Cinecritica: Super Cool

SUPER COOL (SUPERBAD, EU, 2007)

El par de inadaptados conformado por el recto Evan (Michael Cera, bien) y el malhablado Seth (Jonah Hill soltando groserías como ametralladora) intentan disfrutar sus últimos momentos juntos ya que irán a universidades diferentes, soñando con algo mas pasan sus días nerdeando junto al lelo Fogell (un idóneo Christopher Mintz-Plasse en el papel de su vida) y vomitándose unos a otros, esto puede cambiar debido a que Seth hace migas con la chica mas popular del instituto, la hermosa Jules (Emma Stone debutando en largometraje, con esa belleza y naturalidad que la caracteriza), en clase de cocina y es invitado a la fiesta de esa noche, lo que es mejor, Fogell esta a punto de conseguir una licencia falsa con lo que podrá comprar alcohol en cualquier lugar, con esta oportunidad Seth se compromete a llevar las bebidas a la fiesta, en tanto Evan promete a su enamorada Becca (Martha MacIssac) que le llevara cierto vino especial, los chicos tienen como misión perder su virginidad esa noche, con sus chicas deseadas que al estar borrachas pueden cometer un error, ¡y que tal si ese error son ellos!

Por supuesto no puede ser tan sencillo y a partir de este momento veremos las peripecias de un trió de adolescentes hormonales que no pueden desistir en su cometido y que sufrirán muchas aventuras con el tiempo encima, justo esto hace valiosa a la cinta, todo transcurre en un solo dia y con el tiempo en contra por lo que el ritmo de la cinta se mantiene perfectamente y nos preocupamos junto con ellos, por otro lado entran en un problema y lidiando con este se meten en otro, esta construccion narrativa logra que siempre estemos pendientes y con un nuevo conflicto, es asi que despues de perder el carro de Seth, tener que cambiar ropa que apenas les entra, discutir por la ridícula licencia de McLovin (desternillante este gag), sufrir un asalto, perder la noche con una pareja de policías borrachines, parlanchines y locochones, ser atropellados por un tipo que los lleva a una fiesta desquiciada, escapar de los mismos policías y echar a perder todos los planes al final, la cinta ya se nos ha pasado volando y nos hemos carcajeado durante buena parte de su metraje.

Y mas importante aun, es esa madurez que maneja, no solo estamos ante una cinta vulgar de comedia adolescente (que no es tan vulgar como acostumbra el genero), sino ante una muestra de como se madura apenas dándonos cuenta, y como para poder seguir adelante debemos dejar a los amigos atrás, una lección dura pero que ocurre inevitablemente, es asi que tenemos como parte de la trama esa relación de amor varonil entre dos amigos que se mienten, esconden cosas, animan, ayudan, abandonan, insultan, y un largo etc, para darse cuenta de que en realidad se quieren mas entre ellos que a sus crush. Todo con esto con un ritmo envidiable, secundarios estrafalarios, el mismo guionista Seth Rogen entre ellos, cameos por aquí y por alla, y escenas que hacen que uno se parta de la risa, ademas de que el estilo que le imprime el director Greg Mottola siempre logra que se vea y sienta "cool" (la intro y los groseros créditos, o la escena del "arresto" como ejemplo) a pesar de la ridiculez que veamos en pantalla. Mención aparte para el personaje de Mintz-Plasse, su MacLovin es tan ridículo y admirable (oye, se llevo a una pelirroja a la cama) que aunque solo sea la salida cómica termina robándose la película, y que bueno que así sea.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Olaf: Otra Aventura Congelada de Frozen

OLAF: OTRA AVENTURA CONGELADA DE FROZEN (OLAF'S FROZEN ADVENTURE, EU, 2017)

Justo como su interminable titulo, así se siente este cortometraje que se hace larguísimo para lo poco que ofrece, que en mi muy humilde opinión, es casi nada, el corto va de que las hermanas ofrecen una fiesta navideña en el castillo pero los habitantes del pueblo llegan como Castro con Fox, las hermanas se deprimen sin razón alguna y el muñeco decide ir puerta tras puerta para ver que tienen de especiales sus fiestas personales, y al final todos hacen una fiesta otra vez sin razón alguna, pero bueno, lo que me queda claro es que Olaf es un personaje secundario pesadisimo, ya lo sabia por las películas pero al darle protagonismo se nota mucho mas, pesado y cansino a mas no poder.

