Cinecritica: Aladdin

ALADDIN (ÍDEM, EU, 1992)

Después de revisar la versión original de Aladdin con la dirección y guion de Ron Clements y John Musker tengo que admitir que sigue siendo una joya, su ritmo frenéticamente endiablado, un montaje inspirado, un diseño de arte precioso, un diseño de personajes imperecedero, y un guion que sigue siendo tan valioso como el primer día, no solo es inteligente y bueno sino que contiene mensajes muy interesantes, los consabidos de siempre del amor y la amistad junto al descubrimiento del amor propio y el problema del orgullo, ademas de coquetear con algunos temas políticamente incorrectos.

Aladdin es un carismático ladrón de buen corazón pero pareciera que no batallaría en encontrar trabajo si lo quisiera, Jasmine esta sexualizada de buena manera y el Sultán es un gordito bonachón que imaginamos puede ser todo menos eficiente, algo que suponemos no necesita porque el tipo gasta su tiempo en juegos tontos, y lo mas importante, un personaje como el genio que es un verdadero troll y que en manos de Robin Williams subió muchos enteros.

Comento esto porque se dice que muchas de sus lineas las improvisaba y que siempre jugaba con los diálogos, y que a partir de muchos de ellos se realizo la animación y no al revés como se acostumbra, esas múltiples facetas, cambios de voz y caracterizaciones que logra el fallecido actor le dan una frescura a la cinta que no ha envejecido ni un ápice, y mas aun cuando ocurre en medio de las maravillosas canciones que nos regalaron Alan Menken y Howard Ashman y que forman parte del imaginario popular.

Sumemos una dirección inspirada y una duración que apenas roza la hora y media y tenemos una cinta redonda, y eso sin mencionar a uno de los mejores villanos del estudio, un tipo sombrío, inteligente y ambicioso que da escalofríos e impone respeto solo al verle, con la voz de Jonathan Freeman, impone en todo momento y aun asi tiene sus momentos de hilarante comedia, y por supuesto no se andaba con rodeos como muestra en toda la cinta, un tipo cuya principal cualidad/defecto es una ambición desmesurada por el poder, que lo lleva a la propia perdición.

Un vendedor timador nos ofrece algunos artículos de dudosa calidad justo despues de cantar la políticamente incorrecta "Arabian Nights" y termina contándonos la historia de la lampara mágica y la vida del chico que cambio con ella, Jafar (voz de Jonathan Freeman) manda a un ladrón a la cueva de las maravillas solo para ver como perece y esta le pide encontrar el diamante el bruto, Aladdin (voz de Scott Weinger) es un ladrón de noble corazón que batalla mucho para robar un pan y finalmente darlo a unos huérfanos a pesar de las quejas de su carismático mono Apu, despues conocemos a la princesa Jasmine (voz de Linda Larkin) que no quiere ser el trofeo de algún pedante y vanidoso príncipe sino casarse por amor a pesar de las suplicas del bonachón Sultan (voz de Douglas Seale) que ve como solo le quedan tres dias para elegir.

La princesa escapa y conoce a Aladdin con quien hace conexión inmediata en tanto Jafar descubre que él muchacho es el unico que puede entrar a la cueva y lo embauca para que le traiga la lampara con resultados esperados, y es aqui cuando llega el genio de la lampara (Robin Williams robándose la cinta) que le ofrece 3 deseos y que termina forjando una amistad con Aladdin que llega incluso a prometerle la liberación con su ultimo deseo, por supuesto el chico desea ser un príncipe, es su única oportunidad de casarse con Jasmine, y llega en una presentación magnifica e hilarante al ritmo de la iconica "Prince Ali" que esta al nivel de la espectacularidad de "Friend Like Me" aunque la que gano el oscar es la hermosa "A Whole New World" que va acompañada de ese sueño kilométrico animado, porque despues de la entrada vanidosa nada como algo de romance y el descubrimiento de Jasmine "crees que soy estúpida" de la identidad de Aladdin que salva de último momento, pero que nos regala romance a cada momento, despues de todo de esto va la cinta.

Por supuesto lo que menos desea el chico son las responsabilidades por lo que cuando sabe que se convertirá en Sultán teme aun mas que cuando casi muere aunque solo asi tenga a la chica, la idónea preparación para que el hablador e hilarante pájaro Iago nos lleve a la vuelta climática donde le echan toda la carne al asador con genios gigantes, cambios de títulos, vejaciones, hechiceros todopoderosos, besos de traición, vejaciones con galletas, burla a la canción del héroe, serpientes gigantes y un reloj de arena que amenaza con ganar la vida de alguien, es decir un esplendido final que no da descanso y nos tiene en tensión constante al mismo tiempo que respetamos a un villano que se hace sentir y que sigue siendo tan ruin como para que deseemos su derrota, una joya de la animación que sigue siendo actual y redonda y con la uno se emociona y divierte como niño sin importar la edad que se tenga.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Rostros y Lugares

ROSTROS Y LUGARES (VISAGES VILLAGES, FRANCIA, 2017)

"Antes de que sea demasiado tarde" le dice el majo artista urbano Jean Rene "JR" a la casi nonagenaria incansable Agnés Varda en cierta escena clave de este maravilloso documental, la frase es lapidaria y JR la suelta con toda la intención de lo que se escucha y como tal lo toma la optimista Varda que mas de una vez suelta que ya esta cerca de dejarnos, que se le acaba el tiempo e incluso que ya espera el final de todo, por ello la legendaria fotógrafa y director emprende un viaje por toda Francia junto a JR y su camioneta con forma de cámara buscando nuevas formas de arte, las personas entran a la camioneta y se toman una cámara instantánea que sale por un lado del camión de un tamaño grandisimo y que el artista junto a su equipo cortan y pegan en diferentes locaciones que son tan artísticas como vistosas, todo esto documentado de forma precisa, con una fotografía hermosa, música exquisita y un montaje perfecto,  por una directora que derrocha simpatía y que no solo se queda detrás de cámara.

