Cinecritica: #Vivo

#VIVO (#SARAITDA (#ALIVE), COREA DEL SUR, 2020)

La cinta dirigida por II Cho y escrita por Matt Naylor y el mismo director es mas pertinente que nunca, es decir que la cinta donde un antisocial, o bueno mejor dicho un joven adulto que solo sabe comunicarse por internet queda varado en su casa sin poder salir de esta y sin contacto humano en espera de una cura que le permita sobrevivir parece haber sido pensada como una analogía de la desquiciante pandemia global que estamos sufriendo, el hirsuto Jun-u (el aletargado protagonista de esa demencial maravilla llamada "Burning") se levanta tarde, descubre que esta solo, que no hay comida y lo primero que hace es conectarse a jugar con los amigos, claro esta primero quejándose de que su mama lo invita a ir a comprar alimentos, en medio de la partida donde el tipo no solo es sociable sino una especie de líder se entera de que algo muy grave esta ocurriendo, la televisión lo pone en contexto y finalmente al asomarse por el edificio de su apartamento en un complejo habitacional le confirma lo peor.

Una extraña enfermedad causa que las personas se vuelvan violentas y caníbales, es mas, caminan como muertos vivientes y se comportan de esa manera, esta claro que estamos ante una cinta mas de zombies pero con una premisa mas orientada a quedarse encerrado con tal de sobrevivir, acompañamos a Jun-u mientras pasan los días y se va quedando sin redes sociales, sin internet, sin electricidad, sin comida y sin agua, la supervivencia es esencial para el chico que se esfuerza ya que su familia lo espera, por supuesto nada es tan sencillo y la soledad, la falta de noticias, y la desesperación empiezan a hacer mella en el chamaco que comienza a considerar una decisión muy complicada, todo esto con una dirección pulcra por parte del director en su primer largometraje, que hecha mano de gran cantidad de recursos, con un guión pensado en usar todas las posibilidades tecnológicas a la mano y con un maquillaje y coreografías zombies que estan muy por encima de la media.

Aun así "#Vivo" queda lejos de otros exponentes del genero pero aguanta el palomazo con creces, de hecho la temática es tal que uno termina por verse retratado en el plomazo del protagonista, encerrado, con el tiempo corriendo, con la esperanza de una vacuna que no parece llegar nunca, y con el temor de que salir por víveres es jugarse la vida, ah y debo apuntar, con todo e irresponsable que pone en riesgo nuestra vida por pura terquedad, por supuesto era complicado mantener la formula por lo que cuando la cinta avanza lo suficiente entra un personaje mas, la correosa Yu-bin (Park Shin-hye vista en "Milagro en la Celda 7") que esta mucho mas capacitada para sobrevivir aunque cuanto mas tiempo pase es mas complicado, y fiel al cine del genero veremos como la maldad humana es mas peligrosa que las hordas inacabables de zombies, lastima que al final baje el nivel pero para entonces lo hemos pasado tan bien que poco importa, y ademas muestra un mensaje que para los asiaticos es importante, el valor de la vida, vivir a como de lugar, uno que resulta oportuno en cualquier lugar en estos momentos.

Calificación: Competente

Cinecritica: Ladronas de Almas

LADRONAS DE ALMAS (ÍDEM, MÉXICO, 2015)

Un grupo de realistas que se hacen pasar por insurgentes llegan a la hacienda el encantamiento para buscar un oro que le pertenece al ejercito, en la misma encuentran a un viejo lisiado (Ricardo Dalmacci sobreactuado y olvidando de pronto que esta lisiado), sus hijas Maria (correcta Sofía Sisniega), Roberta (Natasha Dupeyrón) y Camila (Ana Sofía Durán), ademas de dos empleados, les ofrecen pasar la noche pero el sirviente negro (Harding Junior) les recomienda no salir ya que es peligroso, en esas tierras los muertos vivientes, es decir zombies, caminan a sus anchas, por supuesto los tipos no les creen y comienzan a moverse, esta de mas decir que si existe un zombi que les causara un gran problema y sera el inicio del final para el pobre tipo, pero la cinta no se llama así de oquis y pronto nos daremos cuenta que el verdadero peligro son las hermanas que atinadamente son llamadas malditas por un hombre desesperado.

