Cinecritica: Bumblebee

BUMBLEBEE (IDEM, EU, 2018)

Charlie (Hailee Steinfeld, bien) es una chica pesimista, deprimida y negativa a la que nada le parece, al inicio creemos que quia la chica tiene una vida difícil y entendemos que acaba de perder a su padre pero mas alla de no ser popular, tener que trabajar como los mortales para comprar cosa y frustrarse al no poder terminar el proyecto que inicio con su padre no parece tener mas complicaciones, aunque su forma de ser determinara que si, su hermano (Jason Drucker) es un pesado pero en cierta forma el típico hermano menor, su mama (Pamela Adlon) siempre la apoya y su casi padrastro (Stephen Schneider) la quiere y siempre es optimista, comprendemos que la chica decidió encerrarse en su mundo y vivir asi, aunque es cierto que las personas a su alrededor son cansinas, y las populares son odiosas, y el vecino acosador de junto (Jorge Lendeborg jr.) es pesado, todo eso hace que la comprendamos, y que entendamos que estamos ante una cinta de crecimiento juvenil.

Al inicio ya vimos el final de la guerra de los decepticons y transformers, optimus mando a Bumblebee a la tierra y este pelea con otros y se topa con el ejercito, a partir de ese momento el incansable coronel Jack (John Cena) no se detendrá hasta encontrarlo en tanto el transformer logro escapar apenas convirtiéndose en un Beetle amarillo pero perdiendo la memoria, al tiempo se topa con Charlie y comienzan una amistad muy grande con el gigante amarillo ayudándola a madurar en tanto ella le enseña la cultura de los ochenta, esa maravillosa década tantas canciones y películas memorables a las que hace alusión la cinta, en tanto dos decepticons van por el pequeño para eliminarlo a la tierra e incluso engañan al ejercito.

En un tono de comedia y con mucha ternura es como el director Travis Knight paga derecho de piso en Hollywood, he escuchado mucho que es la mejor cinta de la saga, no sabría asegurarlo ya que no he podido nunca soportar una entera, pero si estamos ante una entretenida cinta de maduración muy bonita con momentos dramáticos y accion bien lograda, con una actriz muy buena y con ese plus que le dan los ochenta, pareciera un bajón para su director despues de "Kubo and the Two Strings" pero para ser una cinta por encargo esta muy bien lograda, con una amistad muy bonita, un mensaje siempre valioso sobre el valor de la familia, la mención a esos profesionales que no se rinden ante nada, momentos emocionales que llegan al corazón y ¿porque no decirlo? unas emocionantes escenas de accion que logran que genuinamente nos interesemos por todo lo que sucede.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: La Mula

LA MULA /(THE MULE, EU, 2018)

El nonagenario Earl (majestuoso Clint Eastwood) se detiene a orillas del camino para ayudar a cambiar las llantas del carro de una familia con cientos de kilos de cocaína en su propia camioneta, estos despierta el enojo de los guardianes mexicanos narcos que lo cuidan pero eso le importa poco, como tampoco le preocupa soltarle al tipo que ahora no pueden nada sin internet y que no se imagino ayudando a unos negros, estos se molestan y le dicen que ya no se les dice asi pero a Earl no le interesa y solo se mofa de su ocurrencia, es obvio que de nueva cuenta estamos a una cinta de estilo clásico, tanto en su construccion como en su mensaje, de nueva cuenta asoma el Eastwood de extrema derecha y republicano que no duda en meter sus irreales y esos chistes tan políticamente incorrectos, pero la verdad sea dicha, cuando los vi reí a carcajadas y los que estaban conmigo también, aunque a diferencia de su Walt Kowalski de "Gran Torino" aquí el director que es consciente de los cambios en la estructura social es lo suficientemente inteligente para que su personaje no lo haga con dolo sino como de la mas completa ignorancia de los tiempos, y al mismo tiempo decirnos que estamos en una epoca ridícula y que antes era mejor y mas sencillo.

El legendario director de nuevo se pone en el papel protagonico desde la mencionada cinta y hay que decirlo, tenemos ciertas similitudes con la misma, aquí también se de-construye el personaje emblemático que Eastwood nos ha regalado, el que impregna su cine y su propia estela, despues de todo sus personajes se parecen a él, a su forma de pensar, y representan lo que el cree y piensa, todo esto con un clasismo sorprendente, tomándose su tiempo en presentarnos la historia que parece sencilla pero que se vuelve inmensamente grande conforme avanza, con una fotografía hermosa y una banda sonora de antología que nos deja tarareando las canciones días despues de haberla visto, incluso los narcos son incapaces de resistirse al encanto y cantan junto a Earl a pesar de la aprehensión que sienten por el Tata, esa mula que les da tantos resultados pero que apenas y sigue sus ordenes, Earl vive a su modo, asi ha sido siempre y no piensa bajar la cabeza frente a unos latinos por mas pistolas que le pongan enfrente, no a él que es un veterano rudo.

