Cinecritica: La Marca del Demonio

LA MARCA DEL DEMONIO (ÍDEM, MÉXICO, 2020)

En cierto momento de la cinta dirigida y escrita por Diego Cohen la universitaria Fernanda (Nicolasa Ortíz Monasterio) busca en internet a un "sacerdote exorcista mexicano clandestino", es inevitable no reír al ver esta accion, en especial por la forma en la que esta grabada, con una pésima iluminación y un sonido tan malo que es lo unico en la película que da miedo, con lo que acabo de escribir parecería que la cinta es quizá comedia-terror, pero no, apuestan por el terror solamente, ¿entonces es tan mala que da risa? tampoco, ese momento es el unico donde de plano me reí en lugar de molestarme, de hecho termine de ver la cinta francamente enojado, al inicio la cinta se anima a parafrasear al maestro "Lovecraft" en una falta de respeto monumental, no tanto porque la trama no tenga nada que ver con los escritos sino porque la calidad es directamente lo opuesto a las historias del inmortal escritor.

Vemos un exorcismo que sale mal, el padre tira al niño ahí en el camino, el niño se levanta y se venga, todo esto lo intuimos incluso antes de verlo, treinta años despues en México una familia acomodada se hace con un libro que supuestamente es el Necronomicon, lo lleva la mama (Lumi Cavazos, muy mal) que es atea, intelectual y contreras profesional, las chamacas lo leen junto al novio calenturiento de una de ellas y termina poseída, pero el ente no contaba con que el padre heroinómano (Eduardo Noriega, también productor y en la peor actuación de su carrera) y su hijo adoptivo Karl (Eivaut Rischen, pésimo) con poderes satánicos pueden contrarrestar, por supuesto da con ellos gracias a la búsqueda que ya mencione y existe una pelea que parece montada y filmada por un amateur, con muchas personas siendo aventadas y hasta ahí.

Una dirección horrible, problemas de montaje y continuidad a cada segundo, un guión que no se entiende y que abre todo pero no cierra ni explica nada, un sonido pésimo, los diálogos no se entienden nada y lo dice un mexicano, una banda sonora que nunca para y solo estorba, algunos jump scares de pena ajena, graves problemas de ritmo, una poseída (Arantza Ruiz, dando pena ajena) que solo pela los ojos, efectos especiales malos, pésimo maquillaje, y unas tomas tan cerradas que terminan encabronando al que la ve, vamos entre esas tomas y los close ups y cambios de cámara cada segundo termina uno don dolor de cabeza, lo peor de todo es que aquí netflix la tuvo semanas en tendencias y top diez, es un pésimo mensaje para la plataforma aunque claro, quizá solo son mis gustos y la cinta no es tan basura como pienso.

Calificación: De lo Peor del Año

Cinecritica: Somos lo que Hay

SOMOS LO QUE HAY (ÍDEM, MÉXICO, 2010)

Un tipo que parece indigente se muere en un centro comercial, los empleados lo quitan y limpian la sangre, desde este momento queda claro que es lo que intenta decir el director y guionista Jorge Michel Grau, en el México de esos años, y todavía en el actual por desgracia, la sangre y apatía son el pan de cada día en un país entregado a la violencia donde los que mandan son los delincuentes y las autoridades mas corruptas inimaginables, pero cuando terminamos de ver su opera prima entendemos que no solo es eso, el titulo lo deja claro, toda la sociedad esta podrida, todos son corruptos, delincuentes en potencia, depravados declarados y por supuesto caníbales, aunque no sea en sentido literal y si inexorablemente figurado, al faltar el proveedor de la familia la familia entra en crisis ya que necesitan una victima para un ritual que nunca queda del todo claro, con la familia de antropófagos en crisis se ven obligados a intentar tomar un puesto nuevo en la cadena de mando.

La madre (Carmen Beato) se pone histérica y le echa la culpa a que a su marido le encantaban las prostitutas, el hijo menor Julián (Alan Chávez) es un tipo violento e explosivo que solo atrae problemas, y el mayor Alfredo (Francisco Barreiro) no quiere la responsabilidad de ser líder, algo a lo que también se opone su posesiva madre, pero su callada hermana Sabina (Paulina Gaitán) resultara la persona mas astuta y manipuladora del grupo, convenciendo a Alfredo de tomar el liderazgo, imponiéndose al rebelde Julián con quien parece mantener una relación incestuosa, y dejando a su madre de lado con tal de lograr su cometido y llevar a cabo el ritual ¿familiar/ritual/satánico? que les otorgara una salida, de aquí la cinta solo se volverá mas compleja y sádica en una retahíla de sucesos que parecen no tener fin y que agrandan tanto el asunto que lo unico que tendría sentido es que el ritual de plano les de una especie de inmunidad a todo lo que se les viene encima.

