Cinecritica: La Aldea

LA ALDEA (THE VILLAGE, EU, 2004)

Cuando vi esta película en el cine por primera vez mis expectativas eran altas y me lleve una gran desilusión, volviendo a revisar las películas de M. Night Shyamalan llego a esta que de nuevo no me gusto, claro que vi algunas cosas muy rescatables que no había tomado en cuenta la primera vez sin duda por el fallido final de la cinta, y eso es un decir porque la siempre presente vuelta de tuerca del director sale apenas pasada la hora de metraje porque todavía falta que nos muestre otras "vueltas de tuerca" que no solo no funcionan sino que también resulta cansinas porque se sienten como un final extendido, para explicarme, cuando llega la "impresionante" revelación final uno espera que la cinta acabe pronto pues ya no queda mucho que contar, pero Shyamalan nos tiene reservadas otras sorpresas que llegan poco a poco por lo que todo esto que seria la parte final se siente larga y anticlimatica ¿Como es posible que con un reparto tan solido y una hábil dirección la cinta se caiga en un hoyo? pues gracias al guión del director que ya aquí pecaba de soberbia.

Y de que va? La comunidad del titulo vive en una aldea de tipo antiguo pero con la peculiaridad de que nadie puede salir de ahí ya que en el bosque habitan unas extrañas criaturas que son parientes de Carlos Salinas de Gortari segun Lopez Obrador, si entran al bosque se rompe la tregua que tienen y con ello la idílica paz del pueblo, claro que esto conlleva el problema de que no pueden acceder a las medicinas que hay en el pueblo y a otros tantos artículos que los ayudarian, en la aldea nace un romance entre la hermosa invidente Ivy (Bryce Dallas Howard, bien) y el introvertido Lucius (Joaquin Phoenix, cumplidor) que es lo mejor de la cinta, lamentablemente las criaturas están atacando el pueblo, aparecen animales muertos y con ello la tregua se rompe, seguramente alguien ha entrado al bosque, además el retrasado Noah (Adrien Brody, haciendo lo que puede con un papel francamente ridículo) lastima a Lucius por lo que su enamorada Ivy se arriesga a pasar el bosque con la ayuda de su padre (convincente William Hurt) a pesar de las quejas del consejo.

Lo mejor de la cinta es el reparto, a los mencionados se les suma unos desaprovechados Brendan Gleeson, Sigourney Weaver y un largo etc., la banda sonora es buena aunque por momentos estorba y la dirección de Shyamalan es aplicada la mayor parte del tiempo, pero sigo pensando que la primera hora solo es una excusa para mostrarnos la dizque sorpresiva vuelta de tuerca de la revelación de los monstruos que además esta planteada de forma harto tramposa (¿porque no se la dice en lugar de hacer esa extraña ceremonia totalmente ajena a una realidad?), de ahi otra vuelta de tuerca que no funciona y que traiciona a la cinta en general, además de que no se sabe finalmente que onda con un personaje que nada más no encaja, pareciera que es usado como sea para avanzar el relato, y finalmente otra vuelta de tuerca en donde ya estamos aburridos y que funciona aun menos después de las dos anteriores y después la resolución que resulta cansina y donde ya queremos que se acabe esto, ese final debió durar de cinco a diez minutos y hubiera sido menos feo.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Damas en Guerra

DAMAS EN GUERRA (BRIDESMAIDS, EU, 2011)

La han querido vender como la versión femenina de "¿Qué paso ayer?", aunque comparte algunos chistes vulgares y el hecho de que la situación gira alrededor de una boda, pero la película es mucho menor vulgar que la otra, además de que solo gira alrededor de una protagonista en lugar de repartirlo en un elenco, y aquí como con la mencionada "¿Qué paso ayer?" no creo que sea una cinta que marque época o que siquiera vaya a ser recordada como un parteaguas del genero, aun asi la cinta puede aguantar el palomazo debido solamente a algunos buenos momentos conseguidos por la comediante Kristen Wiig, su personaje es el único que nos interesa, que no resulta odioso todo el tiempo, y el que logra los mejores momentos, y no me refiero a los chistes vulgares o comunes sino cuando hace comedia física, esas partes son la es mejores de la cinta y en Wiig hace un estupendo trabajo, merecía una mejor cinta, pero no se puede quejar ya que le guión es de ella.

Y de que va? Annie (Kristen Wiig, bien) esta en una pésima etapa de su vida, su negocio quebró, su trabajo no le gusta, odia a sus compañeros de departamento, no consigue una pareja que la quiera y respete, etc., lo bueno es que tiene a su amiga Lillian (Maya Rudolph) quien la escucha y comprende, por lo menos hasta que se comprometa y solo piense en su boda y elija a Annie como dama de honor, asi que además de todos sus problemas tiene que lidiar con preparar la despedida de soltera, la boda y todas esas cosas con que las mujeres sueñan y luego se quejan, pero además Helen (Rose Byrne) le quiere robar la amistad de Lillian y le hace la vida imposible, en tanto Annie ya encontró el amor pero no se ha dado cuenta.

Otro aspecto que me agrado de la cinta es esa critica hacia el sistema consumista norteamericano, lo que enseña que lo importante no es quien eres sino que tienes, que compras, que consumes, que vistes, el mismo sistema al que los mexicanos entramos hace tiempo, lastima que apenas se toque por encimita porque es lo único que vale la pena además de Wiig, quien gesticula muy bien adoptando el tono de la cinta y logrando algunos chistes físicos geniales; cuando demuestra que no esta borracha y su berrinche en la fiesta de compromiso, pero quitando eso no hay nada más, los demás actores no cumplen (solo McCarthy), el final es fácil y convencional,  y a la cinta le sobran por lo menos treinta minutos.

Calificación: Palomera

Reseñas Manga: Dragon Ball # 31

DRAGON BALL # 31 - LA AMENAZA DE CELL

El mejor tomo en lo que va, el dibujo de Toriyama ha avanzado mucho y la historia alcanza sus mejores momentos, claro que hay algunas cosas ahi que hacen surgir preguntas pero todo sucede de forma tan emocionante y contado tan bien que las incógnitas carecen de importancia, por lo menos mientras uno lo esta leyendo, hay algunas viñetas que presumen un dibujo excelente y el autor nos regala dibujos muy buenas como la divertida portada, la presentación del primer capitulo con las tres primeras fases de Cell y la hilarante portada de Cell mofándose y todos los demás personajes enojados e insultandolo. Por lo demás la historia es más inteligente, más compleja, más impredecible, más emocionante, mejor contada, con buen ritmo, etc.

