Cinecritica: Monster Trucks

MONSTER TRUCKS (ÍDEM, EU, 2017)

Una lastima que el especialista en animación Chris Wedge se quedara sin proyectos nuevos a la vista despues de este fracaso de taquilla y critica, y mas aun al ser un intento con personas reales complementado con animación por computadora, y digo lastima porque la cinta no merece esa cantidad de palos que le llueven, es una entretenida cinta familiar de aventuras que nos recuerda a esas películas que se hacian en los ochentas y noventas y que consigue parte de ese encanto ñoño, algo que por ejemplo no logran algunas series y cintas de casas productoras millonarias que si son adoradas por todos, dejando mis quejas de lado la cinta tiene un guion fantasioso por supuesto, y villanos caricaturizados, ademas de un actor protagónico que no consigue del todo el carisma y encanto necesario para bordar un papel así pero lo demas esta bien cuidado.

Los efectos especiales cumplen, no solo los de 3d sino los prácticos para demostrar por ejemplo que un pulpoide esta manipulando el carro, esto se agradece ya que no se nota tanto y ayuda a que nos entreguemos a la fantasía, y el reparto es bueno, por ahí aparece Rob Lowe, Danny Glover, Barry Pepper y Amy Ryan como secundarios, ademas de mi amor platónico Samara Weaving que casi en cameo ya demuestra el poder magnético que tiene con la pantalla. El frustrado Tripp (Lucas Till) se esfuerza trabajando para poder salir del hoyo en el que siente su vida, esta da un cambio cuando descubre a un animal bebe prehistórico adorable que se alimenta de gasolina y que llego hasta ahí escapando de una malévola empresa, de nuevo pregunto ¿hay de otras?, que quiere exterminarlos y ocultar su existencia con tal de seguir sacando oro negro.

Tripp ayuda al no tan pequeño a escapar, salvar a sus padres, y de paso entender que su vida no es tan mala y que la chica nerd que lo acosa esconde a una bella e inteligente mujer (Jane Levy, bien), todo esto en una fantasía escapista que ademas de cómica resulta genuinamente emocionante, ademas de dejar un buen mensaje moral, humano y ecológico, criticar a las empresas y servir de comercial gigantesco de los chuches esos, no todo el cine tiene que ser de autor o con tipos tomando café mientras hablan de lo mal que esta la sociedad, del racismo y de las diferencias sociales, por lo menos personalmente no puedo mas que celebrar estos blockbuster con buenas intenciones, aceptando que son comerciales, y ademas ¿ya dije que sale Samara Weaving? dos minutos... ya se.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Bad Day for the Cut

BAD DAY FOR THE CUT (ÍDEM, REINO UNIDO, 2017)

Donald (Nigel O'Neill, excelente) es un serio granjero que vive junto a su madre (Stella McCusker) donde comparten una buena relación, por mas que a la señora le gustaría que su hijo se tomara unas vacaciones sin ella para desapegarse un poco, en esta tranquila Irlanda todo transcurre con normalidad, hasta esa fatídica noche en que se meten a robar y en el proceso asesinan a la señora, el dolido Donald apenas soporta el dolor y desea vengarse, en el proceso descubre que quizá no fue un accidente, que el pueblo le esconde secretos, que su madre no es la persona que él pensaba y que para vengarse tendrá que averiguar los secretos del pasado, la relación de los bajos mundos, y una maraña de corrupción y poder que parecieran rebasarlo totalmente, todo esto mientras comparte una extraña relación de amistad/odio con un bonachón muchacho polaco (simpático y exasperante Jósef Pawlowski) que busca rescatar a su hermana de una banda de trata de personas.

Cinta de venganza con mucho suspenso y algunas logradas escenas de accion que no escatiman en mostrar violencia, aparte de la buena factura técnica del director y guionista Chris Baugh la cinta cuenta con carisma y personalidad, los tonos oscuros de la cinta calzan perfecto con lo que se nos cuenta, la cámara entrega buenos planos con mucha clase y potencia cuando son necesarios, y el guion ofrece interesantes giros de guion que nunca hacen trampa, son realistas y mueven la historia hacia su desenlace, ademas de hacer una critica a la sociedad irlandesa se critica la venganza misma como una vorágine cíclica que nunca tiene fin, esto queda mas claro cuando se conoce la historia, es un punto y mensaje crucial de la misma, otro punto a mencionar son sus personajes, todos estan bien escritos y con una profundidad casi nunca vista en este genero donde los villanos se conciben como caricaturas y los protagonistas como héroes invencibles.