Los tipos van cayendo uno a uno sin ofrecer mayor resistencia mientras los demas no saben que les ha podido suceder, la temática que se propone es interesante, no recuerdo muchas películas de terror que estén puestas en epoca antigua, y ademas el director Juan Antonio de la Riva hace un buen trabajo, la ambientación cumple, así como los aspectos técnicos de fotografía y sonido, e inclusive el maquillaje, eso si, la banda sonora de Diego Herrera y Leoncio Lara aunque buena no funciona en un filme de terror, y menos aun cuando aparece en todo momento para cada situación, algo que la hace cansina y que termina sacándonos de la película, y el montaje, digamos que pudo haber sido mucho pero mucho mejor, como ya comente, la hacienda, el vestuario, en todo eso se cumple, lastima que del ritmo no se pueda decir lo mismo.

Con todo esto nos queda una cinta cumplidora, pero solo si no se toma en cuenta los errores de la historia, los bandos solo son blanco y negro, buenos y malos, y esta sencillez le pasa factura ya que no existe ni un solo personaje interesante, ya no digamos desarrollo en alguno, ademas existe un sentimiento nacionalista que resiente la cinta, como los realistas son malos son estúpidos y no ofrecen resistencia, en cambio a los insurgentes todo les sale bien porque si, una pena que el pensamiento político lastre una premisa que daba para mas, ademas esa violación me dio risa y estoy seguro que no era la intención, aun así como curiosidad, de cinta histórica de terror y que toca el tema de los muertos vivientes traídos por los negros para usarse como esclavos es muy interesante, y hasta valiente, tanto así que merecía una cinta mejor.

Calificación: Regular

Cinecritica: Post Tenebras Lux

POST TENEBRAS LUX (MÉXICO - FRANCIA - HOLANDA - ALEMANIA, 2012)

Una pequeñisima niña güera (Rut Reygadas, hija del director) esta en una cancha mojada rodeada de perros, vacas y burros, los perros estan domando a las vacas y la pequeña los intenta regañar mientras va cayendo la noche y el cielo que se veía precioso comienza a oscurecerse, cae la oscuridad, se nubla y los rayos es lo unico que nos entrega luz mientras vemos aparecer el titulo de la película "Post Tenebras Lux" es decir "Después de la oscuridad, la luz", este mensaje criptico ´pudiera ser una manera de entender la cinta, aunque en lo personal creo que si bien si puede considerarse así lo cierto es que la luz y la oscuridad van y vienen en el mundo, y en cada ser humano que existe, en la primera secuencia, una increíblemente hermosa filmada en formato académico y con los extremos distorsionados, servirá para ganarnos por la belleza que transmite pero también porque comienza mostrando las cartas del inclasificable Carlos Reygadas que fiel a su estilo nada convencional opta por sensaciones en lugar de narración y por un estilo onírico que evoca recuerdos, sueños y delirios.

Regresando a la escena inicial vemos a la pequeña Ruth reír y jugar en el campo, disfrutar de la compañía de los animales, y poco a poco notar como la pequeña tiene un cambio de animo, ya no todo le parece, algunas cosas le incomodan, y cuando la noche esta casi encima de plano llama ¿pide ayuda? es decir que estamos ante un resumen pero no de la película en si como algunos señalan sino de la inocencia de una pequeña que va experimentando el mundo y todo lo malo que hay en él, perdiendo su inocencia y conociendo el peligro, la maldad, lo humano y la muerte, todo esto como evidentes sinónimos, termina la larga escena y ahora vemos a un diablo rojo que despide luz entrar a una casa con todo y caja de herramientas, se asoma al cuarto de los padres, despues a la de los pequeños y uno lo ve y finalmente entra en otro cuarto, con esto Reygadas pareciera decir que el diablo entro en la familia para comenzar a maquinar la maldad con sus herramientas pero al tiempo se siente como un simbolo sencillo por lo que supongo que es algo mas.

Para este momento la cinta me tiene maravillado, me ha fascinado con la hermosa apertura que se fue volviendo mas tenebrosa para despues pasar a un terror torcido y hasta con mala leche, y esto son solo las dos escenas iniciales de veinte que conforman la cinta, cada una cuenta algo importante y manejan una simbologia complicada que como apunta el mismo director esta ahí para ser llenada por cada quien a como pueda, o mejor dicho como quiera, tratar de explicar la película solo cerraría la reseña a una interpretación personal, que siempre hago lo acepto, pero creo que en este caso todo es tan abierto que resulta mas complicado, lo que no se puede negar es la fuerza narrativa del director, y la infalible técnica cinematográfica que presume en cada escena, en cada encuadre, en cada momento, con un uso del sonido majestuoso, abandonando la idea de banda sonora y solo apoyándose en la canción "It's a Dream" de Neil Young que funciona en un momento clave, cantada ademas por los protagonistas de la cinta.

