Cinecritica: Un Buen Dia en el Vecindario

UN BUEN DIA EN EL VECINDARIO (A BEAUTIFUL DAY IN THE NEIGHBORHOOD, CHINA - EU, 2019)

Mister Rogers (esplendido Tom Hanks) entra por la puerta cantando que si queremos ser su vecino justo como en la presentación de su programa, que no había visto pero del que me volví fanático al ver su película ya que es un programa maravilloso de enseñanzas para niños y adultos, al cantarnos, cambiarse el saco y el calzado nos presenta al roto periodista Lloyd Vogel (Matthew Rhys, muy bien) como si fuera parte de su programa, el tipo aparece en una foto con el ojo morado y cara de ¿que carajo? mientras Rogers nos especifica que no solo tiene heridas en el cuerpo, también en el alma y mucho mas dolorosas, despues de este imaginativo inicio que nos recuerda la obra del casi protagonista, pero si alma, de la cinta rompiendo la cuarta pared es como entramos de lleno en la trama, pero hasta aqui es obvio que la ignorada directora Marielle Heller encontró la forma perfecta de presentar una historia asi.

Como el señor Rogers tiene una personalidad tan distinta a la del ciudadano común es difícil conectar con él y por ello los guionistas hábilmente nos presentan la historia real de un huraño y enfurruñado periodista con trazas de soberbia que es un amargado total, de tal manera que nadie quiere ser entrevistado por él por lo que la revista le pone el trabajo de la única persona que no le saca la vuelta, el héroe infantil Fred Rogers, quien esta encantado por conocer a Vogel, algo extraño tomando en cuenta que el periodista se dedica a escarbar cosas sórdidas y mostrar lo peor de las personas que investiga y entrevista, pero para Rogers es casi como un reto, no para demostrar que el conductor infantil es casi un santo sino para salvar a Vogel en esa espiral de autodestrucción y sufrimiento en el que vive.

Lloyd es asi porque su padre abandono su madre en un momento vital, no estuvo con ella en los momentos de su muerte y los abandono a su suerte, el tipo no puede pasarlo por mas que este lo busque para un perdona ahora que esta viejo, asi Vogel vive siempre enojado, con su padre, con los demas, con el mismo porque es incapaz de disfrutar de una esposa que lo ama, un buen empleo con una jefa que le tiene estima, una padre que busca su perdón y una bebe en camino que parece querer distanciar para no lastimarla en un futuro sabiendo que si hace eso de todas formas la lastimara, en las múltiples platicas de Rogers es donde la cinta se arma, con Vogel queriendo separar a la persona del personaje, algo que Rogers ni siquiera entiende, el es Mr. Rogers, asi se comporta en su vida personal, justo como en el programa, siempre haciendo buenas acciones, dando consejos, ayudando al prójimo, haciendo sentir valiosos a los demas.

Por mas que el periodista le pique la cresta no saca nada del buenazo y casi ingenuo tipo, cuya única preocupación es preparar a los niños para temas tan escabrosos como la muerte, el divorcio, la violencia, la guerra, etc. La historia avanza como una cinta de esas hechas para sentirse bien, una feel good movie, pero va mucho mas alla por la complejidad de la situacion, por tocar temas que no pueden dejar inerte a nadie, porque Fred Rogers es en verdad un santo en vida, una persona que resiste, es amable, bueno, sacrificado, entregado, devoto y recto en si andar cada segundo de su vida, que puede desviarse y poner tiempo de su parte solo por hacer sentir bien a alguien, que anota en su libreta nuevos nombres todos los dias para rezar por ellos, que ama a los "rotos" y "quebrados" como le suelta Lloyd en cierta linea clave de la cinta, y que recibe el amor y apoyo de una comunidad que lo ama y respeta justo como él con ellos, pero la cinta va mas alla.

La dirección de Heller con esas transiciones de maquetas y el formato como en el programa, el tono que nunca se vuelve sentimental ni chantajista y aun asi te hace llorar como un condenado y por supuesto las actuaciones, en especial la de Hanks que en una escena clave dice que para soltar la ira podemos aplastar todas las notas graves del piano al mismo tiempo, una muestra perfecta de que Rogers no es un santo ni nació asi, el tipo se esfuerza por lograrlo, los ademanes, la voz controlada, los labios apretados soportando la reacción de una pregunta insidiosa, esas notas tocadas por él en el piano cuando por fin tiene un momento de soledad, nos muestran que Rogers era humano, y uno maravilloso...

