Cinecritica: Cidade de Deus

CIUDAD DE DIOS (CIDADE DE DEUS, BRASIL, 2002)

Fernando Meirelles junto a Katia Lund nos entregan una película terrible, horripilante, en el mejor sentido de la palabra, una denuncia social con ritmos de samba que se mueve con una edición impecable y a un ritmo vertiginoso, y diferencia de como se usan ahora esos cambios de cámara, esa edición que brinca de uno a otro lado, y el ritmo rapidísimo para ocultar obvios defectos de historia o dirección aquí esta inteligentemente pensados para que la cinta funcione mejor y tenga mucho más impacto, pensar en "Cidade de Deus" con un ritmo pasivo y tomas largas es impensable, al mismo tiempo que el hecho de que sea un despapaye cronológicamente nos obliga a poner atención en todo momento y a cada detalle para entender a cabalidad la larga historia que abarca casi tres décadas desde el comienzo de las favelas a finales de los sesenta hasta los ochenta.

 

Basada en hechos reales la cinta resulta aun más imprescindible no solo porque lo que se muestra ocurrió (aunque obviamente algunas cosas son demasiado "casuales" y funcionan como efectos dramáticos) sino porque sigue sucediendo en la actualidad, no solo cuando se hizo la cinta sino ahora que Brasil es un hervidero de inconformes, la cinta desglosada en capítulos que en lugar de ir cronológicamente se enfocan en mostrar a cierto personaje o situación comienza desde una introducción con persecución a una gallina que nos mete de lleno en el ritmo del filme para después mostrarnos a Buscapé "Cohete" (Alexandre Rodríguez) quien desde niño no se quiso meter al crimen a pesar o debido a que su hermano estaba en cierto trio de maleantes famosos en las favelas, pero después de un robo a un motel que se sale de control se separan, uno se hace religioso, el otro se junta con una chica y termina baleado, el tercero, hermano de Cohete se mete con la esposa del soplón y termina muerto al tratar de escapar, nada menos que por el sanguinario niño Zé Pequeño (Leandro Firmino da Hora) quien perpetuo la matanza del motel.

 

En tanto Cohete esta con un grupo de hippies tratando de conquistar a la chica de sus sueños (Alice Braga) y lograr su sueño de ser un fotógrafo Ze pequeño junto a su mano derecha Bené (Phellipe Haagensen) empiezan a ganar terreno con todo y ceremonia santista-vudu con maldición incluida, Zé mata a todos sus contrincantes menos "Zanahoria" por ser amigo de Bené, y asi Zé se va haciendo de cada vez más poder y más sanguinario hasta que muere Bene´y viola a la novia de Mané (Seu Jorge) quien decide unirse a zanahoria para vengarse y asi comienza una guerra entre los dos bandos con la policía en medio y donde todos, hasta los niños pequeños cargan una pistola y se "cargan" a quien tengan enfrente, en tanto Cohete poco a poco se acerca a su sueño y un golpe de suerte con las fotografías de Zé y su gente determinan su futuro, el que se materializa con la terrible escena final donde hay una guerra literalmente y donde la policía se lleva a un líder como trofeo y suelta al otro al dejarlo "limpio" para que después sea acribillado por los "enanos" mientras en una terrible escena final vemos como estos discuten a quien deben matar para hacerse con el poder... y el ciclo vuelve a comenzar.

 

Calificación: Excelente

Musica: Going Underground - The Jam

THE JAM - GOING UNDERGROUND

The Jam fue un grupo de rock inglés de new wave de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fue uno de los grupos más populares de aquella época. Llegaron a posicionar sus 18 sencillos en el Top 40 de las listas del Reino Unido, desde su debut discográfico en 1977 hasta su última canción en 1982.

 

Realizaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en el Reino Unido. Comenzaron su andadura por 1972 de forma amateur en Woking (Surrey), lugar de origen de los componentes del grupo. A finales de 1976 se dieron a conocer en los Clubs de Londres, y grabaron sus primeros discos en plena explosión punk. Ficharon por Polydor por muy poco dinero (unas 6.000 libras), lo que no les impidió ser un grupo de gran éxito. Su primer número 1 fue el single Going Underground, editado el 14 de marzo de 1980, que llegó al lugar número 1 en la primera semana, algo que antes solamente habían conseguido Elvis Presley, Beatles, y Slade.