Grau filma con temple y seguridad, con una fotografía realista pero sombría que va de acuerdo a lo que vemos, y una remarcada música de Enrico Chapela que debo admitir no me molesto, y los sucesos siempre son interesantes, la cacería de una prostituta que a nadie parece importar pero que su madre no quiere comer y regresa con todo y grito de "cerdas" algo que a la postre le costara muy caro por el rencor de las sexo-servidoras, el engaño del mayor ¿reprimido? que lleva un gay como victima, la trampa en la que cae un fornido taxista, la investigación de dos agentes buenos para nada que ven su oportunidad de conocer al presidente si resuelven el caso, y que le echan mas ganas ante la posibilidad de cometer pedofilia, con todo esto esta claro que la cinta se sale de madres hacia el final pero esto tampoco me molesto, despues de todo la cinta esta llevada con tanta gracia y ritmo que el final vertiginoso se entiende, con todo y exceso de muertitos, ademas la manera sugerida con que se presenta el canibalismo, la violencia fuera de plano que muestra a un director hábil, que tampoco le saca a la violencia de una nariz arrancada a mordidas, palazos e incisiones en primer plano, para dar paso a un final que da escalofríos, ademas se agradece ese extraordinario homenaje a "Cronos" de Guillermo del Toro, donde Daniel Giménez Cacho y Juan Carlos Colombo regresan para esos fantásticos personajes salidos del humor mas negro que son Tito y su jefe.

Calificación: Bien

Cinecritica: Más que a Nada en el Mundo

MÁS QUE A NADA EN EL MUNDO (ÍDEM, MÉXICO, 2006)

Alicia (Julia Urbini, muy bien) se muda junto a su mama Emilia (una sorprendente Elizabeth Cervantes) a un departamento, se entiende que esta escapando de una relación toxica de dos años con un hombre casado, desde el inicio la pequeña de siete años se sincera diciendo que su mama a veces tiene malos ratos, pero también buenos, y que por supuesto la ama muchísimo, es decir la ama más que a nada en el mundo, esta siempre pendiente de ella, de su estado de animo, de sus acciones, de sus gestos, se entristece junto con ella, y atesora los objetos que las vinculan como una foto clave en la historia, el problema es que Emilia es una "madre soltera" o por lo menos lo unico que sabemos con una conversación es que al padre de la niña no le interesa y vemos que nunca se aparece, por lo que Emilia debe criarla sola llevándola a la escuela, trabajando, ayudando con las tareas, sacándola a pasear, y aunque la madre parezca disfrutar esto muy pronto notaremos que no es así.

Emilia es una mujer dependiente y auto-destructiva que no para de fumar y medicarse, y que siempre necesita un hombre a su lado aunque todos notemos, por supuesto incluyendo a la pequeña, que no son mas que patanes que la buscan para diversión, por lo que en cuanto llegan al departamento y soltera la joven mama comienza a salir con un pesado amigo del trabajo (Andrés Montiel) que la busca en su casa todos los días y que le roba a su mama cada que puede, y lo que es peor, usan la casa para hacer las cochinadas que la niña se ve obligada a escuchar, todo esto mientras la pequeña pasa por una etapa fantasiosa donde cree que los vampiros existen, y que el vecino demacrado y desahuciado (Juan Carlos Colombo) es uno, y ¡peor aun! que tiene controlada a su mama, razón por la cual actúa tan extraño, ya no la pela, y de plano se porta mal, ofensiva y hasta violenta con ella.