Aquí todos caminan en una fina linea gris que separa ambos lados de la moneda, y el que se atreve a ser bueno paga caro su osadía, este punto me parece muy interesante ya que le da a cada personaje sus propias motivaciones sin que con ello dejen de ser villanos o héroes, entendemos a los villanos, comprendemos sus motivaciones, pero aun así sus acciones nos parecen detestables, esta valentía de poner a un humano como villano quizá incomode a buena parte de los espectadores acostumbrados a ver caricaturas que jamas verían en la vida real, aquí se nos dice que un vecino, un compañero, un amigo o un familiar pueden ser villanos en su propia historia, también el personaje central tiene un desarrollo y crecimiento extrañamente visto en este genero, se agradece y O'Neill lo hace muy bien, esto es otro punto fuerte, un reparto sin tache donde ademas de los mencionados brilla una Susan Lynch desatada, un Stuart Graham contenido y los pintorescos secundarios, al final uno esta seguro de haber presenciado buen cine, y convencido de que la venganza es completamente auto-destructiva por más que tengamos razón y derecho moral a ella, esos planos finales de Baugh son como un marro en la cabeza, y justo por ello tan devastadores y maravillosos.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Sonido del Metal

EL SONIDO DEL METAL (SOUND OF METAL, BELGICA - EU, 2019)

El energético baterista Ruben (un majestuoso Riz Ahmed) esta tocando heavy metal junto a su pareja/compañera de grupo Lou (Olivia Cooke, bien) en una entrada potente y vertiginosa de la cinta debut en ficción de Darius Marder que nos estalla en ruidos potentes como genero al que pertenece el dúo musical, pasamos a la siguiente escena y Ruben despierta pero no escucha sonidos, esta en un silencio total que no comprende y que nosotros tampoco, nos desesperamos junto a él, sabemos que sucede pero queremos que termine, ahora imaginemos lo que sufre el protagonista, supone que no es grave y hasta intenta tocar de nuevo pero es imposible seguir el ritmo si no puede escuchar, y cuando van al medico y le explican que es una enfermedad irreversible y que ha perdido la audición Ruben no puede creerlo, su estilo de vida, su forma de sustento, la base de la relación con la mujer que ama, todo se basa en la audición, en la música y su talento en esta, en un segundo ha perdido todo lo que considera importante en la vida sin siquiera un aviso.

De esta manera comienza una cinta que en apenas unos minutos nos ha mostrado como puede "acabarse" una vida de un momento para otro, algo que casi nadie consideramos posible y un detalle tan importante como la salud que valoramos tan poco, ya un poco mas por causa de la terrible pandemia (la cinta tambien aprovecha para criticar a los médicos de manera aguda, algo valiente en estos tiempos donde todos son presentados como "héroes"), es así que Lou convence a Ruben de ir a un campamento de sordomudos para aprender lenguaje de señas, a convivir con ellos, y en general para facilitarse su interacción con el mundo "normal", pero Ruben tiene un plan, ha investigado sobre las operaciones quirúrgicas que pueden regresarle la audición y esta determinado a conseguir el dinero para recuperar su feliz vida pasada, algo que por supuesto no es tan sencillo como parece en un inicio.

Lo que sigue es ver la interacción de Ruben en el campamento donde un estricto pero cálido y bondadoso líder, Joe (un fantástico Paul Raci), le da consejos de vida y lo intenta encaminar a su nueva vida, Ruben se niega a entrar en su estilo de vida hasta que poco a poco se ve obligado a entablar lazos de amistad pero sin por ello dejar de tener su objetivo claro, el final de la cinta, o mejor dicho todo el tercer acto se mueve por esa misma ambigüedad sin que se decante en ningún momento por una solución pero encontrando el protagonista una epifanía que lo hará crecer como persona a un grado tal que por primera vez esta disfrutando eso que le encargo Joe, y que acaba de soltar una linea tan sencilla como desgarradora, esta nos obliga a soltar las lagrimas para que inmediatamente despues la siguiente toma nos haga sonreír, con amargura, con felicidad, con humanidad.