 

La popularidad del trío fue especialmente importante en el Reino Unido, donde fueron considerados artistas de primerísimo nivel y rivalizaron con The Clash. Fuera de sus fronteras también tuvieron bastante éxito en países del centro y norte de Europa e incluso finalmente en Japón. En cambio, a pesar de intentarlo con algunas giras, no conquistaron el mercado americano, quizá por el muy marcado carácter inglés de las letras y del estilo de la banda, en un momento en que a pesar de existir el género new wave en América, la moda y gustos musicales en los EE.UU. se movían en otras direcciones.

 

Liderados por Paul Weller, revivieron el movimiento mod de grupos de mediados de los 60 como The Who o The Small Faces, tanto en la estética como en lo musical, facturando en sus inicios un R&B duro y directo, con influencias de Dr. Feelgood y John Mayall. Otras influencias que se dejan ver a lo largo de su carrera son The Kinks, The Beatles, y el soul de los sellos discográficos Stax, Atlantic, y Tamla Motown.

 

Instrumentalmente, la banda estaba perfectamente compensada: La particular voz y forma de tocar la guitarra de Paul Weller, muy bien secundada por la sección rítmica de bajo y batería de Bruce Foxton y Rick Buckler, amén de las no menos importantes segundas voces de Foxton. Especialmente notorias son las letras de Paul Weller, que fue madurando en sus composiciones. Letras que hablan de las relaciones personales, las inquietudes de los jóvenes, los sentimientos íntimos del ser humano, y muchas otras en las que se refleja fielmente las glorias y miserias de la sociedad británica de la época. Aparte de las geniales y ácidas composiciones de Paul Weller, The Jam imbuían una fuerza espectacular en sus versiones de clásicos del rock y del soul. En sus actuaciones en directo, The Jam trasladaban toda su energía a un público entregado con el grupo. La mezcla de todos estos ingredientes, pasados con maestría por el tamiz del punk y la new wave, dieron lugar a una de las mejores bandas de rock inglés de la época.

 

Al igual que The Jam nunca negaron las raíces musicales sobre las que se construía su música, siendo justos con la banda se deben reconocer las influencias que ellos ejercieron, tanto en lo musical como en el terreno de la actitud. Grupos de la new wave como Generation X ó Barracudas se fijaron en su manera de hacer las cosas, y John Weller y Bruce Foxton produjeron un disco de The Vapors. El mencionado revival mod de finales de los años 70 no hubiese existido tal cual sin la existencia de los Jam. Bandas como Secret Affair, Merton Parkas, The Lambrettas, The Chords, etc. comenzaron a grabar sus discos dos o tres años después de la publicación de In The City, y en el momento en que The Jam eran ya un grupo de éxito, al igual que el estreno también posterior de la película Quadrophenia en 1978. Uno de los principales grupos de los años 80, The Smiths, en algo de los de Woking debieron reparar. Mientras tanto en España lo hacían no sólo grupos mods como Los Elegantes o Brighton 64 y posteriormente Los Sencillos y Los Flechazos, también otros grupos de la nueva ola o Movida, como Los Bólidos ó Los Nikis. En los 90, Oasis, Blur y Supergrass, son ejemplos de bandas que siguieron la tradición inglesa de Beatles, Kinks, y The Jam. Al comienzo del nuevo milenio los casos más claros de afección a los de Woking los tenemos en Libertines, Babyshambles y Arctic Monkeys.

 

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Lyrics


Live

Cinecritica: Contra la Pared

CONTRA LA PARED (GEGEN DIE WAND, ALEMANIA - TURQUIA, 2004)

Me toco conocer a Fatih Akin con su aclamada cuarta película, y debo decir que me gusto muchísimo, es una gran historia de amor, uno de los mejores romances que he visto en los últimos tiempos, y ¿Por qué no decirlo? de toda mi vida, digan lo que digan las mujeres las historias de romances melosos no tienen ni cercanamente la grandeza que tienen estas historias más cercanas a la realidad, de amores imposibles que navegan por todos los sectores posibles y que nunca sabemos por donde iran y mucho menos como terminaran, y además Akin es un magnifico director con el talento y la inteligencia para saber donde poner la cámara, como grabar todas las escenas, y para hacer un trabajo de edición que roza la perfección, y además nos regala una separación de capítulos que son hechos por un grupo de músicos turcos que a orillas del Bósforo nos regalan canciones típicas turcas que son majestuosas y que por si fuera poco no están gratuitamente sino que la letra de la canción y la melodía tienen que ver con el siguiente capitulo, con lo que viene y asi hasta que cierra la cinta de manera impecable, y me quedo corto.

