Cinecritica: Sin City 2: Una Dama Fatal

SIN CITY 2: UNA DAMA FATAL (SIN CITY: A DAME TO KILL FOR, EU, 2014)

Antes que nada quiero aclarar que para mi la primer "Sin City" no me parece ni remotamente una obra mayor como su fanaticada pero es una buena cinta con historias sórdidas y un estilo neo noir que tenia su principal problema en que al estar formada por varias historias resultaba quebrada, y que lo mejor que tenia era su lograda estética cómic y un reparto formidable, esta segunda parte se queda lejos de lo logrado, esto por muy diversas razones, antes que nada la estética ya no es tan fresca (tampoco es que la primera lo haya inventado), el reparto es menos potente, Tarantino no esta en dirección y eso le da mas poder a Robert Rodriguez y eso se nota, esa violencia caricaturesca, las exageraciones, y los agujeros de guion para llegar a un final buscado, todo eso es marca de Rodriguez que para bien o para mal tiene una leal comunidad de fanáticos, en tanto que Frank Miller el autor original y co-director demostró con "The Spirit" que lo suyo no es lo suyo.

Pero lo verdaderamente malo de la cinta es el bajón del reparto e historias menos fuertes, no es que el reparto sea malo, de hecho esta plagado de buenos actores pero menos que la anterior y algunos personajes sufrieron cambio de actor y maquillaje y eso se nota mucho y rompe la imagen que tenemos, y bueno, lo mencionado las historias, son mucho menos buenas que en la anterior, y si ya en la primer cinta la historia de Marv y Dwight no me ganaban en esta todo va para peor, la primer historia "Just Another Saturday Night" mostrando un dia normal de la mole Marv (Mickey Rourke repitiendo papel pero extrañamente menos natural que antes) simplemente no va a ningun lado, de hecho antes de escribir la reseña ya ni la recordaba, "The Long Bad Night" repartida en dos partes es lo mejor de la cinta, el apostador Johnny (Joseph Gordon-Levitt, bien) juega y gana al todopoderoso senador Roark (Powers Boothe) para ser destrozado y torturado con todo y muerte sádica de una chica para volver y plantarle cara al mismo diablo y golpear su orgullo aunque eso signifique perder todo, la única historia noir sin balazos pero si con la obscuridad y mala leche del genero, con todo y antiheroe entregado.

"A Dame to Kill For" es la historia mas larga y la que da nombre a la cinta, una historia sobre el antiheroe Dwight (Josh Brolin) que cede a los encantos de un antiguo amor en problemas, la femme fatale Ava (Eva Green robándose cada cuadro en que sale y de paso la película entera) que tiene problemas con su marido y que llevara al pobre diablo a una vorágine de violencia y problemas, y finalmente "Nancy's Last Dance", una continuación de la mejor historia de la cinta anterior, "That Yellow Bastard", pero esta es un despropósito aburrido que termina en un sin sentido exagerado de violencia, y con muchas contradicciones de lineas temporales de las otras historias, y uno piensa ¿asi de fácil era acabar todo? ¿porque nadie lo hizo antes? La voz en off es todavía mas cansina que en la cinta anterior, la violencia esta disminuida, también el humor negro, los efectos se ven menos logrados y las tramas pecan de simplonas, pero aun asi merece la pena verse, el porque tiene nombre, Eva Green, su actuación, el carisma, esa actitud de femme fatale con la que parece vivir, y por supuesto esa belleza etérea que aquí es mostrada sin pudor reiteradas veces, ya solo por eso merece darle oportunidad.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Bird Karma

BIRD KARMA (ÍDEM, EU, 2018)

El pájaro del titulo se ha dedicado toda su vida a comer peces grises, su existencia transcurre de manera monótona pero todo cambiara cuando aparezca un pez dorado del que se obsesionara ya que gracias a él su mundo cambiara completamente, el mundo deja de ser gris y sombrío para llenarse de luz y color, el pez le da felicidad y cambia su existir pero obviamente la naturaleza del pájaro es otra, lo que lo llevara a esa otra palabra del titulo.