Si bien esta claro que la historia es fascinante y las actuaciones son esplendidas, la dirección de Marder va mucho mas alla de escribir el guion, el montaje es exacto, con cortes rápidos cuando los necesita y cambios de perspectiva que siempre son importantes y entendibles, la fotografía es hermosa con colores ocres que nos llevan al mundo en el que vive el protagonista, el sonido es excelente, porque mas alla de lo bien cuidado que esta se usa de manera eficaz para transmitir lo que la cinta pretende, en un momento no escuchamos nada como el mismo Ruben, el siguiente corte nos muestra la escena desde fuera y escuchamos lo que haríamos normalmente, es decir nos deja claro que escucha y siente el protagonista, al tiempo que nos muestra que para todos los demas no pasa nada importante, solo él esta sufriendo/viviendo esa nueva realidad que puede extrapolarse a cualquier problema y/o situacion.

Esto lo logra de forma magnifica la cinta, nunca se compadece a su protagonista, ni lo usa como chantaje, todo lo contrario, nos obliga a ponernos en sus zapatos y sentimos lo que él, la negación, la ira, la negociación, la soledad, etc., todo esto ayudado por una interpretación soberbia de Ahmed que con una mirada, un gesto, nos transmite mil palabras, nunca se dramatiza si exagera, al igual que la cinta, nos entrega un retrato realista de la situacion, por ejemplo cuando recién llega con los sordomudos no entiende nada del lenguaje de señas, se ve distanciado y desesperado, igual que nosotros que no entendemos nada, esas platicas con Joe, esos momentos de ¿aceptación? donde hasta hace música con las vibraciones, antes apunte normal entre comillas porque la cinta deja claro que las normalidades dependen de las necesidades de los individuos, y acabada porque la vida es mas que un sueño o estilo de vida, el mensaje mas valioso de la cinta no es el típico, si fuera así el tipo lograría su sueño, vamos que no es ni de aceptación, si de resiliencia, y de amar y disfrutar esos momentos de silencio y tranquilidad que olvidamos hace mucho.

Calificación: Notable

Cinecritica: Canvas

CANVAS (ÍDEM, EU, 2020)

Lo mas valioso que tiene este cortometraje animado escrito y dirigido por Frank E. Abney III es el uso de animación en 3D y en 2D, de hecho los momentos mejor logrados son justamente cuando vemos unos borrosos trazos de lápiz que transmiten mucho mas que la cuidada animación en tercera dimensión con todo y pelo bien logrado, en cuanto a su trama es una sencilla cinta de aceptación que aunque tiene un atinado e importante mensaje lo cierto es que se siente demasiado calculado, para explicarme, no se siente orgánico o natural sino como un calculo cínico para intentar conseguir el sentimentalismo del respetable, es decir casi un chantaje.

Un anciano pintor ya no puede hacerlo desde que falleció su esposa, cuando su nieta lo visita y ve que tiene el mismo talento despierta en él sentimientos y recuerdos que lo llevan a enfrentar y superar su perdida, por lo que logra inspirarse de nuevo. Lo que no se puede negar es que para no tener diálogos transmite bien su idea y que dura menos de diez minutos por lo que puede visionarse con tranquilidad y disfrutar sus cualidades mas vistosas.

Calificación: Regular

Cinecritica: El Grinch

EL GRINCH (ÍDEM, EU, 2018)

Lo que todo mundo aplaude de esta cinta es su factura técnica, y lo cierto es que los detalles, el colorido y los contornos físicos de objetos detallados estan bien hechos, pero esto es lo mínimo que se debe pedir, o por lo menos para quien esto escribe es lo menos importante, me impresiona la cantidad de personas que ponen a parir la versión de "El Grinch" de Ron Howard con un excelso Jim Carrey logrando atravesar capas de maquillaje que le exigían horas en la silla y defiendan a esta cinta que tiene como principal problema traicionar la esencia del personaje, y aun así hay quienes se animan a escribir que se parece mas al cuento original, una de dos, o no entendieron el cuento original del Dr. Seuss o de plano no lo han leído y suponen erróneamente que como esta cinta tiene un argumento mas infantil la fuente original debe ser así.

