Cinecritica: María Callas

"MARIA CALLAS" ("IDEM", ITALIA - ALEMANIA - CHILE - ESTADOS UNIDOS, 2024) DE PABLO LARRAIN

Como en las dos cintas biográficas sobre mujeres que ha realizado Larraín anteriormente - por un lado la interesante "Jackie", por el otro la notable "Spencer" -, el director se enfoca en un lapso de tiempo bastante corto y usa flashbacks de manera puntillosa para explicar su vida y situación actual, dándole forma a su situación emocional y mental actual, algo que el director siempre logra dejar claro, esta vez apoyado por el guion de Steven Knight que nos presenta la última semana de vida de la Diva de opera que no solo destaco por su grandísimo talento, sino que se volvió mediática por su relación toxica con Aristoteles Onassis (Haluk Bilginer convertido físicamente en el sádico magnate), y desde el inicio Larraín y su guionista saben que van a presentar al público y como hacerlo, de tal manera que la Maria Callas de una entregadísima Angelina Jolie deja claro desde los primeros momentos que el personaje de "La Callas" ha consumido completamente a Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoulos.

Esto desde el primer instante en que aparece, bajando de su cama con porte y casi vestida, para de inmediato mandar a su abnegado criado/mayordomo Ferruccio (Pierfrancesco Favino, excelente) a mover el piano de un lado para otro cual capricho de diva, aunque sepa perfectamente que el tipo tiene la espalda tan mal que apenas puede con su alma, o que ponga a su criada Bruna (Alba Rohrwacher, maravillosa) a escucharla mientras prepara el desayuno para que le dé su opinión sobre su desempeño, causando por supuesto, fantasías que le hacen pensar que puede regresar a los escenarios, cuando hace años que perdió el talento que la consagro, sea por ese bajón de peso que dio de golpe quizá ayudada por drogas, quizá por la orden de su amante Onassis de que dejara de presentarse, o quizá por los infaltables excesos que marcaron su vida y que justamente en esta etapa final toman mucha más presencia, con medicamentos escondidos aquí y allá, fármacos conseguidos por su hermana y sus peleas con los médicos.

Es decir, Larrain logra perfectamente poner en pantalla esta personalidad contradictoria, por un lado la diva inalcanzable que es déspota ante todos y que hace berrinches como niña chiquita, y por otro lado la persona de buenos sentimientos que tanto aman sus empleados, por supuesto, uno la entiende con esos flashbacks de su doloroso pasado, pero al mismo tiempo uno no entiende porque acepta ser la amante del millonario dejando humillar al grado de seguir siendo la segunda cuando la viuda Jackie Kennedy de inmediato lleno el lecho caliente de su esposo con el multimillonario, algo todavía más confuso cuando vemos que Maria siempre esta drogada y sufre alucinaciones, por lo que no queda claro que es realidad y que es falso, en lo que si tenemos certeza de su falsedad es ese supuesto documental donde acaso Larraín se proyecta y que es la parte más débil del filme.

Detalles que siempre ha tenido el director y que causan bajones en su cine, comenzando por ese amor a verse el ombligo, combinado por evitar los aspectos más turbios de las mujeres que pone en pantalla, llegando en algunos casos a la hagiografía victimista, y que causan el peor de los defectos en una pantalla, causando que por momentos todo el asunto sea reiterativo y aburrido, todos estos pecados los tiene esta cinta, pero en cuanto a los aspectos técnicos - la fotografía, las tomas y encuadres, la edición, el diseño de época, el vestuario y la banda sonora - no existe ninguna queja, el director sigue siendo tan impecable como siempre, unido a una astuta manera de hacer cantar a la diva real Jolie, y la actuación de todos, en especial de esta última cargando la cinta, logran que uno termine disfrutando la función, aunque nunca alcance el nivel de calidad de una interpretación de la verdadera Callas.