Agnés Varda es la encargada de buscar los personajes, el azar, la improvisación juegan a su favor y encuentra algunos personajes tan pintorescos como extravagantes, y por lo mismo genuinamente humanos, la directora hace preguntas, conversa con ellos, y los deja expresarse, sin importar que sean secos, poco expresivos o incluso torpes, los deja hablar, sin meter política ni mensajes, es por ello que tenemos retratos profundamente humanos, donde las personas hablan de su vida, de su familia, del amor, de la amistad, de la misma vivencia, de la vida misma, y por ello las preguntas no van mas alla de ¿a que te dedicas? ¿tienes familia? ¿te gusta la fotografía? y es que ver los rostros y cuerpos de estas personas en tamaño monumental es algo maravilloso, ver sus rostros, sus ojos, por unos momentos se creen inmortales, imponentes, famosos, grandes, y lo son, porque para los directores cada una de estas personas valen muchísimo y tienen mucho que decir y ofrecer.

JR es el artista que se dedica a imprimir fotografías gigantes que pone en lugares inverosímiles pero en esta invitación decidió dejar la mayoria de las decisiones a la directora ya que ella encuentra a los personajes y luego decide donde se pondrán las extensas fotografías a forma de murales, claro que la realidad es que vemos una relación de admiración y respeto por parte de estos dos artistas que de todas maneras no cesan en hacerse bromas pero siempre con una camaradería que contagia, ya sean las impertinentes bromas de JR o los ácidos comentarios de sabiduría de Varda, es decir estamos ante una asombrosa road movie con una mujer de 88 años y un joven de 34 que encuentran su punto de encuentro en lo que aman, la fotografía y el cine, pero sobretodo el arte, y es que si esta cinta es una joya es por ese positivismo y amabilidad que despide a cada segundo y en cada fotograma, somos testigos de una cinta que exalta los valores mas hermosos de la vida y que no teme caer en la ñoñeria en ningún momento.

Es asi que vemos una interminable fila de personas mordiendo un baguette en una larga barda, vemos el rostro de una inderrotable mujer que se rehúsa a salir de la ultima casa de un asentamiento que antaño era un pueblo minero y que rompe en llanto al no tener que decir, nos asombramos con la pena de una hermosa mujer que posa al mas puro estilo de la nueva ola francesa, nos sorprendemos por un solitario tipo que trabaja 800 hectáreas y que termina con una fotografía gigante de él mismo en el granero, nos maravillamos con una fotografía en un vestigio nazi devorada por el mar en una noche pero que dejo su efímera belleza en nuestras mentes, la conjunción por medio del arte de dos turnos, un picnic lleno de belleza con las caras de todos siendo testigos de ellos mismos, la surrealista imagen de unos peces en un deposito de agua, esas mujeres/esposas/profesionales como gigantes en los contenedores y por supuesto esa imagen inmortal de los pies y ojos de la directora en un tren que viajara y vera cosas que ella jamas.

Mas importante aun es el saber que la directora tiene problemas en la vista, quizá lo mas importante para ella pero aun asi lo toma con sabiduría y optimismo, la perdida de ella le ha dado nuevas posibilidades creativas, y esto se traslada a toda la cinta, todo es tratado con optimismo y cariño, se extrapola a temas como la soledad, la vejez, la muerte, etc. es decir estamos ante una cinta siempre vigorizante, siempre creativa, siempre soñadora, con mucho cariño, y que esta llena de escenas esplendidas, junto a todos las exploraciones artísticas tenemos también bellos momentos de la pareja dispareja dialogando, conversando, filosofando, recordando, debatiendo, una de las mejores parejas disparejas que me ha tocado ver en el cine, y por supuesto esos bellos momentos de puro cine con la silla de rueda a toda velocidad mientras el arte llena a la directora belga, o esa mirada de amor incondicional por parte de la centenaria abuela de JR, a final de cuentas la cinta es sobre un viaje, un viaje que se emprende buscando la humanidad que esta dentro de todos nosotros y que tiene un perfecto final que rompe lo mostrado cuando otro genio, Jean Luc Godard, sea tan impredecible como acababa de decir la directora en ese desplante que duele y molesta y que es tratado al final por JR y ella misma con el mismo optimismo y humanidad que impregna toda la cinta porque al final de cuentas para Agnés Varda todo es arte, nosotros mismos lo somos, cada vida, vivencia y rostro es arte y por lo mismo algo hermoso, por ello mismo su compañero le hace un regalo que aunque no pueda apreciar si puede disfrutar por lo que significa, la humanidad que ella misma se empeña en mostrar y repartir por el mundo.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Las Niñas Bien