Las canciones no terminan de funcionar y no aporta nada al universo al que pertenece, lo cual no es un pecado pero es que es tan aburrida, en lo personal me parece un comercial para la secuela que venia en camino, y uno tan cínico que lo metieron como cortometraje de una película de Pixar, lo siento pero es lo que me parece, nunca he sido asiduo a la sobre-valorada "Frozen" y su muñeco de nieve bobalicón, parlanchin y pesado me parece de lo peor que ha concebido la todopoderosa productora/empresa. Evitarla a como de lugar es lo mejor que puede decirse de ella.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Soul

SOUL (ÍDEM, EU, 2020)

Joe Gardner (voz de Jamie Foxx) es un frustrado maestro de Jazz cuyo sueño de casi toda la vida ha sido ser un reconocido pianista de Jazz, en cierta escena clave le dice a su madre que no puede morir sin lograr su sueño, es decir sin dejar un legado, el gesto de la mujer lo dice todo, pero casi de inmediato el tipo logra una audición de ensueño para la reina del jazz (voz de Angela Bassett) y parece mas cerca que nunca de cumplir su sueño y justo al salir cae en una alcantarilla en un accidente ridículo que le quita la vida y lo lleva a El Gran Después, el alma de Joe se niega a ir a la "Luz" y logra caer en El Gran Antes, donde las almas se preparan para ir a la tierra, ahí se hace pasar por otra alma y le toca convencer a 22 (simpática voz de Tina Fey), un alma que se resiste a nacer y que ni las almas mas pacientes han podido convencer, Joe lo unico que quiere es encontrar una forma de regresar a la tierra para poder cumplir su sueño sin importar lo que tenga que hacer.

Después de presentarnos la parte del mundo abstracto de El Gran Antes regresamos a la tierra en un intercambio de cuerpos con un Nueva York vibrante y un clímax que rompe muchos paradigmas, no solo en la cinta, sino en las cintas de Pixar que siempre han conservado mas o menos el mismo mensaje, y justo esto es lo mas valioso de la cinta y donde se despega de otras similares, por un final tan diferente y hasta anticlimatico, pero que entendiéndolo, como el que escribe esto, llega directo al corazón y nos hace recordar porque estamos aquí. El principio de la cinta dirigida y escrita por Pete Docter y Kemp Powers es una fascinante crónica de la vida de un mediocre que sueña con algo que no puede tener, un pobre diablo que se siente fastidiado y terrible con su vida, es maravilloso, y cuando llega el sorpresivo cambio de ambiente con un mas alla abstracto, azulado verdoso, con indefinicion en los limites, ahí los entes con acento británico parecen despistados al tiempo que todo parece formar parte de un plan, y ese abstracto ser persecutorio llamado Jerry, como los demas, no deja escapar a un Joe que esta rompiendo todas las reglas con tal de lograr su egoísta sueño.

Para estos instantes la cinta me tenia ganado, no solo por el mencionado buen inicio de un pobre diablo y ese impecable diseño artístico que nos regala un Nueva York hermoso, colorido y vibrante, y unos personajes que se sienten reales al tiempo que mantienen su personalidad animada con esos cachetes redondeados, el mas alla es un inventivo y hermoso mundo (que odiarían a morir las abortistas) que demuestra la maestría técnica a la que ha llegado Pixar, ademas ahí es donde nos enteramos de muchos detalles claves de nuestro protagonista, y aunque muchos atacan la tercera parte con el intercambio de cuerpos lo cierto es que nos regala una ciudad y una tierra hermosa, de tal manera que 22 se enamora del lugar y decide que quiere nacer, mientras que Joe descubre que no lo hace tan mal como maestro, logro que uno de sus alumnos se hiciera profesional y ayuda una talentosa pero insegura niña que esta en su clase.