Buen corto que cambia adecuadamente de diseño artístico, de tonalidades sombrías a un mundo de color y con un mensaje muy interesante por parte de William Salazar que nos hace pensar en nuestra propia naturaleza, a final de cuentas ¿no somos todos asi? destruimos lo bello del mundo, cuando encontramos algo hermoso e incluso bueno para nosotros lo mas seguro es que nos aprovechemos de ello hasta destruirlo, y finalmente también hace una analogía de nuestra relación con la naturaleza, nos maravillamos de ella y la amamos pero eso no evita que la destruyamos dirigiéndonos inevitablemente a nuestro propio fin.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Pájaros de Verano

PÁJAROS DE VERANO (ÍDEM, COLOMBIA, 2018)

Desde el inicio la película del colombiano Ciro Guerra esta vez en compañía de su mujer y productora Cristina Gallego deja muy claro cuales son sus intenciones, una joven Zaida (Natalia Reyes) ha cumplido el año en reclusión y ahora es una mujer por lo que saldrá al mundo para inevitablemente buscar marido, el mas interesado es Rapayet (José Acosta) que de todas formas ve su objetivo de emparentar con la tribu mas poderosa de los Wayúu casi imposible debido a los multiples obstaculos que le pone la matriarca y madre de Zaida, la inclemente Úrsula (Carmiña Martinez, formidable) que van desde una cantidad ingente de chivos, vacas, collares con cierta piedra, etc., y ademas le dice que aunque logre conseguir esto lo tendra en a mira, por supuesto para Rapayet lograr esto es imposible, menos cuando se pasa la vida tomando con su compadre (John Narvaez) pero unos hippies gringos le dan la idea perfecta, venderles mariguana ya que estan ahi como parte de los cuerpos de paz y lo unico que hacen es andar de fiesta y drogarse.

Es asi como Rapayet hace tratos con su primo quien le siembra y vende la droga y este la pasa a los gringos, cada vez mas y en menos tiempo mientras la autoridad solo voltea la mirada por unos cuantos dolares, Rapayet se casa con Zaida y forma una familia pero su vida y la de todos sus allegados cambia en demasía, carros, armas, bandas, mujeres, ropa fina y casas de lujo en medio de la Guajira colombiana, y por supuesto llega lo inevitable, en cierta transacción la riega el compadre locochon Moises y todo se va al carajo, las cabezas de la familia piden su cabeza pero Rapayet se niega para verse traicionado por el y ahora tener una deuda con su primo que nunca terminara de pagar y que se convierte en el caldo de cultivo para que la siguiente ofensa o mala cara conlleve una guerra.

Esta ultima parte es la que menos funciona de la cinta, es cierto que frente al narcotrafico, el dinero y el poder todo termina mal, asi como la desintegración de la familia es algo inminente con todo y guiños a ciertos clásicos del genero de mafiosos, pero el inicio como apunte al inicio, es decir las intenciones de Guerra y su mujer es lo que hacen mas valiosa esta cinta, esa danza buscando pareja con la polvareda en medio del desierto que no puede ocultar el bello vestido rojo de la joven, o esos sueños oníricos a los que prestan atención, lo sagrado del palabrero que al ser mancillado decanta en lo peor, es decir lo mas interesante de esta historia sobre narcotrafico no es que ahi justamente, en esa historia comenzó la guerra que continua hasta la fecha sino conocer las vivencias y tradiciones de su gente, esta tribu orgullosa Wayúu que respeta las tradiciones por sobretodo y que siempre respetan los sagrado, con mucho color y un desierto imponente en una dirección exquisita, y que como en "El Abrazo de la Serpiente" no trata a los indígenas como victimas sino que ellos mismos destruyen su vida y futuro al traicionar sus tradiciones, lo que queda de la Colombia milenaria consumida por el sucio dinero de la marimbera.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Dragged Across Concrete

DRAGGED ACROSS CONCRETE (ÍDEM, EU, 2018)

Dos policías estan haciendo guardia en la fría madrugada por las escaleras de emergencia para atrapar a un maleante mexicano con el viejo truco del fontanero, el marro intenta salir por detrás como es obvio y lo atrapan a lo que proceden a esposarlo e inmovilizarlo poniendo el pie en su cabeza, al poco tiempo pasan al departamento donde su novia bellisima novia es obligada a pasar tiempo semidesnuda, mojada y debajo del abanico para que confiese donde esta lo que van a buscar, ademas por supuesto de decirle reiteradas veces que no se le entiende un carajo con ese ingles masticado, por supuesto estos dos policías no pueden ser otros que el típico policía rudo y de métodos anticuados Brett Ridgeman (Mel Gibson por supuesto, brillando en cada fotograma) y el joven Anthony (Vince Vaughn repitiendo con el director y de nuevo haciéndolo formidable), y aqui es donde viene la primera gran disgresión del director S. Craig Zahler que sigue entregando cintas de autor cambiando de genero pero sin perder su sello tan característico, fascinantes "Bone Tomahawk" y "Brawl in Cell Block 99".

