Musica: Going Underground - The Jam

THE JAM - GOING UNDERGROUND

The Jam fue un grupo de rock inglés de new wave de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fue uno de los grupos más populares de aquella época. Llegaron a posicionar sus 18 sencillos en el Top 40 de las listas del Reino Unido, desde su debut discográfico en 1977 hasta su última canción en 1982.

 

Realizaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en el Reino Unido. Comenzaron su andadura por 1972 de forma amateur en Woking (Surrey), lugar de origen de los componentes del grupo. A finales de 1976 se dieron a conocer en los Clubs de Londres, y grabaron sus primeros discos en plena explosión punk. Ficharon por Polydor por muy poco dinero (unas 6.000 libras), lo que no les impidió ser un grupo de gran éxito. Su primer número 1 fue el single Going Underground, editado el 14 de marzo de 1980, que llegó al lugar número 1 en la primera semana, algo que antes solamente habían conseguido Elvis Presley, Beatles, y Slade.

 

La popularidad del trío fue especialmente importante en el Reino Unido, donde fueron considerados artistas de primerísimo nivel y rivalizaron con The Clash. Fuera de sus fronteras también tuvieron bastante éxito en países del centro y norte de Europa e incluso finalmente en Japón. En cambio, a pesar de intentarlo con algunas giras, no conquistaron el mercado americano, quizá por el muy marcado carácter inglés de las letras y del estilo de la banda, en un momento en que a pesar de existir el género new wave en América, la moda y gustos musicales en los EE.UU. se movían en otras direcciones.

 

Liderados por Paul Weller, revivieron el movimiento mod de grupos de mediados de los 60 como The Who o The Small Faces, tanto en la estética como en lo musical, facturando en sus inicios un R&B duro y directo, con influencias de Dr. Feelgood y John Mayall. Otras influencias que se dejan ver a lo largo de su carrera son The Kinks, The Beatles, y el soul de los sellos discográficos Stax, Atlantic, y Tamla Motown.

 

Instrumentalmente, la banda estaba perfectamente compensada: La particular voz y forma de tocar la guitarra de Paul Weller, muy bien secundada por la sección rítmica de bajo y batería de Bruce Foxton y Rick Buckler, amén de las no menos importantes segundas voces de Foxton. Especialmente notorias son las letras de Paul Weller, que fue madurando en sus composiciones. Letras que hablan de las relaciones personales, las inquietudes de los jóvenes, los sentimientos íntimos del ser humano, y muchas otras en las que se refleja fielmente las glorias y miserias de la sociedad británica de la época. Aparte de las geniales y ácidas composiciones de Paul Weller, The Jam imbuían una fuerza espectacular en sus versiones de clásicos del rock y del soul. En sus actuaciones en directo, The Jam trasladaban toda su energía a un público entregado con el grupo. La mezcla de todos estos ingredientes, pasados con maestría por el tamiz del punk y la new wave, dieron lugar a una de las mejores bandas de rock inglés de la época.

 

Al igual que The Jam nunca negaron las raíces musicales sobre las que se construía su música, siendo justos con la banda se deben reconocer las influencias que ellos ejercieron, tanto en lo musical como en el terreno de la actitud. Grupos de la new wave como Generation X ó Barracudas se fijaron en su manera de hacer las cosas, y John Weller y Bruce Foxton produjeron un disco de The Vapors. El mencionado revival mod de finales de los años 70 no hubiese existido tal cual sin la existencia de los Jam. Bandas como Secret Affair, Merton Parkas, The Lambrettas, The Chords, etc. comenzaron a grabar sus discos dos o tres años después de la publicación de In The City, y en el momento en que The Jam eran ya un grupo de éxito, al igual que el estreno también posterior de la película Quadrophenia en 1978. Uno de los principales grupos de los años 80, The Smiths, en algo de los de Woking debieron reparar. Mientras tanto en España lo hacían no sólo grupos mods como Los Elegantes o Brighton 64 y posteriormente Los Sencillos y Los Flechazos, también otros grupos de la nueva ola o Movida, como Los Bólidos ó Los Nikis. En los 90, Oasis, Blur y Supergrass, son ejemplos de bandas que siguieron la tradición inglesa de Beatles, Kinks, y The Jam. Al comienzo del nuevo milenio los casos más claros de afección a los de Woking los tenemos en Libertines, Babyshambles y Arctic Monkeys.

 

Video

Lyrics


Live

Cinecritica: Contra la Pared

CONTRA LA PARED (GEGEN DIE WAND, ALEMANIA - TURQUIA, 2004)

Me toco conocer a Fatih Akin con su aclamada cuarta película, y debo decir que me gusto muchísimo, es una gran historia de amor, uno de los mejores romances que he visto en los últimos tiempos, y ¿Por qué no decirlo? de toda mi vida, digan lo que digan las mujeres las historias de romances melosos no tienen ni cercanamente la grandeza que tienen estas historias más cercanas a la realidad, de amores imposibles que navegan por todos los sectores posibles y que nunca sabemos por donde iran y mucho menos como terminaran, y además Akin es un magnifico director con el talento y la inteligencia para saber donde poner la cámara, como grabar todas las escenas, y para hacer un trabajo de edición que roza la perfección, y además nos regala una separación de capítulos que son hechos por un grupo de músicos turcos que a orillas del Bósforo nos regalan canciones típicas turcas que son majestuosas y que por si fuera poco no están gratuitamente sino que la letra de la canción y la melodía tienen que ver con el siguiente capitulo, con lo que viene y asi hasta que cierra la cinta de manera impecable, y me quedo corto.