 

Comienza la cinta y lo primero que vemos es el amanecer junto a esos seis músicos y la cantante que nos regalan una canción de una mujer tempestuosa que atormenta a un hombre para después entrar en la historia donde el vago Cahit Tomruk (Birol Ünel, excelente y totalmente metido en su papel) vive su día borracho o drogado o las dos cosas mientras sobrevive limpiando cierto antro de "arte" y donde no tiene una vida social más alla de un amigo y una medio novia, durante una noche en su carro Cahit simplemente decide chocar contra la pared, después en cierto hospital especializado en personas suicidas Cahit entra con un doctor que le dice que para acabar con su vida no ocupa suicidarse, Cahit lo entiende pero no tiene intención de cambiarla pero ahí conoce a Sibel (Sibel Kekilli sorprendentemente fresca y fantástica), una joven turca que también vive en Alemania y que de buenas a primeras le pide que se case con ella por la simple razón de que es turco y su familia lo aceptaría, dándole a ella la libertad que no gano ni con el intento de suicidio, y es que Sibel quiere ser libre, tener una vida donde pueda salir y estar con muchos hombres donde su familia no la golpeé o amenace y si para esto tiene que chantajearlo con otro intento de suicidio, bienvenido, con todo y que Cahit hasta le aconseja como hacerlo bien.

 

Después de otro interludio musical vemos a Cahit decidiendo que se casara con ella, esta parte es la más cómica de la cinta, como si de una comedia romántica se tratara Cahit va a pedir su mano en una escena hilarante, los novios se casan en una total farsa y empiezan a vivir una vida feliz donde Sibel gana su libertad y Cahit una compañera que lo ayuda a limpiar y a vivir, pero de ahí pasamos al siguiente capítulo donde Cahit y Sibel se empiezan a enamorar, él no soporta verla con otros hombres a pesar de que tampoco es fiel, ella empieza a quererlo y quiere comprender porque es tan infeliz, obviamente esta relacionado con la muerte de su esposa fallecida, y asi comienzan a acercarse, de tener una cena de pareja, a casi hacer el amor lo que consumaría el matrimonio lo que no esta en los planes, a tener celos de todos y de todo, y cuando parece que las cosas por fin se van a arreglar (ya que nosotros sabemos que el cuarentón y la veinteañera son el uno para el otro), tenemos un arranque de ira y celos de Cahit que destruye todo, lo lleva a la cárcel y a Sibel escapando de su familia y tratando de

terminar su vida, hasta que decide esperarlo y se va Estambul donde como si fuera un monje se corta el pelo, usa ropa holgada y toma el aburrido trabajo que le consigue su prima, pero Sibel no soporta y Akin nos lleva por el camino de su autodestrucción en unas escenas dolorosísimas de ver, donde queremos apartar la vista pero no podemos, una violación y un intento de asesinato en una fuerte paliza que le ponen a Sibel en cierto callejón (que además extrañamente no esta falta de humor) y después asistimos a la parte final del filme con un rehabilitado Cahit saliendo de la cárcel, buscando a Sibel, esperándola, y finalmente amándola aunque al final vemos un doloroso final donde Cahit hace una gran muestra de amor porque a ella le debe todo, en esa típica reunión no cumplida cerrada con una maravillosa canción donde los músicos se despiden de nosotros y donde a uno no le queda más que aceptar el gran talento de Akin.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Carros de Fuego

CARROS DE FUEGO (CHARIOTS OF FIRE, REINO UNIDO, 1981)