LAS NIÑAS BIEN (ÍDEM, MÉXICO, 2018)

La blanca, delgada y elegante Sofia (Soberbia Ilse Salas) es una de las niñas bien del titulo, de lo primero que somos testigos es a ella realizando compras fuera del país, llegando a arreglarse a un caro lugar mientras en su mente fantasea con la fiesta que siempre ha deseado, que exactamente igual a la que tendrá de cumpleaños con la diferencia de que no llegara Julio Iglesias para llevársela a vivir una aventura, es obvio que Sofia vive en una especie de sueño infantil, se la pasa anhelando todavía mas de lo que tiene y lo unico que espera de la vida es frivolidad y buen gusto, que si el mejor vestido, imponer nuevas tendencias en el vestuario porque aunque se queje de que la copian la realidad es que esta encantada, recibir un carro de lujo como regalo, y por supuesto despreciar a la nueva rica naca (Paulina Gaitan) no invitándola a su fiesta porque usa pupilentes de color, o lo que es peor, dice ¡provechito! en ese mundo de fantasía vive Sofia y la verdad es que puede dárselo, fiestas, relaciones sociales en un cerrado circulo elitista, compras en las tiendas mas exclusivas, viajes al club para jugar tenis, y un largo etc. por parte de unas arpías que viven en la mayor superficialidad.

Es asi que Sofia entiende su existencia, como una muestra de clase y estilo para los demas, imponiendo modas y gustos, platicando banalidades con sus amigas intercambiables (Cassandra Ciangherotti, Johanna Murillo, Jimena Guerra), criticando a la naca de Ana, hablando de los que tienen problemas maritales y/o financieros, dejando a los niños abandonados a tal grado que en cierto momento de la cinta olvide que tenia tres, casi excusándose borracha con la criada, quizá la única persona que le tiene afecto real, de si es una mala madre, y mientras todo esto pasa el publico, es decir nosotros, estamos totalmente exasperados, esta mujer frívola, egoísta y odiosa es algo repulsivo, es alguien que no podemos entender, pertenece a ese club exclusivo de millonarios que parecen serlo por herencia, conexiones o simplemente porque si, y la crónica que nos muestran de la guapa Sofia cada vez nos aleja mas a simpatizar y empatizar con ella, pero por supuesto esa no es la finalidad de la directora y guionista Alejandra Márquez Abella, como supongo tampoco lo era el del libro original de Guadalupe Loaeza.

Simplemente se trata de mostrar lo horrible de esas jaulas de oro que son aun mas feas cuando el oro empieza a caerse, con una fotografía hermosa, una puesta en escena inteligente y una dirección de arte esplendida acompañada por una banda sonora ad hoc, es asi que en plena epoca de Jose Lopez Portillo, en 1982, la economía comenzó a caerse y los sacadolares destrozan el país mientras el presidente llora cual magdalena y promete proteger el peso como un perro, un día la familia de Fernando (Flavio Medina) saca el dinero de la empresa y este tiene que arreglárselas solo, de inmediato nos damos cuenta que el tipo es un bueno para nada que no sabe trabajar y como no sabe que mas hacer pide prestamos y se pierde en la bebida y otros ocios al tiempo que su matrimonio, familia y vida se derrumba, este lo sabia antes que Sofia, una mujer que no entiende lo que se le viene encima, que ha sido millonaria desde la cuna y que ve como su mundo se desploma cuando las tarjetas no pasan, cuando se ve obligada a comprar su carisima crema, o que solo se puede dar el lujo de probar pero no comprar, despues de todo no estoy acostumbrada a comprar en México dice.

Este descenso a los infiernos es genuinamente interesante y visible, Sofia nunca deja de ser un monstruo pero es uno mas humano, la comprendemos mas porque esta viviendo algo del propio jodidismo que vive día a día el mexicano promedio, y como este, pero a otro nivel, nunca deja las apariencias, sigue tomando vino, asistiendo al club, teniendo criados, aunque no les pague y aunque se bañe a cubetazos, se puede perder el dinero pero no el porte, y cuando Sofia entiende que su vida se desmorona se da cuenta que siempre estuvo sola, que nunca fue feliz, que jamas tuvo amigas, y aunque nunca deje su clase y ceño prepotente y presuntuoso ella sabe que esta contra la espada y la pared y aunque la crisis no solo la afecta a ella, por ahi otro muere de un "infarto", Sofia solo tiene cabeza para sus problemas hasta llegar a un patetismo ridículo, que nos regala algunas escenas asombrosas que llegan a su cúspide cuando despide criados porque le cobran, la fiesta en la que roba y pelea con los niños por los dulces, intenta presentarse a una fiesta mientras su mundo se tambalea y esa fascinante escena final con todo y ladridos de por medio.

