Cinecritica: Contra lo Imposible

CONTRA LO IMPOSIBLE (FORD V FERRARI, EU - FRANCIA, 2019)

El director James Mangold nos sigue regalando historias masculinas donde no teme poner a sus personajes en situaciones limites ni que la testosterona fluja al por mayor, de hecho algunas de sus películas tienen relaciones que van de la amistad/rivalidad en cuestión de segundos, es decir sus personajes y en especial en esta cinta tienen una relación Hawksiana, de hecho los mismos personajes son los típicos del legendario director que nombre es decir tipos que consideramos héroes por su responsabilidad, moral y ética pero que ellos solo consideran que hacen su trabajo e incluso disfrutan haciéndolo, esto se ve representado en el habilidoso Carroll Shelby (Matt Damon, bastante bien) y el ingobernable Ken Miles (un Christian Bale de nuevo transformado y muy bien), el primero un antiguo corredor que ahora se dedica a vender carros porque vive con taquicardia perpetua desde que gano la legendaria carrera Le Mans, el segundo también un ingeniero rebelde que apenas se gana el pan pero que ama correr.

Estos dos se ven inmersos en una pelea de dos titanes automovilísticos, por un lado Henry Ford II (Tracy Letts, excelente) que ve con temor como sus carros se venden menos y que es convencido por Lee Iacocca (Jon Bernthal) de que debe vender carros en los que se subiría una actriz de moda, es decir deben comprar Ferrari, autos lujosos y hermosos que llaman a la juventud, por supuesto que cuando visitan al viejo Enzo Ferrari (Remo Girone, bien) este no solo les espeta que sus carros son artesanales y mejores sino que declina la oferta y les dice que Henry Ford II no es el primero, razón suficiente para que el dolido presidente de la compañía Ford se sienta agredido y no se detenga hasta humillar a Ferrari en su propio juego, es decir ganar Le Mans, para ello contrata a Shelby y Miles pero este ultimo se resiste en la mejor escena del filme.

Una amena platica en la que Miles le bromea en serio sobre que es imposible ganarle a Ferrari, a menos que cuenten con varios cientos de años, y finalmente le escupe la verdadera razón para no querer trabajar con ellos, medios ilimitados pero siempre con las manos atadas, ellos le dirán que hacer con el dinero, el tiempo y los recursos, parecerá que lo respetan pero en realidad esa gente solo sigue ordenes de su jefe para quedar bien, y su jefe de su jefe, y este del suyo y asi sucesivamente, y ademas lo detestan porque representa todo lo que odian, y que odian, pues la libertad, la creatividad, el espíritu libre, la inventiva, el genio, incluso podría decirse que el arte, es obvio para Miles y para nosotros mismos que tiene completa razón, esa gente solo se mueve por números y carece de alma, lo peor del corporativismo y los hombres de traje.

De hecho esta es la trama o subtexto principal de la cinta, una critica ácida, sincera y directa a las empresas y esa manera de comportarse tan mezquina e inmoral donde lo unico que importa es la meta final, no hay espíritu ni alma, y es contra lo que tendrán que luchar los dos protagonistas, el verdadero villano o antagonista no es Ferrari sino la misma Ford que desde dentro siempre pone trabas, hace berrinches o intenta imponerse solo porque si, representado principalmente por el vice presidente Leo Beebe (Josh Lucas) que muchas veces solo parece fregar por fregar, aunque por supuesto también tenemos la historia mas convencional y directa, la lucha de un equipo que hará hasta lo imposible por ganarle al monstruo que es Ferrari, diseñando el automóvil Ford GT, probandolo, modificandolo y llevándolo al limite hasta la emocionante carrera final de Le Mans que nos deja boquiabiertos con el sonido, los efectos, '¡ese montaje bestial!, !esas tomas¡ y por supuesto una emoción que no deja detrás el buen humor.

Por supuesto que la cinta posee mas contextos, tenemos la rivalidad/amistad de los protagonistas que nos entrega una escena memorable con esa pelea a puño limpio y hasta pan de mesa mientras la mujer de Miles (Caitriona Balfe, bien) los observa desde una silla, y que celebran con un refresco y unos cuantos insultos como solo los hombres de verdad pueden hacerlo, el de la sombra inalcanzable del padre representado por el temor que sentimos latente en el hijo de Miles (Noah Jupe) y que ya vimos en el ensombrecido Ford, la pulsada de dos empresarios que nomas se agarran por puro ego, la clásica aventura de un hombre, o varios, alcanzado sus sueños que nos remonta al cine clásico y por supuesto la mencionada, esa batalla entre arte y dinero que nunca dejara de existir y donde en esos tiempos parecía mas balanceada, por lo menos en el cine, aunque desde entonces las derrotas y sabores agridulces ya existían en los genios artísticos con talento, para prueba Miles y la reprochable traición final de la Ford hacia él que lo condeno a la derrota pero no le quito la inmortalidad, esa la gano a pulso y Ferrari a diferencia de Ford lo comprende y lo respeta, cine en estado puro.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Entre Navajas y Secretos