Calificación: Recomendable

Cinecritica: Septiembre 5

"SEPTIEMBRE 5" ("SEPTEMBER 5", ALEMANIA - ESTADOS UNIDOS, 2024) DE TIM FEHLBAUM

Los eventos de ese nefasto 5 de Septiembre de 1972 en Munich se han llevado al cine en múltiples ocasiones, tanto lo que paso antes como sucesos anteriores que llevaron a este o lo que desencadeno, como en la subvalorada "Munich" de Steven Spielberg, pero esta vez se muestra como thriller casi en tiempo real, con un ritmo trepidante y un montaje dinámico que enlaza las tomas de la película que emulan un estilo documental con imágenes de archivo sacadas de la propia ABC, aunque conocemos perfectamente la historia, el hecho de presentarla de esta manera le da una frescura que logra mantener el impacto de los hechos, ademas la cinta apenas dura hora y media donde ademas de narrar los hechos terroristas ocurridos y como los vivieron las personas cercanas nos adentra en el trabajo de televisión y periodístico en vivo, lo que nunca deja de ser interesante, tanto por la premura que manejan, como la presión de los tiempos, que sumado al suceso suman mucho a la tensión.

Todo inicia con las transmisiones de los juegos olímpicos de Alemania 1972 con las victorias de Mark Spitz colgándose nada menos que siete medallas de oro, el productor Marvin Bader (Ben Chaplin, bien) sigue la última competencia con la victoria del norteamericano de forma profesional, a lo que entra de inmediato el rapiñezco ejecutivo Roone Arledge (Peter Sarsgaard imponiendo presencia) que apunta que no tomen al ganador, sino al alemán perdedor debido a que Spitz es de ascendencia judía - "en el patio de Hitler" -, comenta con sonrisa sardónica, casi de inmediato vemos que el joven productor Geoffrey Mason (John Magaro, bastante bien) batalla con un alemán que no quiere darles unos cables, y que se queja de que los gringos saben quejarse, por supuesto, nunca tenemos la oportunidad de ver si lo que dice el tipo es verdad, y acto seguido se escuchan unos disparos que el alemán desestima, es decir, estamos nuevamente ante una cinta que vanagloria a los judíos y de paso culpa e imbecilita a los alemanes.

En cuanto a la factura técnica no hay mucha queja, el diseño de producción es bueno y logra trasportarnos a la época de los setenta, en esto ayudan el vestuario y la peluquería, además la fotografía sucia estilo documental que siempre se ve nerviosa es justo lo que necesitaba la historia, inclusive las tomas con cámara en mano sirven para este cometido, y el reparto coral cumple perfectamente, a los mencionados se suma una espléndida Leonie Benesch que devora la pantalla cada que aparece, junto a un larguísimo número de secundarios que cumplen en todo momento. En cuanto al tono se puede decir que es bueno, no se mete demasiado en cuestiones políticas y por momentos tiene el grado de amoralidad que es normal en los periodistas preocupados por el rating, y esto lo representa perfectamente Sarsgaard.

Por desgracia, ante cada momento de amoralidad e inmoralidad de los periodistas llega un pretexto para ellos, una mención de superioridad moral, y nunca empata lo que sale de sus bocas y sus acciones, así que vemos como hacen de todo para engañar al gobierno y autoridades alemanes, incluido sabotear un plan al presentarlo en televisión, pero todo se muestra como si lo hicieran desde una superioridad moral donde de paso siempre critican a los alemanes y victimizan a los judíos, algo que se siente incluso hipócrita viendo lo que sucede en la actualidad con los Palestinos, una pena, ya que la ejecución es valiosa, de ser una cinta más cínica e imparcial tendría más fuerza, donde no se vanaglorie a los productores televisivos que a final de cuentas solo quieren dinero, al final un personaje le dice al ambicioso Ronne, que nunca quiso entregar la exclusiva a noticias, que le va a llegar un jugoso bono, pero son detalles que luego se blanquean, una pena, pero eso sí, nunca de ser un buen thriller lleno de tensión.

Calificación: Recomendable

Cinecritica: La Única Mujer de la Orquesta

"LA UNICA MUJER DE LA ORQUESTA" ("THE ONLY GIRL IN THE ORCHESTRA", ESTADOS UNIDOS, 2024) DE MOLLY O'BRIEN

Molly hace su debut en la dirección con un mediometraje documental que le rinde honor a su tía Orin O'Brien, una mujer de 89 años que está a punto jubilarse de la filarmónica de New York - donde justamente fue la primer mujer a la que se refiere el título -, al tiempo que da clases a varios alumnos, está en medio de una mudanza, y tiene tiempo de conversar con su sobrina donde insiste una y otra vez conque no es alguien especial, al grado de quejarse con ella "me quieres hacer ver como alguien importante y eso me incomoda", un rasgo de humildad verdadera que rebosa durante todo el tiempo que aparece en pantalla, y que le da una personalidad única, incapaz de tomar ventaja de la situación que le ponían a modo los medios de comunicación en el momento que ocurrió, con todo y datos falsos llenando los artículos de medios impresos, y que solo demuestra el decoro con el que se manejó toda su vida.