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Dolor y Gloria

DOLOR Y GLORIA (ÍDEM, ESPAÑA, 2019)

Salvador Mallo (Antonio Banderas en una de las mejores interpretaciones de su carrera) comienza la cinta hablándonos sobre sus problemas, sus dolores físicos que van desde la columna, al estomago, jaquecas, etc., y los espirituales que no dejan descansar su alma en paz, ya sea por su soledad o sus amarguras sobre el pasado, todo esto despues de unos bellisimos créditos seguidos de unas gráficas donde Mallo nos explica sus dolencias y suelta algunas lineas delirantes "cuando tengo mas de un dolor creo en Dios, cuando solo tengo uno soy ateo", y no solo es eso, estas son las excusas para un director de cine que se encuentra sin inspiración, en un bloqueo artístico que solo le permite estar al pendiente de sus dolencias, y que ademas carga muchos demonios internos de su pasado, pero esto cambiara cuando una cineteca le pida presentar una de sus primeras películas que es ya considerada un clásico.

Y por petición de los mismos contacta al protagonista de la misma con quien no habla desde que terminaron de grabarla, el actor venido a menos Alberto Crespo (Asier Etxeandia) que acepta atenderlo y con ello regresar un poco al foco, en tanto que Salvador empieza a probar la droga con él y esta ademas de hacerle olvidar sus dolores por momentos lo lleva a recordar vividamente su infancia, desde que era un pequeño niño viviendo en un humilde pueblo de cuevas con una madre luchona que no se rinde ante nada, la sensual Jacinta (Penelope Cruz, bastante bien) que hara hasta lo imposible porque su hijo salga adelante, aunque esto signifique mandarlo a un colegio religioso donde al niño apenas le enseñaran algo porque tiene bonita voz y solo se enfocan en eso, pero también los amores del pequeño con el cine, como lo descubrió y aprendió a amarlo y como fue construyendo su obra.

En tanto en el presente Salvador esta cada vez mas aquejado por los dolores y ahora es drogadicto, le espeta a Alberto que rompió su promesa y se drogo con algo que hacia su personaje taciturno en lugar de viviracho como el quería, se encuentra con un viejo amor (Leonardo Sbaraglia) que ahora tiene esposa e hijos, y no se permite un desliz, y finalmente se permite recordar el pasado totalmente para poder afrontar con fuerza el presente que lo aqueja, es asi como el primer deseo, una obra sobre su primer vivencia sexual que lo marcaría de por vida le permite volver a ser el de antes, pelear contra la drogadiccion, y no permitir que los dolores afecten lo que mas ama en su vida, es decir escribir y el cine, y por supuesto todo esto gracias a ese bellisimo y doloroso recuerdo y al recuerdo de su madre, ya sea la inagotable Jacinta joven, o la cariñosa y resentida Jacinta en la tercera edad (notable, Julieta Serrano).

Justo esta relación con su madre es lo mejor de la cinta, no solo porque la mujer es una abnegada e ingobernable dama que no se rinde con nada, sino por sus costumbres recatadas y su gran fe que difieren con las de su hijo al que nunca vemos juzgando por mas que ella sea la primera en sospechar que es su hijo cuando llega despues de ese desmayo infantil, al final le recrimina mantenerla lejos, que no haya aprendido a amar lo que ella, y que no entienda sus viejas costumbres, toda una oda de amor a una mujer que como Almodovar muestra de nuevo no solo son lo mas importante para nosotros, sin importar preferencias sexuales, porque ellas nos forjan, guían y protegen como nadie mas lo hará, por lo demas una cinta que se disfruta mucho mas entendiendo y referenciando los planteamiento metafísicos, que si aquel actor es este, que si la que lo cuida es Carmen Maura, que si se refieren a esa o aquella película, es decir el director es consciente de lo que es valorado y amado y lo aprovecha pero el problema es que los que apenas lo conocen o conozcan no disfrutaran este juego, Salvador Mallo es Almodovar hasta por vestimenta y peinado, aunque si de una buena cinta con un final hermoso.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Hombre Invisible

EL HOMBRE INVISIBLE (THE INVISIBLE MAN, AUSTRALIA - EU, 2020)

Una mujer esta acostada con los ojos muy abiertos y se quita de encima la mano del hombre con quien duerme a quien ha drogado y que ademas le tiene un terror bestial, esto no lo sabemos con dialogo sino por la grandiosa puesta en escena de un ascendente Leigh Whannell, el colaborador habitual de James Wan, guionista de algunas cintas de la saga "Saw" y de la saga "Insidius" ademas de debutar con la tercera parte en la dirección, pero de esa película blanda y mala a esta tenemos un abismo de talento, Whannell filma con clase y seguridad, y nos regala grandes momentos como este inicio con los detalles ya mencionados, las cámaras, el plato del perro Zeus, y hasta una inoportuna alarma que termina en una carrera donde en unos segundos reafirmamos lo que temíamos, Cecilia (majestuosa Elizabeth Moss) es alcanzada por un segundo por su perseguidor y con eso entendemos todo, por ello lo que viene despues con ella escondida en casa de un amigo policía sin poder salir a la calle ya que cualquier situacion y persona la alteran es entendible.