ENTRE NAVAJAS Y SECRETOS (KNIVES OUT, EU, 2019)

Un escritor de novelas detectivescas amanece muerto despues de su fiesta de cumpleaños, el tipo decidió suicidarse cortando su garganta, algo extraño pero todo apunta a ello, el detalle es que nadie lo cree, ni siquiera sus familiares que esperan una revelación final por parte de el patriarca Harlan Thrombey (Christopher Plummer), nada de esto sucede, por lo menos no por el momento y la policia se dispone a cerrar el caso, ni sin antes interrogar a todos sobre la noche anterior con un tipo que se esconde fuera de foco sentado en el piano y toca una nota cuando algo le parece "peculiar" comprendemos, el tipo es nada mas y nada menos que el famoso detective Benoit Blanc (fabuloso Daniel Craig) que esta ahi investigando la posibilidad de un asesinato podemos deducir, el tipo descubre que la mayoria de los familiares mienten y mas de alguno tenia una razon de peso para matar al pobre anciano despues de una ajetreada fiesta.

Sea el yerno adultero (un perfectamente despreciable Don Johnson), la nuera viuda aprovechada (la influencer demócrata y rapiñesca encarnada vilmente por Tony Collette), el dandy playboy y bueno para nada del nieto Hugh (Chris Evans quitándose hábilmente la sombra de capitan ñoño), la estudiante socialista y parrandera Megan (Katherine Langford), el hijo Walter (Michael Shannon tan bien como acostumbra) que vive del trabajo del padre, y hasta el joven neonazi Jacob (Jaeden Martell) que como todos lleva una vida ligera y acomodada, a ellos se suman los que tienen problemas en sus empresas como la hija mayor Linda (exquisita Jamie Lee Curtis) que pareciera ser la única realmente afectada por la muerte, aunque los que conocemos estas cintas y los libros a los que hace referencia y homenajea eso no significa nada.

Hablando de ello es obvio que el guion y la historia pareciera ser escrita por Agatha Christie o Arthur Conan Doyle, es un claro homenaje pero deconstruyendo el genero y subversiendo lo que conocemos del mismo, logrando hacerlo fresco y actual pero siempre con ese estilo clásico que sigue funcionando perfectamente, esta cinta como "Ford V. Ferrari" son películas que representan perfectamente la vieja escuela maintream de cine donde el talento se conjugaba con la ejecución de entretenimiento, algo maravilloso de ver en esta epoca donde lo popular esta peleado con la calidad, el director es Rian Johnson que por mas que sea odiado por la fallida "Los Últimos Jedi" la verdad es que es un director talentoso cuando una compañía no le tiene atadas las manos como lo ha mostrado en la exquisita "Brick", la regocijante "The Brothers Bloom" y la arriesgada "Looper", ademas de algunos  capítulos de "Breaking Bad", asi el director con un guion propio nos demuestra su amor al genero detectivesco, a los misterios, y nos entrega uno de los mejores guiones de los últimos meses.

Ademas respetando las reglas del genero, sin hacer trampa y con un final que enorgullecería a la mismísima Agatha Christie, y es que aunque al principio todo pareciera apuntar a un suicido la realidad es que un sobre lleno de dinero llego a manos del detective lo que solo puede significar que alguien sospecha o sabe que en verdad fue un asesinato, Blanc intuye que todos mienten, nosotros estamos seguros ya que los flashbacks nos indican que algunos mienten u omiten detalles importantes sobre lo que sucedió con el viejo en la fiesta, de todas formas el hábil detective confirma sus sospechas con la enfermera Marta Cabrera (Ana de Armas, bastante bien) que tiene una extraña afección que la hace vomitar si miente, y es asi como llegamos al recuerdo de Marta donde se nos explica lo que nosotros estamos formando en la mente tratando de resolver el misterio, es decir la resolución del asesinato, y aunque esto pareciera quitar el chiste a la cinta la verdad es que se pone mejor que nunca.

Porque Johnson no nos hace trampa, es sincero, podemos creer ese recuerdo que no es tramposo porque los demas han sido sinceros, pero que abre un abanico de posibilidades donde Blanc esta siempre acechante y convierte a Cabrera en su Watson nervioso y desesperado, y cuando pensamos que todo ya se ira mas calmo siguen surgiendo sorpresas y vueltas de tuerca que son un deleite y no dejan descansar en el mejor sentido de la palabra, Johnson es tan hábil que incluso llegamos a desesperarnos con el actuar del detective y aunque nuestra guía moral nos indica que pensar de Marta la consideramos buena persona, algo muy distinto a lo que pensamos de los rapiñezcos familiares que siempre fueron sanguijuelas y que mas importante aun, son "refinados" y pretenciosos ricachones que no saben de donde es Marta, porque no les interesa, sean unos apestosos hippies hipócritas y demócratas, o unos cínicos sinvergüenzas republicanos, es decir para Johnson los dos son pedantes y representan dos caras de la misma moneda, y esto sumado a un guion inteligentisimo, una fotografia excelsa, una banda sonora maravillosa, y un reparto estelar que a los mencionados suma K Callan M. Emmet Walsh, Lakeith Stanfield y hasta Frank Oz, siempre con comedia y un humor negro como el carbon y mas ácido que un limón pasado, y con un final fuerte y revanchista que con una sola linea nos deja embobados, desde ya una referencia del genero.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Perdí mi Cuerpo