Al final la hija de dos famosos actores de hollywood - nada menos que George O'Brien y la bellísima Marguerite Churchill - brilla por luz propia, pero principalmente por su forma de ser, una mujer sencilla, profesional, obsesionada con la música, amante de la música, y capaz de felicitar a todos los demás de la manera más cordial y sincera, incomoda ante la fama que quiso hacerle la prensa en su momento, y celebrando sobre todo el trabajo en equipo, y es que la mentalidad de esta mujer es fascinante, nunca quiere sobresalir, no se aprovecha de nadie ni de nada, y repite una y otra vez que debe haber hormigas y soldados, un trabajo primordial al que se le da menos valor del que tiene según su parecer, y que nunca pierde el foco de la realidad ni se crea mundos alternos, ante la falta de hijos, la única cuestión que le quedo pendiente, responde cortante ante la idea de su sobrina de que sus instrumentos son sus hijos que "nada que ver, si acaso podría considerárseles mascotas", ante su capacidad de racionamiento, lo centrada que es, lo profesional que se maneja, su avasallante talento y su inmenso carisma uno cae rendido, y entiende perfectamente a su familiar y directora.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Duna: Parte Dos

"DUNA: PARTE DOS" ("DUNE: PART TWO", ESTADOS UNIDOS - CANADA - EMIRATOS ARABES UNIDOS - HUNGRIA - ITALIA - NUEVA ZELANDA - JORDANIA - GAMBIA, 2024) DE DENIS VILLENEUVE

La anterior cinta sobre la obra de Frank Herbert me aburrió en demasía, no recuerdo nada de aquella experiencia más allá de la frustración cuando la miraba y la lucha contra al aburrimiento mientras irremediablemente cabeceaba sin cesar, quise culpar a un hipotético cansancio de esto e invente verla de nuevo ya descansado, a los pocos minutos supe que el cansancio no tenía nada que ver, la cinta aunque impresionante visualmente me aburria en demasía, no me transmitía nada, y lo que es peor, tenía una pomposidad petulante disfrazada de dizque profundidad que me exasperaba y echaba para atrás, espere que la segunda parte fuera mejor, después de todo ahí está la carnita de las batallas y ese enfrentamiento final que ya había visto en la desquiciada pero fallida "Dune" de David Lynch, por desgracia esta cinta nunca alcanza la cuota de locura de aquella, ni acepta el ridículo, por el contraria seguimos con esa seriedad que lastra toda la película.

Empezamos justo donde termino la anterior "Dune", con el elegido Paul (Timothée Chalamet con ese histrionismo y sufrimiento que ya me está hartando) uniéndose a la tribu de los Fremen, que son retratados como fanáticos religiosos parecidos a los musulmanes con todo y alivio cómico en manos de Javier Bardem como un desaforado creyente, que dicho sea de paso, no creo haya sido a propósito, Paul aprende sus costumbres y vive con ellos, además de que la arisca Chani (Zendaya) se enamora de él porque... esta carita supongo, ya que sucede en un segundo, en tanto su madre Jessica (Rebecca Ferguson, de las pocas que desquita el sueldo) toma un agua de la vida que la hace sabia, y de paso al feto que habita en ella con quien mantiene largas platicas y hasta discusiones, de hecho esto junto a la comicidad no pretendida de Bardem son lo rescatable de una cinta que después de eso deambula entre dizque ataques rebeldes pesimamente conectados sin tensión, gusanos gigantes que primero son una amenaza y luego son montados por todos, intrigas políticas sin sentido y malos malosos que en lugar de ser una amenaza dan pena.

Y es que, ese es el principal problema de la película, situaciones que se sienten mecánicas solo para que avance la trama, escenas hiladas sin sentido del ritmo ni la narrativa, enzarzada trama política a la que no le entiende nada, y personajes que entran y salen de encuadre sin peso en la trama pero que presumen un nombre famoso para llevar a las salas al respetable; una Florence Pugh que no aporta nada, Christopher Walken casi en cameo, un Josh Brolin desaparecido, una Léa Seydoux desaprovechada, e incluso una Anya-Taylor Joy saliendo dos segundos, sumado a personajes antagonistas que dan pena ajena y que en la primera nos los presentaron como importantes, el Barón de Stellan Skarsgard, el personaje de Charlotte Rampling y el irrisorio personaje de Dave Bautista que antes era imponente y ahora un cobarde simplón, solo porque si. Nadie niega el poderío visual de la cinta, y en especial el sonido con una buena banda sonora que evita uno se duerma, pero falta emoción, alma, carisma, en pocas palabras falta cine y por más que la gente presuntuosa cacaraqueé que estamos ante un futuro clásico tengo claro que nadie recordara esta cinta más adelante, no me acordaba de nada de la primera, esta segunda parte está condenada a lo mismo.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: I'm Not a Robot