La tercera escena nos permite conocer a "El Siete" (Willebaldo Torres) talando arboles, y en la siguiente por fin conocemos a la familia completa, los comentarios de la pequeña Rut dan la posibilidad de que la primera escena sea el sueño que tuvo, su avispado y parlanchin hermano Eleazar (Eleazar Reygadas, también hijo del director), la hermosa Natalia (Nathalia Acevedo) y el pudiente Juan (Adolfo Jiménez Castro), una familia acomodada que dejo la ciudad para vivir en el campo, se deja ver en otra escena que en parte porque prefieren "mezclarse" con los proletariados que convivir con los pedantes snobs que conforman familia y amigos, el detalle es que ellos nunca coexisten verdaderamente con los lugareños, en cierta escena los vemos asistir a una fiesta de pueblo en la que Natalia aprovecha la primera excusa para retirarse en tanto que Juan es discriminado por los mismos pueblerinos que le dicen blanquito y de plano lo confunden con un extranjero mientras ellos se jactan de ser muy mexicanos.

hí tenemos otro de los puntos centrales del filme, la diferencia de clases en México, pero Reygadas no es un director simplista, nos señala que los dos polos son malos y no da razones ni adoctrinamientos, ni siquiera critica, en lugar de eso muestra lo distantes que estamos a pesar de tener cierta afinidad por momentos, por ejemplo la escena de alcohólicos anónimos donde nos enteramos del difícil pasado de "El Siete" con todo y abusos, incesto, drogas, alcohol, violencia y abandono familiar, en tanto que Juan tiene el "serio" problema de ser adicto a la pornografía por lo que se desvela, mientras que Juan y su esposa se sienten infelices a pesar de tener todo y caer en lo mas banal y oscuro buscando llenar ese vació, la orgía en el sauna, Juan de plano es adicto al sexo y maltrata sadicamente a su perra favorita en un arranque, y tienen un matrimonio tirante, "El Siete" se dedica a talar arboles, escapar de sus vicios, disuadir a un tipo conque no mate a su hermana y tratar de recuperar a su familia, es decir los problemas de unos y otros son muy diferentes, unos parecen reales y los otros inventados, pero creo que cual es cual depende de cada quien y su estatus social/económico.

Lo que no se puede negar es que ambos lo notan, y por mas que Reygadas insista en que no quiso mostrar eso la relación de estos dos mundos esta llena de tensión, mas aun la de los dos tipos que se tratan de amigos, mientras Juan y su familia tratan con amabilidad y altivez a "El Siete" esté se comporta con una sumisión disimulada, esto anotado por el mismo director, el campo de cultivo idóneo para la tragedia que llegara en el momento mas inesperado solo por obra del azar y que cambiara el rumbo de sus vidas, llegando incluso a mostrar las dos muertes mas normales en mi querido México, un disparo en medio de un asalto y una decapitación, Reygadas apunta que lo unico que une a estos dos mundos tan dispares solo puede ser la violencia, un pensamiento tan oscuro que ya se entiende la llegada y posterior retirada del diablo ¿o se retira porque no ocupa ni accionar?

Esto claro en continuos saltos temporales, en escenas que nos hablan de un futuro ¿imaginario? que quizá no llego, sueños, delirios, siempre con esos bordes distorsionados, multiplicados, desenfocados cuando las tomas son de afuera, como si se nos dijera que fuera no tenemos control de nada en el mundo, algo que cambia con las escenas en espacios cerrados donde todo es normal, pero que aun así se sienten fuera de lugar; una orgía enfermiza, una pelea de egos en una fiesta familiar, una fuerte discusión matrimonial que se siente terriblemente familiar, o una canción cantada a modo de inevitable despedida. Reygadas entrega una cinta compleja, con una supuesta inconexión que no se siente así cuando eres mexicano, y con mensajes de humanidad reales, donde el gris es lo unico que tiene cabida, desde ser un psicópata que ve la luz o un marginado que comprende sus errores, me gustaría pensar que las extrañas escenas de rugby muestran el paso a la madurez y a entender que no estamos solos, el rugby es el deporte mas salvaje jugado por caballeros, como la vida misma.