PERDÍ MI CUERPO (J'AI PERDI MON CORPS, FRANCIA, 2019)

Una mano despierta en una clínica junto a muchos órganos y de inmediato comienza a moverse para escapar del lugar, su meta es regresar al cuerpo de su dueño lo que conocemos ya que la mano tiene memoria y recuerda a modo de flashbacks en blanco y negro la vida que conoció con su dueño, es asi que conocemos al pequeño Naoufel (voz de Hakim Faris) que tiene una vida privilegiada en una casa donde solo conoce el amor familiar y los valores, esta aprendiendo piano y sueña con ser un concertista aunque también ser un astronauta, las dos cosas de hecho, con la educación de su madre y los medios los sueños no parecen tan irreales, pero el destino es cruel y Naoufel termina huérfano con un tio que lo agarra a regañadientes y un primo que solo lo ve como un estorbo, asi que sus sueños no se ven realizados y en lugar de eso termina como un repartidor de pizzas, uno bastante malo por cierto.

Para estos momentos hemos sufrido con la mano la peligrosa aventura donde debe esconderse y protegerse y hasta pelear con los que se le opongan e intenten dañarlo, ya sean palomas, perros y hasta unas exacerbantes ratas que habitan el metro, en tanto por los recuerdos intermitentes conocemos cada mas de su vida con el chico al que pertenecía y como este vivía en una soledad casi auto-impuesta, no solo odia su trabajo sino que no tiene aspiraciones, ni amigos, se le dificulta socializar a diferencia de su primo, y su familia no le otorga confianza ni cariño por lo que entendemos que él mismo ha aprendido a no valorarse, tanto asi que cuando llega tarde a una entrega por culpa de un accidente se sorprende en demasía cuando la clienta le pregunta preocupada que si esta bien, esta pequeña platica por interfono es suficiente para que el chico construya nuevos sueños como castillos en el aire sin que nada realmente le diga que es asi.

Esto seguirá hasta niveles insospechados, cual héroe romántico de película Naoufel hace hasta lo imposible para que Gabrielle (voz de Victorie Du Bois) se fije en él, encuentros "casuales", mentiras, una nueva vida, y hasta una personalidad mas abierta, logra acercarse a ella y trabajar con su tío Gigi (voz de Patrick d'Assumcao) y despues de ciertos momentos deslumbrantes de mucho romance por parte de un chico que la idolatras las cosas terminaran de una manera mas realista, lejos de la idealización que él hizo de ella y que como nos enseñan en el cine debe ser reciproco, el guion escrito por el propio director Jérémy Clapin y Guillaume Laurant, guionista de "Amelie", no se va por el camino sencillo y nunca traiciona su historia ni sus personajes, la vida es dura, el destino es inclemente y solo existe una manera de afrontarlo, por mas que esta dura lección nos llegue de la forma mas dolorosa posible.

Anoto esto porque Naoufel ha tenido que arrastrar toda su vida un doloroso recuerdo que no lo deja avanzar, que no lo deja ser feliz, que lo hunde en su propio dolor y culpabilidad, y que se ve incrementado con cierto suceso con su mano, este mismo trauma y dolor es cargado por la propia mano que igual lucha con ratas que se avienta volando con una sombrilla para lograr su cometido, volver al cuerpo de Naoufel, es decir tiene el mismo problema que el muchacho, de hecho la mano recuerda lo mas crucial, o por lo menos nos lo presenta a nosotros en el momento justo. Con una animación bellisima pero lejos de ser pulcra el estilo es exquisito, una 3D con cara de segunda dimensión que es adoc a la mano, y una banda sonora del grupo Dan Levy que acompaña sin molestar y que de hecho eleva lo que vemos en pantalla, ya sea al grado de emocionarnos o estar al borde las lagrimas, porque con esta cinta, su primer largometraje, Clapin logro algo fascinante, una cinta dolorosa, emocionante, surrealista y al mismo tiempo real que técnicamente es impecable por su arte en todas las formas, esos encuadres, y que nos enseña una gran lección, el destino quizá es inevitable, pero este no decide como lo tomamos, algo que por fin aprende el protagonista en ese salto agonico que nos regala tanta tristeza como felicidad.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Klaus

KLAUS (ÍDEM, ESPAÑA -REINO UNIDO, 2019)

Lo primero que resalta de la película del veterano animador Sergio Pablos es su maravillosa animación 2D que nos regresa al pasado con esas animaciones a mano tan hermosas que destilan alma por todos lados pero con una técnica de iluminación que les hace parecer una profundidad en tercera dimensión, esto sin duda es lo mejor de la cinta, la clásica animación de antaño actualizada que nos regala una obra de arte en cada fotograma, cada ilustración es preciosa y esconde tesoros por doquier logrando que uno quiera revisarla mas de una vez por lo que pudiera encontrarse, ojala surgieran muchas mas asi, el 3D es mas cansino por mas que sea sencillo y económico de realizar, de la animación flash y demas ni siquiera hablare, no es necesario, para cualquiera es obvio que es mucho mas complicado que logren tener alma y compenetrarse con uno.