Con la pequeña cada vez mas desesperada e introvertida la madre se vuelve mas y mas desesperada con ella, en tanto su relación truena porque era obvio que la usaban y regresa a la anterior que como de costumbre, no respeta a ninguna, así en medio de tanto hombre ajeno, con su mama en depresión tirada en la cama todo el día, evitándola y evitando la luz del sol Alicia teme lo peor por lo que hará lo que sea con tal de salvar a su querida mama. Esta claro que la historia escrita por los mismos directores Andrés León Becker y Javier Solar nos muestra una familia quebrada, una mujer que ama a su hija pero que no esta preparada para tenerla, la ama pero le estorba para hacer una "vida plena" a como entiende ella, una niña que no sabe que le pasa a su mama pero que subconsciente comprende todo por lo que decide crearse una fantasía que le ayude a confrontar la realidad, no es casualidad que el patán de Mario y el vecino vampiro lleguen al mismo tiempo a su vida, y así esta dolorosa historia sobre vampiros ficticios y malos padres nos tiene con el alma en un hilo, una cinta tan minimalista como emotiva que nunca chantajea y que nos muestra una terrible realidad, la de las de personas que son padres sin querer serlo en realidad, y cuyo unico problema es ese final forzado, por lo demas una cinta valiosa.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Enola Holmes

ENOLA HOLMES (ÍDEM, REINO UNIDO, 2020)

"Hombres inútiles" suelta una traidora y convenenciera empresaria que lo mismo vende ropa que atiende un hostal, y en esas simples palabras se puede resumir el primer largometraje de Harry Bradbeer, un panfleto feminista que hace algo tan o mas bajo que el gender swap de turno, agregan un personaje femenino al inmortal Sherlock Holmes y por supuesto hacen mas estúpido a este para que el nuevo quede como una versión mejorada, pensándolo bien si es una técnica mas baja que el cambiar de sexo al personaje, por lo menos en esa opción no se sobaja al original, pero bueno, tiempos obligan y con la plataforma netflix como primera abanderada tenemos esta producción sobre la hermana del detective, salida de unas novelas que no son canon, el personaje en realidad no existe en el mundo de Holmes, e incluso con problemas reales por los derechos que en realidad no es así porque el detective ya forma parte del dominio popular la cinta explora una opción casi como de ¿que pasaría si?

Enola Holmes (carismática Millie Bobby Brown) se despierta al cumplir 16 años y descubre que su madre (Helena Bonham Carter en cameo extendido) se ha ido, por lo que sus hermanos van por ella para enviarla a una escuela de señoritas, y como la desaparición de su madre no le importa ni al machista Mycroft (Sam Clafin) ni al detective  Sherlock (Henry Cavill) decide fugarse para buscarla ella misma, en el tren se topa con un adolescente idiota e inútil que justamente repite varias veces que no lo es, el lord Tewksbury (un penoso Louis Partridge), se separan, el misterio de su madre se le pasa y decide que mejor defiende al damiselo en peligro hasta que llegamos a un final sin chiste y forzado, que ademas se alarga en tres partes haciendo que la cinta se sienta aun mas larga de lo que es.La película tiene varios problemas, por un lado el misterio principal que es la desaparición de su madre resulta no tener peso y se deja de lado, el otro no es mas que una serie de "mira aquel pone mas cara de malo" pero se resuelve de manera penosa, los personajes son planos y sin desarrollo, en la mayoria de los casos son caricaturas como la mujer negra empoderada que sabe ¡¡¡jiu jitsu!!! 

O el hermano machista que solo sabe gritar enojado, bueno hasta el asesino que siempre tiene la misma cara, ademas el villano final aunque previsible no tiene sentido, la puesta en escena tiene múltiples problemas de ritmo y encuadres, y hasta existen serios problemas de continuidad que lo sacan a uno de la película, sumados a un rompimiento de la cuarta pared cansino y que no aporta nada, una narración en primera persona ridícula y flashbacks cada dos minutos que solo rompen mas el ritmo y logran que esa pelea sea una de las peores que recuerdo, y los problemas de iluminación al final, una cinta que prefiera vender que los hermanos de Enola estorban y solo ella puede salvar el día como dice su publicidad, y que tiene el peor de los pecados justamente en no tener misterio que resolver, ni llevar a cabo investigación recopilando pistas, en lugar de eso corremos, peleamos y las cosas nos caen por suerte, una mary sue mas y una traición a los escritos de Sir Arthur Conan Doyle que se debe estar revolcando en su tumba.