Calificación: Notable

Cinecritica: El Culpable

EL CULPABLE (THE GUILTY) (DEN SKYLDIGE), DINAMARCA, 2018) DE GUSTAV MOLLER

Dos llamadas, una casi al iniciar la cinta donde una mujer simula hablar con su hija cuando ha hablado a emergencias que termina desencadenando la trama de la cinta, la ultima al terminar la cinta cuando nuestro protagonista se aleja de la cámara y llama a cierta persona de la que nunca conoceremos su identidad y que da un cierre perfecto a la misma porque para estos momentos ya comprendemos a cabalidad la trama, y es que no solo somos testigos de un electrizante thriller que nos obliga a no despegar la vista de la pantalla sino a una historia personal sobre un hombre profesional y decente que esconde algo que apenas podemos percibir, y todo esto en medio de un suspenso que nos remite al cine de antaño, apenas en cuatro paredes como lo hiciera el maestro Hicthcock, con un manejo de los tiempos perfecto por parte del hábil director y guionista debutante Gustav Möller, que ademas tiene un manejo del encuadre virtuoso, junto a un sonido esplendido y un actor en estado de gracia como lo es Jakob Cedergren en el papel del huraño Asger Holm uno no puede terminar mas que rindiéndose frente a la maestría que nos muestra la pantalla.

Asger esta trabajando recibiendo llamadas de emergencias, es un profesional, lo sabemos por la seguridad y la importancia que le da a la información y las llamadas, sabe cuando son solo tonterías y cuando son importantes, tiene la habilidad de conseguir información clave en pocos segundos, pero también vemos su cara de hastió y un desdén hacia sus compañeros que nos indica algo raro, muy pronto nos damos cuenta de que en realidad es policía de campo y aunque es completamente capaz de desempeñar este empleo lo que el quiere es la accion de las calles, esta ahi como castigo, algo sucedió, pero el tipo esta desesperado por volver de nuevo a las calles, su jefe asi lo espera, el amigo borracho que declarara a favor de él se lo promete, quizá cometió un error, quizá es un malentendido, un accidente, apenas conocemos información pero esta situacion lo tiene tenso y en constante estrés, sumado a esto que se nos va revelando poco a poco entra una llamada de una mujer  (voz de Jessica Dinnage) que aparenta hablar con su hija para tranquilizarla mientras llora, Asger se da cuenta de inmediato y le pregunta si fue secuestrada, saca información clave, su ex marido, un posible ataque a un menor, mientras el ex corta la llamada y lo mas que tiene es la localización de la antena mas cercana a la llamada.

Su turno termina pero el profesional Asger no puede dejar las cosas asi, no despues de hablar con la pequeña y prometerle que le regresara a su madre sana y salva, no importa trabajar jornada doble, no importa que mañana sea el día del juicio, no importa que todo mundo lo vea como loco y mas con el problema que tiene detrás, el tipo es un buen hombre que hace hasta lo imposible para salvar una vida, para clamar justicia por otra, y para ello hecha mano de todo a su disposición, llama a su compañero para que vaya a la casa, pone alerta en una comisaria cercana, le da indicaciones a una patrulla y desobedece a su jefe en cuanto a irse a descansar, pero lo mas impresionante de la cinta es que todo esto ocurre en dos habitaciones que podrían ser una, con un personaje casi toda la cinta, siempre pendientes del rostro de Cedergren que nos trasmite en todo momento lo que siente y piense sin necesidad de lineas, enfoque a sus ojos y entendemos todo, enfoque a sus manos yu vemos su tensión, su boca y sentimos su desesperación, somos participes de lo mismo que él, vemos y escuchamos lo mismo pero no por ello dejamos de verlo, nos imaginamos en todo momento lo que ocurre, nuestro cerebro genera las imagenes de lo que sucede del otro lado de la linea, que son muchas vertientes, y nos hacemos una imagen propia.

Ademas el guión no es genérico en absoluto, nos tiene sorpresas y giros en todo momento de tal manera que nunca sabemos lo que se nos viene enseguida, juega con nuestra mente y nuestra capacidad para juzgar a pesar de la poca información que poseemos, asi cuando una segunda capa llega todo puede cambiar y darnos cuenta de lo prejuiciosos que hemos sido, lo que nos hace esperar el final a cada momento, un final que ofrece una catarsis, no una que llegaría en una película hollywoodense sino una de un hombre que entiende el valor de la vida y la valía de afrontar la responsabilidad propia mientras por primera vez vemos orgullo en su mirada y libertad en sus acciones, una muy recomendable cinta que merece revisarse antes de su inminente y supongo desafortunado remake americano, una muestra de que el gran cine no se hace con mucho dinero sino con mucho amor y talento.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Avengers: Endgame

AVENGERS: ENDGAME (ÍDEM, EU, 2019)

Casi todos los escritos y vídeos sobre esta cinta hablan de ella como un "evento" y no como una película real, quizá por ello solo veo buenos comentarios y alabanzas a una cinta que acaso alcanza a ser palomera, bueno creo que ni eso por lo larga que es, ademas contradice tanto sus propias reglas y premisas, no solo las de la esta cinta sino las de cintas pasadas, que es difícil pasarlo por alto, al final mas que pasar cinco años pareciera que solo desaparecieron cinco minutos ya que todos regresan a vivir exactamente lo mismo, y si es un spoiler pero sean sinceros, en realidad había alguien tan "ingenuo" para pensar que no revivirían todos con todos y cintas anunciadas de ellos, y bueno, la salida de Iron Man (Robert Rowney Jr.) y Capitan America (Chris Evans) era algo ya conocido por lo que todos sabíamos que morirían o se retirarían por lo que la única muerte sorpresiva es una que también se siente anunciada y carente de lógica y valor, y ademas los hermanos Russo siguen teniendo los mismos problemas, una narrativa deficiente, problemas de ritmo (la primera hora es insufrible) y nulo talento al montar secuencias de accion que como siempre se resumen en un barullo sin sentido donde nos sabemos que sucede y nunca vemos claro con esa paleta oscura y con exceso de cgi.