 

Comienza la cinta y lo primero que vemos es el amanecer junto a esos seis músicos y la cantante que nos regalan una canción de una mujer tempestuosa que atormenta a un hombre para después entrar en la historia donde el vago Cahit Tomruk (Birol Ünel, excelente y totalmente metido en su papel) vive su día borracho o drogado o las dos cosas mientras sobrevive limpiando cierto antro de "arte" y donde no tiene una vida social más alla de un amigo y una medio novia, durante una noche en su carro Cahit simplemente decide chocar contra la pared, después en cierto hospital especializado en personas suicidas Cahit entra con un doctor que le dice que para acabar con su vida no ocupa suicidarse, Cahit lo entiende pero no tiene intención de cambiarla pero ahí conoce a Sibel (Sibel Kekilli sorprendentemente fresca y fantástica), una joven turca que también vive en Alemania y que de buenas a primeras le pide que se case con ella por la simple razón de que es turco y su familia lo aceptaría, dándole a ella la libertad que no gano ni con el intento de suicidio, y es que Sibel quiere ser libre, tener una vida donde pueda salir y estar con muchos hombres donde su familia no la golpeé o amenace y si para esto tiene que chantajearlo con otro intento de suicidio, bienvenido, con todo y que Cahit hasta le aconseja como hacerlo bien.

 

Después de otro interludio musical vemos a Cahit decidiendo que se casara con ella, esta parte es la más cómica de la cinta, como si de una comedia romántica se tratara Cahit va a pedir su mano en una escena hilarante, los novios se casan en una total farsa y empiezan a vivir una vida feliz donde Sibel gana su libertad y Cahit una compañera que lo ayuda a limpiar y a vivir, pero de ahí pasamos al siguiente capítulo donde Cahit y Sibel se empiezan a enamorar, él no soporta verla con otros hombres a pesar de que tampoco es fiel, ella empieza a quererlo y quiere comprender porque es tan infeliz, obviamente esta relacionado con la muerte de su esposa fallecida, y asi comienzan a acercarse, de tener una cena de pareja, a casi hacer el amor lo que consumaría el matrimonio lo que no esta en los planes, a tener celos de todos y de todo, y cuando parece que las cosas por fin se van a arreglar (ya que nosotros sabemos que el cuarentón y la veinteañera son el uno para el otro), tenemos un arranque de ira y celos de Cahit que destruye todo, lo lleva a la cárcel y a Sibel escapando de su familia y tratando de

terminar su vida, hasta que decide esperarlo y se va Estambul donde como si fuera un monje se corta el pelo, usa ropa holgada y toma el aburrido trabajo que le consigue su prima, pero Sibel no soporta y Akin nos lleva por el camino de su autodestrucción en unas escenas dolorosísimas de ver, donde queremos apartar la vista pero no podemos, una violación y un intento de asesinato en una fuerte paliza que le ponen a Sibel en cierto callejón (que además extrañamente no esta falta de humor) y después asistimos a la parte final del filme con un rehabilitado Cahit saliendo de la cárcel, buscando a Sibel, esperándola, y finalmente amándola aunque al final vemos un doloroso final donde Cahit hace una gran muestra de amor porque a ella le debe todo, en esa típica reunión no cumplida cerrada con una maravillosa canción donde los músicos se despiden de nosotros y donde a uno no le queda más que aceptar el gran talento de Akin.

 

Calificación: Excelente

Cinecritica: Carros de Fuego

CARROS DE FUEGO (CHARIOTS OF FIRE, REINO UNIDO, 1981)

Al comenzar la opera prima de Hugh Hudson vemos a un grupo de jóvenes correr por la playa mientras amanece con una felicidad desbordada mientras suena una tremenda banda sonora de Vangelis (Evangelos Odysseas Papathanassiou), la cámara nos los muestra con tranquilidad mientras la escena toma tintes religiosos y después vemos una toma de lejos, por supuesto que creemos que esta popular cinta seguirá en la misma calidad pero no lo logra, es difícil lograrlo ya que la magia de esa escena viene de los sentimientos que despierta y la belleza de la misma, así que después de ver la cinta no entiendo porque tanta algarabía pero de que Hudson la filma con artesanía y corrección no hay duda, de la banda sonora menos, el reparto es impecable y tiene algunas escenas muy emocionantes por lo que tampoco se puede hacer menos esta valiosa cinta.

 

La cinta cuenta la historia del equipo olímpico británico que fueron a las olimpiadas de "Paris 1924" y donde ganaron a pesar de ser considerados amateurs derrotando al equipo olímpico norteamericano que eran profesionales y se entrenaban con los más avanzados métodos, especialmente de dos de ellos, el judío Harold Abrahams (Ben Cross) que no cesara hasta que le demuestre a todos y especialmente a él mismo que se merece un lugar en el país británico, y el cristiano escoses Eric Liddell (Ian Charleson) que corre porque esta convencido de que Dios le dio ese don para complacerlo de esa manera y porque ama su país, es un interesante contraste ya que Harold corre por su propio ego, por el orgullo de su pueblo, por la manera en la que ve su religión, en tanto que Eric corre por sus creencias y para el bien de su religión y la gente que cree en él.