Justo aquí es donde la cinta da un vuelco, porque cuando Joe logra su sueño le pasa lo mismo que a nosotros, se pregunta ¿y ahora que? el sentimiento de logro y éxito llega, desaparece, y Joe no se siente tan feliz y completo como pensaba que seria, y si la cinta nos había puesto pistas de que esto es porque quizá la verdadera pasión de Joe era ser educador, también la esquiva de buena manera y decide que no es necesaria ninguna de ellas, y le da la razón a 22, que no fue convencida por él, es decir la vida se disfruta en los momentos, los pequeños detalles, en el sabor de una pizza, en el paisaje, en la caída de los arboles, en las relaciones con los demas, en el simple hecho de vivir. Aun así la cinta no esta exenta de problemas, El Gran Antes tiene algunas incoherencias con la narrativa y el mismo mensaje de la cinta, algunas incongruencias mas con respecto a ambas cosas en muchos momentos de la cinta, y obviamente el bajón que tiene el segmento del cambio de cuerpos despues de las dos anteriores, aunque para mi no es muy grave, y casi mantiene el nivel anterior, ademas de ser la parte donde se descubren mas detalles para avanzar la historia. 

Finalmente, estamos ante una cinta hermana de "Intensa-mente", con el mismo director que antes nos mostró el mundo de las emociones y ahora lo hace con el alma misma, ademas de ser congruente en su mensaje, si en las otras cintas de Pixar siempre tenemos al protagonista luchando y alcanzado su sueño en estas los protagonistas aprenden que alcanzar los sueños no es vivir, como la protagonista de "Intensa-mente" aprende a sufrir y perder, Joe aprende a disfrutar la vida, y lo mas valiente que veo en la cinta, que se puede ser un perdedor, un mediocre, normal, es decir tener una vida corriente y aun así ser feliz, disfrutarla, gozarla, y vivir nuestras pasiones al grado de alcanzar ese momento de toque al mas alla sin necesidad de ser los mejores o cumplir nuestros sueños, cuando uno ve esto queda claro que la madurez de Docter, de Pixar, ha alcanzado tan nivel que uno se convence de salir y disfrutar la vida; de tomarse una copa, de saborear un beso, disfrutar una comida, mirar un atardecer, o ¿porque no? ver una cinta de Pixar.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Mujer Maravilla 1984

MUJER MARAVILLA 1984 (WONDER WOMAN 1984, EU, 2020)

Antes que nada quisiera aclarar una cosa, no entiendo el odio que le tienen a DC en general todos los fanáticos, es cierto que en su mayoria las películas que han sacado en este intento de universo les han salido mal, y que Snyder es un pésimo director y con ello lastra casi todo producto que toca, pero lo cierto es que pareciera que las personas son muy exigentes con DC y muy buena gente con Marvel quien dicho sea de paso tiene un porcentaje de bateo similar y casi siempre saca a competicion algunos de los bodrios mas horribles del año, vease por ejemplo el churrazo infecto "Capitana Marvel" que cada vez regresa a mi memoria la siento de todavía de peor calidad, pero bueno, marvel y disney parecen tener comprado el amor de los seudocinefilos y he ahí el problema de las cosas, porque vivimos en una epoca de tendencias, e ir contra ellas parece significar para muchos ir contra el sentido común, como siempre he dicho el tiempo se encargara de poner en su debido momento la calidad de una cinta y no una banda de subnormales, una tendencia o un reconocido "critico" que hable en teleformula y diga que la mejor película de todos los tiempos es "Vengadores"... que el diablo lo tenga en fuego manso.

Perdón por el despropósito pero me parece muy atacada injustamente esta película, y no es que sea gran cosa pero esta lejos de ser un bodrio o la peor película del año o de muchos años como claman algunos. Después de sobrevivir a la guerra mundial Diana (Gal Gadot en un papel para el que nació) ha hecho una vida añorando a su querido Steve (Chris Pine), trabajando en un museo y combatiendo el crimen, el caso es que una piedra cumple deseos cae en sus manos y decide pedir a Steve de vuelta, la ñoña Barbara (Kristen Wiig, echándole ganas en un papel mal escrito) pide ser como Diana y un empresario caído en desgracia (un desatado Pedro Pascal haciéndolo bien) desea ser la piedra el mismo para cumplir los deseos de todos y con ello el de él mismo, el detalle es que el asunto va de la "Pata de Mono" de W.W. Jacobs y cada deseo conlleva un castigo, en el caso de Diana perder sus poderes, en el de Barbara su humanidad/amabilidad y en el de Maxwell su salud.