Al comenzar la opera prima de Hugh Hudson vemos a un grupo de jóvenes correr por la playa mientras amanece con una felicidad desbordada mientras suena una tremenda banda sonora de Vangelis (Evangelos Odysseas Papathanassiou), la cámara nos los muestra con tranquilidad mientras la escena toma tintes religiosos y después vemos una toma de lejos, por supuesto que creemos que esta popular cinta seguirá en la misma calidad pero no lo logra, es difícil lograrlo ya que la magia de esa escena viene de los sentimientos que despierta y la belleza de la misma, así que después de ver la cinta no entiendo porque tanta algarabía pero de que Hudson la filma con artesanía y corrección no hay duda, de la banda sonora menos, el reparto es impecable y tiene algunas escenas muy emocionantes por lo que tampoco se puede hacer menos esta valiosa cinta.

 

La cinta cuenta la historia del equipo olímpico británico que fueron a las olimpiadas de "Paris 1924" y donde ganaron a pesar de ser considerados amateurs derrotando al equipo olímpico norteamericano que eran profesionales y se entrenaban con los más avanzados métodos, especialmente de dos de ellos, el judío Harold Abrahams (Ben Cross) que no cesara hasta que le demuestre a todos y especialmente a él mismo que se merece un lugar en el país británico, y el cristiano escoses Eric Liddell (Ian Charleson) que corre porque esta convencido de que Dios le dio ese don para complacerlo de esa manera y porque ama su país, es un interesante contraste ya que Harold corre por su propio ego, por el orgullo de su pueblo, por la manera en la que ve su religión, en tanto que Eric corre por sus creencias y para el bien de su religión y la gente que cree en él.

 

Por supuesto que hay algo de critica ahí, Eric es usado para el cristianismo se haga más popular, en tanto que Harold va contra las reglas de Cambridge tomando el sentido común y siendo entrenado por el experto Sam Mussabini (Ian Holm), también los demás integrantes del grupo son interesantes, en especial el Lord Andrew Lindsay (Nigel Havers) que corre porque lo ama, no hay nada que demostrar, solo adora lo que hace y por ello le cede el lugar a Liddell para que tenga oportunidad de correr después de que se rehusó a participar en su especialidad debido a que la competencia sea en día santo, ¿una impresionante muestra de creencias? ¿tirar a la basura una gran oportunidad? creo que depende de cada persona el como se vean a los personajes pero son un contraste interesante y ver ese espíritu deportivo y de deportividad, de superación es un buen discurso, además del placer culpable de vencer al gigante norteamericano en su disciplina preferida.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Habemus Papam

HABEMUS PAPAM (IDEM, ITALIA, 2011)

Película de Nanni Moretti que comienza muy bien pero que se empieza a desinflar de tal manera que cuando llega su escena final que debería ser fuerte, conmovedora y controvertida simplemente resulta el termino de un extraño viaje que nunca supo por donde iba, eso si, la idea inicial es muy buena, el hecho de que el Cardenal elegido Papa no pueda con la presión del puesto y que tenga una serie de ataques es impresionante, sobretodo porque pone a la iglesia en una situación que nadie se esperaría que estuvieran, y se adelanto a algo que aunque muy diferente comparten la idea de dejar el puesto sin esperar a fallecer, claro que mientras la decisión de uno denota fuerza, carácter e inteligencia, la del otro también lo hace pero criticando la manera en la que se elige al santo padre.

 

La primera media hora es increíble, después del fallecimiento del Papa, los cardenales se reúnen para el conclave donde vemos el gran secretismo que se maneja y algunos chistes muy divertidos de periodistas y personas que meten la pata al no saber tratar el asunto, y la elección es hilarante con todos rezando para no ser elegidos hasta que llega el momento en que uno de ellos es elegido, el tranquilo Melville (Michel Piccoli excelentemente agradable) es el ganador de la rifa del tigre y acepta tomar el lugar, todo va bien hasta que cuando va a dar la bendición a los fieles sufre un ataque de nervios tan grave que se ven obligados a llamar al mejor psiquiatra del país (Nanni Moretti) ya que todo se va aplazando cada vez más y el mundo se pregunta que sucede.