Anote que la animación es lo mas valioso de la cinta pero no es lo unico que vale la pena, el guion de Pablos y otros dos nos remonta como la animación a esa epoca de la niñez donde los cuentos de navidad beborroteaban a finales de año queriendo una parte de la tajada pero a veces logrando cintas divertidas, hermosas y hasta joyas que nos hacian regresar a querer ser niños, eso logra esta cinta por momentos y ya con eso es suficiente para que sea valiosa, si le sumamos un diseño audaz y hasta tétrico de personajes con una dirección que no teme la violencia y la mala leche estamos ante una cinta que de una vez considero mejor que "Toy Story 4". Seguimos la historia de un pedante mimado llamado Jesper (voz de Jason Schwartzman) que es el peor en la academia de carteros, se dispone a volver a su vida de lujos cuando su padre el director lo castiga haciéndolo cartero y mandándolo al lugar mas lejano de donde regresara si y solo si sella seis mil cartas.

En el fin del mundo, en un tétrico y helado lugar llega el tipo en barco para darse cuenta que es un pueblo con una trifulca sin sentido a muerte entre dos familias que ya olvidaron porque se odian, las viejas salen a tirar suciedad a la ropa limpia de la vecina, que se tiran flechazos por aqui y alla, ponen trampas mortales, o solo decoran sadicamente un muñeco de nieve unos niños salidos de cinta de Burton, por supuesto aquí nadie se manda cartas, solo se atacan y se odian, los niños ni siquiera van a la escuela de Alva (voz de Rashida Jones) y la cosa solo va de mal en peor para Jesper que encuentra una esperanza cuando conoce al extraño leñador ermitaño Klaus (voz de JK Simmons) y su mundo de juguetes tallado a mano, por azares del destino un niño termina con un juguete ya que el huraño leñador barbudo tiene buen corazón aunque no diga ni pió y tenga cara de pocos amigos. Esto anima a Jesper a convencer a los niños de que le pidan juguetes, con una carta de por medio por supuesto, y asi lograr su meta sin importar que todos los días tenga que sufrir enfrentándose a lo que conlleva allanar una casa ajena por la noche, pero el cambio del pueblo se da en el comportamiento de los pequeños que cambian su forma de pensar, comparten y son amables, tanto asi que aunque se resisten los adultos caen y los lideres de las familias entran en desesperación por la perdida de una costumbre ancestral, por ahi entran los finlandeses con una niña encantadora y al final, como suponemos Jesper tendrá que aprender su lección de la forma mas dolorosa posible.

Una cinta bonita y amable con un buen mensaje que resulta creíble por la ingenuidad de los pequeños y con un protagonista con un arco de evolución interesante y mas que adecuado para los pequeños en esta epoca de lujos y poco esfuerzo, y por supuesto una manera divertida y amena, ademas de sentimental hacia el final, de la historia de Santa Claus que siempre sirve para relajarnos, sentirnos mejor y arrancarnos una sonrisa, despues de todo fuimos pequeños esperando la víspera de navidad con ilusión y esperanza, es justo que una cinta nos regrese esta en la animación y las historias navideñas, aunque sea por un momento.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Sr. Link

SR. LINK (MISSING LINK, CANADA - EU, 2019)

La casa Laika ha sufrido el peor descalabro económico con su mas reciente cinta, el quinto largometraje, pero esto no tiene nada que ver con la calidad de una productora que desde siempre ha batallado para vender su producto mucho mas artístico y complejo que el de las demas casas de animación, y como ya se ha vuelto cotidiano la calidad no tiene nada que ver con el éxito económico, es verdad que como muchos criticos y en especial los cinefilos han gritado a los cuatro vientos la cinta no tiene el mismo nivel de las anteriores, especialmente en cuestión de guion, obviamente no estamos ante una obra mayor como "Coraline", o una maravilla como "Kubo and the Two Strings", una joyita como "ParaNorman" o la interesante "The Boxtrolls", pero no es muy diferente en calidad de guion a esta cinta, de hecho la historia sencilla pero precisa de aventuras, humor y mucha accion es justo lo que necesitaba en stop motion despues de algunas películas densas.

Es verdad que casi al final pensé que esperaba una mejor trama pero lo cierto es que al final la cinta me gano, y me termino encantando la historia, no tiene la compleja profundidad de sus mejores obras pero el encantador y presuntuoso Sir Lionel Frost (voz de Hugh Jackman) y su desatino acompañante me ganaron el viaje, la cinta va sobre el ricachon explorador Lionel que esta obsesionado con encontrar alguna prueba de que las bestias místicas existen, despues de un prologo de locura el tipo pierde la oportunidad de la prueba que suponemos ha tenido a la mano muchas veces pero que por azares del destino no puede conseguir, algo que requiere para entrar a una pedante asociación de cazadores richachones que se enorgullecen de matar tigres y leones por la espalda y armados.