Es así como Diana debe elegir entre ser feliz o ser una heroína, algo que la regresa al héroe clásico, mientras se enfrenta al mal, y porque no decirlo, llega a un clímax final que se siente diferente al ser mas emocional que pirotécnico, y con ello llegar mas al corazón y quedar mas en la memoria, algo necesario en especial despues del pésimo clímax de la pelea a oscuras con Cheetah, y que cierra de manera conjunta ese largo prologo del inicio, nada se debe ganar de forma deshonesta y no hay atajos en la vida para el triunfo o la felicidad, en pocas palabras una palomera cinta de superheroes que en realidad se atañe al genero como las de hace décadas, que le da profundidad y humanidad a su protagonista y lo pone en una encrucijada, y con un villano que tiene desarrollo, Patty Jenkins sigue filmando a Gadot de forma que ensalza su figura sin sexualizarla y el cambio de rol de la mujer maravilla enseñando este nuevo mundo a Steve funciona como contraparte del de la primer cinta "Wonder Woman", por supuesto que tiene fallos, una villana desaprovechada, escenas de accion mal pensadas y ejecutadas, efectos especiales bajos para el nivel de blockbuster que se espera, pero lo cierto es que la disfrute a pesar de su largo metraje, y ¿como no? si todo ocurre en los inolvidables e irrepetibles ochentas.

Calificación: Palomera

Cinecritica: El Grinch

EL GRINCH (HOW THE GRINCH STOLE CHRISTMAS, EU, 2000)

Jim Carrey logra una estupenda actuación como el Grinch, ese ente verdoso que odia la navidad a tal grado que decide destruir la navidad, esto parece sencillo de apuntar cuando ahora pululan por internet vídeos donde queda claro que los gestos del personaje no tienen nada que ver con el oscareado maquillaje sino con el talento del elástico rostro del actor, y justo esto es lo mejor de la cinta dirigida por Ron Howard, un personaje realizado con talento, carisma y entrega por un actor que en ese momento tenia ganados los corazones de todos y que por ello mismo se animaba a realizar locuras en todo momento, mención aparte para el gran diseño de producción que nos lleva al mundo del Dr. Seuss y un diseño artístico muy hermoso, el mencionado maquillaje es fenomenal, no solo en el Grinch que le permite al actor debajo lograr una gran actuación al mismo tiempo que lo transforma con el cambio de piel, rostro, ojos y mucho vello corporal, así como en todos los "quién" quienes en realidad parecen salir de otro universo y mantienen identidad propia.

A estas alturas todos deben saber de que va la historia del Grinch, mientras en villa quien los habitantes se preparan para una celebración llena de regalos, batallas por quien decora mejor sus casas, arboles gigantes, disfraces, y comilonas, el Grinch (el mencionado Jim Carrey, fenomenal) asusta a un dos parejas de adolescentes y decide bajar a causar estragos, por azar del destino conoce a la dulce Cindy Lou (una pequeña Taylor Momsen derrochando ternura) y la pequeña se interesa en el Grinch, en porque es asi y lograr despertar el espíritu navideño que tanto brilla en ella, entabla una amistad con él y todo parece resolverse en el festival pero el malvado alcalde (Jeffrey Tambor)  ¿acaso existen de otros? que desde pequeño era un matón que trauma al Grinch por andarle ganando a su novia que ahora es casi su esposa (Christine Baranski), le hace una jugarreta que despierta lo peor del sufrido protagonista.

De aquí vemos la parte mas iconica del relato, y la mas esperada de la cinta, en un montaje con el Grinch robándose los regalos, la comida, los adornos y hasta la comida para destruir la navidad, solo para darse cuenta de que la navidad es mas que eso y despertar su espíritu navideño salvando a la pequeña Cindy Lou, para estos momentos de la cinta lo cierto es que ya me ha ganado, no puedo evitar sentirme contento, navideño, y despues del final escuchando la voz de Anthony Hopkins como el narrador se me hace un nudo en la garganta mientras sostengo las lagrimas, y es que Howard y Carrey lo lograron, plasmaron el mensaje del Dr. Seuss que tiene una prosa prácticamente imposible de trasladar a un medio cinematográfico, pero el espíritu llego ahí, y funciona tanto para niños como para adultos, con esos chistes picantes, y hasta para los cinefilos con referencias hasta al mismo Ron Howard filmando, justamente así es como se graba un blockbuster navideño, o de cualquier epoca vaya.