O por lo menos es asi hasta que su hermana (Harriet Dyer, bien) le informa que su marido se suicido y que ya no tiene nada que temer, Cecilia se resiste a creerlo pero al final tiene que aceptar que ya puede empezar a dejar su pasado atrás y con todo y fortuna heredara de su marido, un genio de la óptica y multimillonario que había convertido su vida en un infierno manipulando su forma de vestir, actuar y hasta pensar, golpeándola y abusando de ella un día si y el otro también, pero algo no deja a Cecilia tranquila, mas adelante ella soltara un dialogo clave que explica su sentir, pero también para nosotros es obvio, despues de todo la cinta es sobre el hombre invisible y el marido de Cecilia es un genio óptico, atando cabos sabemos lo que pasara y no tarda en llegar que la vida de Cecilia se convierte de nuevo en un infierno, su cordura queda en entredicho con todos ya que ella y solo ella piensa que el tipo la acosa y la tortura siendo invisible.

Por supuesto aqui es donde el guion de Whannell muestra sus mas obvios simbolismos, nadie le cree a la mujer, ni su unico familiar, ni su amigo, menos la chica que solo se lleva bien con ella porque le paga la universidad y por supuesto no la policía que solo ve a una mujer histérica que no puede dejar atrás el pasado, justo como sucede en algunos, varios, muchos casos de la vida real con maridos y hombres abusivos que son un ejemplo para la sociedad, eso es justamente Adrian (Oliver Jackson-Cohen), un genio encantador y bien parecido que debajo de una fachada amable esconde un sociopata narcisista que se cree merecedor de todo y de todos, por ello mismo lo unico que no cede ante él es lo unico que desea al punto de obsesionarse y pasar todo el tiempo torturando a su mujer, tomándole fotos dormida, pisando una sabana, quemando un desayuno, saboteando su entrevista, drogandola y finalmente dándole donde mas le duele apartándola y aislándola para tomar lo que mas quiere.

Justo eso es lo mejor de la cinta, el terror psicológico y la ansiedad que nos causa un tipo revanchista y egocéntrico que justo no puede dejar a una mujer en paz porque ella no lo necesita, mostrado con los encuadres para dos personas donde no se ve nada, la cámara tomando un lugar vació donde suponemos esta el psicópata, y las múltiples formas de tortura que llegan a un clímax inusitado, y la banda sonora sigue brillando, como también lo hace ese tercer acto donde la cinta abandona la cautela y se destrampa de forma tal que no podemos creer lo que vemos y por supuesto ese acto final donde la venganza llega a su máximo mostrándonos una mujer fuerte, independiente (¡por fin!) y empoderada, pero ¿a que precio? la miramos, la admiramos y le tememos porque se convirtió en algo mas parecido a lo que odiaba.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: En la Hierba Alta

EN LA HIERBA ALTA (IN THE TALL GRASS, EU, 2019)

Otra adaptación de una historia de Stephen King por parte de Netflix, esta vez una historia del maestro del terror co-escrita con su hijo Joe Hill, y desde este humilde asiente la cinta me parece la mejor de las adaptaciones del escritor que tiene la plataforma, mucho tiene que ver que el director y guionista sea Vincenzo Natali que regresa a lo que ama, el cine, y en especial el cine laberíntico y ambiguo, desde el inicio la cinta nos muestra sus cartas, dos hermanos estan viajando por la carretera, Becky (Laysla de Oliveira) una chica embarazada y su hermano/perrito faldero Cal (Avery Whitted), cuando se detienen escuchan la voz de un niño pidiendo ayuda desde la hierba alta, cuando entran no solo no encuentran al pequeño ni a su madre sino que ya no pueden salir de ahi y ni siquiera encontrarse, muy pronto nos damos cuenta de que la hierba hace lo que quiere, traslada a todos al punto que desea, manipula el tiempo y el espacio y por ende se crean diferentes versiones de los protagonistas que pueden converger extrañamente en el mismo momento.