"I'M NOT A ROBOT" ("IK BEN GEEN ROBOT", BELGICA - PAISES BAJOS, 2023) DE VICTORIA WARMERDAM

Lara (Ellen Parren, perfecta) está ida escuchando "Creep" de Radiohead, en la versión de Scala & Kolacny Brothers, cuando de repente le salta una notificación en la computadora, necesita actualizar un programa, algo bastante sencillo que acepta con tranquilidad, hasta que aparecen unos de esos molestos test de imágenes para comprobar que uno no es un bot, el captcha - Completely Automated Public Turing test to tell Computers and Humans Apart - pero para sorpresa de Lara falla una, y otra, y otra vez en la prueba, y cuando llama al servicio al cliente para solicitar ayuda y agotan las posibilidades desde el otro lado de la línea llega una pregunta sentenciante, realizada de forma dudosa y nerviosa, y justo por ello más potente, ¿no será que es un... robot? esto escandaliza a Lara, pero él tipo insiste, después de todo no sería la primera persona que lo descubre así, a lo que Lara ya empieza a perder la paciencia y ser grosera, la llamada termina y desespera insiste en aprobar hasta llegar a un límite que la envía a otra prueba adicional.

Conforme el examen avanza y desbloquea nuevas preguntas Lara comienza a perder la compostura, llegando al límite con un resultado que jamás podría esperar, pero, después de todo ¿no se trata solo de otro de esos ridículos test donde dicen que personaje de tu película favorita eres? Ante esto Lara llama a su pareja Daniël (Henry van Loon, adecuadamente pusilánime) para platicar sobre el tema, y conforme la situación avanza se obsesiona más con esta pregunta, al grado de no realizar su trabajo y entrar en crisis, una que será quebrada de la forma más inesperada. El guion escrito por la misma directora toca muchísimos temas sensibles y de manera harto interesante, desde las cuestiones éticas y morales que permean la posibilidad de un futuro robótico, hasta la dualidad moral de que tan valido es esconder la realidad a los demás. 

Todo esto mientras pone patas arriba los pensamientos de una persona y nos muestra un tipo patético que se cree feminista - o quizá lo sea -, al tiempo que es capaz de pensar en él y solo en él, es decir el opuesto al inseguro creído inseguro de "Compañera Perfecta", al tiempo que muestra la amoralidad de las empresas en el rostro de la fría Pam (Thekla Reuten, impecable), quien parece más robot - ¿o más humana? -  en su cínica frialdad, y por supuesto, ese subtexto de las diferencias básicas y patentes entre nosotros que aunque se suponen que solo son "etiquetas", son imposibles de evitar porque terminan definiéndonos, ah, y con una dirección, montaje, uso del sonido y hasta efectos esplendidos, que culmina con las mismas letras con las que inicio, que ahora significan algo muy diferente, una joyita que está al alcance de todos en Youtube.

Calificación: Notable

Cinecritica: The Witcher: Sirenas de las Profundidades

"THE WITCHER: SIRENAS DE LAS PROFUNDIDADES" ("THE WITCHER: SIRENS OF THE DEEP", POLONIA - COREA DEL SUR - ESTADOS UNIDOS, 2025) DE KANG HEI CHUL

¿Alguna vez han pensado/imaginado la historia de "La Sirenita" lo más alejada posible del canon Disney? es decir, que en lugar de tener una historia de romance donde una mujer entregue ingenua y ayudada por adorables animales parlanchines logran derrotar a una malévola bruja para vivir junto a su príncipe felices para siempre, tengamos a una sirena enamorada pero empoderada, con animales soldados asesinos causando estragos, una bruja malévola que tiene una historia de rencor detrás, y con todo un complot político que cause la muerte de muchos inocentes mientras se critica la ambición inagotable del hombre, pues eso es justamente esta cinta animada, una versión más "madura", pensándolo bien esa no es la palabra correcta, tampoco sería más oscura, pero lo que no que cabe duda es que es mucho más sangrienta, con muchas peleas con armas cortantes, hechizos, y monstruos gigantescos, donde no se contiene la sangre, los destajamientos, y las vísceras por aquí y por allá, además con algo de sexo que no va más allá de mostrar voluptuosos cuerpos desnudos, o casi.

