Cinecritica: Nunca Estarás a Salvo

NUNCA ESTARÁS A SALVO (YOU WERE NEVER REALLY HERE, REINO UNIDO - FRANCIA, 2017)

Al inicio de la cinta vemos al duro Joe (Joaquin Phoenix, excelente) cobrar su dinero despues de hacer su trabajo, el tipo es rudo, profesional y de pocas palabras, nunca nos cuenta nada de el pero por medio de su jefe sabemos que es un ex marine, ex FBI que ahora trabaja por su cuenta, o por lo menos como externo ya que el investigador privado John (John Doman) es el que le pasa los trabajos que no son otros que el rescate y las revanchas supongo de las tratas de blancas, el tipo es metódico y cuidadoso pero en cierto momento un chico descubre donde vive y apenas despues es contratado por el senador Albert Votto (Alex Manette) para que encuentre a su hija Nina (Ekaterina Samsonov) que parece se ha ido por mal camino, Joe decide tomar el trabajo, algo de rutina, se prepara al mismo tiempo que hace su vida normal que no es otra que cuidar y convivir con su madre (Judith Roberts).

No tiene amigos ni otros familiares, no tiene relaciones sentimentales entendemos desde hace una década y a Joe no parece interesarle menos, el tipo vive su presente de manera melancólica y siempre pensando en el pasado que vemos pasar en pantalla como destellos donde conocemos algo de su vida, su traumatizante infancia con padre agresivo, sus dolorosas vivencias como investigador, y su fijación a la asfixia, hay muchas otras que nos dicen mucho de Joe y el porque es asi ahora, o mas bien dicho porque actúa asi ahora, porque su personalidad es lo que dicta quien es, un huraño tipo pasado de peso lleno de cicatrices que no duda cuando debe tomar la justicia violenta en sus manos. La directora Lynne Ramsay logra una cinta dolorosa, fuerte, que nos deja pensando y fascinados, con guion propio adaptado del libro del mismo nombre de Jonathan Ames, pero que principalmente fascina por una estupenda dirección que nos hipnotiza con una fotografía excelsa y tomas siempre cambiantes, tomas fijas, largos planos en movimiento, acercamientos, y hasta el blanco y negro de una cámara de seguridad.

Incluso aprovecha esto en la forma de mostrar la violencia, de pronto es directa, sin consentimiento al espectador, y de pronto esta fuera de plano o de foco, donde simplemente se sugiere, una contradicción que le da mas fuerza a la misma violencia y a la historia en si, no dejándonos regodearnos pero tampoco apartar la mirada, y la banda sonora del guitarrista de radiohead Jonny Greenwood es esplendida, de los mejor que he escuchado, parece que el mismo estuvo en la edición y hasta en tomas porque siempre esta de acuerdo a lo que sucede en pantalla y lo mejora. Una muestra de cine moderno que se actualiza sin dejar de lado sus bases, cine sucio y siempre critico de la sociedad y en especial de los poderosos, porque cuando Joe descubre donde esta la chica y se dispone a rescatarla con martillo en mano (apología a los gringos cuidando el país supongo) la aventura del pobre diablo apenas empieza, la relación con Nina se hará fuerte y le dará una razón para luchar como se ve en esa hermosisima escena en el lago, pero lucha contra algo invencible, y hasta nosotros nos sentimos vulnerables y desesperados cuando un extraño suicido aparezca en las noticias y el protagonista se de cuenta de que esta metido en algo que involucra a las mas altas esferas, pero no por ello piensa detenerse, aunque tenga que matas policías, acompañar a agentes en sus últimos minutos o vengarse al perder todo.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Viudas

VIUDAS (WIDOWS, REINO UNIDO - EU, 2018)

Con su cuarto largometraje el director Steve McQueen dejo la pretencioso y el quedar bien para hacer una buena pieza de genero, algo que se le agradece ya que en su carrera cada cinta tenia menos calidad que la anterior, despues de la majestuosa "Hunger" llegaría la impresionante "Shame" para despues pasar a una que apela al new age con todo y la corrección política en una cinta que cada vez me parece mas aburrida, "12 Years a Slave", y que ya vista con mas tiempo me parece menos valiosa de lo que parecía en su momento, quizá en parte por su actor fetiche Michael Fassbender que se lucia sin miedo a ser un sádico racista, esta vez prescinde de él pero la verdad ni se le extraña (o por lo menos no mucho) por el gran reparto que tiene la cinta, y contrario a lo que la mayoria piensa para mi se roban la cinta los hombres aunque las protagonistas sean las mujeres viudas del titulo.