Lionel termina apostando que traerá las pruebas de Pie Grande, algo que parece imposible y mas aun porque siempre falla, pero por si las moscas le ponen unos perseguidores asesinos, ya en EU Lionel se topa rápidamente con uno que no solo existe sino que lee el periódico y tiene modales, Mr. Susan Link (voz de Zach Galifianakis), que termina como compañero de Lionel, ahora corriendo por sus vidas en algunas escenas hilarantes, a ellos se une la luchona Adelina (voz de Zoe Saldana) como la viuda del mejor amigo y rival de Lionel, y como su antiguo y platónico amor, el caso es que Lionel termina en una misión para llevar a Mr. Link a los andes para buscar a los hombres de las nieves ya que deben ser parientes, y que no este solo, y de paso tener todavía mas gloria.

El problema es que no solo los perseguidores sino lo que les aguarda es un peligro para ellos por lo que Lionel se vera obligado a comportarse como un ser humano y dejar atrás su ego para poder ser de ayuda para el equipo, por supuesto que siendo una cinta animada, con mensaje y de la casa Laika sabemos que postura tomara Lionel por mas terco que sea, pero la forma en que sucede, sin un romance por en medio, con una evolución de su personaje, mejorando la relación con los compañeros, y con esas corretizas, persecuciones, escapes, lideres sádicos, bestias pretenciosas, un clímax fascinante a la antigua, asesinos y villanos que mueren cual película de Hitchcock y una animación stop motion que roza la perfección (quisquillosa dirección de Chris Butler) y nos presenta una variedad de majestuosos escenarios que nos dejan con la boca abierta, y un soundtrack a la altura, solo queda rendirse y dejar que la magia entre por lo ojos y alimente el alma.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Un Buen Dia en el Vecindario

UN BUEN DIA EN EL VECINDARIO (A BEAUTIFUL DAY IN THE NEIGHBORHOOD, CHINA - EU, 2019)

Mister Rogers (esplendido Tom Hanks) entra por la puerta cantando que si queremos ser su vecino justo como en la presentación de su programa, que no había visto pero del que me volví fanático al ver su película ya que es un programa maravilloso de enseñanzas para niños y adultos, al cantarnos, cambiarse el saco y el calzado nos presenta al roto periodista Lloyd Vogel (Matthew Rhys, muy bien) como si fuera parte de su programa, el tipo aparece en una foto con el ojo morado y cara de ¿que carajo? mientras Rogers nos especifica que no solo tiene heridas en el cuerpo, también en el alma y mucho mas dolorosas, despues de este imaginativo inicio que nos recuerda la obra del casi protagonista, pero si alma, de la cinta rompiendo la cuarta pared es como entramos de lleno en la trama, pero hasta aqui es obvio que la ignorada directora Marielle Heller encontró la forma perfecta de presentar una historia asi.

Como el señor Rogers tiene una personalidad tan distinta a la del ciudadano común es difícil conectar con él y por ello los guionistas hábilmente nos presentan la historia real de un huraño y enfurruñado periodista con trazas de soberbia que es un amargado total, de tal manera que nadie quiere ser entrevistado por él por lo que la revista le pone el trabajo de la única persona que no le saca la vuelta, el héroe infantil Fred Rogers, quien esta encantado por conocer a Vogel, algo extraño tomando en cuenta que el periodista se dedica a escarbar cosas sórdidas y mostrar lo peor de las personas que investiga y entrevista, pero para Rogers es casi como un reto, no para demostrar que el conductor infantil es casi un santo sino para salvar a Vogel en esa espiral de autodestrucción y sufrimiento en el que vive.

Lloyd es asi porque su padre abandono su madre en un momento vital, no estuvo con ella en los momentos de su muerte y los abandono a su suerte, el tipo no puede pasarlo por mas que este lo busque para un perdona ahora que esta viejo, asi Vogel vive siempre enojado, con su padre, con los demas, con el mismo porque es incapaz de disfrutar de una esposa que lo ama, un buen empleo con una jefa que le tiene estima, una padre que busca su perdón y una bebe en camino que parece querer distanciar para no lastimarla en un futuro sabiendo que si hace eso de todas formas la lastimara, en las múltiples platicas de Rogers es donde la cinta se arma, con Vogel queriendo separar a la persona del personaje, algo que Rogers ni siquiera entiende, el es Mr. Rogers, asi se comporta en su vida personal, justo como en el programa, siempre haciendo buenas acciones, dando consejos, ayudando al prójimo, haciendo sentir valiosos a los demas.