Tobin (Will Buie Jr.) es el pequeño que se supone seria rescatado pero termina siendo el que da la información clave a los hermanos para intentar salvarlos de su padre Ross (Patrick Wilson, el mejor de la cinta por mucho) que se encuentra bajo la influencia de la Roca, un extraño monumento que se encuentra en el centro del laberinto creado por la hierba y que entendemos es el causante de todo, una especie de ente/poder ancestral que tergiversa y manipula todo lo que sucede en el territorio que controla, vemos a los protagonistas luchar y sufrir tratando de escapar de este infierno inteligentemente retratado por Natali y con una fuerza descomunal como villano, y por supuesto a un Wilson divirtiéndose de lo lindo, por ahi hay algunas escenas fuertes, violentas, con mucho suspenso, y algunas tan terroríficas como un feto siendo devorado.

El problema es que cuando entra en escena Travis (Harrison Gilbertson) la cosa empieza a perder la lógica, y no me refiero a las diferencias de los saltos temporales o demas sino a que algunas versiones de los personajes desaparecen convenientemente y hacia el final la cinta peca de un final edulcorado que no cuadra y que ademas rompe la lógica que nos ha vendido, una lastima porque hasta los tramos finales Natali nos había entregado una buena cinta que solo tenia como defecto un abuso de ciertos efectos especiales donde no los necesitaba, aun asi es una interesante cinta que nos retrata un terror mas parecido a maestros como Lovecraft que al mismo King y eso se agradece aunque al final se decante por el estilo King en ese final pensado en hacer sentir bien al espectador aunque tengo entendido que esta vez el error no viene en la historia original por lo que es un pecado de Natali, ¿quizá de la misma Netflix que no quería un final oscuro?

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: El Juego de Gerald

EL JUEGO DE GERALD (GERALD'S GAME, EU, 2017)

Desde el inicio supuse hacia donde iba esta cinta de Netflix basada en el libro del maestro del terror sospechosamente prolífico Stephen King, y es que el director Mike Flanagan mas que terror es director de dramas, o por lo menos dramas de terror, o eso es lo que me ha tocado ver de él en las cintas que me ha tocado visionar y esta vez no es la excepcion, un matrimonio con algunos años encima van se toman unos días en una cabaña lejos de la civilización para tratar de salvar su matrimonio con un juego en el que la mujer es esposada como un fetiche para el marido, es decir el seguro abogado Gerald (Bruce Greenwood) imponiéndose a la sumisa Jessie (Carla Gugino cargando la cinta sobre sus hombros y saliendo avante), en cierto momento al tipo le empieza a dar un infarto por culpa de la pastillita azul y cierto empujón de su esposa terminan el trabajo.

Asi Jessie queda esposada a la cama, sin nadie cerca, en un lugar solitario y sin posibilidad de que alguien venga, y lo que es peor, con la puerta abierta que aprovecha el "Cujo" de turno para empezar a comer el cadáver de su marido y quizá despues a ella misma, por lo que su mente comienza a divagar y ella a enloquecer, hablando con su propia versión de Gerald que aqui si es franco y ventila todos los problemas del matrimonio, una versión luchona de ella misma, y empieza a recordar el pasado mientras el hambre y la sed comienzan a pasar factura, es asi que tenemos dos cintas, una de supervivencia donde la mujer hace hasta lo imposible por un sorbo de agua, donde el perro es un peligro latente y donde un tal Moonlight Man (Carel Struycken) se le presenta como presagio de la muerte misma y donde no sabemos si lo imagina o es real.

La otra parte es la dramática, su pasado traumatico, donde conocemos al bastardo de su padre y como ella repite el ciclo porque en realidad nunca supero lo que sucedió durante ese eclipse rojo y lo que representan las esposas, el problema es que esta parte toma demasiada importancia y se alarga en demasía lo cual resulta cansino porque desde que no quería ponerse las esposas supuse que era por algún trauma de su niñez y ya esperando esto solo quedaba como lo presentaban y Flanagan lo presentan de la forma mas convencional posible, eso si, al parecer es muy fiel al libro, y lo creo porque ese final alargado donde el clímax queda muy atrás y seguimos viendo la vida de la protagonista y hasta una revelación ya tardía e innecesaria y ese enfrentamiento donde ya miramos la hora, una lastima porque tiene buenos momentos, buenas cosas y una Carla Gugino fenomenal y guapísima.