Es cierto que la versión del 2000 se tomaba algunas libertades y expandía la historia original, pero conservaba el espíritu del libro en su critica social sobre que la navidad se había convertido en una celebración hipócrita y publicitaria abandonando su esencia, en esta versión no se toca nada de eso, y el Grinch (voz de Benedict Cumberbatch) no es un villano, ni es tétrico, ni desea destruir la navidad, solo es un cascarrabias que esta harto de que le metan la festividad hasta por las narices como se muestra claramente con los reincidentes mensajes de la radio, es decir que pudiera ser tu vecino, tu tio o hasta tu mismo, por lo demas la historia se desarrolla mas o menos de la misma manera, el robo a los habitantes de adornos y regalos y su epifanía navideña.

El problema es que para llegar a esto pasamos por muchas historias secundarias que no agregan nada, a no ser tiempo para alargar la cinta, lo del reno es largo y no es necesario, la historia secundaria de Cindy Lou (voz de Cameron Seely) queriendo atrapar a Santa Claus para agradecerle sobra y hasta incomoda, y es así que cuando llega el robo de la navidad ya no me podria interesar menos, eso si, entiendo su publico objetivo pero si tuviera un hijo no me gustaria que conociera al Grinch de esta manera, el personaje merece más, Dr. Seuss merece más.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Chud, Infierno Bajo la Ciudad

CHUD, INFIERNO BAJO LA CIUDAD (C.H.U.D., EU, 1984)

Cine de terror de los ochenta con lo mejor y peor del mismo, una cinta desconocida que descubrí en mis andares por Amazon Prime Video y que a contracorriente, me parece entretenida, no solo es una interesante cinta de terror de serie B, es decir grabada con dos pesos, sino que tiene un mensaje mas pertinente que nunca y que logra algunos momentos interesantes, ya desde el comienzo sabemos de que va la cinta, una mujer paseando a su perro en New York se detiene un segundo junto a la alcantarilla, de inmediato es arrastrada por unos monstruosos brazos, los sintetizadores resuenan en pantalla en esa adecuada banda sonora y pasamos a conocer a los cuatro personajes principales, el intrépido fotógrafo George (John Heard) que busca una historia, el entregado reverendo A.J. (Daniel Stern, bordandola con su personaje, sacerdote empatico y luchon, estos ya no se ven en la ficción) que empieza a notar que sus recurrentes homeless no llegan a cenar, el capitán Bosch (Christopher Curry) que es el unico ente gubernamental con moral y la suculenta Lauren (la guapa Kim Greist), novia de George, que esta ahí como eyecandy y entregar las escenas de mas terror.

Cada uno por su cuenta empieza a investigar los rumores que se escuchan y las supuestas desapariciones, hasta que descubren que algo muy siniestro se esconde en las alcantarillas de la ciudad, unos seres creados por la contaminación, que son radioactivos y que se alimentan de carne humana, al final todos convergen en el clímax tratando de detener el problema, que no son los seres C.H.U.D, sino el gobierno y las empresas que se han encargado de contaminar, mentir, encubrir, negar y finalmente hacer como que nada pasa para seguir forrándose de billetes, tanto asi que el villano final y a quien mas odiamos es cierto encargado de gobierno que en el clímax realiza tal cantidad de actos sucios que uno ruega porque salga uno de esos bichos a merendarselo.

Por lo demas la cinta cumple y hasta ahí, es inteligente dividir el protagonismo en una premisa que no exploran a profundidad, el ser cuatro, o tres si no contamos a la fémina, hace que el ritmo sea muy ágil, el ambiente esta bien hecho, los efectos cumplen y no le sacan a mostrar a los monstruos humanoides, la chica tiene los mejores momentos de terror como ya apunte; el del perro muerto, la regadera y ese hasta ridículo enfrentamiento final, el guion escrito por los mismo actores tiene buen mensaje y no teme en decirlo, el reparto esta por encima de lo que uno esperaría de una cinta de serie B, caras conocidas que se esfuerzan, y finalmente el director Douglas Cheek entrega algunas escenas tensas, como la del niño queriendo abrir la puerta o cierta persecución en las alcantarillas, un disfrutable palomazo con conciencia ambiental.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Las Aventuras de Peabody y Sherman

LAS AVENTURAS DE PEABODY Y SHERMAN (MR. PEABODY AND SHERMAN, EU, 2014)