En pocas palabras una versión de "La Sirenita" para los adultos, que disfrutaran mucho más los adolescentes que se salten la clasificación debido a lo mencionado, sangre y sexo, pero que por lo demás parece prácticamente calcado, es como imaginar esa historia con el lobo blanco, el Witcher Gerald (voz de Doug Cokle. lo mejor de la cinta), inmiscuyéndose en la misma, asi que, en este reino donde un príncipe (voz de Camrus Johnson) que si es consciente de que la mujer que ama es una princesa sirena (voz de Emily Carey) no tiene el permiso de su padre el rey (voz de Simon Templeman) para la relación han ocurrido algunos ataques a los buscadores de perlas por lo que contratan a Gerald que no ejecuta la misión que le asignaron, en tanto los hombres quieren iniciar una guerra el reino del mar duda sobre que hacer, con la princesa perdidamente enamorada, ahí su tía Melusina (voz de Mallory Jansen) le da una poción para que se convierta en humana y pueda vivir su amor, pero alguien desde las sombras usa monstruos para atacar a los hombres y azuzar la guerra.

Debido a esto Gerald investiga junto a su compañero trovador Jaskier (voz de Joey Batey) y la sexy lugareña Essi (voz de Christina Wren) que está sucediendo en realidad, y es todo, lo dicho, la historia de "La Sirenita" con algunos cambios, aquí la sirena no se convierte en mujer pero alguien hace un sacrificio idéntico, los animales no cantan pero si pelean, hay un complot para desatar la enemistad entre ambos mundos, y la bruja marina es la mala malosa con poderes mágicos que incluso trata de casarse con el príncipe, eso si, la cinta va tan rápido que uno no tiene tiempo de aburrirse, ni de pensar ya que cada supuesta sorpresa se va a venir a leguas, pero cuando apenas se pone sobre la mesa al incógnita se resuelve así que no afecta el visionado, y la animación cumple, los personajes se mueven con fluidez aunque sus rostros casi siempre están estáticos, el diseño de personajes aunque interesante peca de que todos se ven iguales - en especial los soldados humanos - y muchos personajes son solo herramientas, además de que la música es olvidable en el mejor de los casos, un producto que entretiene menos de hora y media sin grandes aspiraciones, que no sean inflar el catálogo de netflix, y eso lo cumple con facilidad.

Calificación: Regular

Cinecritica: Los Tipos Malos: ¿Truco o Atraco?

"LOS TIPOS MALOS: ¿TRUCO O ATRACO?" ("THE BAD GUYS: HAUNTED HEIST", ESTADOS UNIDOS, 2024) DE KEVIN PEATY Y CHRISTO STAMBOLIEV

A diferencia de casi todas las ocasiones esta vez el titulo en español resulta más atractivo que el original, es un sencillo pero buen juego de palabras, por desgracia el seco titulo en ingles refleja de mejor manera lo que es este cortometraje animado, ambientado antes de la recomendable película "Los Tipos Malos", nos cuenta una historia de halloween que no va de fantasmas y terror sino las sorpresas y vueltas de tuerca que caracterizan el genero al que pertenece la cinta original, es decir, engaño tras engaño, planes super elaborados y estrafalarios sorpresas y vueltas de tuerca, el problema es que aunque el guion es resultón todo lo demás queda a deber.

La animación es demasiado sencilla, se siente opaca, con unos personajes que pareciera que están faltos de trabajo, fondos oscuros que se notan obsoletos, y una música que no termina de funcionar, ademas el humor es demasiado infantil, incluso para un especial de halloween de este estilo, aun así deja verse por la trama funcional y el cariño que uno le cogió a los personajes, solo me quedo con la duda de como harán la segunda parte si ya no son ladrones y eso es crucial para el funcionamiento como equipo, por lo pronto nos dan bocadillos no nutritivos pero que satisfacen un momento.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Compañera Perfecta