Piccolo pelea con Cell quien quita la incógnita de su identidad, es un androide creado por la computadora del Dr. Gero con las células de Goku, Vegeta, Piccolo, Freezer, etc. que puede alcanzar la perfección, Piccolo intenta destruirlo pero escapa, ahora deben evitar que succione al A-17 y a la A-18 para que no se perfeccione, Vegeta se siente devastado al ser superado tan facilmente y Goku despierta con el plan de entrenar en la sala del espíritu y el tiempo, donde un día es un año, pero por otro lado esta pasando lo emocionante, los androides buscan a Goku y se encuentran con Piccolo, esté y A-17 pelean y Cell llega para fusionarse, Cell vence al A-17 y Piccolo lo entretiene pero es derrotado facilmente, el A-16 pelea con Cell para impedir que logre su objetivo pero por sorpresa absorbe al A-17 y evoluciona en su cuarta fase donde derrota como si nada al imponente A-16 pero Ten se sacrifica para que esté escape con la A-18.

Calificación: 8.9 - Muy Bien

Musica: Still of the Night - Whitesnake

WHITESNAKE - STILL OF THE NIGHT

Whitesnake es una banda británica de hard rock fundada en el año 1978 por David Coverdale, después de su separación de la banda Deep Purple, de la cual formó parte durante el periodo 1973-1976. Durante sus primeros años, su música estaba esencialmente orientada hacia el hard rock, el blues y el soul, viendose el cambio algo drástico de su estilo musical durante los años 80s orientado al mercado americano. Un aspecto que ha caracterizado a la banda es la inconsistencia de sus distintas formaciones a lo largo de los años, involucrando a distintos músicos británicos o norteamericanos, con David Coverdale, fundador de la banda, como único miembro permanente.

Still of the Night" (also known as "In the Still of the Night") is a single released by Whitesnake, from their hugely successful self titled 1987 album. It reached #16 in the U.K., #18 on the U.S. Mainstream Rock Tracks and #79 on the Billboard Hot 100 when it was released on March 9, 1987. In 2009 it was named the 27th best hard rock song of all time by VH1. The song was written by lead singer David Coverdale and guitarist John Sykes, and proved to be one of the band's most popular songs. It combines the blues origins of the band with the more distorted, harder sound driving the song, making for a powerful hard rock song. The current Whitesnake lineup and John Sykes both play the song as their live encore.

In 2009, in an interview with Metal Hammer, Coverdale commented on the origins of the song:

"When my mother died I was going through the stuff at her house and found some early demo cassettes. One of them was a song that Ritchie Blackmore and I had been working on which was the basic premise of what would become "Still of the Night". It was totally unrecognizable, so Ritchie doesn't have anything to worry about... neither do I! Ha ha ha! I took it as far as I could then I gave it to Sykesy when we were in the south of France, and he put the big guitar hero stuff on there. John hated blues so I had to work within those parameters. I manipulated to be electric blues, but how he performed it was fabulous for his time and relatively unique because of the songs. There were a lot of people doing that widdly stuff but they didn't have the quality of those songs."

The song has been cited as sounding similar to Led Zeppelin's "Black Dog", a possible source of inspiration for Coverdale and Sykes. The cymbal and hi-hat work, as well as the distorted guitar noise and Coverdale's moans in the breakdown of the song have also been noted to bear a resemblance to "Whole Lotta Love," yet another comparison to Led Zeppelin.

Fuente: wikipedia

Traducida (gracias a leonardosoche2674)

Lyrics (gracias a ivanbyman)

Live (gracias a GuilhermeParra10)

Cinecritica: La Mano

LA MANO (THE HAND, EU, 1981)

La segunda película de Oliver esto es una mezcla de aciertos con fallos, por un lado el actor principal es Michael Caine quien le echa todas las ganas para lograr meternos en su personaje, los actores secundarios hacen buen papel a pesar de que el guión deja a muchos como simple relleno, el aspecto visual de la cinta representa muy bien lo que la cinta quiere lograr con la psicología del protagonista, por el lado malo tenemos el hecho de que la supuesta sorpresa final se adivina practicamente desde el planteamiento de la historia, también la edición acusa serios problemas, algunas partes que se cortan sin sentido, saltos de tiempo sin ponernos al tanto, y escenas que debieron haber sido quitadas en la versión final ya que no añaden nada a la historia sino que estorban el avance de esta, de cualquier manera Caine construye un buen personaje y Oliver Stone ya apuntaba lo que llegaría a ser.

Y de que va? Jonathan Lansdale (Michael Caine, bien) es un dibujante de comic que tiene una crisis matrimonial aunque ni siquiera lo sabia, en medio de la pelea su esposa Anne (Andrea Marcovicci) pierde el control del auto y en el accidente Jonathan pierde la mano algo que acaba con su carrera y lo obliga a retirarse a dar clases sin consentir que su personaje sea ultrajado por un joven dibujante que quiere aprovechar su nombre con el consentimiento de su codiciosa editora, asi que en medio de los problemas maritales, profesionales, monetarios y la soledad de vivir solo empieza a ver a la mano cometiendo todo tipo de atrocidades en pesadillas, seguramente solo son alucinaciones por el estres, o quizá la mano en realidad haya cobrado vida y este realizando las cosas que el desearía hacer pero no se atreve.

Como uno se puede dar cuenta facilmente la cinta aborda el tema del síndrome de la mano ajena o anárquica pero de diferente manera para poder darle una vuelta de tuerca final que nos sorprenda, pero el hecho real es que la revelación no sorprende y la idea nunca termina de encajar, no nos adentramos en la cinta y por ello lo que sucede lo vemos sin entusiasmo, de cualquier forma podría verse y merece la pena la revisada por ser una rareza dentro de la filmografia del director, lastima que la cinta no cumpla bien porque la actuación de Caine merecía una mejor película, una más lograda, una que pusiera en sintonía esa tenebrosa carcajada final.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Halloween

HALLOWEEN (EU, 2007)

Ya lo había comentado en la reseña del clásico "Halloween" de Carpenter, no me gusta como se fue modificando el personaje y en especial este remake o reinvención (como se le insiste en llamar) del cantante transformado en cineasta Rob Zombie, no pongo en tela de duda que la cinta tiene muchisimos fanáticos y que los adolescentes de ahora la deben preferir sobre la original pero lo siento, no me gusta, en esta cinta que en realidad no es más que un remake alargado de la cinta original ,el personaje principal de la película no es el mal personificado, simplemente era un chico diferente que por el entorno en el que vivió se vio arrojado a convertirse en un despiadado asesino, para decirlo de otra manera Michael Myers es solo la víctima inocente de un hogar disfuncional e incluso al final intenta redimirse frente a su hermana pero como esta le da la espalda al igual que todos los demás pues solo le queda agarrar un cuchillo y matar cristianos.