Calificación: Churrito

Cinecritica: La Niñera: Reina Letal

LA NIÑERA: REINA LETAL (THE BABYSITTER; KILLER QUEEN, EU, 2020)

La cinta original tenia su mejor carta en el inagotable carisma de la magnifica Samara Weaving, una chica que es capaz de levantar la calidad de cualquier cinta en la que aparece, quizá el mayor problema sea justamente ese, al no tener a la monstruosa Weaving que en aquella cinta era protagonista, villana y objeto del deseo de todos, escupiendo lineas y con gestos que sacaban la carcajada del respetable, y aunque era una bruja asesina siempre caía bien, en esta como ya apunte, las apariciones de Weaving son solo un cameo extendido, anécdotas en una cinta que ademas se alarga demasiado y que olvida la mayoria de las virtudes que habia logrado la original, en primera se pierde la originalidad, el estilo gamberro de terror-comedia se deja de lado por el estilo parodia que le baja potencia, y finalmente todo es mas falso, la historia esta mas forzada, existe un romance que nunca pega, el gore es mayor pero digital en lugar de artesanal, y todo se siente mas exagerado y por lo mismo menos natural.

Cole (un demasiado crecido Judah Lewis) va a preparatoria donde es el bicho raro y todos lo creen locos, especialmente sus padres, quienes lo mantienen drogado y estan a punto de enviarlo a un psiquiátrico, su vecina y amor platónico Melanie (Emily Alyn Lind, cumplidora) lo convence de escapar e irse de juerga, pero la mala suerte o el destino causan que Cole vuelva a pasar por la misma pesadilla que hace dos años, y de nueva cuenta se enfrenta a la extraña Sonya (Hana Mae Lee), al negro cliché (Andrew Bachelor), al descamizado psicopata Max (Robbie Amell) y a la sexosa porrista Allison (la bella Bella Thorne), esta vez con ayuda de la "rebelde" Phoebe (Jenna Ortega) que oculta un no tan oscuro pasado que de todas formas la sigue en la actualidad. Algunas cosas rompen el encanto desde el inicio, por un lado han pasado dos años pero Cole se ve mucho mas grande, algunos personajes estan de mas y solo estorban, no esta nuestra querida Bee (Samara Weaving en cameo extendido) y nadie puede ocupar sus zapatos, algunas cosas son tan ridículas que es imposible conectar con lo que vemos, por ejemplo esa pelea tipo videojuego fuera de lugar, los efectos especiales dejan mucho que desear, y la historia es un despropósito que hace aguas por todos lados.

Pensándolo ¿que se podía esperar de una película que ni siquiera entiende a sus protagonistas en la parte original? Cole aquí es mas retraído, inocente y ñoño que en la anterior, es decir quieren hacernos pensar que no aprendió nada, y en cuanto a Bee, es obvio que Weaving se esta consolidando como estrella, muchos cinefilos ya la adoran, por lo que esta vez regresa para reafirmar su estatus sin manchar su imagen, ojala la chica no siga por este camino, pero oye, su carisma es tan fuerte que cuando aparece, con todo y errores, levanta la cinta, así como también los papas,y debo admitir que nunca me aburrió, tiene algunas cosas rescatables pero no lo suficiente para validar su existencia, ojala entienda esto el director McG.

Calificación: Deficiente

Cinecritica: #Vivo

#VIVO (#SARAITDA (#ALIVE), COREA DEL SUR, 2020)

La cinta dirigida por II Cho y escrita por Matt Naylor y el mismo director es mas pertinente que nunca, es decir que la cinta donde un antisocial, o bueno mejor dicho un joven adulto que solo sabe comunicarse por internet queda varado en su casa sin poder salir de esta y sin contacto humano en espera de una cura que le permita sobrevivir parece haber sido pensada como una analogía de la desquiciante pandemia global que estamos sufriendo, el hirsuto Jun-u (el aletargado protagonista de esa demencial maravilla llamada "Burning") se levanta tarde, descubre que esta solo, que no hay comida y lo primero que hace es conectarse a jugar con los amigos, claro esta primero quejándose de que su mama lo invita a ir a comprar alimentos, en medio de la partida donde el tipo no solo es sociable sino una especie de líder se entera de que algo muy grave esta ocurriendo, la televisión lo pone en contexto y finalmente al asomarse por el edificio de su apartamento en un complejo habitacional le confirma lo peor.

Una extraña enfermedad causa que las personas se vuelvan violentas y caníbales, es mas, caminan como muertos vivientes y se comportan de esa manera, esta claro que estamos ante una cinta mas de zombies pero con una premisa mas orientada a quedarse encerrado con tal de sobrevivir, acompañamos a Jun-u mientras pasan los días y se va quedando sin redes sociales, sin internet, sin electricidad, sin comida y sin agua, la supervivencia es esencial para el chico que se esfuerza ya que su familia lo espera, por supuesto nada es tan sencillo y la soledad, la falta de noticias, y la desesperación empiezan a hacer mella en el chamaco que comienza a considerar una decisión muy complicada, todo esto con una dirección pulcra por parte del director en su primer largometraje, que hecha mano de gran cantidad de recursos, con un guión pensado en usar todas las posibilidades tecnológicas a la mano y con un maquillaje y coreografías zombies que estan muy por encima de la media.