 

Hasta ahí la cosa va bien pero cuando el Papa Melville se escapa para poder superar sus problemas que van desde ataques de pánico, nervios destrozados, depresión, y hasta traumas de atención en la niñez, y asi quiere vivir la vida que siempre quiso, ser un actor y vivir tranquilamente ya que no se siente con la capacidad de cambiar la iglesia y llevar la presión de todos los católicos en los hombros, mientras por otro lado los cardenales hacen un torneo de volibol promovido por el psiquiatra, ahí la cosa se va perdiendo cada vez más hasta que llegamos al anunciado final, por lo menos reconozco que Moretti intenta hacer una critica inteligente en lugar de ir por el morbo de escándalos sexuales o comedia fácil.

 

Calificación: Regular

Musica: "BANG A GONG" (GET IT ON) - T.REX

T.Rex - Bang a Gong (Get It On)

T. Rex fue una banda de rock fundada en Londres en el año 1967 por Marc Bolan bajo el nombre original de Tyrannosaurus Rex con el que lanzaron sus primeros cuatro álbumes de estudio con un sonido más cercano al rock psicodélico y al folk rock. A principios de los años setentas y con el nombre reducido a T. Rex alcanzaron la fama mundial y se convirtieron en el primer grupo glam rock de la historia, corriente que posteriormente siguió David Bowie, Sweet, Slade entre otras agrupaciones inglesas.

La agrupación dejó de existir en 1977 tras la abrupta muerte del vocalista y líder Marc Bolan con apenas veintinueve años de edad en un accidente automovilístico. Sin embargo su legado se mantiene con el pasar de los tiempos, siendo llamados una de las grandes influencias para el hard rock, el new wave, el punk y el rock alternativo. Además es una de las pocas bandas de principios de los setentas que obtuvo diez sencillos en los Top 10 en el Reino Unido, gracias a sus muchos éxitos como «Get It On», «Children of the Revolution» y «20th Century Boy», entre otras.

 «Get It On» es una canción de la banda británica de glam rock T. Rex, lanzado en 1971 como el segundo sencillo promocional del disco Electric Warrior, publicado meses más tarde. Obtuvo el puesto número uno en el Reino Unido.

En los Estados Unidos, fue lanzado bajo el título de «Bang a Gong (Get It On)» para no tener confusión con el sencillo de mismo nombre de la banda Chase. Obtuvo el puesto número diez en la lista Billboard Hot 100, la posición más alta para un trabajo de la banda en aquel país.

Durante la grabación del tema, Marc Bolan invitó a los músicos Rick Wakeman en el piano y Ian McDonald del grupo King Crimson en el saxofón. En diciembre de 1971, la banda se presentó en el programa Top of the Pops, en dónde Elton John tocó el piano.

En 1987 y con la celebración de los diez años de la muerte de Marc Bolan, el productor Tony Visconti remasterizó el tema y fue lanzado como sencillo en el Reino Unido, en dónde obtuvo el puesto cincuenta y cuatro en mayo del mismo año. Además en el 2007 se volvió a lanzar en el país británico, dónde volvió a entrar en los UK Singles Chart en el puesto setenta y uno.

Con el pasar de los tiempos distintas bandas han versionado la canción entre ellos Carlos Santana, Blondie, Cinema Bizarre y The Power Station, quién la lanzó como sencillo en 1985.

Lyrics


Live

Cinecritica: Sangre y Vino

SANGRE Y VINO (BLOOD AND WINE, EU, 1996)

Quinta colaboración de Jack Nicholson y el director Bob Rafelson que cumple bastante bien, da lo que promete y de nuevo se me hace raro que nadie la conozca porque no es un producto desdeñable sino todo lo contrario, una muestra de cine negro a la vieja usanza, sin aspavientos ni florituras, ni vueltas de tuerca ni sorpresas que nos hagan darle vueltas al asunto, simple y sencillamente un guión que como en antaño se limita a contar una historia sencilla pero que esconde mucho más de lo que aparenta y con personajes bien planteados que son personas y no cliches, lastima que los personajes tomen algunas desiciones hacia el final que rompen ese sistema de realidad que manejaba el director porque de otra manera quizá estaríamos hablando de algo grande.