Y de que va? Es la misma premisa de la original y algunas secuencias son copiadas de forma descarada pero hubiera sido mejor que la hubiera copiado de fu a fa para hacer una remasterización en lugar de meter todo ese asunto de trauma sicológico, Michael (Daeg Faerch) es un niño extraño e introvertido, con una madre prostituta (Sheri Moon Zombie esposa del director) que lo quiere mucho, un padrastro borracho que solo lo maltrata, una hermana mayor calenturienta que también lo mortifica y abusadores en la escuela que siempre se meten con él, asi que cuando el niño se defiende el director la agarra con él en lugar de los otros y se descubre un comportamiento sádico, después viene la matanza de su familia en Halloween (como comienza la cinta original) para dar paso a una larguisima y aburrida parte en la que supuestamente se nos explica el comportamiento de este en el manicomio, cuando se escapa intenta matar a su hermana tal como en la cinta original, liquidando a quien se encuentre.

Como uno se puede dar cuenta, las dos primeras partes de la cinta son un alargue del prologo de la primera, la primera no es del todo mala pero al tratarse de Michael Myers pues no cumple, la segunda es de pena ajena, y la tercera se alarga demasiado y nunca da miedo, ni se siente tensión, ni emoción, en definitiva este Michael aunque más grande y fuerte no tiene la presencia del original, además Zombie abusa de los desnudos, de las escenas de sexo y de los movimientos de cámara, pareciera que cuando quiere causar emoción mueve la cámara a lo loco y eso solo marea, al igual que sus constantes cambios de cámara, además Laurie aquí no tiene peso y es una chica tan pesada como sus insoportables amigas, y algo más, la película se contradice, parece que Zombie nunca se decide entre su asesino traumado o el mal personifico de la original asi que deambula entre uno y otro, su visión me parece errónea pero por lo menos se debería quedar con ella y defenderla si es lo que piensa.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Miseria

MISERIA (MISERY, EU, 1990)

Esta cinta es de que las que te gustan mucho o te sacan de quicio, decido a que la historia se desarrolla casi totalmente en una casa, o mejor dicho en una pequeña habitación dentro de esta, y la amenaza no es un hombre poderoso, corrupto o fuerte, ni una presencia sobrenatural, es una mujer de mediana edad que solía ser enfermera pero que tiene serios problemas psicológicos, asi que por un momento puede parecer una persona buena, atenta y pródiga y en otro una violenta, furica y déspota, justamente esos cambios de personalidad son lo que la hacen más peligrosa, de un momento a otro pueden venir esos cambios y desconcertar al protagonista y a nosotros por igual, además de la seria amenaza que representan, además la cinta es un duelo interpretativo entre Kathy Bates y James Caan, Bates esta soberbia como la bipolar Annie y con solo un pequeño movimiento de facciones cambia su carácter, su actuación le valió reconocimientos y premios, pero Caan también hace un trabajo estupendo pero por cosas del destino se vio opacado por Bates siendo que su actuación también es muy buena, claro que la de Bates es más vistoza pero pienso que Caan encarna perfectamente al pobre Paul.

Y de que va? La trama es sencilla, el famoso escritor Paul Sheldon (James Caan, muy bien) esta harto de tener que hacer la serie de novelas "Misery", una historia romántica practicamente para mujeres, pero el éxito de esta lo ha puesto en el mapa y le ha dado de comer, pero como Paul siente que su talento se ha estancado y que mientras que el personaje viva no podrá hacer otra cosa pues simplemente la mata en la novela que pronto saldrá a la venta, después de eso termina una nueva novela en una cabaña en colorado, cuando quiere volver a Nueva York sufre un accidente en una tormenta y es rescatado por Annie (Kathy Bates, espléndidamente sobreactuada como lo requería el personaje) quien resulta ser su admiradora numero uno, Paul esta agradecido con ella pero le resulta extraño que no lo haya llevado a un hospital y que su teléfono nunca sirve, en pocas palabras lo tiene aislado, después empieza a notar que Annie quiza es más peligrosa de lo que parece; se enoja en demasía por el manuscrito del libro que escribía Paul, explota frente a detalles sin importancia, con frecuencia se exalta al recordar cosas de su pasado.

La situación llega al limite cuando sale el nuevo libro de Paul y Annie lee como Misery muere, a lo que explota y rebela su verdadera personalidad, una sádica y enferma mujer con un turbio pasado, asi que Paul debe intentar salir a como de lugar, pero la situación es más complicada ahora que todos creen que esta muerto y que esta convaleciente por el accidente que casi le quita la vida, en pocas palabras esta a merced de una psicópata. La película va más allá del duelo interpretativo, la dirección de Rob Reiner es buena, capta la esencia de los temores de Stephen King, aunque no he leído el libro creo que debe ser el más personal del escritor pues muestra uno de los temores que debe tener en realidad, además la película tiene algunos momentos que podrían haber sido grabados por Hitchcock, las ocasiones cuando Annie sale de casa y Paul investiga con el tiempo en contra y la tensión en ebullición, o el uso de ciertos objetos que son usados después para el avance y resolución de la historia, bien por Reiner que logra tensión, suspenso y buenos momentos, inclusive la resolución tiene fuerza, todos estamos en contra de la loca que dizque habla con Dios.

Calificación: Bastante Bien

Reseñas Manga: Dragon Ball # 30

DRAGON BALL # 30 - UN MAL PRESENTIMIENTO

Tomo redondo donde ya entramos completamente en el nudo de la historia, todos los personajes han sido mostrados y vemos como se desarrolla todo de manera mucho más compleja y pensada que en todas las sagas anteriores, el A-17 y A-18 despiertan al misterioso A-16 quien no es un androide sino un robot, matan al Doctor Gero y van tras Goku por pura diversión menos el A-16 quien debe cumplir la misión, Vegeta los detiene pero A-18 le da una paliza y cuando los demás se meten ni siquiera pueden moverse antes de ser derrotados. Piccolo decide unirse con Kami-sama para poder enfrentarse a los androides mientras estos van tranquilamente tras Goku en una camioneta con el A-16 disfrutando de la naturaleza.