Calificación: Palomera 

Cinecritica: Los Dos Papas

LOS DOS PAPAS (THE TWO POPES, REINO UNIDO - EU - ITALIA, 2019)

La cinta del internacionalizado Fernando Meirelles comienza de buena manera con un conflicto dentro del vaticano tras la muerte del popular Juan Pablo II, es decir los conservadores con los liberales, ¿o progresistas?, unos representados por Joseph Aloisius Ratzinger (Anthony Hopkins haciendo suya la cinta) y los demas por varios pero en especial por Jorge Mario Bergoglio (Jonathan Pryce, bien) que termino siendo el unico que le dio batalla al cardenal aleman que era la mano derecha y la parte pensante y filosofica del papa anterior, asi despues de que Ratzinger se convirtiera en Benedicto XVI pareciera que veremos una historia de conflicto, traiciones y política sucia pero en lugar de eso vemos a Bergoglio siendo amado por todos en Argentina mientras pide su renuncia al papa en turno que esta hasta el cuello de problemas por culpa de la corrupción descubierta por un filtrador y los inacabables problemas de pedofilia.

Ratzinger le pide a Bergoglio que vaya a visitarlo y aunque este desea hablar de su renuncia el primero evade el tema y discute y debate con este sobre temas que le interesan, su postura sobre la homosexualidad, la pedofilia, el aborto, el celibato de los sacerdotes, la comunión de los excomulgados, y un largo etc., así mientras vemos como los dos pelean con agudeza también somos testigos de la vida de Bergoglio en flashbacks desde que era un niño hasta como líder de los jesuitas y su misteriosa relación con la dictadura argentina, y aunque es un deleite ver a estos dos actores en un duelo actoral, y en especial a Hopkins, la verdad es que la cinta va perdiendo el poco filo que mostró en cierto momento y termina siendo una historia que en lugar de enfrentar y poner sobre la mesa los problemas de la iglesia católica termina librando de culpa a los dos papas del titulo, a uno de sus equivocaciones "sin mala intención" de la dictadura y a otro de los casos de pedofilia aunque el mencionado ni siquiera le correspondió a él.

La cinta es demasiado amable y se siente poco sincera, ademas Meirelles graba casi en modo tele-filme y las pocas veces que se atreve a mostrar un simbolismo o algo asi termina dando pena ajena, eso si, acepto que las locaciones son hermosas, y aunque al inicio me preguntaba como consiguieron el permiso de grabar ahi la duda se despejo muy pronto porque es obvio que la cinta es un panfleto del nuevo papa Francisco ya que no solo libera de culpa a este por sus delitos pasados sino que lo presenta humano y cercano a la gente, con esa falsa humildad que Ratzinger solo menciona en una ocasión, de lo mejor de la cinta junto a esa linea de que Bergoglio no es Dios sino una persona, algo que el argentino no parece entender del todo, y por supuesto ese Franciscanismo de Meirelles que ademas nos presenta a Ratzinger como alguien hambriento del poder primero, y luego demasiado débil para sostenerlo, junto a detalles de corrupción, falta de humildad, problemas para entender a la persona común, y una arrogancia que no parece creíble, eso si, Hopkins es tan buen actor que termina ganando la partida y su papa Benedicto nos gusta mas, termina siendo mas carismático y sincero y hasta uno se divierte cuando ven la final del mundial juntos porque sabe que el pobre anciano despreciado e incomprendido por lo menos le ganara una al ahora papa Francisco.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Judy

JUDY (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)

He leído y escuchado en todas las criticas que Renée Zellweger imita de manera magnifica los ademas. posturas y gestos de la leyenda Judy Garland, y lo ven como un gran logro digno de que gane todos los premios habidos y por haber, pero me pregunto ¿la actuación es igual a imitación? como un loro que aprende a hablar por repetición a Zellweger como al Freddie Mercury de Rami Malek y muchos mas actores de biopic, la mayoria premiados, les basta con copiar y repetir gestos, ademanes y tics cuando la actuación va mucho mas alla, y no tiene que ver con esos detalles o el parecido físico sino a poder mostrar el alma de la persona representada y que la veamos como a ella misma, no que digamos "ha mira tiene el mismo tic", en fin es lo que hay en este nuevo mundo de cinefilos que tan confundidos parecen estar y hasta uno mismo se contagia de esas malas costumbres, la prueba esta en esa malograda actuación de Malek en "Bohemian Rhapsody".