Sumemosle serios problemas con algunos personajes como Capitana Marvel (Bree Larson peor que en su cinta personal) que solo sirven para un Deux ex machina (el de ir a recoger la nave donde esta Tony aunque quien sabe como coño sabia donde estaba) y despues desaparece hasta el final donde es parte de una penosa escena feminista sin sentido que..... es de lo peor que he visto en todo el año, o todos los años, y casualidades sin sentido que dejan todo el azar como esa rata que salva el universo o el hecho de crear un personaje de la nada por una extraña conexión wifi, y si la cinta anterior (y mejor) "Avengers: Infinity War" habia conseguido un villano medianamente interesante a diferencia de la mayoria de las cintas de Marvel aquí volvemos al problema de siempre, sin el Thanos (Josh Brolin) anterior tenemos a uno que es malo malote porque si y que no respeta la escala de poder mostrada en la cinta anterior.

Han pasado cinco años y los vengadores sobrevivientes estan deprimidos, mientras algunos intentan resolver el problema otros intentan seguir con su vida, y somos testigos de esto una hora, despues llega Lang (Paul Rudd de lo rescatable de la cinta) salvado por una rata y deciden viajar atrás en el tiempo, en realidad a realidades alternativas para evitarse problemas aunque esto abre mas vertientes que despues evitan tocar, para juntas las gemas del infinito y finalmente salvar a todos para la inminente batalla final donde apenas se nota algo y solo vemos fanservice por aquí y por alla sin lógica de escalas de poder o algo de inteligencia en las peleas, menos esperemos una puesta en escena bien hecha, y al final lo que todos esperabamos, por lo menos la cinta es rescatada por su impecable reparto, a los mencionados se suma una esforzada Scarlett Johansson como Viuda Negra, un serio Mark Ruffalo como Hulk y un chistoso Thor por Chris Hemsworth, junto a estos un larguísimo desfile de cameos que parecen no acabar, justo como estas películas que seguirán regalándonos huecos de argumentos, agujeros de lógica (ahora Hawkeye (Jeremy Renner) agarra las gemas con las manos) y algunos chispazos de buena comedia mientras sus fanáticos que parecen pertenecer a una secta le regalan su dinero sin pensar que existe otro cine, y no es que este sea malo pero existe un mundo que podrían darse la oportunidad de revisar aunque mucho me temo eso sea lo que menos les interesa.

Calificación: Regular

Cinecritica: Atrapados: Una Historia Verdadera

ATRAPADOS: UNA HISTORIA VERDADERA (KURSK, FRANCIA - BELGICA - LUXEMBURGO. 2018)

Dejemos de lado el pésimo y ridículo titulo en español para enfocarnos a lo importante de esta película que ya se puede ver en los cines de Culiacan, la cinta esta basada en la dolorosa tragedia del submarino nuclear Kursk que debido a un accidente causado por un misil defectuoso no tuvieron oportunidad de salvarse, esa es la versión oficial de todo el mundo pero las teorías conspiratorias dicen que en realidad el submarino norteamericano Toledo tuvo un altercado y otros mas lo atacaron y que todo se zanjo con pago económico para no entrar en conflicto bélico, por supuesto de esto no existe pruebas solo algunas coincidencias muy extrañas, la reparación del Toledo, el perdón de cierta deuda, etc., pero aquí el director Thomas Vinterberg nos muestra la versión "oficial" con muchas licencias por supuesto, la mayoria esta ficcionado para darnos un drama que duela y que en cierta manera logra.

El problema es que la cinta se siente demasiado política cuando lo principal debió haber sido el factor humano que es lo que nos queda despues de verla, desde el inicio los mismos rusos se quejan del sistema o de los problemas de una marina corrupta e incompetente, asi que cuando sucede el percance apenas si conocemos algo de ellos por lo que se nos hace difícil conectar, ademas Vinterberg prefiere contar la tragedia dejando de lado el problema del misil que pareciera haber podido dar muchísima tela para momentos de suspenso, despues de la explosión nos dividimos en tres frentes, por un lado los marinos liderados por Mikhail (entregado Matthias Schoenaerts) que intentan sobrevivir a como de lugar, el segundo es el problema político social con los familiares liderados por la mujer de Mikhail, Tanya (la siempre hermosa Lea Seydoux) que reclama al gobierno noticias y rescate de sus familiares mientras los familiares manejan un silencio hermético, y finalmente la historia con los marineros que saben la magnitud del problema e intentan hasta lo imposible por cooperar por mas que los gobiernos no ayuden.