La elección de Gibson no es un accidente, se sabe sobre sus antecedentes racistas y los múltiples problemas que ha tenido asi como se percibe como un dinosaurio incapaz de adaptarse a la modernidad, y eso se noto en como se percibió la cinta criticando a Gibson cuando solo estaba actuando, y ¡de que manera! se puede añadir, despues de esto vemos a los policías llamados por su jefe (Don Johnson con presencia extraordinaria) que les dice que un vecino chismoso les tomo vídeo y esta a punto de pasarse por televisión por lo que les quita las placas y les da semanas de castigo, nos enteramos que Ridgeman ya ha tenido varios sucesos de este tipo, vamos que el tipo es el típico policía rudo, da resultados pero la política esta en su contra, y ahora mas que nunca la corrección política donde cada celular es una potencial cámara.

¿Como podemos identificarnos con un policía rudo, racista de la vieja escuela? pues mas que nada por nuestra propia percepción del mundo, si somos liberales cerrados lo consideraremos un villano y si es lo contrario quizá un héroe, lo cierto es que S. Craig Zahler nos invita a conocer el personaje totalmente, sus problemas cotidianos, despues de todo su trabajo es impecable, con los mejores números pero una carrera lastrada por no saber hacer política social, una devota mujer enferma (Laurie Holden) a la que ama pero que apenas puede hacer algo y una hija que es atacada todos los días por los negros del vecindario porque su padre es policía, y que ademas ya vive con miedo de un posible ataque sexual, por ello el policía decide aventarse una "liebre" y robarle a un maleante un dinero que le pertenece por derecho, enlista a Anthony que ante la presión de darle una buena vida a su novia accede y por el otro lado los delincuentes Henry (Tory Kittles, bastante bien) y Biscuit (Michael Jai White) que también se vieron obligados por las circunstancias a cierto trabajito que resulto meterse en la boca del lobo.

Así mientras el negro se avienta el toreo para sacar adelante a su hermano discapacitado y su madre prostituta, el policía hace lo propio para poder darle una vida digna a su mujer e hija, y lo mismo para los otros dos, en tanto dos enmascarados se encargan de robar y causar muerte por la ciudad sin siquiera mostrar su rostro y se unen al líder para un plan que es tan violento y sangriento que solo queda un sentimiento de vació y dolor al saber la importancia de esa disgresión a modo de vida de una simple cajera llamada Kelly (Jennifer Carpenter, bien) que nos da de golpe en la cabeza cuando vemos la cara de los protagonistas que saben lo que ha sucedido y que no pueden remediarlo, por lo menos no de la manera correcta aunque siempre se puede hacer justicia propia, violenta, sangrienta y poética con un soundtrack del mismo director que nos adentra en la cinta, esos tonos grises y los encuadres amplios y estáticos que nos dicen todo lo que necesitamos en una orgía de muerte en la que los leones estan siendo cazados por seres menos ¿capaces? o quizá solo subestimados, estan de safari y eso da mucho miedo.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Regreso de Mary Poppins

EL REGRESO DE MARY POPPINS (MARY POPPINS RETURNS, EU, 2018)

El regreso de Mary Poppins no llega ni siquiera a ser apéndice de la original "Mary Poppins" ya que a pesar de sus pocas virtudes el mensaje principal de la legendaria cinta original es dejado de lado, de hecho es hasta contradecido para darnos uno escrito por alguien ambicioso y modernista, es decir lo mas importante es el cochino dinero. Por ello por mas que quise entrar en el juego que la pelicula me regalaba no pude, a pesar de que me habían ganado cuando Mary Poppins (Emily Blunt prácticamente perfecta en todo sentido pero sin llegar jamas a Julie Andrews) baja del cielo en una cometa, y de aquí llega a trabajar como niñera a la casa de unos creciditos Banks, el amargado viudo Michael (Ben Wishaw), y la feminista Jane (Emily Mortimer) que tienen problemas de dinero y que ademas lidian con los hijos de Michael, que siendo sincero se comportan como adultos y dan mas soluciones que problemas pero que tienen el mismo carisma que un pomo de puerta.