Aun así "#Vivo" queda lejos de otros exponentes del genero pero aguanta el palomazo con creces, de hecho la temática es tal que uno termina por verse retratado en el plomazo del protagonista, encerrado, con el tiempo corriendo, con la esperanza de una vacuna que no parece llegar nunca, y con el temor de que salir por víveres es jugarse la vida, ah y debo apuntar, con todo e irresponsable que pone en riesgo nuestra vida por pura terquedad, por supuesto era complicado mantener la formula por lo que cuando la cinta avanza lo suficiente entra un personaje mas, la correosa Yu-bin (Park Shin-hye vista en "Milagro en la Celda 7") que esta mucho mas capacitada para sobrevivir aunque cuanto mas tiempo pase es mas complicado, y fiel al cine del genero veremos como la maldad humana es mas peligrosa que las hordas inacabables de zombies, lastima que al final baje el nivel pero para entonces lo hemos pasado tan bien que poco importa, y ademas muestra un mensaje que para los asiaticos es importante, el valor de la vida, vivir a como de lugar, uno que resulta oportuno en cualquier lugar en estos momentos.

Calificación: Competente

Cinecritica: Ladronas de Almas

LADRONAS DE ALMAS (ÍDEM, MÉXICO, 2015)

Un grupo de realistas que se hacen pasar por insurgentes llegan a la hacienda el encantamiento para buscar un oro que le pertenece al ejercito, en la misma encuentran a un viejo lisiado (Ricardo Dalmacci sobreactuado y olvidando de pronto que esta lisiado), sus hijas Maria (correcta Sofía Sisniega), Roberta (Natasha Dupeyrón) y Camila (Ana Sofía Durán), ademas de dos empleados, les ofrecen pasar la noche pero el sirviente negro (Harding Junior) les recomienda no salir ya que es peligroso, en esas tierras los muertos vivientes, es decir zombies, caminan a sus anchas, por supuesto los tipos no les creen y comienzan a moverse, esta de mas decir que si existe un zombi que les causara un gran problema y sera el inicio del final para el pobre tipo, pero la cinta no se llama así de oquis y pronto nos daremos cuenta que el verdadero peligro son las hermanas que atinadamente son llamadas malditas por un hombre desesperado.

Los tipos van cayendo uno a uno sin ofrecer mayor resistencia mientras los demas no saben que les ha podido suceder, la temática que se propone es interesante, no recuerdo muchas películas de terror que estén puestas en epoca antigua, y ademas el director Juan Antonio de la Riva hace un buen trabajo, la ambientación cumple, así como los aspectos técnicos de fotografía y sonido, e inclusive el maquillaje, eso si, la banda sonora de Diego Herrera y Leoncio Lara aunque buena no funciona en un filme de terror, y menos aun cuando aparece en todo momento para cada situación, algo que la hace cansina y que termina sacándonos de la película, y el montaje, digamos que pudo haber sido mucho pero mucho mejor, como ya comente, la hacienda, el vestuario, en todo eso se cumple, lastima que del ritmo no se pueda decir lo mismo.

Con todo esto nos queda una cinta cumplidora, pero solo si no se toma en cuenta los errores de la historia, los bandos solo son blanco y negro, buenos y malos, y esta sencillez le pasa factura ya que no existe ni un solo personaje interesante, ya no digamos desarrollo en alguno, ademas existe un sentimiento nacionalista que resiente la cinta, como los realistas son malos son estúpidos y no ofrecen resistencia, en cambio a los insurgentes todo les sale bien porque si, una pena que el pensamiento político lastre una premisa que daba para mas, ademas esa violación me dio risa y estoy seguro que no era la intención, aun así como curiosidad, de cinta histórica de terror y que toca el tema de los muertos vivientes traídos por los negros para usarse como esclavos es muy interesante, y hasta valiente, tanto así que merecía una cinta mejor.