Por mas que el periodista le pique la cresta no saca nada del buenazo y casi ingenuo tipo, cuya única preocupación es preparar a los niños para temas tan escabrosos como la muerte, el divorcio, la violencia, la guerra, etc. La historia avanza como una cinta de esas hechas para sentirse bien, una feel good movie, pero va mucho mas alla por la complejidad de la situacion, por tocar temas que no pueden dejar inerte a nadie, porque Fred Rogers es en verdad un santo en vida, una persona que resiste, es amable, bueno, sacrificado, entregado, devoto y recto en si andar cada segundo de su vida, que puede desviarse y poner tiempo de su parte solo por hacer sentir bien a alguien, que anota en su libreta nuevos nombres todos los dias para rezar por ellos, que ama a los "rotos" y "quebrados" como le suelta Lloyd en cierta linea clave de la cinta, y que recibe el amor y apoyo de una comunidad que lo ama y respeta justo como él con ellos, pero la cinta va mas alla.

La dirección de Heller con esas transiciones de maquetas y el formato como en el programa, el tono que nunca se vuelve sentimental ni chantajista y aun asi te hace llorar como un condenado y por supuesto las actuaciones, en especial la de Hanks que en una escena clave dice que para soltar la ira podemos aplastar todas las notas graves del piano al mismo tiempo, una muestra perfecta de que Rogers no es un santo ni nació asi, el tipo se esfuerza por lograrlo, los ademanes, la voz controlada, los labios apretados soportando la reacción de una pregunta insidiosa, esas notas tocadas por él en el piano cuando por fin tiene un momento de soledad, nos muestran que Rogers era humano, y uno maravilloso...

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Dolor y Gloria

DOLOR Y GLORIA (ÍDEM, ESPAÑA, 2019)

Salvador Mallo (Antonio Banderas en una de las mejores interpretaciones de su carrera) comienza la cinta hablándonos sobre sus problemas, sus dolores físicos que van desde la columna, al estomago, jaquecas, etc., y los espirituales que no dejan descansar su alma en paz, ya sea por su soledad o sus amarguras sobre el pasado, todo esto despues de unos bellisimos créditos seguidos de unas gráficas donde Mallo nos explica sus dolencias y suelta algunas lineas delirantes "cuando tengo mas de un dolor creo en Dios, cuando solo tengo uno soy ateo", y no solo es eso, estas son las excusas para un director de cine que se encuentra sin inspiración, en un bloqueo artístico que solo le permite estar al pendiente de sus dolencias, y que ademas carga muchos demonios internos de su pasado, pero esto cambiara cuando una cineteca le pida presentar una de sus primeras películas que es ya considerada un clásico.

Y por petición de los mismos contacta al protagonista de la misma con quien no habla desde que terminaron de grabarla, el actor venido a menos Alberto Crespo (Asier Etxeandia) que acepta atenderlo y con ello regresar un poco al foco, en tanto que Salvador empieza a probar la droga con él y esta ademas de hacerle olvidar sus dolores por momentos lo lleva a recordar vividamente su infancia, desde que era un pequeño niño viviendo en un humilde pueblo de cuevas con una madre luchona que no se rinde ante nada, la sensual Jacinta (Penelope Cruz, bastante bien) que hara hasta lo imposible porque su hijo salga adelante, aunque esto signifique mandarlo a un colegio religioso donde al niño apenas le enseñaran algo porque tiene bonita voz y solo se enfocan en eso, pero también los amores del pequeño con el cine, como lo descubrió y aprendió a amarlo y como fue construyendo su obra.

En tanto en el presente Salvador esta cada vez mas aquejado por los dolores y ahora es drogadicto, le espeta a Alberto que rompió su promesa y se drogo con algo que hacia su personaje taciturno en lugar de viviracho como el quería, se encuentra con un viejo amor (Leonardo Sbaraglia) que ahora tiene esposa e hijos, y no se permite un desliz, y finalmente se permite recordar el pasado totalmente para poder afrontar con fuerza el presente que lo aqueja, es asi como el primer deseo, una obra sobre su primer vivencia sexual que lo marcaría de por vida le permite volver a ser el de antes, pelear contra la drogadiccion, y no permitir que los dolores afecten lo que mas ama en su vida, es decir escribir y el cine, y por supuesto todo esto gracias a ese bellisimo y doloroso recuerdo y al recuerdo de su madre, ya sea la inagotable Jacinta joven, o la cariñosa y resentida Jacinta en la tercera edad (notable, Julieta Serrano).