Al inicio de la cinta conocemos a un grupo de ladrones a los cuales un trabajo se les sale de control, al mismo tiempo que la escena se entrelaza con su vida privada donde cada uno tiene una relación distinta con su esposa, Verónica (Viola Davis, tan profesional como siempre) y el líder Harry (Liam Neeson, bien) que parecen estar muy enamorados, o la abusada Alice (majestuosamente hermosa Elizabeth Debicki) que recibe palizas un día si y el otro también, o el marido apostador bueno para nada de la chambeadora Linda (Michelle Rodriguez), todo esto antes de morir y heredar la deuda de un narco negro y ademas politico (Brian Tyree Henry, bien) que no dejara perder el dinero y amenaza a Verónica que tendrá que actuar como lider y juntar a las viudas para hacer un trabajito pendiente que tenían sus maridos y que les dejaria harto dinero.

Este thriller nos regala todos los elementos clásicos de estas cintas sobre maleantes planificando robos y ademas aporta algunas cosas mas, como esa hermosa dirección de McQueen que nos regala postales maravillosas cada que puede, y que ademas tiene el valor de decir que las relaciones interraciales no son tan buenas, o que una mujer puede venderse para lograr lo que quiere, vamos que las protagonistas parecen reales, con virtudes y defectos y eso se agradece, en realidad nunca se hacen amigas, y aun menos con algunas vueltas de tuerca que no se sacan de la manga porque nos van dejando pistas, se agradece y mas un servidor que no ha visto la serie original en la que esta basada. McQueen nos regala una hábil pieza de genero al mismo tiempo que juega con los elementos de las distinciones sociales que afectan las relaciones, sean de dinero, de raza, o morales (ese sacerdote negro que se vende al mejor postor es de antologia). Ademas tenemos a unos secundarios de lujo que se roban la cinta, Colin Farrell como un político harto que solo quiere retirarse a vivir de lo robado pero que en cierta forma es moral aunque sea rata y racista, su padre (Robert Duvall) que no quiere soltar el poder, el contrincante que no es otro que el delincuente al que robaron que ahora quiere ser político por la simple razón de que es una manera de ser delincuente sin los peligros de ser mafioso y por supuesto Daniel Kaluuya como un matón sádico y psicópata al servicio de su amo.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Infiltrado del Ku Klux Klan

EL INFILTRADO DEL KKKLAN (BLACKKKLANSMAN, EU, 2018)

Si conocen la filmografia de Spike Lee ya deben saber que el activista casi siempre si no es que siempre rebasa al director, en esta cinta resulta muy notorio y en gran parte chocante ya que el mensaje es lo mas importante para el director, y el mensaje nunca debe estar por encima del cine, primero esta el cine y despues el mensaje o los simbolismos, desgraciadamente esta cinta se siente como un panfleto político, y ni siquiera en contra del Ku Klux Klan sino en contra del presidente Donald Trump ya que los considera iguales o tal vez peor, y lo que me resulta molesto es que para esto Lee manipule la realidad, dejemos de lado que la trama es un despropósito, no por lo absurdo de la premisa ya que si creo que haya pasado algo asi, sino la forma de mostrarlo sin sentido y con carencia de sentido común, esto es aceptable en una satira pero no en una cinta que nos "presenta" hechos reales.

En cuanto a la manipulación de la que hablo es de esas licencias que se toma el director para manipular al respetable, por ejemplo David Duke (Topher Grace, lo mejor de la cinta) es como se muestra al final uno de los que apoyan a Trump pero en los años que ocurrió el incidente era demócrata, cuestión que la cinta parece ocultar y lo que es pero ponen en su oficina panfletos de Nixon cuando este es republicano y hacia años que habia dejado el poder detestado por todos, por favor, hay que tener un poco de verguenza Lee, la manipulación y el engaño no son validos por la supuesta validez de tu mensaje, no nos equivoquemos, ni crean a los criticos que alaban la cinta por miedo a que los consideren racistas. Ahora hablemos de ella, la cinta no comienza mal con Ron (John David Washington que solo es actor por su padre porque aqui no muestra mucho) entrando en la policía de colorado, el primer policía negro y se topa con cuestiones hilarantes de racismo y sentido del humor sarcástico.