Goku es trasladado y Bulma encuentra la maquina del tiempo de Trunks, que resulta ser la misma y al mismo tiempo no (me encantan estas paradojas) donde viajaba una extraña criatura que salio de un huevo y después dejo una piel insectoide, después Piccolo fusionado con Kami-sama va tras la criatura que ya empezó la matanza.

Calificación: 8.75 - Muy Bien

Musica: Whole Lotta Love - Led Zeppelin

LED ZEPPELIN - WHOLE LOTTA LOVE

"Whole Lotta Love" es un tema de la banda británica de Rock Led Zeppelin. Es tema que abre su segundo álbum Led Zeppelin II y fue el primer single de la banda y uno de los más exitosos. En el 2004 el tema fue elegido en el puesto número 75 en la lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y, en marzo del 2005 mereció el lugar número 3 de la lista de los 100 mejores riff de guitarra revista Q Magazine. Fue grabado en varios estudios de Nueva York y Los Ángeles durante una gira de conciertos de los Estados Unidos, y editado por Jimmy Page en los Olympic Studios en Londres.

En 1962 Muddy Waters grabó el tema "You need Love" con Willie Dixon. En 1966 la banda británica de Soul "The Small Faces" grabó ese mismo tema bajo el título de "You Need Loving". Algunas de las letras de Whole Lotta Love fueron sacadas de la versión de Willie Dixon, uno de los favoritos de Robert Plant aunque el estilo de cantar se asemeja más a como lo hace Steve Marriott cantante de The Small Faces. Los parecidos entre You Need Love y Whole Lotta Love llevarían a un duelo judicial que terminaría en un fallo a favor de Dixon en 1985, haciendo que se incluyera a Dixon en los créditos de Whole Lotta Love. El tema además incorpora otras influencias como Back Door Man de Willie Dixon (aunque solo se influencia en el título) y la versión que posteriormente haría de ella Howling Wolf: Shake For Me.

Robert Plant era un acérrimo fanático de los cantantes de blues y soul y solía citar canciones de estos cantantes especialmente durante las interpretaciones en directo de sus temas. La práctica de tomar prestadas letras de otros cantantes era común entre los cantantes de blues de esa década. En palabras de Robert Plant: El riff era el de Page. Estaba ahí antes que nada. Yo pensé, 'bueno, y ¿qué canto?'. Eso era, un pequeño 'robo'. Ahora felizmente compensado. Por aquel entonces, había muchas conversaciones sobre qué hacer y se decidió que estaba tan lejano en el tiempo (7 años, de hecho), que... bueno, sólo te pillan cuando tienes éxito. Así es el juego."

Page toco el riff introductorio con una Les Paul Standard modelo "Sunburst 1958" y un amplificador Marshall modelo "Plexi" de 100W modificado.Desde el minuto 1:24 hasta el 3:02 la canción se toma un break de jazz en el cual podemos escuchar los famosos gemidos de Robert Plant y los efectos con el theremin que fueron añadidos posteriormente en el mix final y fueron creados por Jimmy Page y Eddie Kramer (el ingeniero de sonido de la banda) moviendo controles al azar. Para este tema, Jimmy Page utilizó la técnica de eco invertido.

Fuente: wikipedia

Ambas letras (gracias a ghujuan)

Vivo (gracias a miguelcontrol)

Cinecritica: Fright Night

LA NOCHE DEL ESPANTO (FRIGHT NIGHT, EU, 1985)

La opera prima de Tom Holland es una injustamente olvidada cinta de terror-humor que todavía funciona bien a pesar de los años, quizá ahora que se estreno un remake la cinta se conozca más, por lo menos eso espero porque la cinta de Holland escrita por el mismo director presume autoparodiar el genero y funcionar dentro del mismo, la cinta tiene momentos de horror, hilarantemente divertidos, sexuales y genuinamente emocionantes como resulta el enfrentamiento final. Los personajes están bien construidos y nos preocupamos por ellos, ya sea que queramos que sobrevivan o que acaben con ellos, además el mito del vampiro esta adecuadamente metido en la época actual, en realidad uno piensa que si existen los vampiros serian como el seductor despiadado Chris Sarandon quien desborda sexualidad, seguridad, presencia, y terror cuando aparece frente al pobre adolescente freak Charley, y frente a nosotros, claro que esto fue mucho antes de que llegaran todos esos vampiros arrepentidos, sufridores, romanticoides y hasta ñoños que poblaron y siguen poblando el cine.

Y de que va? Charley Brewster (William Ragsdale) es un adolescente muy fanático del cine de terror, tanto asi que ni siquiera hace caso de su novia Amy (Amanda Bearse) por lo que tiene problemas de pareja aunque el ni siquiera se da por enterado, y esto debido a que ha llegado un enigmático personaje a la casa vecina, el perfecto Jerry Dandrige (Chris Sarandon, adecuado) quien solo sale en la noche, además las chicas que lo han visitado aparecen muertas, por lo que Charley piensa que es un asesino, pero uno vampiro, algo de lo que se asegura poco después a pesar de que todos lo tachan de locos ni su mamá (Dorothy Fielding), ni su aguantadora novia, ni su amigo/rival "Evil" (Stephen Geoffreys, adecuadamente irritante) le creen algo sino que piensan que todos los programas que han visto le han afectado, pero Charley no se da por vencido y va con su héroe, el actor de películas B y presentador de televisión Peter Vincent (Roddy McDowall robándose la película) para pedirle ayuda, claro que no le creerá pero como esta en crisis profesional acepta el dinero que le ofrece Amy para demostrarle al esquizofrenico Charley que Jerry no es un vampiro, aunque quizá se lleven una sorpresa.....