Claro que esa misma libertad también es criticada, despues de todo el sujeto siempre puso el trabajo por encima de su familia y eso le paso factura, una mujer (Dianne Wiest) que lo abandono, una hija que no le habla, una nieta (la siempre adorable Taissa Farmiga) que intenta remediar infructuosamente las relaciones, pero razones no les quedan, ya al inicio vemos a un Earl que es carismático, amable y trabajador pero que prefiere festejar con sus compañeros que asistir a la boda de su hija (Alison Eastwood, hija del director en la realidad), prefiere dedicarse a sus flores sin darse cuenta que su familia solo florece una vez al igual que ellas, pero años despues Earl queda en bancarrota y embargado por causa de la internet y los bancos, el ataque a ambos es evidente, y no le queda de otra que ser mula de los carteles mexicanos, primero solo con la sospecha, despues a sabiendas de lo que trasporta, asi somos participes de los diferentes viajes de Earl Stone donde tiene diferentes dificultades y aventuras pero siempre con ese ritmo ameno, mucha comedia y el optimismo de un personaje que ama la vida.

Tanto la ama que no duda en dar lo que gana, ya sea para la boda de su nieta o el lugar de los veteranos que la aseguradora niega pagar, que no siga ordenes lo hace mas difícil de seguir y menos sospechoso, por lo que convierte en el favorito del jefe Laton (Andy Garcia), aunque el gusto le durara poco ya que los delincuentes son despreciables, en tanto los agentes Colin (Bradley Cooper, bien) y Treviño (Michael Peña) buscan desesperadamente a esa mula que mueve cientos de kilos al mes, y que nos da una interesante subtrama que se corona con esas escenas donde los dos norteamericanos conviven y platican sobre la vida porque la ven igual a pesar de que estén en lados contrarios por el momento, no solo en la justicia sino en la moral de vida por mas que comiencen a converger en el punto de la familia a lo que Earl aconseja no lo haga.

Earl aprenderá una dura lección y tendrá la oportunidad de redimirse ante su familia, y por supuesto también ante la justicia y su país en ese final inesperado donde el héroe típico americano regresa a la pantalla, donde se toman responsabilidades y se respetan las leyes, donde Eastwood se rehúsa como lo hizo el Earl real, la historia es real, a darle una salida fácil a su protagonista, es cierto que los inmigrantes les han hecho la vida mas difícil pero la responsabilidad final es de ellos, ese es el verdadero mensaje republicano de la cinta, no el que los extranjeros sean villanos porque no todos son detestables como se deja claro, sino en esa rectitud y moral que siempre debe ser respetada por los norteamericanos, una que nosotros no entendemos ya que aquí el que miente, roba, engaña y delinque es admirado y el que respeta la moral como Earl es despreciado y nos reímos de él, quizá deberíamos empezar a vernos nosotros mismos y dejar de criticar a los demas, y decir las cosas como son, ver la moral como es, justo como el buen y cinico Clint Eastwood lo hace.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Un Asunto de Familia

UN ASUNTO DE FAMILIA (SHOPLIFTERS (MANBIKI KAZOKU), JAPON, 2018)

En cierta escena clave de la cinta mas reciente de Hirokazu Kore-eda la luchona mujer Nobuyo (Sakura Ando, magnifica) le recrimina a sus captores y pareciera que también al publico si una mujer es mama solo por el hecho de dar a a luz, ¿acaso no es mas madre la que ama y cuida? la mujer que la enfrenta solo le dice que en efecto, dar a luz la convierte en madre, para los espectadores la respuesta es mucho mas compleja y difícil, después de todo hemos sido participes de la vida de estos roba tiendas por casi dos horas, vivimos, disfrutamos y sufrimos con ellos, esta "familia" se ama y se quiere y es difícil no entender eso, Kore-eda no nos pide que los defendamos pero si que los comprendamos y lo hacemos tanto que terminamos sufriendo pero siempre con sentimientos felices al igual que los protagonistas.

Estas dudas, preguntas y la ambigüedad moral acompaña todo el metraje, el director que también es guionista y editor no nos da una salida fácil y en lugar de eso nos dice que no existen respuestas sencillas y que todo depende del cristal como se mire en esta critica a la familia y a la sociedad japonesa que se siente increíblemente mundial, al inicio vemos a Osamu (Lily Franky, muy bien) y su pequeño acompañante Shota (Kairi Jo, bien) robando una tienda en perfecta coordinación y con señas, esta escena es mostrada como juego y con algo de suspenso y nos mete de lleno en la dinámica familiar, los adultos tienen empleos precarios, los chicos roban tiendas todo el día, la anciana (la fallecida Kirin Kiki con ese estilo tan japones de trasmitir emociones) embauca a quien pueda y la adolescente Aki (linda Mayu Matsuoka) trabaja en un club erótico, pero casi de inmediato se topan con una niña dejada en la intemperie en una fría noche, la recogen y la alimentan pensando en regresarla, pero Nobuyo decide no hacerlo al saber que la maltratan.