De pronto le dan la oportunidad de trabajar de encubierto y vemos un largo discurso de pantera negra que llama al odio y que me aburrió al por mayor, de ahi Ron llama a la "organización" por puro ocio y lo aceptan pero como es negro tiene que ir otro haciéndose pasar por él porque dio su verdadero nombre, háganme el favor, de aquí llamadas "chistosas", reuniones chistosas para reírnos de los idiotas del Klan, y que seguimos viendo aunque nadie este ahi de los infiltrados ¿? y finalmente el final donde la bomba les regresa mordiéndoles la cola, también hay por ahi un romance que no aporta nada a la trama, y lo siento pero para mi el protagonista termina siendo el judío Flip (Adam Driver) ya que es el que se juega el pellejo, aunque al final lo hagan a un lado para darle dizque protagonismo a Ron, la dirección es resultona, buena por momentos, mala en otros, y el final me molesta porque estoy de acuerdo que los tipos del Klan son estúpidos, compro eso, pero que descubran a los infiltrados y no digan nada, que les hagan jugarretas en sus caras, nada tiene sentido, y bueno, atacar la obra mayor "The Birth of a Nation" nunca es bueno, y esas imagenes finales para comparar el asunto con Trump... de pena ajena.

Calificación: Mala

Cinecritica: Nace una Estrella

NACE UNA ESTRELLA (A STAR IS BORN, EU, 2018)

¿Esta mal tener un nudo en la garganta el final de la cuarta versión de "A Star is Born"? despues de todo viene a ser un remake/actualización de películas clásicas, y ademas estas nacen de otra película de Cukor todavía mas antigua, pero bueno, a final de cuentas uno se hace viejo y quizá mas cursi, o quizá mis defensas estaban abiertas ya que pensaba que vería una película que no me ofrecería casi nada, con expectativas casi nulas y esperando ver a Stefani Joanne Angelina Germanotta hacer el ridículo la cinta me callo la boca, estamos ante una lograda cinta que sin ser una obra mayor por lo menos logra dar en el clavo actualizando en cierta manera la historia, cierto que le falto mas cinismo, algo mas de critica al sistema de estrellas destroza personas de la fama y un ataque a las redes sociales que destrozan sin piedad a quien cometa un error pero la premisa sigue siendo tan potente que sigue funcionando como el primer día.

La historia de una estrella en decadencia que tiene que apagarse para que nazca otra es esplendida, y homenajea al mismo tiempo que critica al sistema, a esa diosa efímera que es la fama. El cantante de country Jackson Maine (Bradley Cooper, con presencia y confianza en escenario) es una estrella que ya vivió sus mejores tiempos pero sigue siendo famoso, el problema es que en todo momento esta borracho y drogado, en una de sus múltiples borracheras llega a un bar donde ve a Ally (Lady Gaga con una fuerza vocal impresionante) cantar "La Vie en Rose" (esplendida) y quedar maravillado como todos por lo que ni tardo ni perezoso la busca y al constatar que también compone la suma a su gira donde se enamoran, Ally es buscada y gana mas popularidad ya en solitario al tiempo que él cada vez es mas relegado y cae mas en los vicios hasta hacerla pasar un desatino que puede acabar con su carrera por lo que el representante de Ally lo empuja a un destino fatal.

Ya conocemos la historia, esta vez con cantantes como en la anterior, y como apunte antes funciona, ya sea por la fuerza de Cooper como actor y cantante, ademas de aprender a tocar instrumentos, o por supuesto por el talento de Gaga que si bien como actriz es natural su fuerte es cuando se para en el escenario y canta, ahi la cinta suma y nos gana, con composiciones de ella misma que tocan el alma y que van de country/rock/balada, mostrando que es una cantante talentosa y valiosa atrapada en la vida real por una fama popera, algo interesante ya que despues de la maravillosa "The Shallow", o la estupenda "Always Remember Us This Way" puede caer en la pegajosa "Why Did You Do That" que parece una canción propia de ella y su ascenso a la fama, quizá la critica mas grande que se hace a la industria de la música en la cinta, una canción mediocre que solo habla de sexo presentada en un programa nacional y donde los bailarines, la ropa y el pelo es lo mas importante, hasta uno quiere tomarse un trago como Jackson al ver la degradación social, por fortuna la cinta levanta con algunos clásicos al final y con esa desgarradora interpretación de la tocadora "I´ll Never love again" que nos deja tocados por mas que sepamos los defectos de la cinta.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Free Solo