Calificación: Regular

Cinecritica: Post Tenebras Lux

POST TENEBRAS LUX (MÉXICO - FRANCIA - HOLANDA - ALEMANIA, 2012)

Una pequeñisima niña güera (Rut Reygadas, hija del director) esta en una cancha mojada rodeada de perros, vacas y burros, los perros estan domando a las vacas y la pequeña los intenta regañar mientras va cayendo la noche y el cielo que se veía precioso comienza a oscurecerse, cae la oscuridad, se nubla y los rayos es lo unico que nos entrega luz mientras vemos aparecer el titulo de la película "Post Tenebras Lux" es decir "Después de la oscuridad, la luz", este mensaje criptico ´pudiera ser una manera de entender la cinta, aunque en lo personal creo que si bien si puede considerarse así lo cierto es que la luz y la oscuridad van y vienen en el mundo, y en cada ser humano que existe, en la primera secuencia, una increíblemente hermosa filmada en formato académico y con los extremos distorsionados, servirá para ganarnos por la belleza que transmite pero también porque comienza mostrando las cartas del inclasificable Carlos Reygadas que fiel a su estilo nada convencional opta por sensaciones en lugar de narración y por un estilo onírico que evoca recuerdos, sueños y delirios.

Regresando a la escena inicial vemos a la pequeña Ruth reír y jugar en el campo, disfrutar de la compañía de los animales, y poco a poco notar como la pequeña tiene un cambio de animo, ya no todo le parece, algunas cosas le incomodan, y cuando la noche esta casi encima de plano llama ¿pide ayuda? es decir que estamos ante un resumen pero no de la película en si como algunos señalan sino de la inocencia de una pequeña que va experimentando el mundo y todo lo malo que hay en él, perdiendo su inocencia y conociendo el peligro, la maldad, lo humano y la muerte, todo esto como evidentes sinónimos, termina la larga escena y ahora vemos a un diablo rojo que despide luz entrar a una casa con todo y caja de herramientas, se asoma al cuarto de los padres, despues a la de los pequeños y uno lo ve y finalmente entra en otro cuarto, con esto Reygadas pareciera decir que el diablo entro en la familia para comenzar a maquinar la maldad con sus herramientas pero al tiempo se siente como un simbolo sencillo por lo que supongo que es algo mas.

Para este momento la cinta me tiene maravillado, me ha fascinado con la hermosa apertura que se fue volviendo mas tenebrosa para despues pasar a un terror torcido y hasta con mala leche, y esto son solo las dos escenas iniciales de veinte que conforman la cinta, cada una cuenta algo importante y manejan una simbologia complicada que como apunta el mismo director esta ahí para ser llenada por cada quien a como pueda, o mejor dicho como quiera, tratar de explicar la película solo cerraría la reseña a una interpretación personal, que siempre hago lo acepto, pero creo que en este caso todo es tan abierto que resulta mas complicado, lo que no se puede negar es la fuerza narrativa del director, y la infalible técnica cinematográfica que presume en cada escena, en cada encuadre, en cada momento, con un uso del sonido majestuoso, abandonando la idea de banda sonora y solo apoyándose en la canción "It's a Dream" de Neil Young que funciona en un momento clave, cantada ademas por los protagonistas de la cinta.

La tercera escena nos permite conocer a "El Siete" (Willebaldo Torres) talando arboles, y en la siguiente por fin conocemos a la familia completa, los comentarios de la pequeña Rut dan la posibilidad de que la primera escena sea el sueño que tuvo, su avispado y parlanchin hermano Eleazar (Eleazar Reygadas, también hijo del director), la hermosa Natalia (Nathalia Acevedo) y el pudiente Juan (Adolfo Jiménez Castro), una familia acomodada que dejo la ciudad para vivir en el campo, se deja ver en otra escena que en parte porque prefieren "mezclarse" con los proletariados que convivir con los pedantes snobs que conforman familia y amigos, el detalle es que ellos nunca coexisten verdaderamente con los lugareños, en cierta escena los vemos asistir a una fiesta de pueblo en la que Natalia aprovecha la primera excusa para retirarse en tanto que Juan es discriminado por los mismos pueblerinos que le dicen blanquito y de plano lo confunden con un extranjero mientras ellos se jactan de ser muy mexicanos.