 

Por supuesto que hay algo de critica ahí, Eric es usado para el cristianismo se haga más popular, en tanto que Harold va contra las reglas de Cambridge tomando el sentido común y siendo entrenado por el experto Sam Mussabini (Ian Holm), también los demás integrantes del grupo son interesantes, en especial el Lord Andrew Lindsay (Nigel Havers) que corre porque lo ama, no hay nada que demostrar, solo adora lo que hace y por ello le cede el lugar a Liddell para que tenga oportunidad de correr después de que se rehusó a participar en su especialidad debido a que la competencia sea en día santo, ¿una impresionante muestra de creencias? ¿tirar a la basura una gran oportunidad? creo que depende de cada persona el como se vean a los personajes pero son un contraste interesante y ver ese espíritu deportivo y de deportividad, de superación es un buen discurso, además del placer culpable de vencer al gigante norteamericano en su disciplina preferida.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Habemus Papam

HABEMUS PAPAM (IDEM, ITALIA, 2011)

Película de Nanni Moretti que comienza muy bien pero que se empieza a desinflar de tal manera que cuando llega su escena final que debería ser fuerte, conmovedora y controvertida simplemente resulta el termino de un extraño viaje que nunca supo por donde iba, eso si, la idea inicial es muy buena, el hecho de que el Cardenal elegido Papa no pueda con la presión del puesto y que tenga una serie de ataques es impresionante, sobretodo porque pone a la iglesia en una situación que nadie se esperaría que estuvieran, y se adelanto a algo que aunque muy diferente comparten la idea de dejar el puesto sin esperar a fallecer, claro que mientras la decisión de uno denota fuerza, carácter e inteligencia, la del otro también lo hace pero criticando la manera en la que se elige al santo padre.

 

La primera media hora es increíble, después del fallecimiento del Papa, los cardenales se reúnen para el conclave donde vemos el gran secretismo que se maneja y algunos chistes muy divertidos de periodistas y personas que meten la pata al no saber tratar el asunto, y la elección es hilarante con todos rezando para no ser elegidos hasta que llega el momento en que uno de ellos es elegido, el tranquilo Melville (Michel Piccoli excelentemente agradable) es el ganador de la rifa del tigre y acepta tomar el lugar, todo va bien hasta que cuando va a dar la bendición a los fieles sufre un ataque de nervios tan grave que se ven obligados a llamar al mejor psiquiatra del país (Nanni Moretti) ya que todo se va aplazando cada vez más y el mundo se pregunta que sucede.

 

Hasta ahí la cosa va bien pero cuando el Papa Melville se escapa para poder superar sus problemas que van desde ataques de pánico, nervios destrozados, depresión, y hasta traumas de atención en la niñez, y asi quiere vivir la vida que siempre quiso, ser un actor y vivir tranquilamente ya que no se siente con la capacidad de cambiar la iglesia y llevar la presión de todos los católicos en los hombros, mientras por otro lado los cardenales hacen un torneo de volibol promovido por el psiquiatra, ahí la cosa se va perdiendo cada vez más hasta que llegamos al anunciado final, por lo menos reconozco que Moretti intenta hacer una critica inteligente en lugar de ir por el morbo de escándalos sexuales o comedia fácil.

 

Calificación: Regular

Musica: "BANG A GONG" (GET IT ON) - T.REX

T.Rex - Bang a Gong (Get It On)

T. Rex fue una banda de rock fundada en Londres en el año 1967 por Marc Bolan bajo el nombre original de Tyrannosaurus Rex con el que lanzaron sus primeros cuatro álbumes de estudio con un sonido más cercano al rock psicodélico y al folk rock. A principios de los años setentas y con el nombre reducido a T. Rex alcanzaron la fama mundial y se convirtieron en el primer grupo glam rock de la historia, corriente que posteriormente siguió David Bowie, Sweet, Slade entre otras agrupaciones inglesas.

La agrupación dejó de existir en 1977 tras la abrupta muerte del vocalista y líder Marc Bolan con apenas veintinueve años de edad en un accidente automovilístico. Sin embargo su legado se mantiene con el pasar de los tiempos, siendo llamados una de las grandes influencias para el hard rock, el new wave, el punk y el rock alternativo. Además es una de las pocas bandas de principios de los setentas que obtuvo diez sencillos en los Top 10 en el Reino Unido, gracias a sus muchos éxitos como «Get It On», «Children of the Revolution» y «20th Century Boy», entre otras.

 «Get It On» es una canción de la banda británica de glam rock T. Rex, lanzado en 1971 como el segundo sencillo promocional del disco Electric Warrior, publicado meses más tarde. Obtuvo el puesto número uno en el Reino Unido.

En los Estados Unidos, fue lanzado bajo el título de «Bang a Gong (Get It On)» para no tener confusión con el sencillo de mismo nombre de la banda Chase. Obtuvo el puesto número diez en la lista Billboard Hot 100, la posición más alta para un trabajo de la banda en aquel país.

Durante la grabación del tema, Marc Bolan invitó a los músicos Rick Wakeman en el piano y Ian McDonald del grupo King Crimson en el saxofón. En diciembre de 1971, la banda se presentó en el programa Top of the Pops, en dónde Elton John tocó el piano.

En 1987 y con la celebración de los diez años de la muerte de Marc Bolan, el productor Tony Visconti remasterizó el tema y fue lanzado como sencillo en el Reino Unido, en dónde obtuvo el puesto cincuenta y cuatro en mayo del mismo año. Además en el 2007 se volvió a lanzar en el país británico, dónde volvió a entrar en los UK Singles Chart en el puesto setenta y uno.

Con el pasar de los tiempos distintas bandas han versionado la canción entre ellos Carlos Santana, Blondie, Cinema Bizarre y The Power Station, quién la lanzó como sencillo en 1985.

Lyrics


Live

Cinecritica: Sangre y Vino

SANGRE Y VINO (BLOOD AND WINE, EU, 1996)

Quinta colaboración de Jack Nicholson y el director Bob Rafelson que cumple bastante bien, da lo que promete y de nuevo se me hace raro que nadie la conozca porque no es un producto desdeñable sino todo lo contrario, una muestra de cine negro a la vieja usanza, sin aspavientos ni florituras, ni vueltas de tuerca ni sorpresas que nos hagan darle vueltas al asunto, simple y sencillamente un guión que como en antaño se limita a contar una historia sencilla pero que esconde mucho más de lo que aparenta y con personajes bien planteados que son personas y no cliches, lastima que los personajes tomen algunas desiciones hacia el final que rompen ese sistema de realidad que manejaba el director porque de otra manera quizá estaríamos hablando de algo grande.