Esto les puede ocasionar muchos problemas pero aun asi la integran a su familia, una que tiene muy buenas relaciones y que lo unico que la hace disfuncional es que hurtan, pero al tiempo nos daremos cuenta que no solo la pequeña Yuri (Miyu Sasaki) llego a la familia de esa forma, en realidad no hay lasos sanguíneos que los unan, los adultos viven con la anciana por conveniencia, esta los acepta para no morir sola, la adolescente acompaña a su abuela porque no era feliz en su casa y los niños son solovinos o rescatados según como se mire, aun asi Kore-eda logra que nos encariñemos, los comprendemos, los aprendemos a querer, esos abrazos, las bonitas relaciones que comparten, aun a pesar de ciertos comentarios sobre la abuela, o que el niño se rehúsa a decirle papa a Osamu, la familia es feliz y el director es lo suficientemente hábil para mostrarlo muchas cosas con la menor cantidad de elementos, una mirada, un gesto, una caminata, un dialogo clave.

Por ello cuando llega el ultimo cuarto de la cinta y todo se despedaza, cuando creíamos que todo estaría bien Kore-eda no tiene piedad con nosotros y nos deja un poco de realismo, de una sociedad que juzga, de unos medios que manipulan información, donde se nos quiere vender un retrato que sabemos falso porque nos han mostrado que la familia nace del amor, como dicen en la cinta la familia no puede escogerse pero no debería ser posible liberarse, despues de todo ¿no era mejor familia para la pequeña Yuri una banda de ladrones que la amaba y cuidaba que unos padres que la maltratan y ni siquiera avisaron a la autoridad que su hija se habia perdido?

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Cold War

COLD WAR (ZIMNA WOJNA, POLONIA - REINO UNIDO - FRANCIA, 2018)

El director Pawel Pawlikowski entrega una cinta con tintes clásicos que al mismo tiempo es moderna, una cinta muy bonita que resulta tan hermosa como desgarradora, una historia de amor de esas que casi ya no se cuentan, un amor imposible entre dos personas que se aman desesperadamente pero que dolorosamente no pueden estar juntos, es decir no pueden estar juntos pero mucho menos separados, la arrebatada Zuzanna (Joanna Kulig, magnifica) y el pensante Wiktor (Tomasz Kot, bien) que sufren un amor destructivo, toxico dirían muchos, pero que a final de cuentas es lo unico hermoso que conocen en el mundo tan vano y frió que les toco vivir, despues de todo el amor no es nada sencillo, es lo mas complejo que existe y una pequeña pelea puede hacerse enorme o generar mas amor y pasión asi como una buena relación se puede volver monotoma o viceversa, el amor es tan variable e inexorable como es posible y por supuesto tan hermoso como doloroso al igual que esta cinta.

Wiktor e Irena (Agata Kulesza) viajan por la Polonia de los años cincuenta en medio de la nieve y la nada buscando posibles artistas, documentando y guardando a esos músicos folclóricos de una epoca que parece que ya no volverá pero siempre vivirá en nuestros corazones, viajan por parte del gobierno, uno comunista que solo sirve a sus lideres, pero ellos lo hacen de corazón y buscan mostrar el arte aun en ese mundo de pobreza y desasosiego puede existir un halo de luz, de pronto una joven canta una canción de una cinta rusa y es descubierta en sus mañas pero ello no evita que Wiktor quede prendado y la ponga como principal ya que a pesar de no tener la mejor voz tiene un "algo" que le da presencia, pronto Zula también se enamora y  ambos triunfan en sus presentaciones, el como director y ella como estrella y muy pronto viajan por el país para felicidad del encargado Lech (Borys Szyc) que ama el arte pero aun mas el poder y por ello cede inmediatamente a los deseos de hacer una presentación mas "patriótica".

Esto desanima a los encargados y Wiktor le propone a Zula huir pero ella por alguna razón decide no acompañarlo, a los años el tipo ve a Zula solo un tiempo para saber que ella ya es mas famosa en tanto el no puede vivir sin ella, y tiempo despues de nuevo se reencuentran, ella ya exiliada como él pero casándose (pero no por la iglesia aclara ella), aunque claro lo unico que quiere es a él aunque este tenga una mujer francesa y ella muera de celos, y peor aun vea que el mundo en el que vive su amado no es tan bueno como el piensa o intenta creer, vive atado a un éxito que solo se ve reflejado en una vida bohemia de fiestas donde se reconoce menos el valor del arte o por lo menos es mas efímero, y por supuesto los obscuros detalles capitalistas y de la industria, los favores por sexo y el uso de la publicidad vertidos en la venta de su historia "trágica" que incluso intentan usar ese oscuro pasado con su padre que ya la había atado en la Polonia comunista.