Impresiona ver en un nuevo papel a Max Von Sydow que como de costumbre regala un villano formidable, siempre educado, fuerte, de carácter, seguro, y que maneja la situacion a su antojo, tanto así que opaca a los protagonistas cada que aparece. La cinta es de supervivencia y nos regala algunos buenos momentos, una fría paleta de colores que nos lleva todavía mas cerca de esos pobres diablos que esperan sus últimos momentos, y una banda sonora maravillosa de Alexandre Desplat que nos llega al corazón, también resulta igual de impresionante que donde mas flojee la cinta sea en el guion que solo transita y donde mas la rompa sea en aspectos técnicos, la dirección es mas que impecable, en realidad nos sentimos mojados, claustrofobicos, desesperados, con frió, todo esto gracias a la maestría de Vinterberg que igual cambia de formato que de paleta de colores y que nos entrega un maravilloso y larguísimo plano secuencia submarino que nos roba el aliento, curioso que lo técnico sobresalga sobre la historia viniendo de un fundador del Dogma 95, aunque claro no me estoy quejando.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Avengement

AVENGEMENT (IDEM, REINO UNIDO, 2019)

Desquiciante sorpresa, vi esta cinta sin esperar nada, en parte porque el director Jesse V. Johnson no tenia nada recomendable segun lo que vi y porque el protagonista Scott Adkins no ofrece nada mas alla de conocimiento en artes marciales y un cuerpo muy trabajado, viendo la cinta no se que tanto de esto sea verdad porque la cinta independiente de serie B ultra-violenta funciona en todos los sentidos entregando hora y media de emoción, entretenimiento y espectáculo sin pausa que nos deja con la boca abierta, un guion inteligente y bien planteado con las suficientes vueltas y sorpresas para siempre mantenernos interesados, unos protagonistas que parecen salidos de una película oriental por lo violentos y exagerados que son pero siempre mantienen ese sello británico de gangster parlanchines que se rompen su mandarina en gajos cuando es necesario, y cuando no lo es también, una puesta en escena virtuosa que le da preponderancia a las peleas coreografiadas que son tan reales como dolorosas, tan violentas como pulcras, tan callejeras como técnicas, sin duda esas tomas largas de peleas me ganaron por completo.

Y que hablar de la banda sonora de Sean Murray que nos sumerge en ese mundo de delincuencia y crueldad siempre con un halo de misticismo, y finalmente su protagonista, Scott Adkins, una agradable sorpresa, un tipo que se entrega en cuerpo y alma con una rabia bestial en una interpretación que le exige lo imposible físicamente y lo inalcanzable en términos de entrega actoral, el tipo comienza siendo una caricatura y despues entendemos cada movimiento, cada cicatriz, cada accion, y estamos de su lado, aunque en un principio apenas lo entendiéramos. La cinta comienza en uno de los miles de bares que existen en Reino Unido, un joven mafioso llamado Tune (cómico Thomas Turgoose) les cuenta a sus compañeros que alguien mato a uno de los suyos y que por ello el jefe les pidió atención y cuidado, el tipo empieza a contar la historia quedando como un héroe frente al cobarde asesino pero un tipo en la barra no puede dejar de carcajear, hasta que se enfrentan, un tipo lleno de cicatrices y con dientes de metal encapuchado que da a conocer su identidad, Cain (Scott Adkins, muy bien) el hermano menor de su jefe, el mafioso usurero Lincoln (Craig Fairbrass, bien).

Les confiesa que él mato al tipo y que es solo el inicio de su venganza como dice el titulo, en lo que espera a su hermano les cuenta como llegaron a ese punto, desde cuando le pide a su hermano un préstamo para iniciar un negocio y termina inmiscuido en un asunto que lo lleva a la cárcel, los excesos de cierto policía corrupto, las golpizas que recibía un día si y el otro también en una peligrosa cárcel con todo y encargado burocratizado bobalicón, como peleaba diario y ganaba cicatrices al mismo tiempo que resistencia, fuerza y destreza, y la revelación que lo llevaría a un odio absoluto solo apagado por su madre que ahora no estaba ahí para detenerlo y que en plena despedida mortuoria aprovecha para escapar e iniciar su carnicería humana, hasta aquí parece la típica película de venganza serie B pero la cinta es mucho mas, no solo la historia es pensada e inteligente sino que las peleas son genuinamente emocionantes, duras y dolorosas, y todo nos lleva a esa interminable pelea climática final donde no hay descanso, donde Cain recibe todo sin rendirse, pero también reparte caña, con una cámara que privilegia las peleas y sus actores en una coreografía tan bien estructurada como cruda y que termina de forma fenomenal en un éxtasis justiciero que no solo se queda en la venganza física sino en la retribución de los afectados mientras sonreímos como algunos personajes claves frente a ello.

Calificación: Bien

Cinecritica: John Wick 3: Parabellum

JOHN WICK 3: PARABELLUM (JOHN WICK: CHAPTER 3 - PARABELLUM, EU, 2019)

John Wick (Keanu Reeves ya con nuevo personaje iconico) comienza justo donde termino la cinta anterior, corriendo junto a su perro tratando de escapar de las hordas de asesinos que vendrán por su cabeza despues de una hora, tiempo en el que sera excomulgado y que su vida valdrá 14 millones, pero no todos respetan el acuerdo y esto nos llevara a una maravillosa batalla en un museo de antigüedades con muchas armas blancas y a escabecharse a uno en mera biblioteca nada menos con un libro, escapando a caballo por la ciudad, siendo apenas ayudado por un doctor y escapando sin descanso hasta llegar a un escondite ruso donde nos enteramos de la verdadera identidad del Baba Yaga y comprendemos su pasado con todo y una Anjelica Huston dando el toque perfecto de clase y estilo que la cinta merece, todo esto en apenas media hora donde apenas hemos podido respirar ademas de maravillarnos con el grandioso sistema de coreografía que tiene la cinta de Chad Stahelski que se sigue superándose en la dirección en su manejo del espacio y cámara, siempre sabemos que sucede, sabemos donde estan todos los personajes y que sucede con ellos, y a eso le sumamos una preciosa fotografía de Dan Laustsen y esa exquisita banda sonora de Tyler Bates y tenemos una cinta de accion que eleva las expectativas.