Todo esto viene a colación porque lo mas llamativo de la película de Rupert Goold es justamente la actuación de la reaparecida Zellweger que principalmente intenta copiar ademas y posturas de la gran Judy Garland, pero todo el asunto termina siendo caricaturesco, sobre todo cuando la actriz saca a la luz sus conocidos gestos y ademanes característicos, aunque para ser sincero Zellweger esta muy por encima del mencionado ganador del oscar, por lo menos ella en ciertos momentos si parece conectar con la actriz (y ella si es la que canta y aunque no es Garland no lo hace nada mal) y deja de mostrar maniqueísmos para entregar una actuación real donde pareciera que estamos viendo a la persona en cuestión, el problema es que no es todo el tiempo y sumado a una cinta que parece no ir a ningún lado y que apunta a muy poco apenas contándonos las ultimas semanas de Garland, la verdad es que desilusiona.

Judy (la mencionada Zellweger) esta en quiebra y apenas sobrevive gracias a su fama y pequeñas apariciones donde siempre lleva a sus pequeños, con su ex a punto de quitarle la custodia decide hacer unas presentaciones en Inglaterra donde todavía la quieren y aclaman y ganaría mucho dinero en poco tiempo, el problema es que para Judy no sera sencillo pues las drogas, el alcoholismo, la ansiedad, los fantasmas de su pasado (mostrados en flashbacks con una joven Judy (Darci Shaw) en medio de la grabación del "Mago de Oz") y los problemas de maridos mantenidos no la dejaran jamas, tanto asi que la mujer termina sencillamente derrotada aunque para nosotros ha resultado tan frió y distante el recorrido que no nos importa mucho, pero Garland es Garland y solo esa escena final con el publico que la abuchea, la ovaciona, la odia y la ama se entrega a ella por un momento y la ayudan a cantar "Somewhere Over the Rainbow" cuando ella se quebra no queda mas que rendirnos a la cinta, o mejor dicho rendirnos ante el talento y la imagen que tenemos de la maravillosa actriz y cantante.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Faro

EL FARO (THE LIGHTHOUSE, EU - CANADA - BRASIL, 2019)

El cojo marinero Thomas Wake (Willem Dafoe, sobre-actuado) y el joven ex-leñador Ephraim Winslow (un desatado Robert Pattinson) llegan a una isla de nueva Inglaterra donde se verán obligados a pasar cuatro semanas cuidando el faro hasta el siguiente cambio de turno, ahi se supone que los dos se turnaran el cuidado del faro pero de forma imponente el viejo lobo de mar Thomas se apodera del mismo y le deja todas las actividades cansinas y pesadas a Ephraim que las hace de no tan buena gana, asi el tipo se pone a fregar pisos, limpiar cisternas, palear carbón y un larguísimo etc. que parece no tener fin, en tanto el viejo pedorro solo se la pasa en la noche en la luz del mismo faro y duerme el resto del día, solo levantándose al anochecer para comer y ponerse una buena borrachera, y aunque al inicio el chico se niega a caer en las garras del alcohol poco a poco cederá ante el viejo y también ante sus instintos mas básicos.

Masturbación, sueños de sirenas, alucinaciones que no van a ningún lado, Ephraim poco a poco perderá la noción de la realidad mientras se emborracha con el anciano y este lo increpe y le diga cosas contradictorias todo el tiempo, tanto asi que nosotros mismo terminaremos confundidos y sin saber que creer, por ahi se asoman cientos de simbolismos, que las gaviotas como guías de las almas de los marineros, que el faro casi como un anhelado símbolo falico, la tormenta como demostración de locura y estar ahogado en alcohol, y por supuesto la preciosa fotografía que nos remonta al impresionismo alemán con un sonido donde cada crujido y graznido se sienten en lo mas profundo de nuestro ser, y dos actores que dan todo de si aunque se sobreactuan causando tanto terror como humor mala leche, que supongo que era la intención del director y guionista Robert Eggers.

El problema es que si dejamos de lado los planos casi perfectos y los logros técnicos y artísticos de la cinta la verdad no tiene tanto que ofrecer, una historia sin pies ni cabeza que termina siendo cansina por lo repetitivo del asunto, desde muy temprano suponemos que el protagonista cederá a la locura, y solo se reitera en el asunto con larguísimos monólogos de Dafoe y un Ephraim que esta tan o mas confundido que nosotros, sobre las teorías que yacen en la cinta si bien es verdad que son muchas y variadas y que quizá ninguna de ellas sea, la mas obvia me parece la de Proteo y Prometeo, una simple burla de Eggers a la naturaleza humana y como esta es tan frágil y detestable como el mar mismo, por ello mismo los dos terminan siendo Thomas ya que Proteo es una muestra del subconsciente de uno mismo, es decir vemos a la misma persona en dos representaciones distintas con todo y el final de Prometeo, por ahi lei que quiza esta en el purgatorio y la luz es la sabiduría o salvación que desea (como el fuego de sabiduria de Prometeo) la cual también encaja con la cinta y algunas mas pero decido quedarme con la burlona, despues de todo si no la entiendo asi y pienso que Eggers se tomo la cinta muy en serio seria una muy grande desilusión despues de haber entregado una obra mayor como "The Witch" y ahora este pastiche, hermoso claro, pero sin un rumbo claro.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Arte de la Autodefensa