Zula no lo soporta y vienen mas peleas, escapes, reconciliaciones y sacrificios donde al final lo unico que les importa es estar cerca el uno del otro, para muestra el hijo ignorado, y que tiene un final grandisimo que nos deja un nudo en la garganta. Pawlikowski ofrece una dirección excepcional y concisa donde cada fotograma es una obra de arte y muestra mas de lo que aparenta, en menos de hora y media nos hace vivir un carrusel de emociones, todo enmarcado en una fotografía soberbia y una banda sonora de antología donde resalta cierta canción folclórica mostrada en cuatro diferentes formas que siempre van acompañadas de mucho sentimiento y que resumen la cinta y el amor imposible de los protagonistas, a final de cuentas muchos la elogian por atacar el comunismo y aunque si lo hace el director no nos ofrece una salida, el capitalismo tampoco es mostrado como respuesta, y al final creo que la guerra fría del titulo hace mas alusión a la guerra en el romance de estos enamorados que se enfrentan a todo tipo de problemas y obstáculos que deben vencer, pero siempre siendo ellos mismos sus principales enemigos, Zula y Wiktor no pueden vivir juntos pero tampoco separados por eso la importancia de ese precioso final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Balada de Buster Scruggs

LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS, EU, 2018)

Desde el inicio los hermanos Coen hacen toda una declaración de intenciones, cuando el carismático y relajado Buster Scruggs (Tim Blake Nelson, perfecto) le dice a la cámara, es decir a nosotros los espectadores que a el lo culpan de misántropo como dice el cartel de buscado que carga pero que solo es realista porque el ser rastrero, tramposo y vil es la naturaleza humana y quien encuentre enfado y pesar es un necio por esperar algo mejor, con esto nos dicen lo que podría decirse es su mismo pensamiento, despues de todo el cine de Joel y Ethan Coen ha sido catalogado como misántropo frente a su frialdad con que tratan a los personajes y su interminable pesimismo de la humanidad, a final de cuentas nos dicen que no son pesimistas sino realistas y que de hecho les divierte esto, y por ello nos regalan seis historias que pudieran haber salido de un libro de relatos cortos sobre el viejo oeste.

Y asi lo intentan mostrar, tomando como base algunas historias ya existentes los Coen nos ponen un libro en pantalla con una mano que nos deja ver las ilustraciones que acompañan una historia que no leeremos ya que nos la mostraran en el mejor lenguaje cinematográfico posible, es asi que asistimos a una serie de relatos que nos encogen el alma, nos emocionan hasta las lagrimas y nos hacen reír como enajenados, con las mismas obsesiones que siempre han acompañado al director de dos cabezas, la carencia de humanidad de las personas, la maldad y el egoísmo de la mayoria de la gente, el destino como elemento ineludible de la vida, la muerte que llega por todos de maneras imprevistas o anunciadas, y el azar que reina sobre todos y todo son algunas de las que podrian mencionarse, por ahi muchos se quejan de que los relatos son disparejos, por la calidad y por los temas y ambientación.

Lo primero no puede ser un defecto en este genero, mas bien es una característica, en tanto que la irregularidad de los temas es obvio ya que los Coen intentan mostrar en cada relato una de sus facetas, como si un compendio de sus múltiples cintas se tratara, desde los relatos de amor, las farsas ridículas o la tragedia griega, siempre con cambios en todo, desde la ambientación al tono porque asi estuvo pensada, y aun asi guardan un tono parecido, hay algo que nos hace sentir que estamos en la misma cinta y aun mas importante los tonos van cambiando de forma gradual para que asi entregarnos un sentimiento distinto al del inicio, si comenzamos de la manera mas optimista e ingenua posible terminaremos con el pesimismo de la dura realidad en la cara. En lo personal estamos ante una gran cinta que no ha recibido el amor que merece.

La primera historia nos muestra a Buster Scruggs, el pajaro cantor que viste de blanco y cabalga junto a su caballo Dan mientras toca la guitarra y nos empalaga con su voz, el tipo solo quiere un lugar donde saciar la sed y jugar una partida pero solo se topa con pistoleros mexicanos y tipos abusivos que caen ante Dan que a pesar de que no parece matar una mosca es un pistolero mortal (y sin pistola también) que siempre esta alegre y respeta las normas sin que ello le exente de cantar junto a todos sobre la muerte de un pobre diablo que acaba de morir, pero como todo en la vida tiene un fin la única persona que no lo menosprecia sacara a relucir un defecto que culmina en una hilarante escena de dueto que nos reconforta y nos deja una sonrisa, que se unen a las muchísimas carcajadas que nos regalo, la segunda "Near Algodones" tiene claras referencias a Leone y resulta casi tan desternillante como la otra, pero a final de cuentas acudimos a visionar el pésimo día de un pobre diablo (James Franco, exacto como ese patético ladrón) que por lo menos tiene un segundo de luz, y donde podemos deducir que los Coen castigan al que quiere ganar el pan sin esfuerzo.