Alex Gates (Jack Nicholson en un personaje al dedillo) es un ambicioso vendedor de vinos que tiene una pésima relación con su mujer (Judy Davis) y peor aun con su hijastro Jason (Stephen Dorff) quien no lo puede ver y no quiere trabajar con su padre, prefiere pescar pero quizá cambie de opinión en una entrega donde conoce a la chacha cubana de buen ver Gabriella (Jennifer Lopez mostrándome que sabe actuar) y queda prendado con ella, intenta conquistarla pero no sabe que es la amante de su padre quien a su vez esta usando la confianza de la chica para cometer un robo de un carísimo collar, y para esto lo ayuda Victor Spanski (Michael Caine, luciéndose) un peligroso pero débil maton, uno de esos personajes típicos del genero.

Las cosas marchan a trompicones pero cuando Alex sea atacado violentamente por su mujer quien confunde el viaje de la venta del collar con una salida romántica y al escapar de casa se lo lleva con ella las cosas se complican para todos, la pareja de bandidos busca recuperarlo, Jason decide quedarse con el y se lo esconde a su madre, Gabriella se entera de todo y también ambiciosa el collar, y asi se forman sociedades que muy pronto se quebraran por las ambiciones de cada quien, quienes quieren más fortuna y amor pero que actúan de tal manera que cada vez se alejan más de lo que buscan, al final el final es desesperanzador y como es de esperar nadie se queda con nada, todos pierden aunque al final hayan demostrado que no están completamente perdidos, guardan un poco de humanidad y quizá eso les ayude a recuperarse.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Acantilado Rojo

ACANTILADO ROJO VERSIÓN INTERNACIONAL (CHI BI INTERNATIONAL CUT, CHINA, 2009)

El porque de precisar que esta es la versión internacional del filme es debido a que si le tengo que poner peros a esta cinta que marca el regreso de John Woo a China donde ha hecho sus mejores películas es que se sienten algunas lagunas, los cortes de escena son rapidísimos, no hay tiempo de respiro y por momentos no sabemos ni porque estamos en cierto lugar si estábamos en otro, además de que la profundidad de los personajes es muy poca, solo los protagonistas tienen un carácter definido, de los demás no sabemos gran cosa, y creo que esto viene de las temidas tijeras que recortaron la historia original de 280 minutos a una de 148 minutos, ¡prácticamente la mitad! y eso porque originalmente es un díptico, dos películas que duran lo que esta pero que como somos occidentales somos demasiado desesperados y tontos por lo que queremos pura acción y batalla, por ello nos quitan la mayoría de la historia.

 

Por lo demás la cinta es un placer, una cinta de tono épico como las de antaño, con miles de extras, locaciones grandísimas, batallas épicas, héroes al por mayor, estrategias militares y demás fruslerías que solo Peter Jackson había manejado bien en estos tiempos, pero lo cierto es que Woo pasa con alta nota el examen, es impresionante ver como el director logro orquestar de manera fastuosa las batallas, esa primera batalla con la formación de tortuga y la separación de la misma es impresionante, por supuesto que el director no renuncia a sus fetiches, la paloma blanca, los ralentí, etc., al que le moleste esto pues no porque sea una cinta de otro tipo no lo verán, además en lo personal no me molesta esa trama tipo "Troya" donde al parecer los motivos del villano para conquistar el reino es debido al deseo y/o amor por una mujer, y algo que juega a favor de Woo es que los actores de verdad llenan los zapatos de estos héroes legendarios de la historia China.

 

Otro punto a favor por supuesto es el gran presupuesto que tuvo el director convirtiendo la cinta en la más cara de la historia del país, algo que hay que decir, se nota muchísimo, hay cintas norteamericanas que gastan más y se notan menos. La trama va sobre la historia real de la batalla del acantilado rojo que históricamente fue muy importante (y muy interesante de estudiar) donde el primer ministro Cao Cao (Zhang Fengyi, bastante bien) mueve como marioneta al emperador y quiere conquistar los reinos del sur donde los señores de la guerra no dan cuartel, al escapar al sur llegan al reino de Liu Bei (You Yong) y se refugian en el acantilado rojo del titulo donde Zhou Yu (Tony Leung, muy bien) prepara una estrategia junto al asesor Zhuge Liang (Takeshi Kaneshiro, muy bien) para enfretarse contra el ejercito de 800 000 hombre de Cao Cao, de aquí vemos el arte de la guerra, estrategias, formaciones, artimañas, engaños, jugadas mala leche, preparación de armamento, técnicas suicidas, espias, lectura del clima, ataque de diferentes frentes, una ceremonia del te que da paso al climax y una emocionante batalla final.

 

Además los momentos donde no hay guerra también son exquisitos, Zhou Yu entrenando mientras su mujer Xiaoqiao (Lin Chi-ling) hace te con ceremonia incluida, la música que crean Zhou Yu y Zhuge Liang donde se muestra la gran conexión que crean, al final es obvio que la cinta trata sobre estos dos que hace una gran dupla, una amistad que como la preciosa canción de créditos señala traspasa el tiempo, el guerrero valeroso Yu y el estratega pacifico Liang, de hecho Liang es el personaje más interesante de la cinta, un estratega militar que odia la guerra, que no sabe pelear, pero que disfruta las formaciones, la inteligencia, los valores, el arte y que es un genio en lo que sabe. No se puede más que decir que John Woo regreso a casa por la puerta grande.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Hombre Orquesta

HOMBRE ORQUESTA (ONE MAN BAND, EU, 2005)

Interesante corto sin dialogos que regresa un poco a las raices de Pixar aunque el final es demasiado facilon y se ve venir desde el inicio, dirigida por Mark Andrews el director de la fabulosa "Brave" y Andrew Jiménez, la musica es lo mejor de la animación y la estrella de esta, de hecho uno se puede olvidar de la historia y dedicarse a escuchar la soberbia musica.