En lo personal si conocía la serie en la que se basa la película, que a su vez esta basado en una tira cómica que funciona como una sátira, es decir que tenemos al perro genio Mr. Peabody (voz de Ty Burrell) educando al activo niño Sherman (voz de Max Charles) como si fuera su mascota, es decir en un cambio de papeles que tiene su gracia, en cambio en la cinta tenemos una relación diferente, Sherman es mas como el hijo adoptado y se muestra la incapacidad de Peabody para demostrar amor y cariño, al tiempo que lo sobre-protege, al final de la cinta, por supuesto, Peabody aprenderá a ser padre y demostrarlo, mientras que Sherman demuestra lo orgulloso que esta de su padre adoptivo, es cierto, al premisa es mucho mas común y la cinta dirigida por Rob Minkoff aborda lugares comunes, pero su ritmo, comedia y encanto terminan funcionando.

Principalmente porque la cinta encuentra un balance, no es tan infantil como muchas de las películas animadas familiares que aparecen en cartelera, ni tampoco es tan compleja como para ser demasiado complicada para los pequeños, y ademas no suelta referencias de moda o chistes escatologicos cada dos segundos, y eso se agradece, ademas las capsulas viajando en el tiempo siguen funcionando tan bien como en los cortos animados, enseñando a los pequeños sobre momentos y/o personajes históricos, tomándose las libertados necesarias para hacerlo divertido, y al mismo tiempo hilando una trama general sobre paternidad. En la cinta tenemos al perfeccionista Mr. Peabody atacado por la escuela ya que Sherman mordió a alguien, es decir se lo quieren quitar, para resolver esto el perro decide invitar a los padres de la afectada para descubrir que es una malcriada.

En lo que los atiende Sherman le enseña a Penny (voz de Ariel Winter) la maquina del tiempo que construyo su padre, viajan en ella y termina quedándose en el viejo Egipto de donde deben rescatarla y seguir viajando por el tiempo hasta resolver el desastre que culmina en un final resulton pero funcional. Ademas de la relación de los dos Penny es un personaje que también tiene un crecimiento, de pedante niña creída a una empatica niña tolerante. Como conclusión es una buena cinta para los pequeños, aprenderán con ella, se interesaran en la historia, y cumple tanto en trama como técnicamente, no es la gran cosa pero ya quisiera que la mayoria de las cintas animadas fueran así.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Super Cool

SUPER COOL (SUPERBAD, EU, 2007)

El par de inadaptados conformado por el recto Evan (Michael Cera, bien) y el malhablado Seth (Jonah Hill soltando groserías como ametralladora) intentan disfrutar sus últimos momentos juntos ya que irán a universidades diferentes, soñando con algo mas pasan sus días nerdeando junto al lelo Fogell (un idóneo Christopher Mintz-Plasse en el papel de su vida) y vomitándose unos a otros, esto puede cambiar debido a que Seth hace migas con la chica mas popular del instituto, la hermosa Jules (Emma Stone debutando en largometraje, con esa belleza y naturalidad que la caracteriza), en clase de cocina y es invitado a la fiesta de esa noche, lo que es mejor, Fogell esta a punto de conseguir una licencia falsa con lo que podrá comprar alcohol en cualquier lugar, con esta oportunidad Seth se compromete a llevar las bebidas a la fiesta, en tanto Evan promete a su enamorada Becca (Martha MacIssac) que le llevara cierto vino especial, los chicos tienen como misión perder su virginidad esa noche, con sus chicas deseadas que al estar borrachas pueden cometer un error, ¡y que tal si ese error son ellos!

Por supuesto no puede ser tan sencillo y a partir de este momento veremos las peripecias de un trió de adolescentes hormonales que no pueden desistir en su cometido y que sufrirán muchas aventuras con el tiempo encima, justo esto hace valiosa a la cinta, todo transcurre en un solo dia y con el tiempo en contra por lo que el ritmo de la cinta se mantiene perfectamente y nos preocupamos junto con ellos, por otro lado entran en un problema y lidiando con este se meten en otro, esta construccion narrativa logra que siempre estemos pendientes y con un nuevo conflicto, es asi que despues de perder el carro de Seth, tener que cambiar ropa que apenas les entra, discutir por la ridícula licencia de McLovin (desternillante este gag), sufrir un asalto, perder la noche con una pareja de policías borrachines, parlanchines y locochones, ser atropellados por un tipo que los lleva a una fiesta desquiciada, escapar de los mismos policías y echar a perder todos los planes al final, la cinta ya se nos ha pasado volando y nos hemos carcajeado durante buena parte de su metraje.