Calificación: Bien

Cinecritica: Tenet

TENET (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2020)

Tenia muchas expectativas sobre "Tenet" de Christopher Nolan, antes que nada porque es uno de mis directores favoritos en la actualidad, en segundo por su trailer que prometía muchísima, ¡oh desilusión! cuando comencé a verla me dije que buenas secuencias de accion, comenzamos bien, pero a los pocos minutos me sentía confundido, le eche ganas y aun así no pude evitar despues sentirme desilusionado, despues con dolor de cabeza y finalmente con un hastió deseando que terminara, algo que jamas pensé que me sucedería en una cinta de Nolan, solo hace falta revisar en este mismo blog mis reseñas sobre sus películas para darse cuenta que literalmente lo amo, pero ni así podría encubrir este desastre, no puedo engañarme como parece que lo hacen gran parte de sus aficionados, ni encubrirlo como lo hace la critica "profesional", "Tenet" es lo que hay, una confusa cinta de accion sobre-explicativa que en realidad no cuenta nada.

Vamos por partes, la trama no es compleja como la quieren vender, en general se resume como el reclutamiento del protagonista (el desangelado y sin expresiones, John David Washington) en un plan llamado como la cinta que usa una tecnología del futuro para salvar al mundo de un malo maloso (Kenneth Branagh en el papel del malo ruso ñaca ñaca) que usa esa misma tecnología para destruirlo, lo que sucede despues es un viaje turístico donde visitamos secundarios (de lujo, eso si) que nos explican el McGuffin al que le dedican toda la película, es decir, en lugar de mostrarnos los hechos o a los personajes, sus motivaciones y pensamientos, se la pasan explicándonos como funciona y opera la tecnología en la que pueden viajar en el tiempo yendo hacia atrás, por lo que nunca conectamos con la cinta y todo termina valiendonos madre, ya al final pensaba, si ya, que aniquilen a la humanidad pero que ya se acabe. Por ahí hay una subtrama con la mujer del malo (Elizabeth Debicki) que quiere proteger a su hijo, pero aunque es el unico personaje que podría tener un sentimiento menos unidimensional termina estorbando, y en una relación forzada con el protagonista con quien tiene cero química.

Eso si, las escenas de accion se ven muy bien con la cámara en reversa y las balas retrocediendo, pero ni esas me convencieron, se sienten confusas y con un montaje demasiado vertiginoso, eso si, la fotografía es hermosa, y la banda sonora cumple, y los efectos especiales reales siempre se le aplauden a Nolan en una epoca donde todo es cgi, pero todo lo demas simplemente no funciona, personajes planos, trama nula, actuaciones acartonadas (supongo que ni los actores sabían que hacer), villano de caricatura, Pattinson de secundario es mas el tipo que explica lo que sucede que un personaje real, es mas, en cierto momento la cinta nos invita a no razonarlo sino sentirlo, pero luego se la pasa tratando de explicarme como funciona la tecnología durante toda la cinta en largos choros mareadores seudocientíficos que incomodan, es increíble la sobreexposicion de ideas con personajes hablando en un carro, tomándose un café, llevando unas maletas, ¡por Dios! esta sobre-dialogada de la peor manera, aun así hay cosas a rescatar, los efectos especiales mencionados, la factura técnica impecable y una idea mas que interesante en la que el protagonista afirma que cada generación es responsable de su propia supervivencia, un discurso que contradice a las grandes voces de la generación de cristal, lastima que solo quede como eso, un comentario anecdotico en una cinta aburrida y confusa, esta vez la obsesión por el tiempo de Nolan le jugo en contra.

Calificación: Churro

Cinecritica: La Delgada Línea Amarila

LA DELGADA LÍNEA AMARILLA (ÍDEM, MÉXICO, 2015)

Toño (Damián Alcázar, bien) es reemplazado de su trabajo por un perro, asi que el velador ya entrado en años solo encuentra empleo en una gasolinera en medio de la nada, donde por casualidad se topa con uno de sus compañeros de trabajo de hace muchísimos años, quien le ofrece empleo como encargado de pintar la linea amarilla de una carretera, el tipo se niega porque carga sobre sus espaldas la culpa de un accidente de su pasado en el que no pudo estar presente pero ante las pocas posibilidades acepta, su equipo esta conformado por el serio Gabriel (Joaquín Cosio, bastante bien), el parlanchin Atayde (Silverio Palacios, bien), el burlón Mario (Gustavo Sánchez Parra) y el flojo Pablo (Américo Hollander), claro que este es solo el inicio de sus aventuras en una road movie a pie donde los personajes se conocerán poco a poco y nosotros seremos participes de esto mientras sus relaciones se hacen cercanas y aprenden algunas cosas valiosas en el camino.