La tercera "Meal Ticket" nos muestra a un empresario (Liam Neeson, bien) y al artista (Harry Melling irreconocible) que monta un espectáculo de monologo donde cita grandes obras y donde sentimos su talento para trasmitir emociones aun sin extremidades, pero como un cruel chiste los que lo ven son ignorantes y pronto se acaba su publico para dar paso a un espectáculo ridículo e insulso que llama masas y donde el empresario toma una decisión horripilante, una historia donde los Coen se estigmatizan, el artista solo es carne de cañón para el empresario que cuando no lo ocupa lo destroza y donde las masas no entienden de arte, doloroso también para ellos con lo que viven ahorita, despues del drama del relato anterior "All Gold Canyon" es un precioso recorrido de lo que hace un hombre (soberbio Tom Waits) que busca un filón de oro en un precioso valle en comunión y comunicación con la naturaleza y un giro final donde los Coen nos dicen que los humanos somos viles pero aquí si prefieren premiar el trabajo duro y el amor a la naturaleza, y nos regalan postales esplendorosas.

"The Gal Who Got Rattled" va sobre la sumisa Alice (maravillosa Zoe Kazan) que siempre acata decisiones de los demas pero que frente a los inesperados acontecimientos que la azotan por fin podrá tomar la vida por las riendas en esa caravana que cuidan Billy (encantador Bill Heck) y Mr. Arthur (Grainger Hines, bastante bien), ahi nacerá una bella historia de amor que nos roba el corazón y culmina con una majestuosa batalla contra indios que nos arrebata el corazón estrujándolo, quizá la mejor de todas donde nos dicen que la vida es hermosa pero siempre dolorosa, y finalmente "The Mortal Remains" sobre un grupo de variopintas personas que se dirigen al mismo lugar, ahi con diálogos punzantes y ácidos los Coen hacen un uso inconmensurable del humor negro con un trampero (Chelcie Ross) que no deja de hablar, una mujer religiosa (Tyne Daly)que juzga a todos, un desenfadado francés (Saul Rubinek), un silente irlandés (Brendan Gleeson) y un ingles (diabolico Jonjo O'Neill) que al final no deja lugar a dudas que estamos viendo una obscura y dolorosa fabula sobre lo que nos depara a todos y que se une a la primera historia con personajes pecaminosos a pesar de no creerlo a diferencia del buen Buster. Técnicamente la cinta es mas que impecable, es hermosa en todo sentido quizá solo le afecta un poco la digitalización pero la banda sonora y las canciones son maravillosas, y ese humor misántropo, burlón y ácido de los Coen sigue intacto y lo que es mejor, ahora con dejos de luz y esperanza sobre los pobres mortales, por lo menos para los que entienden la vida y obran bien, aunque ni siquiera asi se esta exento de la fatalidad del destino o mejor dicho la falta de este.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Lo Mejor del Mes: Abril 2019

Cinecritica: First Reformed

FIRST REFORMED (ÍDEM, EU, 2017)

El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke, perfecto) es el pastor de una pequeña iglesia perdida en la nada perteneciente a la primera reforma que esta a punto de cumplir 250 años, esta es mantenida por la iglesia Abundant Life y por ende recibe ordenes del moderno pastor Joel Jeffers (Cedric Kyles) quien a su vez recibe apoyo de un gran empresario CEO de una empresa de caracter internacional, pero a Toller no le afecta esto, el pastor vive como un ermitaño y da misa en un templo al que asisten apenas cinco personas y que mas bien es mantenido por su valor turístico, tan es asi que lo vemos mas veces llevar a una familia dar la vuelta turística por el lugar que dar misa, pero ahi Ernst esta tranquilo, o por lo menos lo intenta, nadie lo molesta y tiene tiempo de pensar y auto-compadecerse de si mismo por un error que al parecer no se ha  perdonado del todo que acabo con su familia y su relación sentimental.

Desde el inicio el director y guionista Paul Schrader deja claras sus intenciones, en primer lugar el formato esta grabado en un formato 4:3 y antes del inicio lo pone en letras anunciando o quizá exigiendo que se respete este formato sin importar donde se pase, es asi que la primera escena nos muestra el templo y los alrededores y los interiores del lugar al que Toller llego como escapando del mundo, eligiendo el mismo alejarse de los humanos intentado ocultar un dolor inimaginable que apenas mengua con grandes dosis de alcohol, y su soledad la soporta escribiendo un diario en el que volcara sus pensamientos por 12 meses para despues destruirlo, de esta manera podra expiar sus dudas y fallas de fe tanto en Dios que se mantiene en silencio como de sus congeneres que apenas soporta.