Y mas importante aun, es esa madurez que maneja, no solo estamos ante una cinta vulgar de comedia adolescente (que no es tan vulgar como acostumbra el genero), sino ante una muestra de como se madura apenas dándonos cuenta, y como para poder seguir adelante debemos dejar a los amigos atrás, una lección dura pero que ocurre inevitablemente, es asi que tenemos como parte de la trama esa relación de amor varonil entre dos amigos que se mienten, esconden cosas, animan, ayudan, abandonan, insultan, y un largo etc, para darse cuenta de que en realidad se quieren mas entre ellos que a sus crush. Todo con esto con un ritmo envidiable, secundarios estrafalarios, el mismo guionista Seth Rogen entre ellos, cameos por aquí y por alla, y escenas que hacen que uno se parta de la risa, ademas de que el estilo que le imprime el director Greg Mottola siempre logra que se vea y sienta "cool" (la intro y los groseros créditos, o la escena del "arresto" como ejemplo) a pesar de la ridiculez que veamos en pantalla. Mención aparte para el personaje de Mintz-Plasse, su MacLovin es tan ridículo y admirable (oye, se llevo a una pelirroja a la cama) que aunque solo sea la salida cómica termina robándose la película, y que bueno que así sea.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Olaf: Otra Aventura Congelada de Frozen

OLAF: OTRA AVENTURA CONGELADA DE FROZEN (OLAF'S FROZEN ADVENTURE, EU, 2017)

Justo como su interminable titulo, así se siente este cortometraje que se hace larguísimo para lo poco que ofrece, que en mi muy humilde opinión, es casi nada, el corto va de que las hermanas ofrecen una fiesta navideña en el castillo pero los habitantes del pueblo llegan como Castro con Fox, las hermanas se deprimen sin razón alguna y el muñeco decide ir puerta tras puerta para ver que tienen de especiales sus fiestas personales, y al final todos hacen una fiesta otra vez sin razón alguna, pero bueno, lo que me queda claro es que Olaf es un personaje secundario pesadisimo, ya lo sabia por las películas pero al darle protagonismo se nota mucho mas, pesado y cansino a mas no poder.

Las canciones no terminan de funcionar y no aporta nada al universo al que pertenece, lo cual no es un pecado pero es que es tan aburrida, en lo personal me parece un comercial para la secuela que venia en camino, y uno tan cínico que lo metieron como cortometraje de una película de Pixar, lo siento pero es lo que me parece, nunca he sido asiduo a la sobre-valorada "Frozen" y su muñeco de nieve bobalicón, parlanchin y pesado me parece de lo peor que ha concebido la todopoderosa productora/empresa. Evitarla a como de lugar es lo mejor que puede decirse de ella.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Soul

SOUL (ÍDEM, EU, 2020)

Joe Gardner (voz de Jamie Foxx) es un frustrado maestro de Jazz cuyo sueño de casi toda la vida ha sido ser un reconocido pianista de Jazz, en cierta escena clave le dice a su madre que no puede morir sin lograr su sueño, es decir sin dejar un legado, el gesto de la mujer lo dice todo, pero casi de inmediato el tipo logra una audición de ensueño para la reina del jazz (voz de Angela Bassett) y parece mas cerca que nunca de cumplir su sueño y justo al salir cae en una alcantarilla en un accidente ridículo que le quita la vida y lo lleva a El Gran Después, el alma de Joe se niega a ir a la "Luz" y logra caer en El Gran Antes, donde las almas se preparan para ir a la tierra, ahí se hace pasar por otra alma y le toca convencer a 22 (simpática voz de Tina Fey), un alma que se resiste a nacer y que ni las almas mas pacientes han podido convencer, Joe lo unico que quiere es encontrar una forma de regresar a la tierra para poder cumplir su sueño sin importar lo que tenga que hacer.