 

Como si fuera una caricatura clasica los dos musicos callejeros Bass y Treble se pelean en una lucha musical por la moneda que la pequeña Tippy queria tirar en la fuente para pedir un deseo, mucha musica, una niña acosada y asustada y un cambio de depredador al final marcan esta historia.

 

Un corto con grandes ideas pero que al que de todas maneras le falta algo, no sabria decir que pero le falta ese no se que, que que se yo, ah ni yo me entiendo.

 

Calificación: Regular

Musica: Hey Scenesters! - The Cribs

THE CRIBS - HEY SCENESTERS!

The Cribs es un grupo de Post-punk revival formado por tres integrantes: los gemelos Gary y Ryan Jarman y su hermano menor Ross Jarman, provenientes de Wakefield, West Yorkshire,Inglaterra, su ex-miembro Johnny Marr (ex miembro de The Smiths) dejó la banda en enero de 2011.

La banda ha lanzado 3 álbumes, el primero autotitulado The Cribs en 2004 y el siguiente The New Fellas en 2005. Los singles incluyen “You Were Always The One” (#66 en el chart de singles de UK), “What About Me” (#75), "Another Number", "Hey Scenesters!" (#27), y "Mirror Kissers" (#27). "Martell", el tercer single del álbum The New Fellas, fue lanzado el 22 de agosto del 2005 alcanzando el #39. La banda nombró a su tercer álbum; Men's Needs Women's Needs Whatever. "Men's Needs, Women's Needs, Whatever'" fue grabado en Vancouver, BC, Canadá con Alex Kapranos del grupo Franz Ferdinand como productor. El álbum fue lanzado el 21 de mayo, precedido por el single Men's Needs, el 7 de mayo, alcanzando el #17.

El grupo también hizo un extenso tour por Norteamérica con Death Cab for Cutie y Franz Ferdinand en el 2006. Además, su canción "Hey Scenesters!" fue listada por la revista NME en “Los 50 Grandes Himnos Indie de Todos los mejores Tiempos”, ellos fueron una de los pocas bandas contemporáneas incluidas en esta lista.

"Hey Scenesters!" was the first single from English post-punk revival band The Cribs second album The New Fellas. The single charted at number 27 in April 2005, becoming their first Top 40 single. In its year of release, the song was voted the 3rd best song of the year by the NME, Track of the Year by the Metro newspaper, and finished in the top 100 tracks of the year in Rolling Stone in the USA. In May 2007, the song placed 42nd in the influential music paper NME's "Top Indie Anthems of All Time", one of the only contemporary bands included in the list. Drummer Ross Jarman told Mojo magazine that this song was fueled by the band's experiences: "playing Brixton Windmill, full of kids who were only there because they thought it made them look cool."

Video

Cinecritica: Perfume Historia de un Asesino

PERFUME, HISTORIA DE UN ASESINO (DAS PARFUM - DIE GESCHICHTE EINES MÖRDERS, ALEMANIA - FRANCIA - ESPAÑA, 2006)

Aunque no se debería hacer todos lo hacen, y parece imposible no hacer el comentario o como mínimo un apunte, siempre se compara la película con la obra literaria en la que se basa, sucede en menor medida con las obras,los videojuegos y los comics, pero a final de cuentas se hace, no estoy completamente de acuerdo por el hecho de que la fidelidad no es la finalidad al pasarse a este medio, o por lo menos no debería serlo, lo que si veo como valido es decir si quedo por debajo o por encima de la calidad de la obra literaria, y ahí lo siento mucho por el director Tom Tykwer que ha demostrado tener talento y por sus productores y co-guionistas que pelearon por décadas (literalmente) para conseguir los derechos del grandioso libro de Patrick Süskind quien no quería ceder los derechos por pensar que solo el maestro Stanley Kubrick o Milos Forman podrían con el paquete, por desgracia parece que acertó.

 

Y es que si han leído el libro saben que es majestuoso, de esos que se pueden leer una y otra vez descubriendo cosas nuevas y sumergiéndonos cada vez más en el mundo que imagino Süskind, es uno que guardas en tu biblioteca personal pare disfrutarlo cuando puedas, la película aunque valiosa y con algunos momentos muy buenos se pierde en si misma, a final uno entiende la historia porque leyó el libro pero para quien no las situaciones deben ser gratuitas y sin sentido, el volado era difícil, trasladar al cine esta historia era muy complicado y aun asi creo que Tykwer hizo un buen trabajo, apoyado por un reparto de lujo que se esfuerza en todo momento, por una fotografía más que apropiada y por efectos de la vieja escuela que encajan muy bien, pero aun asi nunca se eleva como uno esperaría, algunos segmentos que funcionan de manera perfecta en el libro aquí se sienten raros y no encajan.

 

Para quien no lo sabe la historia trata sobre la vida de Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw, muy bien), un genio de los aromas que posee un olfato prodigioso que lo hace ver el mundo de diferente manera, asi el pequeño va pasando de mano en mano, de su madre que es sentenciada, a una mujer aprovechada que es asesinada, a un tratante que muere estúpidamente hasta llegar a ser aprendiz del perfumista Giuseppe Baldini (histriónico Dustin Hoffman) de quien aprende muchos secretos y hace famosos además de descubrir para que nació, que no es otra cosa que crear el mejor perfume de toda la historia que solo puede ser extraído de jovencitas vírgenes justo cuando se abren los pétalos, es así que Grenouille descubre como y comienza a asesinar a jovencitas para después llegar a la cereza del pastel, la encantadora Laura Richis (bellisima Rachel Hurt-Wood) quien es protegida sabiamente por su padre Antoine (Alan Rickman tan bien como acostumbra) pero que no cuenta con todas las cualidades del asesino.