FREE SOLO (IDEM, EU, 2018)

Este documental trata sobre el escalador Alex Honnold y como emprendió la odisea de escalar el "El Capitan", una formación rocosa en Yosemite que mide mas de 900 metros, lo interesantes es que lo hizo libre, es decir sin cuerdas ni ningún equipo a no ser por la bolsita de magnesio que llevaba para no resbalar las manos, los directores Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi que son esposos en la vida real documentaron el logro de Honnold con todo lo que representaba para esto, el hecho de que las camaras afectaban su concentración, el no estorbar su ascenso, y lo mas importante lograr unas tomas espectaculares debido a una perfecta disposición de cámaras en la roca, y también el ser pacientes en cuanto a los tiempos del atleta que no se guía por otra cosa que no sea su instinto, de hecho este es un gran logro de la cinta, en lugar de solo presentarnos la escalada, que por si misma ya es mas que suficiente para hacer la cinta, deciden entregarnos una mirada al protagonista de la misma lo que le da mas valor al documental y nos sumerge mas en el.

De esta manera conocemos la infancia del escalador, su huraña adolescencia donde prefería irse a escalar para no tener que convivir con los demas, el hecho de que casi no gasta para vivir ya que lo hace en una camioneta, que sus padres eran iguales de fríos que él y quizá por ello fue un niño y ahora un adulto tan arisco, su incompatibilidad para crear una relación sana, su relación con su novia, la encantadora Sanni McCandless que el ve como un estorbo para lograr sus metas personales, despues de todo si esta en una relación afectuosa se preocupa de mas, tiene demasiado temor a lo que le suceda y eso le causa mas tensión en el ascenso, y no solo eso ya que la culpa de cierto accidente y desde que esta con ella (y en practicas de subir El Capitán) ha tenido varias heridas, Sanni le da el punto humano a la cinta, una joven estudiante enamorada que se preocupa por el bienestar de Alex pero aun mas por su falta de empatia hacia ella.

Ademas el tipo es un cabeza dura egocéntrico que siente que le estorban su novia y amigos para lograr sus metas, que no son ser famoso o el dinero, casi todo lo dona, sino hacer lo que en realidad le gusta por mas que sea jugarse la vida, eso queda claro con el estudio que le realizan donde vemos que las emociones normales no activan a su cerebro sino que tiene que ser algo extremo, como estar colgado a 900 metros solo agarrado de sus pulgares, quizá por ello solo cuando esta escalando Alex se ve feliz y vivo, deja de ser el tipo serio y frió que no se inmuta ante nada, esto nos deja claro el personaje y aunque pedante aprendemos a comprenderlo y queremos que triunfe, o por lo menos no muera, y eso hace que las frustrantes practicas, el intento fallido y finalmente el ascenso suicida sea tan emocionante, sentimos preocupación por él, y fascinación por esos resquicios que no se ven ni en close up en alta definición donde pone la punta de los dedos, esos pulgares que soportan todo el cuerpo, las patadas de karate voladoras donde se juega la vida y todo con unas tomas espectaculares que logran que uno contenta el aliento en todo momento hasta el ansiado final.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Buena Esposa

LA BUENA ESPOSA (THE WIFE, SUECIA - REINO UNIDO - EU, 2017)

No se porque razón los títulos en español tienen a spoilear, no veo necesario este titulo ya que el original nos deja en espera de saber que clase de esposa es o como sera la cinta, este nos da un aviso de lo que veremos y con ello nos adelanta un poco la sorpresa que de todas formas no es lo mas importante del filme pero el final si. En el dormitorio de una pareja mayor suena el teléfono, sabemos que Joseph (Jonathan Pryce, muy bien) no puede dormir y esa es la razón, son los del premio nobel para avisarle que gano pero el tipo les dice que esperen a que su esposa (inconmensurable Glen Close) conteste la otra linea y escuche, asi vemos la genuina emoción de la mujer cuando el dicen que su marido gano el nobel de literatura, inmediatamente despues vemos como ella lo viste, cuida que no tenga migajas en la barba, le ayuda a preparar una fiesta y sirve de mediadora entre el ego de el y sus aduladores e hijos.