Y sin ser invitada Poppins comienza a trabajar, hilvanando segmentos musicales que solo apelan a la nostalgia ya que son copias deslucidas de los de la cinta original, y síndrome de los tiempos, abusando de los efectos especiales, aquí los niños no aprenden a recoger la alcoba sino a bañarse, se ayuda a otro primo distinto aunque también llegan al techo, aquí no se meten a una pintura callejera sino a una pintura en un jarrón y terminan conviviendo con seres animados en quizá la mejor canción de la cinta, mas que nada por los grandes dotes artísticos de Blunt que baila y canta magníficamente, acompañada del reemplazo de Berg, el insipído Jack (Lin-Manuel Miranda, dando pena por momentos) que aquí tiene su momento menos horrible, el baile de los farolero en lugar de los limpiachimeneas y hasta el vuelo de globos en lugar de cometa.

Los problemas, el director Rob Marshall no sabe darle un sentido cinematográfico ni alma, los buenos actores estan desaparecidos u olvidados en papeles pequeñísimos mientras que los papeles principales son para actores malos y/o perdidos con la única excepcion de la siempre formidable Emily Blunt que salva la cinta de la ignominia, solo ella podría ser Mary Poppins en esta epoca por mas que difiera de la versión original en ciertos detalles, otro fallo son las canciones, ninguna es memorable y se olvidan de inmediato y finalmente lo que comente, la niñera llega a la casa Banks a salvarlos de un apuro económico representado por el banquero (Colin Firth) malo maloso, es decir algo tan vano como el dinero en lugar de la familia y el amor, ademas ese Poppins no tiene reparo en mostrar su magia volando o haciendo volar a todos en ese asqueroso final, en la original los adultos no veían nada sino que se convertían organicamente, entendíamos que por mas poderes que tenia Mary Poppins no podía cambiar su forma de pensar solo ayudarles a encontrar la razón, aquí el documento pudo ser entregado por ella desde el primero momento, pero asi no habría cinta verdad, una lastima y mas aun los guiños agarrados a la nostalgia como pueden, aunque a decir verdad ver a Dick Van Dyke darle cátedra de actuación y baile a Miranda aun a sus 93 años fue un deleite.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Mary Poppins

MARY POPPINS (IDEM, EU, 1964)

Con tal de revisar la secuela tenia que refrescarme la memoria de la cinta original, un consumado clásico para niños y grandes que sigue tan actual y refrescante que cuando se estreno, tenia los recuerdos de que me había encantado de niño y por supuesto recordaba sus pegajosisimas canciones pero no tenia tan en mente la cinta, despues de todo la vi siendo un pequeño y en México la nana nunca fue verdaderamente popular, pero para mi sorpresa desde que comenzó me gano, esa entrada viendo Londres desde el cielo, los avances de la maravillosa música y la etérea Mary Poppins (Julie Andrews, perfecta en el papel de su vida) esperando en unas nubes su llamado fueron suficientes para derrumbar los muros que contienen la niñez y que son puestos por ese adulto que nos dice que lo meloso y edulcorado es malo, y siendo sinceros, aunque la cinta lo es también es una fuerte cachetada a la separación y distanciamiento de la familia que afecta tan gravemente la niñez mundial, quizá por ello la cinta no solo es actual sino mas pertinente que nunca.

Desde el inicio con la niñera Katie (Elsa Lanchester) huyendo de casa por el cuarto escape de los niños nos es presentado una familia con padres ausentes que prefieren lo que sea antes que lidiar con sus hijos, y aunque pareciera que son dos demonios la verdad es que muy pronto nos damos cuenta que solo son unos angelitos queriendo llamar la atención, ya sea de la ausente madre (Glynis John, bien) sufragista y mas aun del autoritario padre George (David Tomlinson, excelente) que no ve ni escucha a nadie mas, despues de todo lo mas importante es el escalón en la sociedad en el que se esta y el nombre que da este, así que los dos niños que solo quisieron volar una cometa son castigados por mas que el policía sea el unico que entienda la situacion, y que la madre la sepa pero no se enfrente a su marido porque prefiere ir a sus reuniones, vamos que incluso las sirvientas (hilarantes Hermione Baddeley y Reta Shaw) solo se preocupan por ellas y reniegan de todo aunque sean conscientes de todo.