Ha tomado esta decisión por que asi tendrán que verse sus tachas y no podrá cambiar nada, lo pensara menos, solo dejara que fluya lo que llegue a su mente como una forma de expiación, uno cree y suponemos que el pastor también lo piensa, que su diario a final de cuentas no tendrá nada relevante ya que su vida es dar los recorridos turísticos que al parecer disfruta mas que dar misa y sus visitas a la gran iglesia Abundant Life, pero esto cambia cuando despues de un sermón la angelical Mary (Amanda Seyfried con cara de santa) le pide ayuda, esta embarazada y quiere que hable con su marido Michael (Phillip Etinger, bien) ya que este quiere abortar, el tipo no quiere ir a Abundant Life ya que la considera mas una empresa que una iglesia y el ermitaño Toller se ve obligado a dar consejo a uno de sus feligreses.

En casa de este mantiene una platica filosófica intelectual que es de lo mejor en guion que he presenciado en mucho tiempo y que deja claro el pesimismo de Michael y las dudas de Toller, pero también aquí y a diferencia de lo que han escrito muchos otros deja claro la gran fe en Dios que tiene, es cierto que despues de esto le queda una idea que hecha raíces y le lleva a una crisis existencial y de fe pero solo despues es cuando crece, cuando el pastor empieza a descubrir que el mundo es aun peor de lo que pensaba, cuando se preocupa por el cambio climático y ve que lo que pensaba Michael de que su hija viviría en un mundo inhabitable no solo podría ser cierto sino que los culpables se regodean de lo que hacen, grandes empresarios con nexos gubernamentales a los que todos admiran y que incluso mueven los hilos de la religión que usan para adormecer negritos, es aqui cuando la cinta deja esos homenajes a Bresson y se acerca mas Bergman, siempre con Ozu en la manera de mostrar la cinta y con guiños a Tarkovski como esa majestuosa escena onírica.

Y mas aun cuando Toller de plano se ha vuelto totalmente auto-destructivo y los problemas lo acosan sin cesar, el tipo se siente culpable por lo que sucedió en cierto momento clave de la cinta, un simple homenaje póstumo fue tomado por político y cierto empresario inescrupuloso (Michael Gaston) esta detrás de él, la presión de su "patrón" que lo invita a "vivir" el mundo real e incluso "actualizar" su fe y cierta enfermedad que lo azota sin piedad mientras el tipo solo opta por hecha pepto bismol al alcohol que lo esta matando o gritarle a la pesada Esther (Victoria Hill) y decirle que la repudia mientras se cae a pedazos, la única luz en su vida viene de la optimista Mary que no solo quiere tener a su hija sino que la espera con ansias de convertirse en madre y darle todo el amor aun en este mundo donde la contaminación, la degradación moral y la perdida de fe es la moneda de cambio diaria, en este viaje a los infiernos Toller se asemeja a Travis de "Taxi Driver" y a su protagonista destructivo de "Affliccion" donde Schrader también nos presenta personajes quebrados que bajan a los infiernos con perdida de fe en el ser humano, una misantropia inconmensurable y un final magnifico donde el director por fin abandona ese mundo cuadrado, claustrofobico y oscuro que decidió con su forma de filmar para regalarnos luz y esperanza en esa comunión con Dios.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Mirai

MIRAI (MIRAI NO MIRAI, JAPON, 2018)

El director Mamoru Hosoda lo ha vuelto a hacer, de nueva cuenta entrega una joya que nos recuerda el valor de la familia y nos invita a madurar de manera integra para bien de nuestra familia, la sociedad y nosotros mismos, se que suena demasiado pretencioso para una cinta animada pero debo recordar que animado no quiere decir infantil como lo han demostrado el genero desde su creación y en los años actuales, ademas la cinta es sencilla en su construccion por lo que todo mundo puede entenderla perfectamente, no es bueno decir que un visionado es obligatorio (nada debe ser menos obligatorio que ver cine ya que es un placer) pero si un niño pequeño ve esta cinta puede que le ayude de sobremanera en su maduración, muchos pensaran que es compleja o difícil de entender pero los pequeños son los que tienen la mente mas abierta a los simbolismos y a la fantasía que inunda una cinta que nunca choca con estos cambios sino que se sienten fluidos y nunca deja de parecernos cercano.