En tanto Joseph le da las mas sinceras gracias a Joan porque es la luz que lo guió y que lo ha cuidado todos estos años, entendemos que la relación que llevan es de amor, respeto y cariño, los cuidándose y apoyándose, pero tenemos la impresión de que hay algo mas, por mas que Joan cuide y dirija tanto a Joseph la verdad es que el le da demasiado las gracias y la halaga en demasía, algo que para todos es un detalle amoroso empieza a verse extraño para los que asistimos a todas las vivencias de la familia que se traslada a Suecia para recibir el premio en la ceremonia, mas aun cuando el tipo parece olvidar sus personajes, en tanto el hijo David (Max Irons) espera el consentimiento de su padre y el insidioso escritor Nathanial (Christian Slater) hace de todo para descubrir algo morboso para su biografía no autorizada.

Todos intuimos ya que es lo que sucede y quedara claro cuando empecemos a ahondar en la memoria de Joan, cuando era su joven estudiante (la hija de Close , Annie Starke, bien) y se enamoro perdidamente de el separandolo de su familia, mujer e hijo, y soportando a su marido que es un judio egocéntrico, mujeriego y pedante, pero a final de cuentas es lo que buscaban las editoriales. Un drama del director Björn Runge que va subiendo de tono hasta explotar, dicen por ahí que la dirección es parca, creo que Runge tuvo la inteligencia de apartarse y dejar que unos monstruos de la actuación hicieran su trabajo, en especial Close que se roba cada cuadro en el que sale, una mirada, una sonrisa, un ademan, todo indica algo, los halagos que ha recibido son mas que merecidos, y tengo que decirlo al final la cinta me gusto mucho, el discurso feminista es maravilloso, dándole la importancia a la mujer pero aun mas a la voz propia y por supuesto a la familia y a la claro, buena esposa que deja muy claro con esa linea final que siempre amara a su esposo a pesar de todo.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Nave del Terror

LA NAVE DEL TERROR (EVENT HORIZON, REINO UNIDO - EU, 1997)

El Dr. William Weir (Sam Neill, robándose el show) tiene una vivida pesadilla sobre su esposa, ella lo seduce y después se muestra sin ojos, inesperadamente el tono de la cinta cambia y se vuelve siniestro, y nos muestra perfectamente cual sera el tono de la cinta, comenzando como una película de ciencia ficción donde la nave "Lewis and Clark" sera enviada cerca de Neptuno en una misión secreta que solo conoce el mismo Weir, en la nave el Dr. no es bien recibido, ni siquiera por el capitán Miller (Laurence Fishburne) que lo ve como un intruso, y lo verán todavía peor cuando suelte que están ahí para recuperar la nave "Event Horizon" que desapareció hace siete años pero que hace poco apareció de la nada y mando señales, es muy valiosa porque viaja mas rápida que la velocidad de la luz no superándola sino "doblando" la realidad, es decir la nave había viajado a otro punto del espacio, y él esta ahí porque es el diseñador de la nave.

Cuando la encuentran empiezan a suceder sucesos extraños, alucinaciones, ruidos extraños, un atmósfera rara, Weir ve cada vez mas a su esposa fallecida que suponemos se suicido por su culpa, Miller mira quemándose a un tipo que no pudo salvar, algún otro un hijo muerto, etc. la nave parece tener vida y su motor se activa para dejar catatónico a uno de ellos, apenas están entendiendo lo que sucede cuando empiezan a verse mas afectados y la bitácora no puede leerse, cuando todo se este saliendo de control la bitácora por fin se mostrara en la mejor y mas grotesca escena de la película donde se nos muestra la verdadera naturaleza de la nave y adonde viajo, ¿a otra dimensión? ¿una de caos y maldad? ¿al infierno mismo? 