Alex Gates (Jack Nicholson en un personaje al dedillo) es un ambicioso vendedor de vinos que tiene una pésima relación con su mujer (Judy Davis) y peor aun con su hijastro Jason (Stephen Dorff) quien no lo puede ver y no quiere trabajar con su padre, prefiere pescar pero quizá cambie de opinión en una entrega donde conoce a la chacha cubana de buen ver Gabriella (Jennifer Lopez mostrándome que sabe actuar) y queda prendado con ella, intenta conquistarla pero no sabe que es la amante de su padre quien a su vez esta usando la confianza de la chica para cometer un robo de un carísimo collar, y para esto lo ayuda Victor Spanski (Michael Caine, luciéndose) un peligroso pero débil maton, uno de esos personajes típicos del genero.

Las cosas marchan a trompicones pero cuando Alex sea atacado violentamente por su mujer quien confunde el viaje de la venta del collar con una salida romántica y al escapar de casa se lo lleva con ella las cosas se complican para todos, la pareja de bandidos busca recuperarlo, Jason decide quedarse con el y se lo esconde a su madre, Gabriella se entera de todo y también ambiciosa el collar, y asi se forman sociedades que muy pronto se quebraran por las ambiciones de cada quien, quienes quieren más fortuna y amor pero que actúan de tal manera que cada vez se alejan más de lo que buscan, al final el final es desesperanzador y como es de esperar nadie se queda con nada, todos pierden aunque al final hayan demostrado que no están completamente perdidos, guardan un poco de humanidad y quizá eso les ayude a recuperarse.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Acantilado Rojo

ACANTILADO ROJO VERSIÓN INTERNACIONAL (CHI BI INTERNATIONAL CUT, CHINA, 2009)

El porque de precisar que esta es la versión internacional del filme es debido a que si le tengo que poner peros a esta cinta que marca el regreso de John Woo a China donde ha hecho sus mejores películas es que se sienten algunas lagunas, los cortes de escena son rapidísimos, no hay tiempo de respiro y por momentos no sabemos ni porque estamos en cierto lugar si estábamos en otro, además de que la profundidad de los personajes es muy poca, solo los protagonistas tienen un carácter definido, de los demás no sabemos gran cosa, y creo que esto viene de las temidas tijeras que recortaron la historia original de 280 minutos a una de 148 minutos, ¡prácticamente la mitad! y eso porque originalmente es un díptico, dos películas que duran lo que esta pero que como somos occidentales somos demasiado desesperados y tontos por lo que queremos pura acción y batalla, por ello nos quitan la mayoría de la historia.

 

Por lo demás la cinta es un placer, una cinta de tono épico como las de antaño, con miles de extras, locaciones grandísimas, batallas épicas, héroes al por mayor, estrategias militares y demás fruslerías que solo Peter Jackson había manejado bien en estos tiempos, pero lo cierto es que Woo pasa con alta nota el examen, es impresionante ver como el director logro orquestar de manera fastuosa las batallas, esa primera batalla con la formación de tortuga y la separación de la misma es impresionante, por supuesto que el director no renuncia a sus fetiches, la paloma blanca, los ralentí, etc., al que le moleste esto pues no porque sea una cinta de otro tipo no lo verán, además en lo personal no me molesta esa trama tipo "Troya" donde al parecer los motivos del villano para conquistar el reino es debido al deseo y/o amor por una mujer, y algo que juega a favor de Woo es que los actores de verdad llenan los zapatos de estos héroes legendarios de la historia China.

 

Otro punto a favor por supuesto es el gran presupuesto que tuvo el director convirtiendo la cinta en la más cara de la historia del país, algo que hay que decir, se nota muchísimo, hay cintas norteamericanas que gastan más y se notan menos. La trama va sobre la historia real de la batalla del acantilado rojo que históricamente fue muy importante (y muy interesante de estudiar) donde el primer ministro Cao Cao (Zhang Fengyi, bastante bien) mueve como marioneta al emperador y quiere conquistar los reinos del sur donde los señores de la guerra no dan cuartel, al escapar al sur llegan al reino de Liu Bei (You Yong) y se refugian en el acantilado rojo del titulo donde Zhou Yu (Tony Leung, muy bien) prepara una estrategia junto al asesor Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro, muy bien) para enfretarse contra el ejercito de 800 000 hombre de Cao Cao, de aquí vemos el arte de la guerra, estrategias, formaciones, artimañas, engaños, jugadas mala leche, preparación de armamento, técnicas suicidas, espias, lectura del clima, ataque de diferentes frentes, una ceremonia del te que da paso al climax y una emocionante batalla final.