Después de presentarnos la parte del mundo abstracto de El Gran Antes regresamos a la tierra en un intercambio de cuerpos con un Nueva York vibrante y un clímax que rompe muchos paradigmas, no solo en la cinta, sino en las cintas de Pixar que siempre han conservado mas o menos el mismo mensaje, y justo esto es lo mas valioso de la cinta y donde se despega de otras similares, por un final tan diferente y hasta anticlimatico, pero que entendiéndolo, como el que escribe esto, llega directo al corazón y nos hace recordar porque estamos aquí. El principio de la cinta dirigida y escrita por Pete Docter y Kemp Powers es una fascinante crónica de la vida de un mediocre que sueña con algo que no puede tener, un pobre diablo que se siente fastidiado y terrible con su vida, es maravilloso, y cuando llega el sorpresivo cambio de ambiente con un mas alla abstracto, azulado verdoso, con indefinicion en los limites, ahí los entes con acento británico parecen despistados al tiempo que todo parece formar parte de un plan, y ese abstracto ser persecutorio llamado Jerry, como los demas, no deja escapar a un Joe que esta rompiendo todas las reglas con tal de lograr su egoísta sueño.

Para estos instantes la cinta me tenia ganado, no solo por el mencionado buen inicio de un pobre diablo y ese impecable diseño artístico que nos regala un Nueva York hermoso, colorido y vibrante, y unos personajes que se sienten reales al tiempo que mantienen su personalidad animada con esos cachetes redondeados, el mas alla es un inventivo y hermoso mundo (que odiarían a morir las abortistas) que demuestra la maestría técnica a la que ha llegado Pixar, ademas ahí es donde nos enteramos de muchos detalles claves de nuestro protagonista, y aunque muchos atacan la tercera parte con el intercambio de cuerpos lo cierto es que nos regala una ciudad y una tierra hermosa, de tal manera que 22 se enamora del lugar y decide que quiere nacer, mientras que Joe descubre que no lo hace tan mal como maestro, logro que uno de sus alumnos se hiciera profesional y ayuda una talentosa pero insegura niña que esta en su clase.

Justo aquí es donde la cinta da un vuelco, porque cuando Joe logra su sueño le pasa lo mismo que a nosotros, se pregunta ¿y ahora que? el sentimiento de logro y éxito llega, desaparece, y Joe no se siente tan feliz y completo como pensaba que seria, y si la cinta nos había puesto pistas de que esto es porque quizá la verdadera pasión de Joe era ser educador, también la esquiva de buena manera y decide que no es necesaria ninguna de ellas, y le da la razón a 22, que no fue convencida por él, es decir la vida se disfruta en los momentos, los pequeños detalles, en el sabor de una pizza, en el paisaje, en la caída de los arboles, en las relaciones con los demas, en el simple hecho de vivir. Aun así la cinta no esta exenta de problemas, El Gran Antes tiene algunas incoherencias con la narrativa y el mismo mensaje de la cinta, algunas incongruencias mas con respecto a ambas cosas en muchos momentos de la cinta, y obviamente el bajón que tiene el segmento del cambio de cuerpos despues de las dos anteriores, aunque para mi no es muy grave, y casi mantiene el nivel anterior, ademas de ser la parte donde se descubren mas detalles para avanzar la historia. 

Finalmente, estamos ante una cinta hermana de "Intensa-mente", con el mismo director que antes nos mostró el mundo de las emociones y ahora lo hace con el alma misma, ademas de ser congruente en su mensaje, si en las otras cintas de Pixar siempre tenemos al protagonista luchando y alcanzado su sueño en estas los protagonistas aprenden que alcanzar los sueños no es vivir, como la protagonista de "Intensa-mente" aprende a sufrir y perder, Joe aprende a disfrutar la vida, y lo mas valiente que veo en la cinta, que se puede ser un perdedor, un mediocre, normal, es decir tener una vida corriente y aun así ser feliz, disfrutarla, gozarla, y vivir nuestras pasiones al grado de alcanzar ese momento de toque al mas alla sin necesidad de ser los mejores o cumplir nuestros sueños, cuando uno ve esto queda claro que la madurez de Docter, de Pixar, ha alcanzado tan nivel que uno se convence de salir y disfrutar la vida; de tomarse una copa, de saborear un beso, disfrutar una comida, mirar un atardecer, o ¿porque no? ver una cinta de Pixar.

Calificación: Muy Bien