La cinta es divertida, amena, rápida, terrorífica y emocionante, quizá dirán que mi entusiasmo es desproporcionado pero siempre es bueno ver a un vampiro de verdad mostrando todo su poderío en pantalla, uno que conserve esa aura misteriosa de los de antaño, además de que la cinta tiene una connotación muy fuerte, no tanto porque el papanatas de Charley no pele a Amy por su obsesión sino porque Jerry es un vampiro con toda la sexualidad presente, que busca mujeres y sangre, y que llega a su cúspide con un baile muy sensual en medio de la disco, también se le agradece que respete los mitos y creencias del vampiro, que son débiles al sol, que no pueden entrar en un lugar al que no han sido invitados, los crucifijos, el agua bendita, el ayudante, etc., algo increíble es que por inverosímil que parezca el protagonista pierde sea lo menos interesante de la propuesta, es opacado por el vampiro sediento de cuellos, el inadaptado convertido en vampiro pero igual de inútil, su novia que anda echando pegue con el guapo vampiro, y el actor/presentador que resulta ser el verdadero adversario del mal por mas que se queja y llora.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Tiendita de los Horrores

LA TIENDITA DE LOS HORRORES (THE LITTLE SHOP OF HORRORS, EU, 1960)

Esta película de serie B se convirtió en una cinta de culto, o por lo menos en una de las más populares y por ello ha perdurado hasta la fecha, hecha por el especialista en cine de terror Roger Corman la cinta es una interesante cinta que funciona más como cinta de humor negro que como película de terror y claro que esta es la finalidad de la cinta que incluso hace mofa de su protagonista en un final de mala leche, existe una versión más moderna en forma de musical a su vez basada en una obra que ya reseñe en el blog y que al contrario de mucha gente disfrute, más que nada por el humor negro y el carácter de la planta, y esta cinta me gusto más, por lo menos asi lo siento en este momento, y no porque sea la versión original lo cual le da un aire de completa originalidad sino porque creo que todavía tiene más humor negro y personajes extravagantes que la otra.

Y de que va? Seymour (Jonathan Haze) es un inepto empleado de una floristeria por lo que esta a punto de ser despedido por el dueño Gravis Mushnik (Mel Welles) pero la otra empleada Audrey (Jackie Joseph) le ruega a su jefe que le de otra oportunidad, este solo accede cuando Seymour le muestra una rara planta que podría poner al negocio en boca de todos según el experto cliente Burson (Dick Miller) quien gusta de comer flores, el problema es que la planta esta muriendo y Seymour no sabe que hacer, por casualidad descubre que la planta (bautizada como Audrey jr.) se alimenta de sangre y con ello crece mucho, después de esto la planta le empieza a hablar a Seymour incitandolo a cometer toda clase de delitos con tal de alimentarla y conseguir lo que desea, es asi que un trabajador de las vías, un dentista sádico, un ladrón, etc., se van convirtiendo en victimas de la insaciable planta trayendo con ello fama y fortuna a Seymour hasta que tenga que pagar por sus pecados.

La cinta tiene una muy pobre calidad, los efectos son deficientes e inclusive muchas veces lo oscuro de la cinta opaca lo que acontece, pero son defectos entendibles puesto que la cinta se filmo con muy bajo presupuesto en un tiempo limite a pesar de que esto no los elimina, lo dicho, el humor negro y la mala leche hacen su trabajo en la cinta, de modo que nunca hay un pedazo aburrido, la carcajada siempre esta ahi y la planta esta bien hecha a pesar de los pocos recursos, y los personajes son extraordinarios, a los ya mencionados se les une la hipocondriaca madre de Seymour que además de quejarse solo come remedios y medicina, "¿esto que cura?" le pregunta Seymour a Audrey en su cita al comer emparedados, una mujer que todos los días llega por flores para un nuevo pariente muerto, las tontas y gritonas colegialas, la experta en botánica, un paciente masoquista del dentista interpretado por Jack Nicholson nada mas, en pocas palabras una cinta que cumple, que no logra más de lo que quiere, ojala todas las cintas fueran así.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Los Cuatro Fantásticos y Silver Surfer

LOS CUATRO FANTÁSTICOS Y SILVER SURFER (FANTASTIC FOUR: RISE OF THE SILVER SURFER)

De nueva cuenta aclaro que no se nada de este grupo de superheroes, entiendase que los he oído mentar y que hasta se que tienen caricatura y comic pero hasta ahi, no se quienes son, que hacen, cuales son sus enemigos, etc., y justamente por ello esta vez no puedo comportarme como un fanático y hacer comparaciones, en este caso quizá seria algo bueno porque la película es horrible, recuerdo que vi la primer película del cuarteto de superheroes pero casi no la recuerdo, sin duda un método de autodefensa de la propia mente, lo cual no me preocupa ni lo mas mínimo, recuerdo que era un churro que aburría en demasía y pecaba de pomposo, justamente lo mismo que esta segunda parte.

Y de que va? Pues los cuatro fantásticos del titulo; Mr. Fantástico (Ioan Gruffudd), Susan Storm (Jessica Alba), Johnny Storm (Chris Evans), La Mole (Michael Chiklis) están ocupados con su nueva vida de celebridades, cada quien tiene sus propios problemas, la pareja porque no se puede casar, el chámaco porque tiene sentimientos encontrados y la Mole porque no esta contento con su nuevo cuerpo, lo que menos les importa es la amenaza que esta sufriendo el mundo ¿y como no? si de los tres villano no se hace uno, ni del traicionero Victor Von Doom (Julian McMahon) que termina siendo un chiste, ni del computarizado Silver Surfer del titulo que en realidad es bueno y mucho menos del villano principal, una especie de gas intergalatico que devora mundos y además al final resulta que Silver Surfer se rebela (¡que sorpresa!) y da cuenta de este en una serie de contradicciones y aburrimientos letales.

Pues si, Tim Story se volvió a aventar un churro y supongo que esta vez no le fue tan bien en taquilla ya que no ha salido otra cinta de estos superheroes, aunque no dudo que una nueva saga venga en camino, la verdad ya chole con las cintas de superheroes, deberían sacar una por temporada en lugar de las treinta que sacan ahorita.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Biutiful

BIUTIFUL (MÉXICO - ESPAÑA, 2010)

La nueva cinta de Alejandro Gonzalez Iñarritu es lo más flojo de su filmografia, y no solo eso, es aburrida, pretenciosa, cansina, pesada, floja, reiterativa y muy larga, y soy de esos a los que les gusta el trabajo anterior de Iñarritu pero esta vez se paso de tueste, ahora se enfoca en un solo personaje por lo que cansa su alargado metraje, y la cronología es "normal" por lo que no tenemos esos saltos de tiempo hacia adelante y atrás que servían como estilo y para disfrazar de una falsa complejidad a la historia, ni siquiera tenemos a muchos buenos actores para hacer más llevadera la cinta, en lugar de eso tenemos a Bardem haciendo un excelente trabajo pero que llega a cansar debido a la historia, a la película que nunca se decide a ir a ningún lado, no estoy en contra de que la cinta sea deprimente o pesimista,de hecho muchas películas asi me gustan, pero el problema es que no se dirige a ninguna parte, solo se trata de que le caen desgracias al protagonista hasta que se muere ¿y para contarme eso ocupa dos horas y media?