Como apunte esto ocurre en apenas media hora y quizá por ello lo siguiente baja un poco el nivel por lo climatico de lo anterior pero sin demeritarse en ningún momento, no podemos aburrirnos cuando somos testigos de una matazon en Casablanca con todo y la arisca Sofia (Halle Berry) y sus carismáticos perros mordelones, de un viaje por el desierto donde conocemos al mero mero de todo y finalmente la vuelta a New York donde las lealtades cambian constantemente pero que terminan en unas bellisimas escenas donde Wick se enfrenta a unos profesionales con armadura blindada con media luz mientras escuchamos a Vivaldi en medio de la coreografía que parece una hermosa danza de ballet donde la perfección y el dolor se funden en una sola muestra, y por si esto no fuera suficiente el final todavía nos tiene reservadas algunas sorpresas que hacen que uno salga genuinamente emocionado cual niño en navidad esperando lo siguiente.

Stahelski a alcanzado un nivel extraordinario en la dirección de las coreografías, con todo y manejo del ambiente y el encuadre, con tomas cada vez mas largas y complejas, cosa que logra gracias al profesionalismo de Reeves y sus actores secundarios, como el socio-pata Zero de Mark Dacascos y su honorable pupilo actuado por Yayan Ruhian, quienes se nota no tienen miedo de los trancazos ni las escenas de riesgos, y como ellos muchos mas, sumado a una fotografía que nos remite a cintas mas ambiciosas con juegos de luces y espejos, con múltiples referencias a otras iconicas cintas ("Warriors", "True Lies", "The Villainess") y siempre jugando con el limite físico cual Buster Keaton (referenciado ya en la cinta anterior), es cierto que la cinta no alcanza el nivel de sincronía narrativa de la primera "John Wick" con absurda pero entendible premisa de la venganza de la cachorra beagle Daisy que era lo unico que quedaba de su esposa, deseábamos y necesitábamos la venganza para con ese narco junior bueno para nada en ese lance de humor negro, la segunda "John Wick: Chapter 2" seguía ese camino de humor negro ahora con otro tipo de junior que recibía lo que merecía  pero que dejaba en una situacion precaria a nuestro protagonista, y entregaba algunas escenas majestuosas como la de los espejos que la llevaban a otro nivel en esta los tiros van por las cantaletas burocráticas de poder que rozan el absurdo, ya sea con el Adjudicador (Asia Kate Dillon) que solo entiende su verdad, un tipo, the Elder (Saïd Taghmaoui), que se cree todopoderoso, un tipo que se cree rey sin corona (Laurence Fishburne) y hasta alguien casado con el poder que ha ostentado (Ian McShane) y que no lo cederá sin pelear.

Es decir esta ultima parte habla mas de la obscuridad del poder que del mismo protagonista que se ve inmerso en el asunto y que ve como tiene que pagar por los sucesos ocurridos, por fortuna el humor negro sigue presente, ya sea como la inagotable mención de que todo comenzó por un perro, el extender la mano a un adversario admirado mientras este pone cara de incredulidad por la paliza que recibe, o una patada de caballo que acaba con la vida de cierto pobre diablo, eso si, los niveles narrativos que ha alcanzado el director en la puesta de escena de las peleas, con coreografías estilizadas que son crudas pero siempre técnicas y donde se le da valor al puro hecho de cargar con profesionalismo nos dicen que Stahelski se esta superando en cada cinta y que sigue respetando a su publico, quizá por ello mi unico problema grave sea con Berry y esa lentitud y falta de profesionalismo, se ve lenta y sus peleas rompen la inmersión, asi como tampoco carga nunca y la vemos disparar sin corte.

Pero son pequeños detalles que no afectan una cinta que se entiende como parte de entretenimiento y que respeta a su publico intentando superarse siempre, y con un final emocionante porque si en la primera cinta se introducía el mundo secreto de los asesinos, en la segunda se expandía y en esta nos muestran (casi) toda su complejidad, preparándonos en este Parabellum para lo que continua que esperemos tenga el mismo corazón y talento que lo que nos han regalado hasta el momento.

Calificación: Notable

Cinecritica: El Convento

EL CONVENTO (ST. AGATHA, EU, 2018)

En los cines de la ciudad esta la cinta de terror de Darren Lynn Bousman que aguanta el palomazo solo si uno tiene el estomago lo suficientemente fuerte, y es que la cinta mas que aportar por el terror jump scare o sobrenatural prefiere apuntar al terror incomodo, gore, casi de tortura donde uno termina viendo un thriller dramático que resulta tan repulsivo como fascinante en su puesta en escena, ya sea por el logrado ambiente de ese convento que parece salido del infierno, por la fotografía cambiantemente psicodelica que no da pie a la tranquilidad y por supuesto por una villana que es tan desquiciante como inteligente, la cinta no trata sobre el peligro de los sobrenatural sino de la maldad humana que nunca cesa, estamos en los años cincuenta y la pecaminosa Mary (esforzada Sabrina Kern) esta esperando un hijo fuera del matrimonio, ademas su novio es un músico bueno para nada y su padre un alcohólico sin remedio, y por si fuera poco carga la pesada loza de culpabilidad por un incidente con su hermano.