hí tenemos otro de los puntos centrales del filme, la diferencia de clases en México, pero Reygadas no es un director simplista, nos señala que los dos polos son malos y no da razones ni adoctrinamientos, ni siquiera critica, en lugar de eso muestra lo distantes que estamos a pesar de tener cierta afinidad por momentos, por ejemplo la escena de alcohólicos anónimos donde nos enteramos del difícil pasado de "El Siete" con todo y abusos, incesto, drogas, alcohol, violencia y abandono familiar, en tanto que Juan tiene el "serio" problema de ser adicto a la pornografía por lo que se desvela, mientras que Juan y su esposa se sienten infelices a pesar de tener todo y caer en lo mas banal y oscuro buscando llenar ese vació, la orgía en el sauna, Juan de plano es adicto al sexo y maltrata sadicamente a su perra favorita en un arranque, y tienen un matrimonio tirante, "El Siete" se dedica a talar arboles, escapar de sus vicios, disuadir a un tipo conque no mate a su hermana y tratar de recuperar a su familia, es decir los problemas de unos y otros son muy diferentes, unos parecen reales y los otros inventados, pero creo que cual es cual depende de cada quien y su estatus social/económico.

Lo que no se puede negar es que ambos lo notan, y por mas que Reygadas insista en que no quiso mostrar eso la relación de estos dos mundos esta llena de tensión, mas aun la de los dos tipos que se tratan de amigos, mientras Juan y su familia tratan con amabilidad y altivez a "El Siete" esté se comporta con una sumisión disimulada, esto anotado por el mismo director, el campo de cultivo idóneo para la tragedia que llegara en el momento mas inesperado solo por obra del azar y que cambiara el rumbo de sus vidas, llegando incluso a mostrar las dos muertes mas normales en mi querido México, un disparo en medio de un asalto y una decapitación, Reygadas apunta que lo unico que une a estos dos mundos tan dispares solo puede ser la violencia, un pensamiento tan oscuro que ya se entiende la llegada y posterior retirada del diablo ¿o se retira porque no ocupa ni accionar?

Esto claro en continuos saltos temporales, en escenas que nos hablan de un futuro ¿imaginario? que quizá no llego, sueños, delirios, siempre con esos bordes distorsionados, multiplicados, desenfocados cuando las tomas son de afuera, como si se nos dijera que fuera no tenemos control de nada en el mundo, algo que cambia con las escenas en espacios cerrados donde todo es normal, pero que aun así se sienten fuera de lugar; una orgía enfermiza, una pelea de egos en una fiesta familiar, una fuerte discusión matrimonial que se siente terriblemente familiar, o una canción cantada a modo de inevitable despedida. Reygadas entrega una cinta compleja, con una supuesta inconexión que no se siente así cuando eres mexicano, y con mensajes de humanidad reales, donde el gris es lo unico que tiene cabida, desde ser un psicópata que ve la luz o un marginado que comprende sus errores, me gustaría pensar que las extrañas escenas de rugby muestran el paso a la madurez y a entender que no estamos solos, el rugby es el deporte mas salvaje jugado por caballeros, como la vida misma.

Calificación: Notable

Cinecritica: Bayoneta

BAYONETA (ÍDEM, MÉXICO, 2018)

El tercer largometraje de Kyzza Terrazas que de nuevo hace el guión, es un paso atrás de su mucho mas logrado trabajo anterior, el efusivo documental "Somos Lengua", y aunque la cinta no es del todo fallida tiene varias cosas que le afectan en demasía, Miguel "Bayoneta" Galíndez (Luis Gerardo Méndez) es un boxeador mexicano que por alguna razón se encuentra en la alejada Finlandia, un país donde siempre es de noche y siempre hace frió, algo de lo que el boxeador se queja en alguna ocasión, ahí entrena boxeadores locales, el dueño del gimnasio intenta sacar alguna estrella de ahí, y nosotros no sabemos que diablos sucede, pero lo que queda claro con el inicio a modo de prologo es que Miguel sufrió un gran golpe emocional, pero todavía no sabemos porque, quizá ya no es famoso y ante la falta de oportunidades llego a un lugar que detesta, o fue obligado por una circunstancia, al tiempo se sabra la verdad, una opción que se seguirá durante todo el metraje donde el protagonista esta donde esta solo por decisiones propias.

Que si no hay nadie con talento, que si él si lo tiene pero esta traumado por una pelea que nos lleva a ver recurrentes flashbacks que serán mostrados casi hasta el final, y la lucha del tipo por lograr volver a la cima ya que es una especie de leyenda, cuando creemos que la cinta transitara por al reivindicación deportiva con todo y entrenamiento/pelea de por medio nos vuelven a cambiar la jugada, el detalle es que al final no se profundiza en nada y por lo tanto pareciera que no se trata de nada, que si Miguel tiene hambre de volver a la cima y no podía por culpa, que si el boxeo es (¡noticias!) corrupto y vendido, que si se comienza una historia romantica con todo y que el tipo no es libre, que si el boxeo es (¡otra noticia!) peligroso, o que el protagonista solo necesitaba encontrarse a si mismo, se toca todo como anote, pero solo se plantea para despues abandonarse.