EL ARTE DE DEFENDERSE (THE ART OF SELF-DEFENSE, EU, 2019)

Casey Davies (Jesse Eisenberg, extraordinario) es un solitario perdedor a mediados de sus treinta, es un perdedor tanto en su trabajo como en su casa donde hasta su mimado perro salchicha parece imponerse, es asi como tiene que salir de noche a comprarle comida y apenas despues de que un grupo de motociclistas le pregunten si tiene arma sera atacado despiadadamente al parecer solo porque si, al salir de terapia intensiva el tipo comienza a tener un verdadero pavor a salir fuera y a la noche por lo que decide por fin tomar cartas en el asunto y poder defenderse, su primera opción es comprar un arma pero termina llegando por casualidad a un dojo donde el Sensei (Alessandro Nivola, impresionante) es el típico macho alfa y termina despertando la curiosidad en el pobre protagonista que decide inscribirse para probar y que termina genuinamente seducido por lo que puede darle el karate, ademas de que el maestro se ha tomado el reto de convertirlo en todo un macho, o mejor dicho en sacar el hombre que existe dentro de él.

Claro que como notamos desde el principio este dojo no es uno normal, las normas de poder que promueve y los valores o mejor dicho anti-valores que se dan son todo lo opuesto a lo que enseñan en las artes marciales, su maestro se toma como algo personal llevar a Casey a tomar confianza, a cambiar su forma de vida y hasta darle consejos cual padre adoptivo, esto es muy importante ya que forman parte básica de los muchos mensajes y simbolismos de la cinta, ya despues la situacion comienza a cambiar de una sátira de un humor negrisimo a un extraño thriller y terminar en una parodia donde no se respeta nada ni nadie y que por eso mismo resulta tan increíble, con un final sorpresivo a forma de gag que da paso a una oscuridad perpetua por parte de nuestro extraño protagonista que finalmente tuvo una evolución loable y creíble durante el extraño viaje y logro su propósito, es decir convertirse en aquello que teme, o por lo menos en parte y quizá forma mas pensante y por ello mas escalofriante.

El director Riley Stearns que también nos firma el guion logra una película extraña y estrambotica que siempre cambia de piel y nos sorprende constantemente, nunca sabemos adonde va la cinta como tampoco lo sabemos con nuestros personajes, que eso si, nunca toman decisiones raras o contradictorias, o por lo menos que no se sientan orgánicas y naturales con su actuar y pensar, la cinta en primer lugar cuenta la historia de un pobre diablo que encuentra su lugar en el mundo, volveré a esto en el final, por otro lado es una rigurosa sátira de la hombría, del machismo, de todas esas formas y el actuar de los hombres o por lo menos lo que suponemos admirable, es decir el Sensei es un tipo misogino, imponente, violento, manipulador, controlador, pero también es carismático, atractivo y todo lo que siempre se nos dice que es lo que debe ser un macho alfa, detesta a las mujeres, aunque estas lo amen y odien al mismo tiempo como Anna (fantastica Imogen Poots) suelta frases misoginas por aqui y por alla, y por supuesto todos le siguen, los que lo siguen anhelan ser como él y la sátira esta ahi en todo momento, ya sea por los sobrios comentarios fuera de lugar, por la realidad tergiversada y por supuesto por los simbolismos como esas cintas como símbolo falico de poder.

Es obvio que Stearns también esta muy interesado en mostrar como funcionan las sectas, la manera en como Casey es acorralado de alguna forma para entrar en el dojo, el líder que tiene la verdad absoluta, el poder sobre los demas y la única opción de decisión, todos los que le siguen que solo esperan tener una valoración positiva del líder, en este caso el Sensei con sus cintas de colores, y por supuesto las cadenas de poder que existen en las sectas que aqui se ven hasta en el lugar que te sientas, y el personaje de Casey es la victima perfecta, un perdedor sin amigos que solo pasa su vida viendo televisión y alimentando a su perro, al que solo le habla su jefe en el trabajo y que queda todavía mas desprotegido al ser atacado, en cambio en el dojo, tiene amigos, compañeros, alguien a quien admira, una meta, se siente parte de un grupo sin importar que pierda la identidad propia, y bueno despues de reírnos de tonterías machistas como hacer sentadillas y carcajearnos con inobjetables comentarios misoginos solo podemos asustarnos de lo que esconden las sectas y finalmente maravillarnos porque el protagonista se ha convertido en algo que no era, no en un villano pero Stearns se da el lujo de decirnos que un poco de todo no es malo y al abrazar este tono grisáceo el final es todavía mas perturbador.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Jojo Rabbit