Esto debido a que la cinta nos retrata la vida familiar de cualquiera, es imposible no sentirse identificado con algún personaje, o con todos, todos hemos sido niños e hijos de alguien, o hay parejas inexpertas, padres, madres, abuelos, o somos hermanos de alguien como el protagonista Kun (Moka Kamishiraishi) que al principio esta ilusionado con la llegada de su hermanita pero que al poco tiempo se da cuenta de que no la quiere y hasta intenta hacerle daño. Desde el inicio se nota la mano de Hosoda en el diseño de personajes y una animación que es impresionante, pocas personas como los japoneses que pueden lograr que cada fotograma sea precioso y nos recuerde la belleza del mundo ya sea dentro de una casa o en la naturaleza, los trazos resaltan todo lo que vemos, hasta en los fondos y le dan identidad a cada momento, porque ademas los objetos, las zonas al igual que los diálogos vuelven a aparecer como parte integra de la historia.

Como anote antes el sello del director esta desde el inicio mostrándonos una casa de una joven pareja que cambiara con el tiempo en esa locura de imaginación arquitectónica y que con algunas imágenes estáticas nos muestra muchos años de vida, su comienzo como joven pareja, la llegada del perro Yuko y despues del bebe Kun con una hermosa canción de Tatsuro Yamashita que también nos entrega el hermoso ending, que ademas de bonita es simbólica, despues de escuchar una canción dedicada a las hermanas vemos a Kun emocionado por la llegada de su hermana Mirai (Kaede Hondo) pero pronto se convertirán en celos al ver que su madre (Kumiko Aso) apenas le presta atención, una que era total antes, y que su padre (Gen Hoshino) lo atiende poco al tener que desempeñar las tareas de la casa y cuidar a la bebe ya que trabajara desde casa a diferencia de su esposa.

Es asi que Kun se convierte en un desafiantes, llorón y desesperante niño que llora, exige ante las cosas mas sencillas, pero el árbol de su casa servirá de portal para su familia, pasada y futura donde aprenderá muchas lecciones importantes, desde el ver como él desplazo al perro primero, la llegada de la Mirai del futuro para una misión desternillante que le afectaría en el futuro, un viaje al pasado con su madre donde conocerá porque es asi el carácter de la misma y los demonios que carga por su miedo como madre y repetir los esquemas, conocerá a su bisabuelo quien le enseñara a andar en bicicleta o mejor dicho a depender de él mismo y dejar a sus padres respirar, y por supuesto ese viaje final con el tren diabólico donde no podrá ocultar sus verdaderos sentimientos y vera dolorosos sucesos de sus antepasados a los que tuvieron que enfrentarse para que él y Mirai existieran en ese milagro que es la vida, ademas Hosoda es lo suficientemente virtuoso para mostrarlo con la simple aceptación de no cambiar una prenda por el color. Preciosa y dulce cinta que reivindica la familia, el amor fraternal, la relación entre hermanos, los miedos de los padres actuales, y el valor de los antepasados donde las costumbres no tienen porque olvidarse y pueden convivir con lo nuevo, y quienes mejores que los japoneses para tan importante mensaje ya que lo viven día a día.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Glass

GLASS (ÍDEM, EU, 2018)

La mas reciente cinta de M. Night Shyamalan dividió a la critica y publico de manera exorbitante, de los dos lados hay defensores y atacantes a ultranza, no se porque unos la elevan tanto como a nivel de obra mayor como un estudio de los superheroes, eso ya lo hizo hace muchos años el mismo director con la subvalorada "Unbreakable",  y tampoco es la basura que dicen otros que ya piden la renuncia del director al cine, de hecho es mejor que la segunda parte de la "trilogía" de revisión sobre superheroes, "Split", aunque tampoco es mucho merito, lo que si es cierto es que la cinta es entretenida y los suficientemente inteligente para sorprendernos, quizá no gratamente pero eso es lo de menos, y por supuesto es mejor que la mayoria del ya quemado genero de superheroes. Creo que el debate se forma por las ya consabidas y esperadas vueltas de tuerca del director, a veces tramposas, a veces ridículas, a veces estupendas, pero a final de cuentas como espectadores sabemos que llegara, lo que sucede aqui es que hay dos vueltas de tuercas finales que hacen la apuesta mas arriesgada.

Al final de "Split" vimos que David Dunn (Bruce Willis aprovechando el poco tiempo en pantalla) decidía ponerle un alto a La Horda (James McAvoy, bastante bien) que como la bestia estaba asesinando jovencitas, aqui David junto a su hijo Joseph (Spencer Treat Clark) buscan al asesino y se nos da a entender que desde el fin de la otra cinta David ha sido un justiciero dedicado a salvar vidas, rápidamente lo encuentra con su capacidad extrasensorial y al enfrentarlo son capturados por la policía que los lleva a un psiquiátrico donde la doctora Staple (Sarah Paulson) intenta convencerlos de que solo sufren delirios, David se niega pero algunas personalidades de la horda ceden en tanto Elijah (Samuel L. Jackson robándose la película desde la mitad), Mr. Glass, apenas sabe que sucede por lo drogado que esta, lo que es peor los operaran para que puedan ser "normales".