"COMPAÑERA PERFECTA" ("COMPANION", ESTADOS UNIDOS, 2025) DE DREW HANCOCK

Al inicio de "Companion", opera prima de Hancock, la modosita y tierna Iris (Sophie Thatcher, perfecta) nos suelta el mayor spoiler de la película después de ver como se enamoro del encantador Josh (Jack Quaid), que ese fue el mejor momento de su vida, el día que se enamoro de Josh, y que solo existe otro gran momento que tiene esa importancia, que causa esa sensación en ella, que es nada menos que cuando lo asesino, es decir, conocerlo y asesinarlo son los puntos álgidos en su vida, lo cual aunque no es tan extraño como parece si tiene cierta curiosidad, después de esta confesión uno espera ver una cinta muy diferente a lo que continua, pero al terminar de visionarla me parece que es aun mejor el rumbo que toma. El par de novios se dirigen a una cabaña en medio del bosque con todo y lago para tomar el sol, con la peculiaridad de que es una mansión gigante y lujosa perteneciente a un pesado ricachón (Rupert Friend en los papeles que le quedan al dedillo).

Ahí llega la pareja ideal conformada por Iris y Josh, al verlos uno solo puede pensar en la suerte que tuvo un tipo como Josh, que más allá de ser amable y verse con buenos sentimientos no tiene tanto que ofrecer como la preciosa Iris que no solo se ve, sino que se comporta como alguna esposa de mediados del siglo anterior, no solo es eso, sino que se nota que esta perdidamente enamorada de él, de tal manera que lo trama de forma complaciente y aprovecha cada oportunidad para decir lo que siente por él, así como preguntar reiteradamente que necesita o que puede hacer para hacer feliz al suertudo Josh, pero existe algo que no cuadra, y no solo es la reticencia con que los amigos de Josh la tratan, sino sus movimientos, sus gestos, su forma de actuar, algo parece extraño y se nota, aunque solo sean pequeños detallitos en los que debe prestarse atención, "quizá por ello los demás apenas la toleran" pensé, pero tampoco es para que directamente la pesada de Kat (Megan Suri) la aborrezca, el ñoño de Eli (Harvey Guillén) la evite o el servicial Patrick (Lukas Cage) no la note.

Y por supuesto, nunca para que intenten aprovecharse de ella, justo en este momento la cinta estalla, y lo que habíamos visto como una comedia romántica con algo de humor acido da un vuelco, un tipo asesinado por la más dulce de las mujeres, una revelación que funciona como vuelta de tuerca para los que no sabíamos nada del filme, y que al mismo tiempo esclarece todo lo que hemos visto hasta el momento, desde la forma de ser de los demás, el intento de ataque, y los detalles en forma de una navaja encontrada casualmente en un bolsillo o una memoria mostrada en una maleta, es decir, Hancock no solo sabe dirigir hábilmente sino que es todavía más acido en su escritura, que aunque bebe de otras fuentes sabe hacerlo manteniendo un estilo propio. A partir de la revelación todo cambia ante nuestros ojos, en especial la sumisa y abnegada Iris - con todo y juego de palabras en su nombre - que afectara de diferente manera al espectador según las reglas éticas que tenga.

Para dar paso a una segunda sorpresa, que antecede una tercera, y ya para entonces la cinta nos tiene en el bolsillo lo suficiente para cambiar su tono radicalmente a un survival sangriento con mucho humor negro con toques de ciencia ficción, con asesinatos accidentales aquí y por allá, una desesperante escena que podría haber salido de una cinta de Hitchcock donde aparece Marc Menchaca, persecuciones al por mayor, violentos cambios de personalidad, y una historia de ambición y poder, todo esto en un subtexto que remite inmediatamente a las relaciones de pareja y con ello los juegos tóxicos, la pelea por el dominio sobre el otro,

la desigualdad afectiva, la cosificación de la pareja, el maltrato tanto emocional como físico y la manipulación afectiva representada perfectamente en ese final donde Iris ya es dueña de si misma - sin trabas fuera de su propia voluntad -, y aun así no puede liberarse del control autoimpuesto por el amor, por fortuna Iris ya sabe que debe luchar aunque duela, una cinta de terror que viene por supuesto de esas mujeres - y hombres - que permiten esto de sus parejas, y sin programación de por medio...