 

Además los momentos donde no hay guerra también son exquisitos, Zhou Yu entrenando mientras su mujer Xiaoqiao (Lin Chi-ling) hace te con ceremonia incluida, la música que crean Zhou Yu y Zhuge Liang donde se muestra la gran conexión que crean, al final es obvio que la cinta trata sobre estos dos que hace una gran dupla, una amistad que como la preciosa canción de créditos señala traspasa el tiempo, el guerrero valeroso Yu y el estratega pacifico Liang, de hecho Liang es el personaje más interesante de la cinta, un estratega militar que odia la guerra, que no sabe pelear, pero que disfruta las formaciones, la inteligencia, los valores, el arte y que es un genio en lo que sabe. No se puede más que decir que John Woo regreso a casa por la puerta grande.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Hombre Orquesta

HOMBRE ORQUESTA (ONE MAN BAND, EU, 2005)

Interesante corto sin dialogos que regresa un poco a las raices de Pixar aunque el final es demasiado facilon y se ve venir desde el inicio, dirigida por Mark Andrews el director de la fabulosa "Brave" y Andrew Jiménez, la musica es lo mejor de la animación y la estrella de esta, de hecho uno se puede olvidar de la historia y dedicarse a escuchar la soberbia musica.

 

Como si fuera una caricatura clasica los dos musicos callejeros Bass y Treble se pelean en una lucha musical por la moneda que la pequeña Tippy queria tirar en la fuente para pedir un deseo, mucha musica, una niña acosada y asustada y un cambio de depredador al final marcan esta historia.

 

Un corto con grandes ideas pero que al que de todas maneras le falta algo, no sabria decir que pero le falta ese no se que, que que se yo, ah ni yo me entiendo.

 

Calificación: Regular

Musica: Hey Scenesters! - The Cribs

THE CRIBS - HEY SCENESTERS!

The Cribs es un grupo de Post-punk revival formado por tres integrantes: los gemelos Gary y Ryan Jarman y su hermano menor Ross Jarman, provenientes de Wakefield, West Yorkshire,Inglaterra, su ex-miembro Johnny Marr (ex miembro de The Smiths) dejó la banda en enero de 2011.

La banda ha lanzado 3 álbumes, el primero autotitulado The Cribs en 2004 y el siguiente The New Fellas en 2005. Los singles incluyen “You Were Always The One” (#66 en el chart de singles de UK), “What About Me” (#75), "Another Number", "Hey Scenesters!" (#27), y "Mirror Kissers" (#27). "Martell", el tercer single del álbum The New Fellas, fue lanzado el 22 de agosto del 2005 alcanzando el #39. La banda nombró a su tercer álbum; Men's Needs Women's Needs Whatever. "Men's Needs, Women's Needs, Whatever'" fue grabado en Vancouver, BC, Canadá con Alex Kapranos del grupo Franz Ferdinand como productor. El álbum fue lanzado el 21 de mayo, precedido por el single Men's Needs, el 7 de mayo, alcanzando el #17.

El grupo también hizo un extenso tour por Norteamérica con Death Cab for Cutie y Franz Ferdinand en el 2006. Además, su canción "Hey Scenesters!" fue listada por la revista NME en “Los 50 Grandes Himnos Indie de Todos los mejores Tiempos”, ellos fueron una de los pocas bandas contemporáneas incluidas en esta lista.

"Hey Scenesters!" was the first single from English post-punk revival band The Cribs second album The New Fellas. The single charted at number 27 in April 2005, becoming their first Top 40 single. In its year of release, the song was voted the 3rd best song of the year by the NME, Track of the Year by the Metro newspaper, and finished in the top 100 tracks of the year in Rolling Stone in the USA. In May 2007, the song placed 42nd in the influential music paper NME's "Top Indie Anthems of All Time", one of the only contemporary bands included in the list. Drummer Ross Jarman told Mojo magazine that this song was fueled by the band's experiences: "playing Brixton Windmill, full of kids who were only there because they thought it made them look cool."

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