Apenas estamos entendiendo lo que sucede y los sustos no faltan y se va poniendo todo mas tenebroso y sádico con un villano que es la representación física del verdadero ente, pero entonces el director Paul W. S. Anderson muestra el cobre y nos responde con un final resultón de acción que casi tira por la borda lo que se había logrado hasta el momento, y digo que casi porque a pesar del final la película es mas que recomendable, especial para verla a solas por la noche en obscuridad y con algunas imágenes que no pueden desaparecer de la mente mostrándonos que el terror Lovecraftniano es mucho mas poderoso que los monstruos o los villanos con machetes, ademas el reparto es bueno y los efectos siguen funcionando tan bien como en aquella época por ser mas que nada artesanales, en cuanto a la ambientación y el diseño de arte no queda mas que aceptar que en realidad esta muy logrado, si tan solo le hubieran dado esta historia a alguien con talento quizá estaríamos hablando de algo grande, pero seamos sinceros, Anderson entrego su mejor cinta, entretenida, terrorífica y con imágenes memorables.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Los Hambrientos

LOS HAMBRIENTOS (LES AFFAMÉS, CANADA, 2017)

Estamos ante un nueva entrega de cine zombie post-apocalíptico, nada nuevo bajo el sol y muchos dirán que ya chole con lo mismo y en parte es cierto pero también es verdad que el director y guionista Robin Aubert sabe separarse sutilmente de lo mas usado del genero con lo que logra mantener nuestro interés hasta el final, desgraciadamente no logra mantener nuestra emoción y esa es la principal pega de la cinta. Estamos en Canadá, en Quebec donde nuestro protagonista logra escapar de un ataque de los infectados que a diferencia de los románticos zombies de Romeros se mueven y corren a gran velocidad como los actuales, y cuando no se mantienen estáticos esperando algún sonido, un movimiento, siempre en estado de alerta permanente, y cuando no lo estan juntan objetos y hacen alguna especie de tótem o tributo a quien sabe que demonios lo que me lleva a creer que mas que infectados son poseídos por alguna presencia ya que siguen siendo vulnerables a puntos vitales humanos.

Bonin (Marc-Andre Grondin) no tiene mas ambición que sobrevivir mientras sus compañeros van cayendo, pero mas pronto que tarde encontrara a otros sobrevivientes que se unirán al grupo, la chica Tania (Monia Chokri) que solo iba a ser usada como objeto, una inocente pequeña, una ruda mujer que perdió su humanidad (Brigitte Poupart), una pareja de ancianas, un viejo y un adolescente que intentaran sobrevivir a como puedan, donde el director no usa las corretizas y la accion y en lugar de eso le da énfasis a los sonidos, al silencio, escuchamos a los grillos, la naturaleza, el viento, los protagonistas intentan llamar lo menos que puedan la atención, cualquier ruido llama a todos y los gritos de estos parecen mas llamadas a sus congéneres que un grito en si.

La lógica se impone y los integrantes van cayendo uno por uno, topándose con hordas, con algunos atacantes solitarios, e incluso otros sobrevivientes que terminan afectando hasta la sanidad del grupo, todo esto en una cinematografía cuidada y hermosa que nos revela la capacidad del director, unos sonidos que siempre nos tienen al pendiente de lo que pudiera venir y sobretodo dota de humanidad a los protagonistas, cada quien en su manera particular que hacen todo lo posible por proteger a los mas pequeños, y quizá lo mas interesante de la cinta, esa extraña manía de hacer torres con sillas, basura, etc. de los zombies que se agrupan casi como un avispero a punto de atacar que le rinde pleitesia, solo queda preguntarnos a quien.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Roma

ROMA (ÍDEM, MÉXICO, 2018)

Escuchamos a alguien lavando el piso y de pronto vemos agua y el reflejo del cielo con un avión pasando por ahi, en ese pequeño momento el cielo y la tierra se convierten en uno solo o por lo menos se sienten muy cercanos, la tierra donde pareciera que unos a los otros nos hacemos la vida imposible a veces por razones que no son comprensibles y siempre en espera de que el cielo nos albergue algo mejor, en este fotograma se resume la cinta de Alfonso Cuaron que nos regala simbolismos y momentos como este en toda la cinta, sin necesidad de estar explicando todo lo que ocurre sino al contrario dejando que nosotros mismos, el respetable, usemos el razonamiento y saquemos conclusiones, lo que todo mundo señala, incluso sus detractores, es la maestría técnica de Cuaron que demuestra un virtuosismo que se acerca a la perfección, con tomas estáticas, fuera de planos, travellings, o esos movimientos que siguen sutilmente los acontecimientos a veces hasta en trescientos sesenta grados.