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Un Dolor Real

"UN DOLOR REAL" ("A REAL PAIN", ESTADOS UNIDOS - POLONIA, 2024) DE JESSE EISENBERG

El joven Benji Kaplan (Kieran Culkin en estado de gracia) está esperando desechuradamente en el aeropuerto, en tanto su primo David Kaplan (Jesse Eisenberg, adecuadamente contenido en ansiedad) le llama múltiples veces para decirle que se retrasó un poco pero ya va para allá, que hay mucho tráfico, que está en un embotellamiento, que ya salió del mismo y casi llega, y que ya llego y deben correr a checar, de pronto es recibido por su primo que lo abraza efusivamente por detrás para después soltarle que hace horas que llego, y que al parecer ni siquiera ha escuchado uno solo de los mensajes que le dejo, desde aquí queda claro lo opuestos que son en personalidad, uno es un nervioso tipo que necesita tener todo controlado y claro, el otro es un desmadre andando que se toma todo a la ligera, tanto así que Benji no duda en decirle que va a llevar mariguana a Polonia para luego detenerse en plena inspección ante la mirada atónita y el estrés de David, por supuesto, este le aclara después que solo tenía una plática con la agente ya que es muy simpática.

Estos dos familiares totalmente opuestos se dirigen a Polonia a un tour con temática del holocausto que además de llevarlos a conocer lugares claves para entender su origen también les dará la posibilidad de visitar la casa donde habito su abuela, una dura mujer que sobrevivió "después de mil milagros" al exterminio, eso es todo lo que veremos y no necesitamos más ya que esta sencilla pero hermosa cinta tiene su principal virtud en la capacidad que tiene para mostrar poco con menos, desde la presentación de sus dos personajes principales en apenas un par de cortes, para dejar clara su amorosa pero lejana relación casi nostálgica en unos cuantos diálogos, en mostrar el dolor de David por sentir que David no aprovecha su potencial en unas cuantas miradas, en esos hombros encogidos que de pronto se ven más tensos, en esa mueca que parece salida de alguna estricta viejita judía, y por supuesto en esa adorable fragilidad del Benji de Culkin, que con su lenguaje corporal, sus expresivos ojos, esos cambios de tonalidad en la voz y la acidez con que tira los diálogos punzantes dice todo sobre su personaje.

Ya en Polonia los chicos se reúnen con un grupo conformado por una mujer divorciada (Jennifer Grey) que siente que está tomando malas decisiones, una pareja de ancianos (Daniel Oreskes y Liza Sadovy) que quieren conocer el país de dónde vienen los abuelos del marido aunque haya sucedido mucho antes del holocausto, un negro (Kurt Egyiawan) que acaba de salvarse de una guerra y por ello se siente cercano al pueblo judío, además del guía turístico (Will Sharpe) que admira al pueblo judío pero que aún con eso es incapaz de no convertir su recorrido en un manojo de datos y lugares turísticos con todo y música ad hoc, pasan por diversos lugares, un monumento a los judíos, unas gigantescas estatuas de guerra, un arco que antes señalaba la entrada al barrio judío, un restaurante donde tocan música judía y sirven comida de ellos, todo esto de forma rápida y amena con un ritmo y un montaje donde se demuestra que el talento de Eisenberg no queda solo en saber escribir un guion divertido, inteligente y sentimental.

Sentimental es una palabra clave en esta cinta, ya que el guion y la dirección de Eisenberg evitan en todo momento el chantaje y la sensiblería, aun cuando todo se presta para ello - un grupo de judíos que viajan por los lugares emblemáticos del holocausto en Polonio incluyendo un campo de concentración, y con dos de ellos descendientes de una sobreviviente -, en lugar de eso todos estos momentos emotivos se construyen a partir de la sencillez, del manejo de la narrativa, y del desarrollo de los personajes, así que duele mucho más ver la confesión de David en un restaurante con música, o la dolorosa desesperación de Benji en un compartimento de lujo, que en los lugares mencionados, donde inclusive tenemos momentos divertidos, otro punto fuerte de la cinta, la comedia acida, incisiva, cínica, mordaz, que apunta en todo momento y que tiene como principal participante al desesperante y frágil David, que no duda en decir lo que siente, aunque sea políticamente incorrecto, fuera de lugar o vulgar, ante la mirada exasperada de su primo.