Asi que por mas que los niños rueguen con todo y aviso hecho por ellos mismos como quieren que sea su nueva niñera sus deseos son despedazados y tirados a la chimenea para dar paso a un correcto aviso pidiendo una niñera inglesa cliché, pero los papeles vuelan hasta el cielo para llega al dia siguiente de la preciosa Mary Poppins, una niñera que no da referencias y que tiene tanto carácter que se da el empleo ella misma, por supuesto con una semana a prueba a ver si le gusta, y si lo que había pasado antes nos preparaba para un entretenido musical cuando llega Mary todo se vuelve esplendido, ya sea con el vuelo de las niñeras postulantes o la magica llegada de Poppins volando con la sombrilla, ahi les enseña a los niños Jane (Karen Dotrice) y Michael (Matthew Garber) que puede ser divertido hacer sus responsabilidades como limpiar la habitación.

Poco a poco seremos inmersos en ese mundo mágico que el limpiachimeneas/artista callejero/hombre banda/vuela cometas Berg (esplendido Dick Van Dyke tambien en el papel de su vida) conoce tan familiarmente donde somos testigos de las mágicas y pintorescas aventuras que viven los niños junto a su niñera, todo esto por supuesto acompañados por unos soberbios números musicales con la excelsa música de Richard M. y Robert B. Sherman que nos remiten a la infancia al mismo tiempo que son inteligentes y guardan mensajes muy valiosos sin importar la edad que tengas, desde el imaginativo "Jolly Hollyday" con todo y animales cantores, el trabalenguas perfecto de "Supercalifragilisticexpialidocious" con unos protagonistas en bailando como en la epoca dorada, la grandiosa demostración vocal de Andrews de "A Spoonful of Sugar", la hilarante "I Love to Laught", la melancólica "Feed the Birds", la dulce "Stay Awake", la esplendida "Chim Chim Cher-ee", la locura que es "Step in Time" con esa desquiciante coreografía y por supuesto la maravillosa "Let's Go Fly a Kite" que engloba el mensaje de la cinta y nos pone un nudo en la garganta al mismo tiempo que nos corren lagrimas de felicidad.

Eso sumado a la virtuosa dirección del hábil artesano Robert Stevenson que nos regala color, sonido, imaginación y un ritmo exacto nos dan una obra que es imperecedera como ya comente, el tiempo no ha pasado por ella, no solo por sus actuaciones, en un reparto donde nadie esta fuera de linea, y que nos tiene un entrega un Dick Van Dyke con dos papeles memorables y una Julie Andrews que desde entonces forma parte de la historia del cine con un personaje vanidoso, inteligente, autoritario, dulce, maravilloso, vamos "prácticamente perfecta en todo", y por supuesto el mensaje que como ya comente es mas actual que nunca, las mujeres siguen peleando derechos pero esta vez no tienen importancia a diferencia de su derecho a voto, y ahora mas que nunca los padres estan distantes y solo se preocupan por ellos mismos y su lugar en la sociedad, si en la epoca eduardiano de la cinta lo mas importante es la posicion, el nombre y el dinero la situacion sigue prácticamente igual pero ahora peor ya que se ha cambiado por la fama, dinero, poder y la satisfacción propia por encima de todo.

Los padres se han vuelto perezosos y ya ni siquiera contratan niñeras, ahora dejan que las redes sociales y los medios eduquen a sus hijos, en tanto ellos se hacen nombres en redes sociales, ni siquiera con trabajo obsesivo como el señor Banks, por eso mas que nada la cinta tiene importancia en la actualidad, ya que muestra a una madre distante, un padre autoritario, unas trabajadoras molestas, con unos niños abandonados a los que se les pide ya no ser niños, y que son salvados por una niñera estricta, que si, les enseña a hacer los deberes y abrazar la responsabilidad siendo educados pero también les dice que sean imaginativos, que vivan su infancia, que nunca dejen de ser niños, ya que los niños disfrutan la vida a cabalidad y saben lo que es correcto como queda constancia con la decisión de Michael de darle sus ahorros a la mujer que alimenta las aves y no dárselos a un banco por mas que la sociedad y su padre lo empujen a ello.