Y de que va? Uxbal (Javier Bardem, muy bien) tiene cancer de prostata y solo le quedan unos meses de vida por lo que tratara de dejar todo arreglado para sus hijos pero los problemas le caen uno tras otro, los negros indocumentados que maneja lo mandan a la fregada, los mafia china con los que hace tratos no los respetan y le quieren robar, el policía que soborna no lo pela, su hermano lo ningunea y se acuesta con su mujer bipolar y masajista, los niños le tienen miedo, ¿que más? ah si, ve gente muerta como el niño de sexto sentido solo que estas están trepadas en las paredes como en el cine asiático, tiene el trauma de perder a su padre, etc., asi podría seguir un tiempo porque la cinta solo cuenta las desgracias que le pasan a Uxbal sin moverse de ahí, nunca hay una finalidad, vamos que ni siquiera hay un camino, a no ser que la escena final quiera decir que Uxbal se va al cielo o un lugar por el estilo y que por fin es feliz, mmmm, de nuevo pregunto que entonces para que tanto cuento.

Lo mejor de la cinta es Javier Bardem y al algunos momentos que son de buen cine, la escena de despedida con la hija por ejemplo pero la mayor parte del tiempo la cinta es una aburrida crónica en la que Bardem se ve obligado a poner el mismo gesto hasta que llegue su final, Uxbal suplica porque le llegue el final, Bardem también, y nosotros con él. Eso si, el nivel de producción es bueno, Iñarritu hace una dirección limpia y la mayoría de los actores hacen buen trabajo, el fallo esta en el guión del propio director que no hace mas que dar vueltas en el mismo lugar y mostrar cosas que ni al caso, de nada sirve la historia secundaria de los chinos homosexuales, ni siquiera era necesario mostrar nada de su vida, demasiado tiempo perdido en la mujer, una ida al antro que también es perdida de tiempo, esa cualidad de ver a los muertos que no sirve para nada en la cinta y que significa cantidad de escenas inútiles, la de la adivina o lo que sea, la del niño muerto, etc. Ojala el director vuelva a mostrar algo bueno aunque para esto debería dejar en paz el genero que ya agoto, algo poco probable con tanto halago y nominación recibido.

Calificación: Churrito

Reseñas Manga: Dragon Ball # 29

DRAGON BALL # 29 - LA DERROTA DE GOKU

Vuelve a tomar fuerza la historia, la aparición de los androides 19 y 20, Yamcha a punto de morir, la derrota de Goku a manos del A-19 (una especie de payaso/mimo gordinflón) por causa de la enfermedad del corazón de la que hablo Trunks, la aparición de Vegeta que destroza al A-19, lastima que se ponga tan presuntuoso que hasta saca una linea totalmente estúpida y telenovelera, la derrota del A-20 a manos de Piccolo razón por la que debe escapar no sin que antes llegue Bulma y les diga que en realidad es el Doctor Gero reconstruido como androide, la consternación y miedo de Trunks debido a los androides desconocidos.

La revelación de la verdadera identidad de Trunks para con sus padres Vegeta y Bulma, y al final del tomo el despertar del A-17 y la A-18 que se rebelan contra Gero. Todo esto en un tomo emocionante y vertiginoso, no falto de humor como de costumbre.

Calificación: 8.6 - Muy Bien

Lo Mejor del Mes: Septiembre 2011

Bastantes cosas buenas reseñe este mes aunque casi nada nuevo, por ahí también dos churrotes que debe ser evitados a toda costa:

Lo Mejor en Cine..... "Invierno Profundo" de Debra Granik, ya se que no la revise este mes pero es lo mejor que llego a los cines de la ciudad, con más de un año y medio de retraso por cierto, la cinta es una dura critica a la sociedad norteamericana (específicamente los montañeses), a las autoridades, y al mismo espíritu humano, y además de eso es una estupenda cinta thriller noir con una fuerte mujer como protagonista, pesimismo y magia pura.

Lo Mejor..... "4 Meses, 3 Semanas y Dos Días" de Cristian Mungiu, la cinta es una crónica sobre los días en que se le practica un aborto a una mujer en la Rumania de la década de los ochenta, pero su mensaje se mantiene vigente a pesar de las fronteras y el tiempo, siempre habrá un carnicero que se aproveche de esto, pero la cinta no toma partido sino que muestra esta fuerte historia casi como si fuera un documental, sin música, haciéndonos participes.

Mención Honorifica..... "Duel" de Steven Spielberg, la opera prima (para televisión) del todopoderoso director es una poderosa cinta que se mantiene vigente a pesar del tiempo, hecha con poco presupuesto y tiempo en realidad nos sumerge y tensiona, una cinta que podría haber sido grabada por Hitchcock ¿que mejor halago se puede hacer?

Segunda Mención Honorifica..... "Moulin Rouge" de Baz Luhrmann, ¿que puedo decir? después de sus fallidos primeros minutos todo me gusto, su estética, su música, los montajes, los números, su colorido, su exceso, en pocas palabras me tuve que rendir a la exageración de la bonita historia de amor entre una cortesana y un escritor.

Lo Peor..... "Sucker Punch: Mundo Surreal" de Zack Snyder y "Malas Enseñanzas" de Jake Kasdan, no decido cual de estos dos bodrios es peor, si la dizque comedia guarra de la Cameron o esa cosa computarizada sin sentido de Snyder que además como de costumbre peca de pretenciosa.

Musica: Free Bird - Lynyrd Skynyrd

LYNYRD SKYNYRD - FREE BIRD

Lynyrd Skynyrd es un grupo de hard rock estadounidense considerado "el grupo definitivo de rock sureño, fusionando la potencia saturada del blues-rock con una imagen sureña rebelde y la arrogancia del hard rock". El grupo adquirió importancia durante los años 70, bajo el liderazgo del vocalista y compositor principal Ronnie Van Zant, hasta su muerte en 1977.