Esa dinámica, viene a ser lo más fuerte de la cinta, una relación familiar llena de amor y nostalgia que ahora se está alimentando de lejanía y reproches, por parte de un tipo trabajador que está seguro de como debe ser su participación en el mundo, frente a otro que no tiene esto nada claro pero que intenta en todo momento no traicionar su espíritu, todo esto con una bella fotografía y una partitura hermosa de Chopin que nos acompaña en todo momento, y que no solo nos recuerda el dolor que une al pueblo judío sino el como esta puede ser una dura loza para los descendientes, no por el pasado, sino por lo que se espera de ellos, ya incapaces de conocer lo que sufrieron sus ancestros, pero con un dolor actual imposible de eludir, justo como el que tiene el pobre Benji, incapaz de alejarse de su tortura, aun cuando puede iluminar un lugar al llegar, y hacer felices a todos los demás, está imposibilitado a escapar de sí mismo, de su depresión, de su dolor.

Calificación: Notable

Cinecritica: Hombre Lobo

"HOMBRE LOBO" ("WOLF MAN", ESTADOS UNIDOS - NUEVA ZELANDA - IRLANDA, 2025) DE LEIGH WHANNELL

Con "The Invisible Man" Whannell logro algo impresionante, traer un monstruo clásico de la Universal a una nueva era de modo que funcionara, trasladaba la idea de forma fascinante al actualizarla, dejando de lado el romanticismo y presentando a un cínico depredador que se regodeaba en su propia capacidad, y como ello le otorgaba control sobre los demás, esta actualización se recibió muy bien porque funciona como una metáfora de algo monstruoso que aunque se intente invisibilizar tenemos muy a la vista, esa crueldad de algunos hombres para con las mujeres por el puro hecho de la sensación de poder, de la obsesión de pertenencia, además apuntando la necesidad de los ricachones en obtener lo que deseen por puro capricho, después de todo si se tiene dinero, y éxito, que en este tiempo van de la mano, ¿por qué se me debería negar algo que quiero? así piensan esos sociópatas y Whannell los representaba muy bien en una historia tensa y llena de horror.

Es decir, el director y guionista actualizo el mito, y casi nadie se quejó, por lo que la excusa que ahora veo, de que todas las quejas de esta nueva entrega de Whannell sobre un monstruo clásico se deben a que no se apega al mito, a las tradiciones y ¡¿cómo es posible?! al diseño del hombre lobo clásico, no tienen cabida, es cierto que algunos señalan eso en su descontento, pero la verdad es que después de un inicio terrible con "Insidious: Chapter 3", y aunque Whannell enderezo el barco con la subvalorada "Upgrade" y la notable "The Invisible Man", con esta película está mucho más cerca de su fallida opera prima que de su trabajo posterior, el tipo intenta construir algo parecido a lo que logro con su cinta anterior, metiendo subtextos, metáforas y analogías al por mayor, pero lo que en aquella funcionaba porque se preocupó por hacer un buen filme, en esta falla por la aspiración desmedida de entregar algo profundo y significativo, desde un inicio que se supone debe subrayar el significado de la "maldición" que no es otro que esta se pasa de padres a hijos, como dolorosa herencia.

Pero en realidad esto no aporta casi nada, y cuando avanzamos 30 años con el protagonista Blake (Christopher Abbott), un escritor desempleado que cría amorosamente a su hija Ginger (Matilda Firth) y aguanta a su workaholic esposa (Julia Garner), nunca terminan de generar interés, la relación de la pareja no se entiende y aunque se supone que quieren mostrarnos esos momentos iracundos de Blake con su hija solo vemos a una niña desobediente y un padre preocupado, de hecho el tipo puede ser el padre y marido del año, por lo que el subtexto nunca termina de funcionar, y todas las dizque sorpresas se anticipan, todos sabemos que el hombre lobo que los ataca es el padre de Blake, y como terminara el tipo rasguñado, por lo que todo debe basarse en el desarrollo de la historia, que nunca termina de funcionar, ni en el ritmo que de pronto es acelerado y luego se estanca, ni en el tono que intenta pasar de terror a drama familiar, pasado por un simbolismo de enfermedad contagiosa.

Todas estas ideas son interesantes, pero no terminan de funcionar, se sienten deshilachadas, con personajes clichés sin desarrollar, lo mismo en la dirección, que tiene puntos interesantes como la visión del hombre lobo pero otras cuestionables como el uso excesivo de la oscuridad, un acierto en los efectos especiales prácticos, otro error en el desarrollo del monstruo y las conveniencias de su fuerza y movimientos, en pocas palabras, Whannell intento hacer algo profundo y poderoso dramáticamente y se quedó con un lobo que no aúlla a la luna, si acaso pega algún gemido ladrador que causa lastima, justo como su película.

Calificación: Mediocre