JOJO RABBIT (IDEM, NUEVA ZELANDA, REPUBLICA CHECA, EU, 2019)

Jojo Betzler (el descubrimiento Roman Griffith Davis) se pone su uniforme de la juventud hitleriana, se acomoda la gorra, sus zapatos y se ve al espejo con inseguridad, a lo que el mismísimo Adolf Hitler (el también director y guionista Taika Waititi) le alienta que se ve magnifico y que sera un gran dia, por lo que el niño sale cargado de energía saludando efusivamente a todos los que se topa en la calle, este tipo de fanatismo ciego en los pequeños y los alemanes es algo que Waititi refuerza con el montaje de esa versión alemana de "I Wanna Hold your Hand" de The Beatles, por lo que entendemos que ese amigo imaginario que tiene Jojo asi como su entusiasmo por el campo de entrenamiento se deben solo a la desinformación y la poderosa maquinaria mercadotécnica de adoctrinamiento, es decir desde el inicio entendemos que Jojo no es un niño con malos sentimientos, solo esta confundido, desinformado y solo, al igual que muchos otros pequeños, mención especial al entrañable Yorki (adorable Alfie Allen) y eso se nota en su infantil y bufonesco Hitler ideado por su cabeza.

La cinta que ha construido Waititi solo puede describirse como adorable, un compendio de dulzura de un pequeño que parece no mataría una sola mosca y que aun asi se encuentra arrastrado por un torbellino de violencia y destrucción, indiferentemente de cual sea la postura del dictador sobre la segunda guerra mundial y Hitler la cinta funciona en la comedia y deja una sensación de alegría al final con todo y lo agridulce del asunto, lo que si es verdad es que la cinta va perdiendo filo conforme avanza, comienza siendo una locura irreverente donde Jojo va al campamento donde un hilarante Capitán venido a menos (Sam Rockwell, impresionante), y una rubia gorda desternillante (la siempre bienvenida Rebel Wilson) nos sacan carcajadas al por mayor, con los accidentes de cuchillos, los bobos ejercicios, las políticas machistas y hasta una alucinación fascinante de Jojo que lo lleva a tener un accidente.

El problema es que despues de esto la cinta da un tremendo bajón cuando se rebele un personaje mas que es escondido por la rebelde madre de Jojo (Scarlet Johansson, bien), la judía Elsa (la hermosa Thomasin McKenzie) que no solo se enfrenta a Jojo sino que demuestra una fortaleza no acorde a su edad, de aqui la historia va por derroteros mas conocidos y menos arriesgados, dejamos la locura y la hilarancia de reirnos de los nazis al obvio melodrama que sabemos donde terminara,con todo y cambio de tono en la fotografía y el soundtrack,  lo que no se puede negar es que Waititi logra algunas muy buenas escenas como la llegada de la SS a la casa, o las tensantes cenas de Jojo con su madre, pero algunas otras son reiterativas, de cualquier forma al final la situacion se compone un poco con algunos aliados sorpresivos, una dolorosa imagen de unos zapatos y por supuesto ese final donde se ve a los civiles alemanes, ancianos, mujeres y niños, defender la ciudad ante la inmisericorde llegada de los americanos cuando la guerra ya estaba perdida.

Vamos que solo por estas escenas, por estos momentos, de las personajes peleando para salvar la vida de sus hijos o de los pequeños protegiendo a sus familias y a si mismos la cinta tiene un valor que la rescata, es decir es de las pocas cintas que nos muestran como los alemanes fueron masacrados sin piedad y sin oportunidad como represaría sin sentido, creo que esta no era la intención del director pero asi quedo el final y quizá por ello la cinta levanto tantas infulas, una cinta que se atreve a victimizar y vanagloriar a los alemanes ademas de humanizarlos va en contra de lo que a uno le enseñan en sociedad, cinta quebrada pero que vale la pena revisar, y frente a lo visto y vivido solo nos queda bailar y que mejor que al ritmo del maestro Bowie.

Calificación: Bien