Lynyrd Skynyrd entró en el "Rock and Roll Hall of Fame" el 13 de marzo de 2006. Fue uno de los grupos de rock sureño de los 70 con mayor éxito comercial y aclamación por parte de la crítica. Su distintivo sonido, con tres guitarras principales, convirtió sus canciones "Free Bird" y "Sweet Home Alabama" en himnos estadounidenses y estampas habituales de la radio FM. Los artistas optaron al premio 25 años después de la publicación de su primer álbum. Los miembros galardonados fueron: Ronnie Van Zant, Gary Rossington, Allen Collins, Leon Wilkeson, Bob Burns, Billy Powell, Ed King, Artimus Pyle y Steve Gaines. Entre sus composiciones figuran canciones como "Sweet Home Alabama" que era una respuesta a las canciones "Southern Man" y "Alabama" de Neil Young, que criticaba el quehacer sureño. La revista Rolling Stone los coloco en el número 95 de su lista "los mejores artistas de la historia", mientras que VH1 los posiciono 77 en la lista hecha el 2010

El grupo, en un principio se llamó My Backyard, formada en Jacksonville, Florida, en el verano de 1964 por un grupo de amigos adolescentes Ronnie Van Zant (vocalista), Allen Collins (guitarra), Gary Rossington (guitarra), Larry Junstrom (bajo) y Bob Burns (batería). Sus influencias musicales eran grupos de la denominada British Invasion, como Free, The Yardbirds, Neil Young y The Beatles, así como también el blues sureño y la música country rock y occidental.

Durante los 60, el grupo cambió de nombre varias veces (más notable The Noble Five and One Percent) mientras tocaban en clubes y bailes de Jacksonville. En 1968 ganaron un concurso local de Batallas de Bandas, usando el dinero del premio para grabar las canciones "Need All My Friends" y "Michelle" y así lanzar su primer sencillo. También ganaron ser la apertura en varios espectáculos del grupo Strawberry Alarm Clock.

"Free Bird" es un himno de rock de la banda estadounidense Lynyrd Skynyrd. Comienza con una lenta balada de piano, con tono de órgano gospel, un slide de guitarra, y aproximadamente cuatro minutos de guitarra solista en forma de un duelo de guitarra.

BBC Radio 2 considera "Free Bird" 'la base del rock emparejada sólo con "Stairway to Heaven"'. La revista Rolling Stone la colocó en el puesto 191 ° de su lista de las 500 Mejores Canciones de todos los tiempos. También la revista Guitar World la ubica en la posición #3 en su lista de los 100 mejores solos de Guitarra en la historia.

Estuvo en varias listas en numerosas ocasiones, tanto en los EE.UU. y el Reino Unido, pero sólo alcanzó el # 19 en los EE.UU. Billboard. La canción encabezó las listas de Billboard Hot 100 en 1988, cuando fue mezclado con "Baby, I Love Your Way" de Peter Frampton por la banda Will to Power. La versión original de la canción fue grabada en Muscle Shoals Sound Studio en Muscle Shoals, Alabama. La versión en vivo es también la canción más larga de Lynyrd Skynyrd.

La canción fue escrita en los comienzos del grupo, cuando uno de los roadie de la banda, Billy Powell, era desconocido como pianista pero fue descubierto cuando tocaba la intro de la pieza "Free Bird" en una escuela de secundaria. Pronto Powell pasó a ser miembro después de Ronnie Van Zant notara su talento y lo invitara a unirse.

La letra nació cuando Allen Collins estando con su novia, se dio cuenta de que la música siempre había estado en primer lugar para él, entonces fue cuando él le hizo una pregunta: "Si me fuera de aquí mañana ¿te acordarías de mi?" ("If I leave here tomorrow would you still remember me?"). Esta interrogante se convirtió en la línea de apertura de "Free Bird".

Cuando Allen le mostró la canción a Ronnie Van Zant, este se burló de él, diciéndole que "tenía demasiadas palabras". Más tarde Van Zant tuvo una idea para una melodía, y le dijo a Allen que tocara la canción de nuevo, y "Free Bird" nació.

Traducida (gracias a Licha6661)

Lyrics (gracias a KinPelleasOfDaien)

Cinecritica: Moulin Rouge

MOULIN ROUGE (AUSTRALIA - EU, 2001)

Tengo que admitir que la cinta de Baz Luhrmann me gusto bastante, la disfrute mucho y hasta me emociono en ciertos fragmentos, admito que la historia es increíblemente genérica y que los números musicales son amalgamados y carecen de originalidad pero a pesar de eso siento que la cinta es muy recomendable, claro que tiene que gustarte el genero musical porque esto es Moulin Rouge, un musical, donde los personajes empiezan a cantar nada más porque si los diálogos, no hay uno o dos números musicales en medio de la película como intentan hacernos creer ultimamente, nada de eso, la historia se cuenta mayormente por medio de canciones que aquí no están hechas específicamente para la película sino que Luhrmann tomo varias canciones e hizo un collage con ellas para que los personajes las saquen en el momento más oportuno, por ello vemos muchos fragmentos, un personaje suelta un enunciado de una canción (arreglada o no) y el otro le contesta con uno de otra canción, los que no soporten esto favor de abstenerse.

Y de que va? El inicio de la cinta creo que es el eslabón débil, esta media hora no solo es presentada de manera atropellada y con un estilo muy parecido a un videoclip, sino que además se dan las cosas de manera muy fortuita y la equivocación al confundir al Duque (Richard Roxburgh adecuadamente despreciable) con el romántico escritor Christian (Ewan McGregor, bastante bien) es un recurso facilon aunque sus consecuencias son hilarantes, asi que la cortesana estrella del moulin rouge Satine (Nicole Kidman, preciosa y exquisita en su interpretación y en todo) se enamora del escritor muerto de hambre (¿porque estas historias siempre serán asi?) aunque deben ocultar su amor para que el Duque financie la obra que elevara al Moulin Rouge de ser un simple cabaret y a Satine a ser una respetada actriz, a partir de esto la cinta casi siempre va para arriba con unas atinadas escenas cantadas, con el humor que siempre muestra la cinta, con Satine haciendo hasta lo imposible para no estar con el Duque, y hasta con la historia de amor que debo admitir me gano.

Hay escenas que no funcionan tanto pero otras que en verdad me emocionaron como la versión Tango de "Roxanne" (lo siento Sting) y Tanguera en un momento cumbre de la cinta, además se le agradece que no sea tan seria y que tenga mucho humor a pesar de ser un romance trágico, y es formidable como cantan McGregor y Kidman quienes aunados al reparto logran algo fenomenal, hacer un musical diferente, distinto, aprovechando la música de la cultura pop, desde Elton John a Madonna, desde Nirvana hasta Police, de Queen a Bowie e incluso algo hecho para la propia cinta, se que de seguro mucha gente la odiara y no solo porque sea un musical sino porque rompe el esquema clásico de estos, pero bueno, me emociono y eso es suficiente para un servidor, más allá de sus valores artísticos/estilísticos (que los tiene), y me convenció de un inmenso romance entre una cortesana cabaretera y un ingenuo escritor ¿que más se puede pedir?