Con una maquina y jugandose la vida el equipo camina por la carretera con los chalecos y banderas en un empleo que resulta bastante entretenido de ver pero debe ser increíblemente pesado de hacer, y la historia escrita por el también director Celso R. García nos va regalando algunos buenos momentos mientras nos descubre a los personajes y profundiza en sus relaciones, Toño no solo carga con el demonio de ese accidente, también sufre por su esposa muerta y su hijo alejado lo que causa que sea amargado, Gabriel es un conductor que esta perdiendo la vista y necesita una operación, Atayde era el tramoyista de un circo al que nunca se le acaban las anécdotas, Mario es un ladrón que pelea contra su propia naturaleza, y Pablo no es flojo sino todo lo contrario, es un joven soñador que desea irse al otro lado con su hermano.

Es cierto que la dirección es convencional pero la historia bien estructurada, menos algunos momentos como ese fatal romance casi al final, y cuatro actores que siempre estan bien logran que la cinta se deje ver y uno termine con una bonita sensación sin que vaya mas alla, y es que ver a estos cuatro actorazos es un deleite sin importar lo que hagan, y el director lo sabe y les saca jugo a su carisma dándoles libertad y algunos diálogos pensados, de hecho la cinta esta tan bien hecha que termine genuinamente interesado en ese oficio y algunos mas que damos por hecho aunque estén siempre ocultos, tanto que la siguiente vez que pase por donde estén pintando lo haré con consideración y curiosidad para no ser el terrible villano del final de la cinta, por cierto, la escena de la perra manejando la maquina mientras la festejan es la onda jaja.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: La Leche y el Agua

LA LECHE Y EL AGUA (ÍDEM, MÉXICO, 2006)

Una anciana (Tara Parra) pasa sus días ordeñando a su vaca que se llama simplemente "vaca", para ponerle un vasito de leche frente al retrato de su fallecido marido, solitaria y sin nada que hacer por mas que se queje de lo contrario la anciana vive con enojo y un poco de indiferencia incluso ante la sequía que la aqueja, pero cuando llueva sin descanso varios dias por fin se da cuenta de la importancia de la mentada vaca, que no solo era su sustento sino su única compañera, la historia escrita por el mismo director Celso R. García funciona como una fabula en la que pueden leerse varias ideas; la soledad del ser humano, lo difícil de la tercera edad en un país acostumbrado a olvidarse de su gente mayor, el amor mas alla de la muerte y la delgada linea entre vida y muerte.

Es cierto que el simbolismo resulta obvio, pero por lo menos la cinta es lo suficientemente corta para que no podamos ponernos a pensar en el momento, y quizá por ello el corto funciona como una bonita historia de dolor con un mensaje de esperanza.

Calificación: Competente

Cinecritica: Otra Ronda

 OTRA RONDA (DRUK, DINAMARCA, 2020)

Uno sale extasiado al terminar de ver la magnifica "Druk" escrita y dirigida por Thomas Vinterberg, con ganas de tomarse unas copas, de bailar, de disfrutarse, de reconciliarse, abrazarse, en pocas palabras, de ¡disfrutar la vida! porque mas alla de lo que pudiera parecer la cinta por su premisa, lo cierto es que no va del consumo del alcohol, he leído por ahí criticas diciendo que la película es "cobarde" porque no toma una postura con respecto a ello, o peor aun, acusándola de conservadora porque no dice que tomar es bueno, a todo esto solo llega a mi mente que Vinterberg nunca dice que tomar sea malo, ni bueno, sino todo lo contrario, es tanto lo uno como lo otro, no se puede vivir sin hacerlo pero tampoco puede uno dejarse llevar al extremo, justo como la vida misma y el director da en el clavo, no solo porque es tan inteligente para no dar ninguna postura al espectador obligandolo a tomar la decisión por si mismo, algo que en la actualidad parece impensable en una sociedad que toma juicios ajenos y no piensa por si misma, sino porque usa el alcohol justamente como el medio para mostrar lo que en realidad le interesa, el amor a la vida y como se debe disfrutar sin importar lo que suceda, porque ella nos depara tanto alegrías como tristezas.