Por lo que al final queda una cinta bien actuada, con una buena producción, con algunos momentos como las quejas del país o ese alce que se le aparece aunque para todos es normal verlos por ahí como perros, pero finalmente fallida en su todo, con una trama que no se desenvuelve correctamente, y donde nunca conectamos con el protagonista ya que nunca entendemos sus motivaciones, lo cual hace que por momentos sea hasta frustrante, una lastima porque parecía una buena idea si es que se decidían por algo, aun así casi aguanta el palomazo de tarde en domingo sin nada que hacer por los momentos y esa factura técnica que ya anote.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Halley

HALLEY (ÍDEM, MÉXICO, 2012)

Alberto (brillante Alberto Trujillo) es un guardia de seguridad que apenas dice palabra y que solo entabla relaciones mínimas en su trabajo con los demas, despues de todo es el guardia nocturno que pasa el tiempo escuchando la radio (donde ademas se escucha una mención de la siguiente obra de Hofman, la esplendida "Tiempo Compartido"), pero no solo es la extrema timidez del tipo que camina desgarbado, como sin energía, su rostro tiene algo extraño, se ve pálido, enfermizo, con los labios azulados, y los ojos perdidos, de hecho pide su renuncia a la gerente del gimnasio donde trabaja, la optimista Luly (Lourdes Trueba), debido a una enfermedad que le impide realizar esfuerzos físicos, pero cuando lo vemos en su casa constatamos lo que sospechamos, el tipo guarda un secreto mucho mas oscuro, aunque no miente al decir que esta enfermo, o quizá si ya que lo suyo no podría considerarse como tal aunque técnicamente lo sea, en la soledad de su casa Alberto se pone a ver la televisión donde dos tipos hacen brincar a mujeres con buena delantera como si fuera una parodia de un programa cómico mexicano.

Solo que Alberto no los disfruta, en vez de eso prefiere limpiar sus tazas, adornos y decorados, esto con una parsimonia que desespera, y despues de eso se baña con cuidado, y revela unas llagas, unas heridas, unos "huecos" en su cuerpo que tapa con gasas y pega o "sutura" con cinta, al lavarse los dientes sangra, se le caen las uñas y se quita las larvas de moscas del cuerpo que termina guardando celosamente en frascos, por supuesto que Alberto no esta enfermo, esta "muerto", o por lo menos eso parece ya que es la viva imagen de un muerto viviente, es decir Alberto "esta" o por lo menos parece muerto, y como cadáver se descompone cada vez mas por lo que tiene que maquillarse, ocultar las evidencias y bañarse en perfume, todo con movimientos tan lentos que en realidad pudiera considerarse un zombi de la edad romantica. Y así vemos el transcurrir de los días de Alberto en espera de que pase la semana para retirarse de su trabajo, pasando por la farmacia a abastecerse, esquivar a todos en el trabajo, evitar a su jefa, soportar que lo ignoren en el metro al derrumbarse ,escena real según el director y escritor Sebastián Hofman, y de paso ser confundido por un cadáver.

Todo esto es una obvia apología de la vida misma, de estos tiempos en los que todos somos una especie de muertos vivientes y mostrado de manera categórica con esos usuarios del gimnasio que solo realizan tareas repetitivas sin sentido mas ridículas y desquiciantes que las del mismo Alberto, con notorias referencias al cine del maestro David Cronenberg que se notan en la descomposición paulatina pero segura del protagonista que viene a evocar a la carne orgánica, es decir el cuerpo en transformación, la cinta ademas señala lo efímero de la vida con ese ejemplo del cometa Halley, y la imposibilidad de vivir cuando ya no se esta vivo, sin importar a que tipo de muerte se refiera, y con escenas tan poderosas como ese intento de salida a la frustración que termina de la forma mas terrible, todo esto con una dirección muy buena, una fotografía fría y lograda de Matías Penachino, una soundtrack bien escogido y un maquillaje impresionante que en realidad hace pensar que Alberto se descompone, aunque quizá lleva muerto mas tiempo del que se note, aunque físicamente se note hasta ahora, una valiosa opera prima de Hofman que siguió elevando la calidad.

Calidad: Muy Bien