Justo esta relación con su madre es lo mejor de la cinta, no solo porque la mujer es una abnegada e ingobernable dama que no se rinde con nada, sino por sus costumbres recatadas y su gran fe que difieren con las de su hijo al que nunca vemos juzgando por mas que ella sea la primera en sospechar que es su hijo cuando llega despues de ese desmayo infantil, al final le recrimina mantenerla lejos, que no haya aprendido a amar lo que ella, y que no entienda sus viejas costumbres, toda una oda de amor a una mujer que como Almodovar muestra de nuevo no solo son lo mas importante para nosotros, sin importar preferencias sexuales, porque ellas nos forjan, guían y protegen como nadie mas lo hará, por lo demas una cinta que se disfruta mucho mas entendiendo y referenciando los planteamiento metafísicos, que si aquel actor es este, que si la que lo cuida es Carmen Maura, que si se refieren a esa o aquella película, es decir el director es consciente de lo que es valorado y amado y lo aprovecha pero el problema es que los que apenas lo conocen o conozcan no disfrutaran este juego, Salvador Mallo es Almodovar hasta por vestimenta y peinado, aunque si de una buena cinta con un final hermoso.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Hombre Invisible

EL HOMBRE INVISIBLE (THE INVISIBLE MAN, AUSTRALIA - EU, 2020)

Una mujer esta acostada con los ojos muy abiertos y se quita de encima la mano del hombre con quien duerme a quien ha drogado y que ademas le tiene un terror bestial, esto no lo sabemos con dialogo sino por la grandiosa puesta en escena de un ascendente Leigh Whannell, el colaborador habitual de James Wan, guionista de algunas cintas de la saga "Saw" y de la saga "Insidius" ademas de debutar con la tercera parte en la dirección, pero de esa película blanda y mala a esta tenemos un abismo de talento, Whannell filma con clase y seguridad, y nos regala grandes momentos como este inicio con los detalles ya mencionados, las cámaras, el plato del perro Zeus, y hasta una inoportuna alarma que termina en una carrera donde en unos segundos reafirmamos lo que temíamos, Cecilia (majestuosa Elizabeth Moss) es alcanzada por un segundo por su perseguidor y con eso entendemos todo, por ello lo que viene despues con ella escondida en casa de un amigo policía sin poder salir a la calle ya que cualquier situacion y persona la alteran es entendible.

O por lo menos es asi hasta que su hermana (Harriet Dyer, bien) le informa que su marido se suicido y que ya no tiene nada que temer, Cecilia se resiste a creerlo pero al final tiene que aceptar que ya puede empezar a dejar su pasado atrás y con todo y fortuna heredara de su marido, un genio de la óptica y multimillonario que había convertido su vida en un infierno manipulando su forma de vestir, actuar y hasta pensar, golpeándola y abusando de ella un día si y el otro también, pero algo no deja a Cecilia tranquila, mas adelante ella soltara un dialogo clave que explica su sentir, pero también para nosotros es obvio, despues de todo la cinta es sobre el hombre invisible y el marido de Cecilia es un genio óptico, atando cabos sabemos lo que pasara y no tarda en llegar que la vida de Cecilia se convierte de nuevo en un infierno, su cordura queda en entredicho con todos ya que ella y solo ella piensa que el tipo la acosa y la tortura siendo invisible.

Por supuesto aqui es donde el guion de Whannell muestra sus mas obvios simbolismos, nadie le cree a la mujer, ni su unico familiar, ni su amigo, menos la chica que solo se lleva bien con ella porque le paga la universidad y por supuesto no la policía que solo ve a una mujer histérica que no puede dejar atrás el pasado, justo como sucede en algunos, varios, muchos casos de la vida real con maridos y hombres abusivos que son un ejemplo para la sociedad, eso es justamente Adrian (Oliver Jackson-Cohen), un genio encantador y bien parecido que debajo de una fachada amable esconde un sociopata narcisista que se cree merecedor de todo y de todos, por ello mismo lo unico que no cede ante él es lo unico que desea al punto de obsesionarse y pasar todo el tiempo torturando a su mujer, tomándole fotos dormida, pisando una sabana, quemando un desayuno, saboteando su entrevista, drogandola y finalmente dándole donde mas le duele apartándola y aislándola para tomar lo que mas quiere.

Justo eso es lo mejor de la cinta, el terror psicológico y la ansiedad que nos causa un tipo revanchista y egocéntrico que justo no puede dejar a una mujer en paz porque ella no lo necesita, mostrado con los encuadres para dos personas donde no se ve nada, la cámara tomando un lugar vació donde suponemos esta el psicópata, y las múltiples formas de tortura que llegan a un clímax inusitado, y la banda sonora sigue brillando, como también lo hace ese tercer acto donde la cinta abandona la cautela y se destrampa de forma tal que no podemos creer lo que vemos y por supuesto ese acto final donde la venganza llega a su máximo mostrándonos una mujer fuerte, independiente (¡por fin!) y empoderada, pero ¿a que precio? la miramos, la admiramos y le tememos porque se convirtió en algo mas parecido a lo que odiaba.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: En la Hierba Alta

EN LA HIERBA ALTA (IN THE TALL GRASS, EU, 2019)

Otra adaptación de una historia de Stephen King por parte de Netflix, esta vez una historia del maestro del terror co-escrita con su hijo Joe Hill, y desde este humilde asiente la cinta me parece la mejor de las adaptaciones del escritor que tiene la plataforma, mucho tiene que ver que el director y guionista sea Vincenzo Natali que regresa a lo que ama, el cine, y en especial el cine laberíntico y ambiguo, desde el inicio la cinta nos muestra sus cartas, dos hermanos estan viajando por la carretera, Becky (Laysla de Oliveira) una chica embarazada y su hermano/perrito faldero Cal (Avery Whitted), cuando se detienen escuchan la voz de un niño pidiendo ayuda desde la hierba alta, cuando entran no solo no encuentran al pequeño ni a su madre sino que ya no pueden salir de ahi y ni siquiera encontrarse, muy pronto nos damos cuenta de que la hierba hace lo que quiere, traslada a todos al punto que desea, manipula el tiempo y el espacio y por ende se crean diferentes versiones de los protagonistas que pueden converger extrañamente en el mismo momento.