Queda claro que el director sabe donde y como poner una cámara y la usa de manera perfecta, mas aun con esa fotografía preciosa que nos remonta a la epoca y a las memorias de Cuaron, porque hay que decirlo, a final de cuentas esta cinta es una película sobre las memorias del director, es su interpretación y como el lo recuerda, apoyado en las memorias de su criada real Libo que le ayudan a conformar este cuadro preciosista que es intimo y cercano sin dejar de mostrar grandilocuencia en sus detalles sobre ese México caótico de los años setenta que en realidad nunca se ha ido del todo, resulta incomprensible la separación que ha causado entre críticos y cinefilos esta cinta, la critica la alaba casi unánimemente y las personas la denotan en demasía catalogándola de aburrida y pretenciosa, quizá lo ultimo si lo sea, Cuaron esta orgulloso de su talento y lo deja claro en todo momento, aburrida, jamas, aqui si estoy en el grupo de los que amo la cinta y que termino con lagrimas en los ojos ante una demostración tan bella como poética del amor, respeto y cariño que Cuaron le tiene a las dos mujeres de su vida y a su familia en general.

Esto queda claro viendo al mismo Alfonso Cuaron en la cinta, el pequeño Paco que era el mas pesado de sus hermanos y que casi causa un accidente terrible, una forma de expiar los pecados de un pasado que ya no puede cambiarse, al mismo tiempo que evita contarlo desde su punto de vista y lo hace de manera externa causando mas validez al relato y dándole el mismo peso a todos los niños. Los sonidos son excelsos, me recordaron mi niñez, es claro que yo no viví en la colonia Roma en México en los años setenta pero si en un municipio coloquial donde todavía se escuchaban los grillos, los gritos de los vecinos, los ladridos de los perros, los ambulantes, los tianguis apabullantes en todos lados, los ensayos de la banda militar, y si bien no había camotero si plátanos tatemados que tenían el mismo silbato que se escuchaba a muchas cuadras del lugar anunciándose con orgullo, incluso la música escogida es majestuosa, nos recuerda a esa epoca de buenos arreglos e interpretaciones majestuosas y pareciera que no pero siempre estan acorde a la situacion.

La palabra clave en lo que acabo de escribir es sutil, y asi es la cinta, todo es sutil, los mensajes, los diálogos, las tomas y hasta la dirección de arte que nos muestra de pronto un librero, un panfleto, algún personaje apenas notorio, unas letras escritas con fuego en algún lugar. La recreación de epoca es impresionante, tanto que resulta obsesiva pero por lo mismo la creemos, nos sentimos trasportados a esa epoca y quizá lo mas importante, nuestros sentidos nos dicen que estamos ahi, aquí Cuaron muestra gran dominio en lo que transmite, lo logra siempre, como muestra perfecta ese viaje al rancho en navidades donde Cleodegaria (Yalitza Aparicio, excelente) dice que le recuerda a su pueblo, sus actividades, sus colores, su tacto, su olor..... y casi sentimos que olemos y sentimos lo que estamos viendo.

Regresando a la cinta ya explique lo que para mi significa el inicio de la cinta, ademas de esto nos muestra el día a día de Cleo, siempre pesado y repetitivo, diario quitando el excremento de Borras sin que eso le signifique un problema, es su trabajo, empezamos a ver su vida, su buena relación con Adela (Nancy Garcia) con la que puede hablar en Mixteco para escapar aunque sea unos momentos de esa casa prisión, los niños que adora pero que son tan traviesos como cualquier niño, la indiferente ama de casa Sofia (Marina de Tavira, impresionante), la madre de esta (Veronica Garcia) y el distante señor de la casa Antonio (Fernando Grediaga) que es uno de los detonantes de lo que viene despues, Yalitza es feliz en su trabajo, ama a los niños y aunque resulte pesado, algo obvio cuando dice que le gusta estar muerta y vemos montañas de ropa para lavar a mano, no busca otra cosa, el problema es que la familia empieza a tener problemas, el padre ya no solo esta ausente sino que los ha abandonado y su relación con Fermin (Jorge Antonio Guerrero) paso de ser puro amor e idolatría a odio e irresponsabilidad.