Por supuesto que el supervillano tiene otros planes y para ello necesita del quebrantado Kevin y el héroe David, decir mas sobre la trama seria destruir gran parte del encanto de esta, despues de una presentación rápida el director nos pasa al psiquiátrico donde hasta nosotros mismos dudamos pero no pasa de ser una cinta continuista y falta de ideas hasta que el esplendido plan del supergenio Glass entra en accion y llegamos a un climax que nos depara una sorpresa tipo cómic a modo de revelación, la consabida vuelta de tuerca que esta vez resulta muy cruel, y finalmente ese segundo giro que a tantos a molestado, en lo personal me sorprendió y agrado, y deja una sensación distinta al deprimente final anterior, lo que si es que es ingenuo de Shyamalan pensar que algo asi destruirá o afectara los planes de los iluminatis que nos han manejado de por vida. Una cinta técnicamente impecable, que no veo tanto como secuela sino como un crossover, se nota que Shyamalan nunca la pensó como una trilogía y se nota, este es otro defecto de la cinta, a cada uno le toco el protagonismo de una y esta vez fue el turno de Glass pero el problema es que los otros dos quedan ensombrecidos, en especial David/Willis, que solo esta ahi para cumplir su parte del plan y que muere de forma penosa, tanto que termino por molestarme, en los extras el director dice que quito mas de una hora, eso explicaria el exceso de explicaciones aunque quedan como tipo comic, y los personajes emblema de "Unbreakable" son tan potentes como hace diecinueve años y no queda mas que maravillarnos ante el ingenio de Glass, ahora solo queda esperar que hará el director despues de esto porque no puede vivir de la nostalgia por siempre, o quizá si como lo muestra el maravilloso tema de James Newton Howard que nos trasporta a cuando Shyamalan hacia buen cine.

Calificación: Competente

Cinecritica: Border

BORDER (GRÄNS, SUECIA, 2018)

Interesantisima cinta fantástica de Ali Abbasi que toca muchos temas y va cambiando de genero sin que desilusione en ninguno, el guion del mismo director, Isabella Eklöf y John Ajvide Lindvisq basado en una historia corta de este ultimo es increíblemente inteligente, no podría ser de otra forma del autor de esa obra mayor llamada "Let the Right One In", la cinta va cambiando de piel pero siempre respetando lo que ya mostró y usando la información, sucesos y personajes de manera precisa para armar un rompecabezas que al final encaja de forma perfecta. Un filme noir nórdico con cine fantástico, drama, romance y terror, todo en conjunto para darnos una historia tanto bella como monstruosa, a final de cuentas todos somos capaces de lo mejor y lo peor como lo tiene claro su protagonista. Tina (Eva Melander, excelsa) es una agente de aduanas que es mas fea que pegarle a un abuelo, o por lo menos para nuestros estándares es asi, pero tiene un talento que la hace perfecta para lo que realiza, un olfato grandioso que descubre contrabando como vemos al inicio de la cinta.

Un día conoce a un sujeto parecido a ella y el olor le parece extraño, no puede descifrarlo, para los espectadores esto no es algo tan fuera de lo común porque pensamos que tiene un olfato excepcional pero es algo mas, lo descubrimos cuando no deja ir a un tipo hasta que encuentra una tarjeta sd con pornografía infantil, ella puede oler la vergüenza, la culpa y el miedo de las personas, es asi como comienza una trama policial donde ella es la clave para descubrir a una banda de pedofilos, en tanto conocemos su vida con el vividor Roland (Jörgen Thorsson) que ni la quiere ni la respeta pero que ella solo tiene para sentir compañía como le dice a su padre (Sten Ljunggren), enfadada, aburrida y molesta trascurre su vida hasta que el extraño regresa y lo detiene sin encontrarle nada pero entablar una relación donde el enigmático Vore (Eero Milonoff, muy bien) suelta algunas frases extrañas.

Tina le ofrece asilo y lo conoce aun mejor, el extraño ser que no parece tener una sexualidad como las de no nosotros invita a la protagonista a comer gusanos, correr desnudos por el bosque, nadar en las mas frías aguas, y comenzar una relación que despertara la verdadera naturaleza de Tina, le hará comprender quien es en realidad y a buscar la verdad de su pasado, pero también descubrirá que no todo es lo que parece y lo que creía una realidad completa se convierte en martirio cuando descubra que en todos lados se cuecen habas y que la maldad y la bondad no son propias de algunos sino que existen en todos, si la trama de la pedofilia y a era oscura lo que se esconde detrás es mucho peor, una extraña pero hermosa cinta que nos recuerda que vivimos en un mundo de clarooscuros, donde se nos invita a no perder la capacidad de imaginación ni asombro, enmarcada por un buena dirección en una fotografía preciosa que da énfasis a la naturaleza, y un maquillaje mas que destacado que ademas les brinda total libertad a sus protagonistas que forman parte de un reparto muy solido.

Calificación: Bien