicio sepamos lo que les ocurrirá a estos despistados jóvenes que quieren resolver un misterio y que obviamente se convertirán en otro, todo esto se entrega de manera amena, y al final el director se lanza como trapecista sin red de seguridad en una media hora final que o amas u odias, porque como ya apunte, no se deja nada en el tintero, aquí no se deja la incógnita sin resolver, o se dan pistas, o se hacen algunas señalizaciones para que saquemos conclusiones, sino que nos dan todo directo, de tal forma que se abraza la locura en un máximo nivel. 

Esto creo que es un acierto ya que si algo puedo criticar del cansino genero metraje encontrado es que sus historias son muy cotidianas, comunes, estereotipadas, y si vas a experimentar con un genero que intenta salirse de lo normal pues lo mismo debería suceder con la historia, aquí por lo menos lo intentan. El grupo de jóvenes conformado por estereotipos va a una expedición para desentrañar el misterio del paso Dyatlov, Holly (Holly Goss) quien esta obsesionada con el tema, el aspirante a director Jenson (Matt Stokoe), el alivianado (Luke Albright), el patán mujeriego (Ryan Hawley) y la hermosa sin cerebro (Gemma Atkinson), desde que llegan a Rusia las cosas son raras, mienten diciendo que el único superviviente falleció, casualmente llegan al mismo lugar de donde salieron los de la expedición original, y una de las testigos esta segura de que no fueron 9 cuerpos sino 11 los que encontraron.

En el ascenso por la montaña aparecen huellas extrañas que pierden el rastro sin explicación, sonidos extraños sin lógica, y las pesadillas y sonidos que los dos protagonistas viven desde su niñez están en el lugar, además de una extraña puerta que se cierra desde fuera, lo típico del metraje encontrado donde sin lógica nunca se suelta la cámara ni se deja de grabar, además de que parece editado aunque se supone que no, pero como ya escribí, el final, desde el extraño alud a todas luces ocasionado la cosa se sale de control, y se le intenta dar explicación a todo, desde las luces del cielo, las huellas sin lógica, los dos cuerpos adicionales, la radiación, etc. y todo esto se hace sin aceptar una de las explicaciones, por el contrario, de forma desquiciante se abrazan todas y cada una de ellas, de tal forma que a las mencionadas tenemos experimentos también de los gringos, agujeros de gusano y paradojas espacio-tiempo, con todo esto hasta uno se olvida de los terribles efectos especiales y lo ridículo del metraje encontrado, después de todo, no todos los días se abraza la locura y el despropósito con gusto.

Calificación: Bien