Tobin (Will Buie Jr.) es el pequeño que se supone seria rescatado pero termina siendo el que da la información clave a los hermanos para intentar salvarlos de su padre Ross (Patrick Wilson, el mejor de la cinta por mucho) que se encuentra bajo la influencia de la Roca, un extraño monumento que se encuentra en el centro del laberinto creado por la hierba y que entendemos es el causante de todo, una especie de ente/poder ancestral que tergiversa y manipula todo lo que sucede en el territorio que controla, vemos a los protagonistas luchar y sufrir tratando de escapar de este infierno inteligentemente retratado por Natali y con una fuerza descomunal como villano, y por supuesto a un Wilson divirtiéndose de lo lindo, por ahi hay algunas escenas fuertes, violentas, con mucho suspenso, y algunas tan terroríficas como un feto siendo devorado.

El problema es que cuando entra en escena Travis (Harrison Gilbertson) la cosa empieza a perder la lógica, y no me refiero a las diferencias de los saltos temporales o demas sino a que algunas versiones de los personajes desaparecen convenientemente y hacia el final la cinta peca de un final edulcorado que no cuadra y que ademas rompe la lógica que nos ha vendido, una lastima porque hasta los tramos finales Natali nos había entregado una buena cinta que solo tenia como defecto un abuso de ciertos efectos especiales donde no los necesitaba, aun asi es una interesante cinta que nos retrata un terror mas parecido a maestros como Lovecraft que al mismo King y eso se agradece aunque al final se decante por el estilo King en ese final pensado en hacer sentir bien al espectador aunque tengo entendido que esta vez el error no viene en la historia original por lo que es un pecado de Natali, ¿quizá de la misma Netflix que no quería un final oscuro?

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: El Juego de Gerald

EL JUEGO DE GERALD (GERALD'S GAME, EU, 2017)

Desde el inicio supuse hacia donde iba esta cinta de Netflix basada en el libro del maestro del terror sospechosamente prolífico Stephen King, y es que el director Mike Flanagan mas que terror es director de dramas, o por lo menos dramas de terror, o eso es lo que me ha tocado ver de él en las cintas que me ha tocado visionar y esta vez no es la excepcion, un matrimonio con algunos años encima van se toman unos días en una cabaña lejos de la civilización para tratar de salvar su matrimonio con un juego en el que la mujer es esposada como un fetiche para el marido, es decir el seguro abogado Gerald (Bruce Greenwood) imponiéndose a la sumisa Jessie (Carla Gugino cargando la cinta sobre sus hombros y saliendo avante), en cierto momento al tipo le empieza a dar un infarto por culpa de la pastillita azul y cierto empujón de su esposa terminan el trabajo.

Asi Jessie queda esposada a la cama, sin nadie cerca, en un lugar solitario y sin posibilidad de que alguien venga, y lo que es peor, con la puerta abierta que aprovecha el "Cujo" de turno para empezar a comer el cadáver de su marido y quizá despues a ella misma, por lo que su mente comienza a divagar y ella a enloquecer, hablando con su propia versión de Gerald que aqui si es franco y ventila todos los problemas del matrimonio, una versión luchona de ella misma, y empieza a recordar el pasado mientras el hambre y la sed comienzan a pasar factura, es asi que tenemos dos cintas, una de supervivencia donde la mujer hace hasta lo imposible por un sorbo de agua, donde el perro es un peligro latente y donde un tal Moonlight Man (Carel Struycken) se le presenta como presagio de la muerte misma y donde no sabemos si lo imagina o es real.

La otra parte es la dramática, su pasado traumatico, donde conocemos al bastardo de su padre y como ella repite el ciclo porque en realidad nunca supero lo que sucedió durante ese eclipse rojo y lo que representan las esposas, el problema es que esta parte toma demasiada importancia y se alarga en demasía lo cual resulta cansino porque desde que no quería ponerse las esposas supuse que era por algún trauma de su niñez y ya esperando esto solo quedaba como lo presentaban y Flanagan lo presentan de la forma mas convencional posible, eso si, al parecer es muy fiel al libro, y lo creo porque ese final alargado donde el clímax queda muy atrás y seguimos viendo la vida de la protagonista y hasta una revelación ya tardía e innecesaria y ese enfrentamiento donde ya miramos la hora, una lastima porque tiene buenos momentos, buenas cosas y una Carla Gugino fenomenal y guapísima.

Calificación: Palomera