Hasta aqui no creo que haya entrado en spoilers, el padre los abandona a su suerte y el novio seudo samurai imbécil salio corriendo en cuanto le dieron la noticia de que seria padre, lo que es peor aun, el padre los dejo por una aventura como se vera mas adelante y Fermin nunca tomo con seriedad a Cleo y no solo eso, ahora se da el lujo de amenazarla porque el tipo trabaja para el gobierno como parte de los halcones, es asi que somos espectadores de la vida de la familia a través de los ojos de Cleo y de lo que le ocurre a la misma Cleo, los regaños que soporta de su patrona cuando esta esta desesperada por no perder su marido, los esfuerzos de esta por convencerlo de no dejarlos, la presión porque el tipo no manda ni un duro para apoyarlos pero si tiene para irse a bucear con su nueva pareja, en tanto ella esta perdidamente enamorada de Fermin solo para darse cuenta como pone pies en polvorosa cuando le dice que esta embarazada.

Que lidia con el temor de ser corrida por su embarazo y en lugar de eso encontrar apoyo por parte de una mujer que se ve reflejada en la fragil e inocente muchacha, porque como le dice en cierta parte, siempre estamos solas, y la verdad sea dicha en la cinta asi se ve, tanto el padre ausente como el delincuente violento son tan irresponsables e indolentes como pueden, asi que vemos como estas mujeres salen adelante sin ayuda, sacan a su familia con su propio sudor, porque para Cleo son sus niños y para los niños Cleo es de la familia, y todo esto mostrandonos un Mexico realista con critica social y politica pero mostrando tambien la nostalgia y el amor que nos empuja adelante, con personajes memorables al por mayor y escenas que son de lo mejor en años.

La escena del terremoto donde la vida se preserva a pesar de todo, las corretizas en travellings por toda la calle, ya sea a comerse unas tortas o ir al cine donde el mayor ve a su padre pero niega todo, a esa cinta que fue una de las que infundio el amor de Cuaron por el cine y que nos remite de inmediato a su obra mayor "Gravity", esa entrada ridícula del padre a la cochera y los ridículos corajes por las cacas del perro como excusa para irse, la destrucción inconsciente del carro amado como venganza, la desesperación de una amante abrazando por la espalda, esa visita al pueblo donde el gobierno mueve borregos y el profesor Zovek (Latin Lover) les lava la mente a unos chicos resentidos, las dos diferentes fiestas de año nuevo y como Cleo no se siente agusto en ninguna, el incendio causado por odio/envidia del pueblo, la matanza de Corpus Christi donde el mismo Fermin le apunta a Cleo, su llegada tarde al hospital, la desesperante indolencia de los médicos frente a la muerte, y por supuesto la tan hablada escena de la playa donde Cleo por fin explota y entendemos su sentir y sufrimos con ella porque aunque acaba de ser un héroe ella no puede perdonarse, aquí el mensaje de Cuaron es muy sutil, la fuerza de las dos mujeres que lo amaron y criaron, el valor de una vida a como sea que se haya dado y que nos recuerda a sus cinta anteriores donde se preocupaba por lo mismo, un mensaje moral que casi no se ha entendido porque sino la cinta seria mas atacada.

En pocas palabras una carta de amor hacia las mujeres de su vida, hacia su familia, a la nostalgia de ese México inocente que ya no volverá, un vistazo a los fantasmas de su pasado que siempre estarán ahí, el padre ausente, un objeto que casi resulta fatal, ese dolorosa platica que se escucha a través de una puerta, pero también lo hermoso de la vida que se mira con nostalgia, esas idas al cine con la familia y esas primeras cintas que siempre nos marcan, esos viajes a la playa donde todo se disfruta, esa explosión donde por fin se puede decir lo que se guarda dentro, los temores de un patán que solo es un brazo extendido de ese gobierno corrupto y asesino, un vistazo a las diferencias sociales no solo de patrones y criadas sino de ambulantes, trabajadores del estado, gobierno, estudiantes y un largo etc. y claro una dedicatoria a esa madre que no es su madre en realidad, pero que vive la maternidad a traves de los niños que cuida y que de pronto es vista como parte de la familia y se le alaba, abraza y agradece pero que nunca sera parte real de ella porque al mismo tiempo se le da las gracias por salvarles la vida que se le pide un licuado de plátano y unos gansitos.

Calificación: Excelente

Lo Mejor del Mes: Enero 2019