Y por supuesto el mensaje principal ya que los bancos en realidad no son los villanos, o por lo menos no el principal, estamos ante una historia de crecimiento pero mas que de los niños de los padres, en especial de un estirado padre de sociedad que ve despedazada su burguesa vida cronometrada por una vida de sorpresas y cambios que culminan en aprender que lo mas importante es su familia, que para eso vino al mundo y que lo demas es mundano, tanto asi que atrae a todos en ese idílico final con una Mary Poppins nostálgica pero feliz, ya enseño la lección que venia a dar y es momento de darle paso a los padres de llevar y llenar la vida de los hijos, es decir un final cursi pero maravillosamente precioso que nos enseña a nunca olvidar la niñez y a poner lo espiritual por encima de lo material, despues de todo ¿que se impondrá al final?

Calificación: Excelente

Cinecritica: Cementerio Maldito

CEMENTERIO MALDITO (PET SEMATARY, EU, 2019)

Desde el inicio de esta nueva versión de "Pet Sematary" de Stephen King se nos muestra el final, no se entiende el porque hasta que nos vemos invadidos por jump scares y escenas sin sentido durante la cinta que no tienen otra finalidad que hacer que el publico joven no se aburra, me explico, como el guion esta tan mal llevado en la primea mitad que solo se dedica a explicar las reglas del juego y ademas de forma cínica casi siempre con Jud (John Lithgow) explicando todo con bolitas y palitos, y como en esta primera mitad no sucede nada se meten cosas asi, aumento súbito de sonido, escenas de terror sin sentido, y el final al inicio para que los adolescentes lo esperen y no se retiren o abran sus celulares, el problema de esto es que la cinta carece de alma y queda muy lejos de la primer versión, esa "Pet Sematary" de los ochenta que aun con sus defectos, errores y una que otra escena parodica es mucho mejor que esta, y mas importante aun, respeta mucho mas el espíritu del libro.

La película va sobre una familia que se muda a una casa aislada para que el padre Louis (un esforzado Jason Clarke) pueda tener un trabajo mas relajado como medico del pueblo alejado de las urgencias de la ciudad, el problema es que muy pronto se topa con un accidente terrible de un joven que muere desfigurado y que a partir de entonces se le aparece en sueños para advertirle sobre lo que esconde el bosque, que no es otra cosa que el cementerio del titulo, en tanto las pesadillas de su esposa (Amy Seimetz) sobre su hermana muerta empeoran y la hija mayor Ellie (Jete Laurence) se pone triste con la desaparición de su gato, claro que esto es porque su gato ha muerto, algo que Louis no quiere tocar con ella y que por consejo del vecino Jud termina enterrando en un extraño lugar solo para volver a la vida, totalmente cambiado.

Creo que todos saben de que va esta historia, ya sea por el libro, la primer versión o los múltiples homenajes y parodias de la historia que ha sido copiada sin cesar, pero aquí todo parece soso, una fotografía que se esfuerza por ser tenebrosa, habitantes del pueblo inexistentes que solo aparecen de vez en cuando como si pertenecieran a un culto siniestro pero sin esconderlo, el vecino con quien mágicamente se hacen amigos y que no parecen muy unidos, los excesivos efectos especiales y el desangelado Victor (Obssa Ahmed) que a diferencia de la versión de los ochenta no es burlón ni cínico sino una especie de intento de ángel de la guarda por demas aburrido, y finalmente el hecho de dejar al hijo pequeño Cage casi fuera de la historia porque como dicen los directores Kevin Kölsh y Dennis Widmyer no es creíble un niño con tanta fuerza solo hace que los peores temores y pesadillas del libro de Stephen King se tiren por el caño, mientras la primer versión la cinta al inicio parece una bonita historia familiar y la tragedia nos azota fuertemente para ver la progresiva perdición del padre de familia aquí la cinta se esfuerza por dar siempre miedo y enfocar tanto a los camiones que vivimos esperando (aun los que no sabían la historia) que atropellaran a alguien, y que culmina con una especie de familia zombie en lugar del tétrico mensaje del libro, la perdición que nos lleva el aferrarnos a nuestros seres queridos despues de su muerte.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Pokémon: Detective Pikachu