En la cinta seguimos a cuatro profesores en plena crisis de la mediana edad que festejan el cumpleaños del joven padre Nikolaj (Magnus Milland) en un refinado restaurante, ahí también estan el aburrido maestro de canto Peter (Lars Ranthe), el solitario profesor de educación física Tommy (Thomas Bo Larsen) y el frustrado maestro de historia Martin (maravilloso y excelso Mads Mikkelsen), este ultimo dice que no puede tomar nada porque debe conducir, pero se le nota incomodo, no porque tenga ganas de tomar sino porque no tiene nada que platicar, su relación matrimonial es inexistente, sus hijos no lo pelan, sus alumnos no lo respetan como vivos en una de las primeras escenas, y sus clases son aburridas e inconexas, pareciera que Martin esta muerto en vida y nada le atraiga o guste, todo esto esta filmado de manera exquisita, con movimientos sutiles de cámara, planos cortos, con diálogos inteligentes y un Mikkelsen que de manera soberbia nos desnuda a su personaje, con movimientos en sus pupilas, con pequeños lagrimeos, con gestos de boca, con cambios en su tono de voz.

Cuando decide tomar y entrar en el grupo se suelta que un investigador llamado Finn Skarderud tiene una vistosa teoría que dice que el ser humano nace con un déficit de alcohol en la sangre, en concreto con un 0.05%, al sentir la euforia que lo hizo conectar con los demas Martin decide poner a prueba la teoría y le resulta ya que se muestra mas desinhibido en sus clases, le cuenta a los demas y todos deciden entrar en la misma, claro, por terminos de investigacion ya que redactaran y archivaran los datos para confirmar o refutar la teoría, es asi como los cuatro comienzan a tener un cambio en sus vidas echándose un traguito antes de clases, o durante las clases, o en el baño de la facultad, o ya de plano en el termo asi como no queriendo para entonarse y no bajar el nivel de alcohol, lo que sigue pareciera darle la razón a la teoría, Tommy se convierte en un enérgico y empatico entrenador que se gana el corazón de los pequeños, Peter logra que sus alumnos canten entonados el himno de Dinamarca, Nicolaj aguanta mas a su esposa y múltiples hijos moja-camas, y por supuesto Martin da un vuelco en su vida.

El hombre cansado, letárgico, hastiado, aburrido, apático e indiferente se convierte en un tipo divertido, didáctico, energético, romántico, elocuente, ágil y empatico que se gana el corazón y respeto de sus alumnos, la idolatría de sus amigos, el cariño de sus hijos y el amor de sus esposa Anika (Maria Bonnevie) al grado de volver a hacer el amor con ella mientras esta le suelta que lo extrañaba, con todo esto pareciera que Vinterberg nos dice que el alcohol es la solución de los problemas pero entonces sucede lo que esperábamos, siendo difícil manejar una droga legal poco a poco empiezan a perder el control al subir la apuesta por el sentimiento de éxtasis y empiezan a surgir los problemas típicos del alcohólico; los problemas de habla, de locomoción, alguno moja la cama por alla, a otro le descubren la botella por acá, y los problemas familiares y de abstinencia/dependencia comienzan a surgir.

Pero como apunte antes Vinterberg no toma el camino fácil, aunque no duda en mostrar los estragos de la bebida no muestra estos como un fondo dramático sino que por el contrario algunos de los momentos mas divertidos y de camaradería de la cinta son justamente cuando estan totalmente ebrios, es decir que el director toca los dos puntos de vista y no le teme a ninguno, apostando por la inteligencia del respetable y dejando que se forme su propia opinión, pero eso si, dejando claro que el mensaje que intenta dejar es el de el amor a la vida, el de disfrutar cada momento, el de no morir en vida, de apostar todo en cada momento, de salir a bailar, a cantar, a recibir el viento en la cara y tirarse con todo en una apuesta que solo puede llamarse vida.