 

Por supuesto que al final la historia da unos giros majestuosos que no funcionan aquí a diferencia del libro por lo que al final decae, pero todo, hasta el enfrentamiento entre asesino y padre funciona de maravilla, en conclusión una cinta valiosa, subestimada a mi parecer, y que carga con la loza de un gran libro.

 Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Ataque de Jack Jack

EL ATAQUE DE JACK JACK (JACK-JACK ATTACK, EU, 2005)

Otro tropezon de Pixar y esta vez de la mano del gran Brad Bird, aunque supongo que este corto solo funciona como extra de la pelicula "The Incredibles" de donde ni siquiera es un spin-off como si lo es la de los personajes de "Monsters Inc." aqui se nos cuenta algo que en la pelicula uno tiene que adivinar, una serie de mensajes telefonicos que nos ponen en la pista de lo que esta sucediendo.

 

Increiblemente el corto afecta el resultado, al final me quedo la sensación de que hubiera sido mejor quedarme con la duda, con mi propia versión de que habia sucedido con la pobre niñera que enloquecia cuidando al bebe Jack quien estaba mostrando señales extrañas, obviamente despertando sus poderes.

 

Y la llegada de Sindrome que aqui pues simplemente se siente como relleno, como esas precuelas que nadie pide, o las secuelas donde se explican cosas que no deberian explicarse, aun asi es divertida y tecnicamente impecable por decir poco.

 

Calificación: Regular

Cinecritica: Brincando

BRINCANDO (BOUNDIN', EU, 2003)

Primer tropezon de Pixar de la mano de Bud Luckey y Roger Gould, no es malo el corto pero queda muy por debajo del nivel manejado por la compañia, esa pretención que maneja este le afecta mucho, no solo mete dialogo sino que lo hace con canción incluida y muchos mensajes.

 

Ese es el principal problema, cuando pones un mensaje debes tratar de que pase desapercibido para que prevalezca en el subconciente y no recitarlo como si fueran clases o se estuviera en misa, y se intenta ocultar esto con canción incluida pero.... paso.

 

Lastima pero siempre tiene que haber una cinta menor en todos lados y le toco la mala suerte a esta oveja con la dichosa liebre, por otro lado el manejo del ritmo con los animales creando musica disfraza bien el asunto.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: Hitchcock

HITCHCOCK (IDEM, EU, 2012)

Como ya apuntaba en la reseña de "The Raven" es muy complicado hacer una biopic de personaje tan queridos y conocidos, pareciera más sencillo hacer películas biográficas de personas que nadie conoce, así a (casi) todos les cae por sorpresa la historia y se puede jugar más con el guión, y esta cinta no es una biopic, simplemente se limita a contar lo que tuvo que pasar el maestro Alfred Hitchcock para sacar adelante su cinta "Psycho" que nadie quiso producir y que se encontró como con mil barreras en el camino, bueno, eso es lo que nos quieren vender porque la realidad es muy distinta, aquí casi no hay nada de lo que tuvo que pasar y de como se realizo la cinta.

 

Y eso me parece un engaño porque la publicidad es muy directa, supuestamente se nos contaría como se filmo "Psycho" y en lugar de eso vemos los supuestos problemas maritales que abarcaban casi todo el pensamiento del director, por lo que su publicidad debió haber sido "detrás de cada gran hombre hay una gran mujer", así que en lugar de ver a Anthony Hopkins lucirse como Hitchcock esta mucho más cerca de hacerlo Helen Mirren como su mujer Alma Reville, comenzamos viendo como Hitchcock buscan obsesivamente el libreto de su nueva cinta y se topa con este libro, los compra todos y busca financiamiento, todos lo mandan a volar y se arriesga él jugándose todos sus viene mientras encuentra a una nueva rubia (Scarlett Johansson) Hitchcock y termina contrato con Vera Miles (Jessica Biel) a quien trata como basura.

 

Hasta aquí la cosa no va tan mal pero de pronto Hitch busca la ayuda de su mujer y comienza a sentir celos cuando esta va a ayudarle a un guionista y se encuentran muy cerca del romance, y las cosas prosiguen igual hasta que Alma vuelve al lado de Hitchcock y le ayuda a levantar la cinta que se convierte en su mayor éxito, fuera de algunos poquísimos minutos interesantes de la filmación de la cinta lo demás es malo, y el final de pena ajena, solo en el epilogo cuando Hitchcock nos avisa que busca ideas para una cinta y un pájaro se posa en su hombro es cuando nos emocionamos, pero no porque queramos una cinta sobre como hizo "The Birds" sino porque nos recuerda esta gran cinta.

 

Calificación: Palomera

Musica: Are You Gonna Be My Girl - Jet

JET - ARE YOU GONNA BE MY GIRL

Los Hermanos Nic y Chris Cester, decidieron formar una banda con Cameron Muncey y Mark Wilson en el 2001, mientras trabajaban en las vacas, tomando como influencia a bandas como AC/DC, Queen, The Beatles, Oasis, The Rolling Stones, The Who, The Easybeats, The Faces, Sex Pistols, The Kinks, y T. Rex. Se bautizan como Jet por la canción de Paul McCartney del disco Band on the run.