POKÉMON: DETECTIVE PIKACHU (POKÉMON DETECTIVE PIKACHU, JAPÓN-EU, 2019)

Desde hace décadas se ha intenta integrar las historias de los videojuegos a las películas ya que asi tienen una amplia base de fanáticos sin necesidad de trabajarla, los resultados financieramente han sido positivos, en calidad han dejado mucho que desear, tanto asi que ahora esta cinta esta considerada la adaptación mejor lograda y aunque deba hacer memoria para ver si es verdad a bote pronto parece correcto, con detective Pikachu estamos ante una cinta bonita, entretenida y hasta emocionante, lo mejor de la cinta sin duda son sus efectos especiales y ese mundo cyberpunk con mezcla de cine negro que funciona en todo momento, por otro lado los diseños que son lo mas aclamado me parecen mixtos, algunos diseños muy buenos como el del protagonista Pikachu (voz de Ryan Reynolds, muy esforzado) y otros terribles como el de Mewtwo (Rina Hoshino y Kotaro Watanabe), en cuanto al guion me parece que cumple por mas que se deje de lado el misterio y lo detectivesco y se apueste por la aventura y la comedia.

Aun asi se tienen claves, elementos, pistas, que resultan en algo interesante y entretenido cuyo principal problema es que algunas veces la cinta hace trampa sucediendo cosas por puro azar para que la trama y los protagonistas sigan, los villanos son caricaturescos y hasta obvios pero funcionan, y los secundarios cumplen bastante bien, de igual forma la voz de Reynolds funciona, es graciosa y le da carácter aunque a veces se siente demasiado esforzada, dicho esto el principal problema es el protagonista, no el Pikachu de Reynolds sino el Tim de Justice Smith que a veces es muy seco y otras veces exageradisimo, lo mismo que le ocurría en "Jurassic World", y esto claro que afecta la cinta. Tim es un perdedor en el mundo pokemon, no tiene pokemon que lo siga en esta Ryme city futurista donde los humanos conviven con los humanos en todo momento, cuando su padre desaparece se ve forzado a buscarlo por mas que su relación sea pésima.

Se encuentra con un Pikachu en el departamento y descubre asombrado que puede comunicarse con él, y aunque al inicio se resiste termina colaborando con el carismático roedor amarillo en la búsqueda de su padre donde como buen cine negro, basado en el videojuego spin-off del mismo nombre, una trama sencilla crece hasta que todo sale de control, es asi que la desaparición de su padre tiene que ver con un gas que vuelve violentos a los pokemon, que los lleva con un mafioso que hace peleas ilegales, con una joven y talentosa reportera (Kathryn Newton) y con un laboratorio que vimos al inicio y donde Mewtwo hizo su inclemente ataque, todo esto mientras el pikachu de su padre intenta recuperar su memoria para resolver el misterio. Divertida cinta que intenta hacerle homenaje a una franquicia que se ha expandido exponencialmente y que es lo suficientemente inteligente para no perder el tiempo explicando los pokemon o este mundo en el que existen, y por ello tiene tiempo de desarrollar la trama y algunos personajes con algunos momentos geniales y un clímax final que esta por encima de ese cierre.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Arctic

ARCTIC (IDEM, ISLANDIA-EU, 2019)

En el despiadado Ártico Mads Mikkelsen intenta sobrevivir a toda costa, la cinta del brasileño Joe Penna se suma a esta nueva ola de sobreviviencia en la que dejamos la fantasía y el buen rollo para abrazar un realismo que duele en todo momento, que nos tensa y que nos trata sin piedad aventandonos a la cara las verdaderas circunstancias que tendría que enfrentar un pobre diablo abandonado por el azar, o quizá salvado por el mismo azar, asi el paciente Overgard (Mikkelsen en una actuación extraordinaria) vive el día a día en el inclemente Ártico escribiendo en el suelo un gigantesco SOS, viajando a una punta donde intenta mandar señales, revisando las lineas de peces, y un sinfín de tareas que realiza incansablemente siempre con un horario enfermizo ayudado por su reloj, es aquí cuando la cinta nos gana, por el realismo que imprime, por la fotografía que nos regala, por un excelente trabajo de sonido pero sobre todo por un protagonista magnifico que lleva el peso de la cinta en todo momento con múltiples acercamientos y tomas cerradas.