Asi que la mujer sin nada mejor que ofrecer a su hijo se encierra en el convento, pero desde el inicio el director nos deja claras sus intenciones, aquí no hay lecturas ni ambigüedad, no puede ser asi en un lugar que esta repleto de trampas de osos en sus inmediaciones y que ademas esta cubierto por neblina en medio de la nada, ahi las demas jóvenes actúan extraño, apenas hablan y si lo hacen no ofrecen nada personal en tanto las monjas parecen mas carcelarios que devotas de Dios, pero muy pronto nos daremos cuenta que las cosas son justo como parecen, ruidos extraños por todos lados, unas jóvenes embarazadas y aterrorizadas, monjas que son sádicas y disfrutan torturando, y una madre superiora que no tiene empacho en decir que el vaticano no aprueba sus métodos y las han abandonado, pero que aun asi se las arreglan gracias a unos admirables "benefactores", por supuesto estos no ayudan sin buscar algo a cambio asi como las mismas monjas en este lavado de cerebro que nos llega directamente a la mente.

Claro que la cinta tiene fallas, abre algunas cosas que jamas vuelve a retomar, en cierto momento el avance se vuelve lento y los flashbacks tienen un ritmo muy diferente al presente actual de la cinta por mas que nos ayuden a conocer a Mary, pero todo se perdona gracias a las escenas gore y de tortura que nos hacen odiar a las monjas mientras sentimos lastima por las inquilinas y por supuesto, por esa detestable y maquiavelica madre superiora (majestuosa Carolyn Hennesy robándose la cinta) que resulta tan repulsiva como atrayente, que siempre es perspicaz, que siempre tiene una sonrisa amable mientras es lo mas cruel posible y que puede excusar a alguien de comer con un tono de voz melodioso y una sonrisa, claro, siempre y cuando coma lo que acaba de vomitar porque ahi nada se desperdicia.

Calificación: Palomera 

Cinecritica: Godzilla II: El Rey de los Monstruos

GODZILLA II: EL REY DE LOS MONSTRUOS (GODZILLA II: KING OF THE MONSTERS, EU, 2019)

La Dr. Emma Russell (Vera Farmiga) recuerda con pesar como el gigantesco monstruo Godzilla le arrebato la vida de su hijo cuando en esa olvidada y subvalorada cinta de Gareth Edwards "Godzilla" del 2014, en la actualidad la experta junto a su hija Madison (Millie Bobby Brown) estan trabajando con los kaijus pero algo sale mal y son apresadas por un eco-terrorista que quiere ver el mundo arder, liricamente, por supuesto la familia esta rota por la tragedia así que el padre Mark (Kyle Chander) anda por otro lado pero cuando esto sucede es contactado por el Dr. Serizawa (Ken Watanabe, de lo mejor de la cinta) y Vivienne (Sally Hawkins en cameo) para encontrarlas, en el camino se dan cuenta que no todo es lo que aparenta y las cosas se complican en demasía, no solo con la inevitable eclosión de la bellisima Mothra, sino  también con el despertar del implacable King Guidorah y  la bestia de fuego Rodan junto a otros muchos titanes.

Por supuesto el unico capaz de rescatar a la humanidad es Godzilla tal como lo hizo hace cinco años con las dos campamochas que intentaban aparearse, y como en aquella cinta aquí los humanos son meros testigos de las peleas descomunales de los colosos que igual mueven sus alas y destrozan pueblos, lanzan aliento termonuclear o simplemente regeneran sus cabezas como si no fuera nada, frente a esto los humanos y las armas apenas causan daño, de hecho en cierta parte de la cinta una bomba nuclear con todo y sacrificio incluido solo servirá para darle nuevos bríos al monstruo mientras debemos aprender a no meternos porque la naturaleza tiene su manera de lograr las cosas y nosotros solo somos unos estorbos, vamos que el discurso de esta cinta no podría ser menos inmisericorde para con el hombre y considerar a la naturaleza como una fuerza todo poderosa, incluidas amenazas externas, donde nosotros si acaso solo somos mascotas, o por lo menos eso parece decir el director y guionista Michael Dougherty.

Que ademas logra algunas escenas maravillosas, en especifico todas en las que aparezcan los titanes, ya que nos asombra con los diseños, nos maravilla con los efectos especiales y finalmente nos quita el aliento con las peleas mientras somos testigos de estas no solo desde abajo como aterrados testigos sino también como en las producciones de la Toho viendo desde un lado como se hacen pedazos, vamos que casi viendo una pelea en un ring, pero este es la ciudad y los ataques son mas vistosos, de hecho tiene algunas escenas espectaculares, desde ver a Godzilla arrancar cabezas, cierto ataque eléctrico devastador, el sacrificio de cierto ente con todo y polvo recuperador de despedida, Rodan despedazando ciudades y aviones nomas porque si y esa pelea final que aunque se ve poco se disfruta mucho, de hecho el mayor problema de la cinta es que siempre se siente obscura aunque la fotografía es hermosa, y mas aun esa banda sonora de Bear McCreary que toma como base todas esas melodías legendarias de la saga que nacieron desde la inigualable "Gojira".

Calificación: Bien