 

En el año 2002, la banda lanza su primer EP independiente, llamado Dirty Sweet, que fue grabado en la casa de uno de los miembros de la banda. La maqueta fue todo un éxito y el sello Elektra ofreció un contrato a la banda. El contrato con el sello permite a Jet grabar su primer disco, llamado Get Born, un gran homenaje al rock clásico que contó con la participación del legendario teclista Billy Preston, famoso por grabar al final de los años 60 con The Beatles y posteriormente con Eric Clapton y Rolling Stones. Este disco fue producido por Dave Sardy en los legendarios estudios Sunset Sound en Los Ángeles. La re-edición de este disco es publicada el 12 de abril de 2004 junto a un DVD con 5 temas en directo grabados en la sala Astoria de Londres.

 

El segundo disco de la banda, titulado Shine On, fue lanzado en octubre del 2006 y grabado en Los Ángeles bajo la producción de Dave Sardy, quien antes había colaborado en la producción del primer disco de la banda. Jet empleó gran parte del 2005 y del 2006 en este álbum, en estudios de Melbourne y Massachussets. El proceso de grabación culminó el 2006 en los estudios Hillside Manor de Dave Sardy. El grupo grabó 20 canciones para este disco, pero 5 fueron descartadas. El disco Shine On se lo dedicaron a su padre el cual falleció antes de que se grabara el disco. El tercer álbum de la banda y último hasta ahora, es Shaka Rock que lanzaron junto co EMI Music, el 25 de agosto del 2009, con un total de 12 canciones, de las cuales se desprende el primer sencillo del álbum Black Hearts (On Fire). En este álbum siguen manteniendo su estilo en el hard Rock y el Rock clásico.

 

El 26 de marzo de 2012 anunciaron su disolución a través de un breve comunicado en su página web.

 

“Are You Gonna Be My Girl” —en español: «Vas a ser mi chica»— es una canción de la banda de rock australiana Jet, contenido en su primer álbum de estudio, Get Born, 2003. La canción fue lanzada como el primer sencillo del álbum el 25 de agosto de 2003, en Australia y en el Reino Unido, siendo relanzado 24 de mayo de 2004 en Estados Unidos. Compuesto por Nic Cester y Cameron Muncey, "Are You Gonna Be My Girl" es comparado con "Lust for Life" de Iggy Pop y "Screwdriver", de The White Stripes.

 

El video musical está rodada en blanco y negro, y muestra Jet realiza en un estudio en blanco. Mientras juegan, tinta negro comienza saliendo de su equipo y forma un paisaje parecido a la portada de su álbum Get Born y el álbum de The Beatles Revolver. El video fue filmado en Vinopolis, Londres. Tenga en cuenta que en el vídeo Muncey Cameron puede ser visto usando una camiseta de AC/DC.

Video

En vivo con subtitulos en español

Lyrics

Cinecritica: Ralph el Demoledor

RALPH EL DEMOLEDOR (WRECK-IT RALPH, EU, 2012)

Muy a mi pesar debo decir que esta cinta resulto ser un placer culpable, cuando la vi anunciada por primera no me llamo la atención para nada, era una cinta más de Disney que nomas no levanta cabeza y vive a la sombra de Pixar, después vi que era sobre el mundo de los videojuegos y que incluso personajes icónicos iban a salir, lo cual me pareció peor ya que me resultaba un insulto para todos los frikis y otakus entre los que se cuenta un servidor, pero después de ver que recibía muchos elogios decidí darle una oportunidad aun después de haberme llevado muchos chascos de es manera, y vaya que me sorprendió, resulto ser una historia bien contada que respeta el mundo y los personajes en los que esta y respeta las reglas que se va imponiendo, además de tener múltiples referencias, guiños y homenajes.

 

El director Rich Moore se gano mi respeto ya que al parecer si entiende este mundo, y sobre todo sabe como contar una historia aunque sea una que haya sido contada infinidad de veces, habitual colaborador de "The Simpsons" el señor sabe lo que hace y el diseño y los cambios visuales en los que se mueve logran que mantengamos la atención en todo momento, la cinta comienza mostrándonos la solitaria vida de Ralph (voz de John C. Reilly dando el tipo) quien es el villano del juego Fix-It Felix, un juego que parece la versión original de "Donkey Kong", pero Ralph esta harto de que solo Felix reciba los aplausos y de ser apartado y repudiado por la sociedad de su juego por lo que en un altercado en la fiesta de aniversario decide ganar una medalla para demostrarles que no solo es el idiota que destruye edificios.

 

El inicio con sesión terapeuta y todo es buenísima y de ahí Ralph va por su medalla a otros juegos y es donde decae un poco para luego volver a levantar en el juego "Sugar Rush" (¿acaso un dulzón "Mario Kart"?) donde pierde su medalla y conoce a Vanellope von Schweetz (impecable voz de Sarah Silverman) quien la uso para entrar a cierta carrera que la metería entre los jugadores a elegir, pero la niña es una falla y solo causaría que desconectaran el juego destruyéndolo y dejándola sin oportunidad de escapar debido a su problema, Ralph le ayuda y se enfrenta al Rey Candy para después entender sus razones aunque claro que todos sabemos que el mentado Rey esconde algo y que Vanellope es merece algo más lo que logra en un emocionante y sentimental final que deja con buenas sensaciones.

 

Calificación: Bien

Cinecritica: Spawn

SPAWN (IDEM, EU, 1997)

Comenzare repitiendo lo que todos saben y resulta obvio, en esto de los comics soy neófito, pero que alguien me explique porque esta película no tiene pies ni cabeza y porque la trama es lo más insulso del mundo, digo, se supone que para el tiempo que se hizo la cinta el comic tenia muchísimo tiempo con muchos números, y lo único que había tratado era una ligera introducción de personajes clichés y un payaso demonio junto a otro demonio que da pena ajena al estar hecho a computadora, bueno, supongo que el comic es menos peor que la cinta pero de plano su historia podría haber sido hecho por un niño en una tarea de creatividad de media hora.