Y es que decir que la cinta en realidad de Mikkelsen no es erróneo, con solo dos actores el danes carga todo el peso sobre sus hombros, con esas miradas que dicen mas que mil palabras, los gestos que nos indican mas de lo que podría decir y una narración que no se traiciona porque a pesar de que en cierto momento la cinta pudiera optar por el  heroísmo y/o lo épico se mantiene en lo que planteo por mas doloroso que sea para él protagonista y los espectadores, Overgard sobrevive a como puede en esos restos de avión hasta que un dia llega su salvación, o eso parecía porque la tormenta tumba el helicóptero y lo que parecía una salida se convierte en una carga con una mujer (Maria Thelma Smaradottir) que no solo no ayuda sino que literalmente estorba y por supuesto esta cerca de morir.

Es ahi cuando nuestro solitario hombre debe tomar una decisión, o se arriesga en ese camino mortal lleno de osos polares y tormentas implacables o deja morir a la mujer, una decisión que muy posiblemente signifique la vida o la muerte para él y que nos regala momentos tan emotivos como majestuosos siempre llenos de una tensión que nos quita el aliento y donde a final de cuentas solo queda no rendirse, luchar, porque eso es parte de lo que nos vuelve humanos y nos indica que estamos vivos, sobrevivir no por heroísmo ni patriotismo sino porque queremos hacerlo... porque somos humanos.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Corazon Borrado

CORAZÓN BORRADO (BOY ERASED, EU, 2018)

El conflictuado Jared Eamons (ascendente Lucas Hedges) por fin confiesa a sus padres su naturaleza, a los sureños y religiosos tipos de la américa profunda, por un lado la devota Nancy (Nicole Kidman, muy bien) y por el otro el dedicado pastor Marshall (Russell Crowe, esplendido) quienes no saben como reaccionar y ni siquiera dicen nada, a no ser de una lagrima por la mejilla de la mujer que esconde su rostro y un tic nervioso del pastor, esta escena tan bien actuada muestra perfectamente las virtudes de la cinta, es decir un buen manejo de actores por parte del director, guionista y actor Joel Edgerton y lo mas importante, un reparto impecable donde ademas de los mencionados tenemos a Xavier Dolan como uno mas de los homosexuales que estan en cierto centro que los cura e incluso Flea, el bajista de los Red Hot Chilli Peppers, en el papel de un sádico rehabilitado.

Es maravilloso ver a estos actores lucirse con la cámara fija sobre ellos dándoles todo el tiempo posible y regalandoles las escenas, pareciera que Edgerton les deja todo libre para su lucimiento, y regalan con creces soberbias interpretaciones donde los duelos actorales se convierten en un dulce baile de talento, y Edgerton es un director artesanal y competente, por desgracia el guion no esta a la altura de esto y la cinta naufraga en muchos momentos, la película esta dividida en tres secciones, por un lado el presente de Jared en el centro de conversión donde el homosexual de closet Victor (Edgerton) intenta cambiar a los homosexuales de forma poco ordinaria, y sin ninguna preparación medica o religiosa, vamos que hasta los folletos tienen faltas de ortografía, pero se siente demasiado caricaturizado, entiendo la critica y la respeto por la seguridad con que se hace pero es demasiado forzado hacernos creer que todos los centros son asi.

Otro, el mejor por mucho, son esos recuerdos y los momentos del conflictuado Jared con sus padres, el sufrimiento de Nancy que no sabe como enfrentarse a esto que le ha tocado, sufre por su hijo pero también por su amor a Dios y no entiende como sucedió esto, en tanto el padre ve el problema intentando derrotarlo, tomando decisiones y consejos pero también alejándose de su hijo por sus firmes creencias, el problema esta en la ultima sección, una serie de inacabables flashbacks donde vemos como Jared descubre su homosexualidad, no son malos pero terminan siendo cansinos por lo redundantes que resultan, una violación permitida y una búsqueda con un seudoartista terminaron por decirle a Jared que le gustaba, pero nosotros lo supimos desde el primer recuerdo cuando batea a su potable novia porque le da asquito.

Calificación: Vale la Pena