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: X-Men: Primera Generación

X-MEN: PRIMERA GENERACIÓN (X-MEN: FIRST CLASS, EU, 2011)

Ya se que siempre digo que ya chole con las cintas de superheroes, que estoy cansado de ellas y que hay una sobreexplotación ridícula de ellas pero mientras sigan dando dinero se harán, y además esta no me molesto tanto, de hecho no me molesto nada, dista mucho de ser una buena película pero por lo menos aguanta el palomazo y de manera digna, se cae en algunos momentos y si no esta ninguno de la pareja protagonica la cosa no es interesante, además el villano cumple con su cometido, es un megalomaniaco, tan simple como eso, no esta traumado o sigue sin superar algún problema, no se burlan de él, simplemente es una persona ávida de poder que hará lo que sea con tal de ser el amo del mundo, claro que no es profundo pero por lo menos no es aburrido y no se pierde tiempo con él, bueno.... para ser franco a veces suelta discursos tediosos.

Y de que va? Pues la cosa va de que Sebastian Shaw (Kevin Bacon muy en su papel) esta formando un grupo de mutantes con superpoderes para hacer la tercera guerra mundial tomando como peones a EU y la Union Soviética, por otro lado Erik (Michael Fassbender, bastante bien) lo esta buscando para matarlo ya que cuando era pequeño asesino a su madre y experimento con él en los campos de concentración nazi, donde vemos la primera escena y una de las mejores de la cinta, en tanto que Charles Xavier (James McAvoy, bien) se alia con la CIA para enfrentarse a Shaw e impedir la guerra, por ahi salen otros mutantes pero la mayoría son relleno, otros solo estorban y tambien sale Mystique (Jennifer Lawrence haciendo lo que puede con un personaje desperdiciado) que solo sirve para ser despreciada por los dos protagonistas, ellos solo están interesados es buscar más mutantes y en su relación de amigos/rivales.

Justamente esa relación es el centro de la cinta, a un lugar secundario pasa la probable guerra nuclear, la aceptación de los mutantes y hasta el villano Shaw que palidece cuando se encuentran el futuro profesor X y Magneto, las escenas de acción estan bien hechas pero nunca funcionan completamente y la pelea final se alarga muchisimo siguiendo la tradición de las cintas de superheroes, de cualquier manera Matthew Vaughn pasa el examen y aunque los fanáticos de esta serie me tachen de ignorante (es cierto, no podría saber menos del asunto) y de blasfemo debo decir que estos dos mutantes son mucho más interesantes que el mentado Wolverine y sus insufribles lamentos y poses.

Calificación: Regular

Cinecritica: Prueba de Fuego

PRUEBA DE FUEGO (FIREPROOF, EU, 2008)

Pues me toco ver esta cinta en un viaje y como el insomnio hizo su aparición me la tuve que echar, primero lo primero, la cinta es una película "religiosa", es decir que trata de poner su mensaje religioso en la trama e incluso a partir de este parte la historia, esto no significa que la película sea mala o que estorbe la trama pero si hace mucho más difícil conseguir una buena cinta, en primera porque el valor artístico de esta se pone por debajo del discurso que se quiere dar y en segunda porque al ser este el tema central de la cinta pues todo lo demás queda relegado a segundo lugar, a pesar de eso la cinta funciona como un romance dramático a pesar de que chantajea durante todo el metraje, pero lo que en realidad me saco de onda es que al final se le da harto valor al dinero, y pues..... mmmm..... no creo que ese sea un valor muy cristiano.

Y de que va? Caleb (Kirk Cameron) es un bombero héroe de la comunidad pero tiene serios problemas maritales con su mujer Catherine (Erin Bethea) debido a su forma de ser y a su distanciamiento, asi que mientras Caleb simplemente se preocupa por su trabajo y tiene una enfermiza obsesión con la pornografía, Catherine pide el divorcio y empieza a salir con un medico gandalla del hospital en que trabaja, ante esto el padre de Caleb le da a su hijo una especie de guia que debe seguir al pie de la letra durante cuarenta días, Caleb hace esto y la ingrata Catherine le empieza a tomar en cuenta hasta el final y creo que después de encontrar el librito, y también Caleb perdona a su madre en una historia secundaria muy apresurada, total que al final todos vuelven a ser felices y aprenden a perdonar, pues si, todo muy cristiano.

Lastima que la cinta tenga muchas fallas y se vuelva reiterativa, además como apunte antes se le da al dinero un valor que no encaja con el mensaje de la cinta, Catherine practicamente se tira a los brazos del medico cuando cree que este le pago los aparatos que su madre necesita pero al saber que fue Caleb quien lo hizo pues no tiene de otra mas que buscarlo en su trabajo y decirlo cuanto lo ama y que lo siente mucho, en otras palabras el dinero fue el detonante de que Catherine perdonara a su marido y de que se reconciliaran para llegar al tan ansiado final feliz, como que eso no me cuadra, como que los guionistas no supieron que hacer y se inventaron una salida muy facilona, sin importar que la cinta sea religiosa o no.

Calificación: No Vale la Pena

Reseñas Manga: Dragon Ball # 28

DRAGON BALL # 28 - EL JOVEN QUE VINO DEL FUTURO

El tomo comienza con un capitulo titulado "Un Inútil Final" y en efecto, no se si Toriyama a sabiendas de que la pelea de Freezer y Goku se había hecho cansina y repetitiva decidió autoparodiarse o si simplemente ya no sabia que titulo poner a otro episodio de la larguisima pelea, lo que si es que el final es muy aburrido con un Goku que no se decide, después de esto se da termino a la saga, todos reviven, los namekianos regresan a su planeta y Goku esta vivo pero no quiere volver todavía. Lo bueno es que inmediatamente entramos a la siguiente saga con la llegada de Freezer y su padre quienes son eliminados de manera vergonzosa por un extraño joven que al igual que Goku se convierte en supersaiyano.

Un tomo de introducción pues el joven llamado Trunks viene del futuro y es hijo de Bulma y Vegeta (por ello Trunks se llama asi, es decir "Boxer" siguiendo el ejemplo de su madre), le advierte a Goku sobre su enfermedad y la llegada en tres años de los androides que destruyeron la tierra, y el tomo termina cuando estos hacen su aparición.

Calificación; 8.25 - Bastante Bien