 

Lo cual no seria del todo malo si por lo menos esta estuviera bien filmada, bien actuada y bien dirigida, digo para maquillar la deficiencia, pero no, la dirección parece de videoclip, los efectos especiales que dizque son lo mejor de la cinta son de pena ajena, no se si envejecieron muy mal pero he visto películas más viejas que se ven mucho mejor, digo, ese infierno computarizado con un demonio estático que se llama malebolgia es totalmente ridículo, de videojuego de computadora de los ochenta, pero de los chafitas, y el tal malebolgia en lugar de darme miedo me daba pena, asi no puede ser un demonio, malas decisiones del director Mark A.Z. Dippé, y de Martin Sheen que aquí hace el peor ridículo que le he conocido.

 

Y asi llegamos a las actuaciones, el protagonista Michael Jai White muy mal, Sheen totalmente sobreactuado, parecía que estaba en novela mexicana, de los demás tampoco se puede decir algo bueno, solo John Leguizamo se salva un poco porque aunque sobreactuado por lo menos luce entre tanta tontería, y por ser el único personaje que no parece estar en misa, hace chistes tontos y el ridículo a cada rato, algo perfectamente olvidable pero que aquí hasta se ve bien, de la trama, pues el tal Spawn (Michael Jai White) es traicionado por su jefe "Sheen" y se va al infierno donde hace un trato con malebolgia para volver a ver a su mujer con tal de que lidere a su ejercito, ahí traen un rollo revoltoso los malos y Spawn se les voltea, lo obvio.

 

Calificación: Churrote

Cinecritica: Busqueda Implacable 2

BUSQUEDA IMPLACABLE 2 (TAKEN 2, FRANCIA, 2012)

Pierre Morel no es un director talentoso en todo el sentido de la palabra pero por lo menos sabe montar bien las escenas de acción, en especial en la primera película de la saga "Taken" donde el guión cliché de Luc Besson llegaba a buen termino debido a un buen montaje, a la profesionalidad de Liam Neeson y a que la cinta apenas duraba hora y media, un palomazo indoloro que además gano puntos en mi cuenta personal por mostrar ese trafico tan sórdido que existe y que todos hacemos como que no, y por tomar una venganza que funciona como placer culpable para estos depravados corruptos que en su mayoría son empresarios millonarios o gobernantes.

 

Lastimosamente nada de eso hay aquí, en lugar de eso vemos como los familiares de los asesinados en la primera parte quieren venganza y persiguen a Bryan Mills (Liam Neeson ganando la papa) y a su familia con quien ahora el ex agente se lleva muy bien quitándole ese sentimiento de lejanía con su hija (Maggie Grace) que lo llevaba a culparse y reconciliándose con su ex esposa (Famke Janssen) que se esta divorciando, es decir que todo va a salir de boca y en un viaje a Turquía los secuestran y después de escapar Bryan va para vengarse, lo mismo pero más aburrido y peor filmado, además de que hay menos tensión.

 

Hasta los enemigos son aburridos y lo peor... estúpidos, dejan que el protagonista hable por teléfono en su cara, que haga trucos estúpidos y en lugar de tomar venganza solo la rumean todo el tiempo, y las escenas de acción son de pena ajena, el señor Olivier Meganton parece perdido y nos muestra escenas que duran un segundo como queriendo que nos perdamos y mareemos para que pensemos que pasa algo, la persecución es de pena ajena con la hija aprendiendo a manejar, en conclusión la primera no era gran cosa pero comparada con esta se siente como una buenísima cinta de acción.

 

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Ley Criminal

LEY CRIMINAL (CRIMINAL LAW, EU, 1989)

Debut en el cine de Martin Campbell que no funciona como uno hubiera creído y querido, y es que después de ver al reparto, en especial sus dos protagonistas, y una premisa que promete mucho más al final la cosa no convence, en primera porque las sorpresas no son sorpresas, se ven venir desde mucho antes, en segunda porque los personajes hacen demasiadas tonterías, en tercera porque se nota la novatez del director y por último porque por querer ser sorpresivo el guión se violenta y toma decisiones apresuradas que rompen con el ritmo de la cinta.

 

Y no es una mala película, por más que diga por ahí cierto critico que la actuación de Oldman es desastrosa lo cierto es que maneja bien el papel, no se luce en ningún momento y su personaje no esta bien aterrizado pero no lo hace mal, mucho mejor Kevin Bacon que nada más tiene que pelar los ojos y ya con eso parece un atentico psicópata calculador, además a diferencia de Oldman que se esfuerza mucho en su papel Bacon se divierte de lo lindo con su diabólico personaje que quizá no pase de ser un cliché pero que es mostrado con soltura y seguridad por el actor y que al final se gano más mi simpatía que el protagonista.

 

Ben Chase (esforzado Gary Oldman) es un exitoso abogado defensor que libera a Martin Thiel (adecuado Kevin Bacon) aun cuando existía un testigo ocular, después de este éxito lo celebra en grande y agradece ya no ser fiscal hasta que Thiel lo contacta solo para mostrarle un cuerpo que sigue el mismo modus operandus del asesino serial que ataca la ciudad, de paso lo contrata y comienza a jugar al gato y al ratón con él calando al abogado, al final todo marcha como quiere Thiel hasta que un acto desesperado llegamos al clímax que solo le da la razón al asesino maniático, es raro que diga esto de un pervertido asesino pero su modo de ver el mundo no puede ser más real.

 

Calificación: Palomera