A la maravillosa cinematografía le podemos sumar un guion majestuoso, unas actuaciones que son las mejores del año en términos de reparto, un soundtrack casi perfecto, y un diseño de producción hermoso, y bueno, una cantidad de escenas e imágenes memorables que guardare en la memoria por siempre, desde la presentacion de un hombre sin amor por la vida, la sutileza en los cambios actorales de Mikkelsen en la cena, el bizarro montaje de lideres mundiales embriagados en actos oficiales, la clase donde se escoge entre dos deplorables personajes alcohólicos, machistas, mujeriegos, enfermizos, pedantes, etc. con un caballero, casi abstemio, héroe de guerra, amante de los animales y la naturaleza, no pude evitar la carcajada como los alumnos, la escena de la mojada de cama, el inspirador montaje de los logros de los borrachines, el casi suspenso desternillante de Peter ayudando a un alumno a relajarse con alcohol en examen final, la escena de quiebre de un matrimonio muerto, Anika diciendo que viven en un país de borrachos, el desparpajo de la borrachera en un bar, la desternillante escena con los ebrios caminando por la calle y por supuesto ese apoteosico final.

Y no solo me refiero a la escena de baile final a ritmo de "What a Life" de Scarlet Pleasure que de ya es la mejor escena del año y por supuesto, el mejor final del año, sino a todo ese tramo final donde vemos el final del año escolar mientras nos emocionamos y divertimos para despues pasar a la tristeza absoluta y un sentimental momento con un niño con anteojos, y de ahí al cierre del ciclo donde se preguntan en el restaurante que haría, y nos responden con acciones, todo esto mientras unos fotogramas negros con letras nos dan esperanza al tiempo que nuestro corazón no soporta mas emociones, frente a esto Martin solo puede ir a festejar con sus alumnos mientras se toma una cerveza, y es que la vida le acaba de dar la mas grande tristeza al tiempo que le otorga la mejor alegría ¿que se puede hacer frente a esto? solo queda bailar, y mejor si es ballet jazz cerrando otro ciclo mas de la cinta que se preparo desde el inicio, festejamos el amor a la vida, y a la tristeza que nos da esta, y a la felicidad que nos puede otorgar y todo llegando por los mismos medios ¿puede existir un final mas contradictorio y ambiguo? no lo se, pero una cosa tengo claro, la vida es justamente así y solo podemos afrontarla con toda el alma.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ava

AVA (ÍDEM, EU, 2020)

Me estaba preguntando como demonios Jessica Chastain acepto protagonizar este despropósito, pero siendo la productora resulta obvio que es su proyecto, asi que mi pregunta sera ¿como demonios se metieron Colin Farrell, John Malkovich, Geena Davis y Joan Chen en esta basura? la única explicación debe ser el cochino dinero, Ava (Jessica Chastain) es una asesina profesional que tiene por defecto preguntar a sus objetivos porque los mandaron matar, y que ademas antes era una drogadicta alcohólica que sigue acudiendo a terapia, debido a esto el jefe de la organización (Farrell haciendo una caricatura) decide matarla a espaldas del jefe directo de la chica, Duke (Malkovich), con esta historia uno esperaría muchas persecuciones, peleas y disparos, pero si acaso existen unos tres y de una calidad pésima, problemas de montaje, ritmo, y una dirección que se empeña en cortar y grabar siempre en el angulo incorrecto hacen que no disfrutemos ni una de estas escenas.

Todo esto gracias al director Tate Taylor a quien el paquete le queda muy grande y no puede grabar ni una sola escena de accion decente, por otro lado el director se especializa en drama, por lo que uno creería que la otra parte de la cinta, ese triangulo amoroso entre Ava, su hermana y el tipo por el que se pelean (un desastroso Common demostrando otra vez que no sabe actuar, mejor lo hubieran puesto a pelear pero ni eso), así entre cuñadas calenturientas, tipos que se garcharon mejor a la hermana, una casa de apuestas regentada por una china y dizque peligro de asesinos la cosa se torna tan aburrida y pesada que la hora y media se hace larga.

Una pena porque ninguna de las tres tramas funciona, ni la de asesina con problemas de adicción y familiares, tampoco la de asesina perseguida por un gato y el jefe de una organización que parece mas pequeña que los punteros del barrio, y mucho menos ese triangulo amoroso que da pena ajena y en el que nunca se profundiza, en todo caso habría resultado mucho mas entretenido una bien hechecita película de accion con muchos balazos y peleas, pero bueno, esto es lo que hay y lo que nos ofrece netflix.

Calificación: No Vale la Pena