Calificación: Notable

Cinecritica: Bayoneta

BAYONETA (ÍDEM, MÉXICO, 2018)

El tercer largometraje de Kyzza Terrazas que de nuevo hace el guión, es un paso atrás de su mucho mas logrado trabajo anterior, el efusivo documental "Somos Lengua", y aunque la cinta no es del todo fallida tiene varias cosas que le afectan en demasía, Miguel "Bayoneta" Galíndez (Luis Gerardo Méndez) es un boxeador mexicano que por alguna razón se encuentra en la alejada Finlandia, un país donde siempre es de noche y siempre hace frió, algo de lo que el boxeador se queja en alguna ocasión, ahí entrena boxeadores locales, el dueño del gimnasio intenta sacar alguna estrella de ahí, y nosotros no sabemos que diablos sucede, pero lo que queda claro con el inicio a modo de prologo es que Miguel sufrió un gran golpe emocional, pero todavía no sabemos porque, quizá ya no es famoso y ante la falta de oportunidades llego a un lugar que detesta, o fue obligado por una circunstancia, al tiempo se sabra la verdad, una opción que se seguirá durante todo el metraje donde el protagonista esta donde esta solo por decisiones propias.

Que si no hay nadie con talento, que si él si lo tiene pero esta traumado por una pelea que nos lleva a ver recurrentes flashbacks que serán mostrados casi hasta el final, y la lucha del tipo por lograr volver a la cima ya que es una especie de leyenda, cuando creemos que la cinta transitara por al reivindicación deportiva con todo y entrenamiento/pelea de por medio nos vuelven a cambiar la jugada, el detalle es que al final no se profundiza en nada y por lo tanto pareciera que no se trata de nada, que si Miguel tiene hambre de volver a la cima y no podía por culpa, que si el boxeo es (¡noticias!) corrupto y vendido, que si se comienza una historia romantica con todo y que el tipo no es libre, que si el boxeo es (¡otra noticia!) peligroso, o que el protagonista solo necesitaba encontrarse a si mismo, se toca todo como anote, pero solo se plantea para despues abandonarse.

Por lo que al final queda una cinta bien actuada, con una buena producción, con algunos momentos como las quejas del país o ese alce que se le aparece aunque para todos es normal verlos por ahí como perros, pero finalmente fallida en su todo, con una trama que no se desenvuelve correctamente, y donde nunca conectamos con el protagonista ya que nunca entendemos sus motivaciones, lo cual hace que por momentos sea hasta frustrante, una lastima porque parecía una buena idea si es que se decidían por algo, aun así casi aguanta el palomazo de tarde en domingo sin nada que hacer por los momentos y esa factura técnica que ya anote.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Halley

HALLEY (ÍDEM, MÉXICO, 2012)

Alberto (brillante Alberto Trujillo) es un guardia de seguridad que apenas dice palabra y que solo entabla relaciones mínimas en su trabajo con los demas, despues de todo es el guardia nocturno que pasa el tiempo escuchando la radio (donde ademas se escucha una mención de la siguiente obra de Hofman, la esplendida "Tiempo Compartido"), pero no solo es la extrema timidez del tipo que camina desgarbado, como sin energía, su rostro tiene algo extraño, se ve pálido, enfermizo, con los labios azulados, y los ojos perdidos, de hecho pide su renuncia a la gerente del gimnasio donde trabaja, la optimista Luly (Lourdes Trueba), debido a una enfermedad que le impide realizar esfuerzos físicos, pero cuando lo vemos en su casa constatamos lo que sospechamos, el tipo guarda un secreto mucho mas oscuro, aunque no miente al decir que esta enfermo, o quizá si ya que lo suyo no podría considerarse como tal aunque técnicamente lo sea, en la soledad de su casa Alberto se pone a ver la televisión donde dos tipos hacen brincar a mujeres con buena delantera como si fuera una parodia de un programa cómico mexicano.

Solo que Alberto no los disfruta, en vez de eso prefiere limpiar sus tazas, adornos y decorados, esto con una parsimonia que desespera, y despues de eso se baña con cuidado, y revela unas llagas, unas heridas, unos "huecos" en su cuerpo que tapa con gasas y pega o "sutura" con cinta, al lavarse los dientes sangra, se le caen las uñas y se quita las larvas de moscas del cuerpo que termina guardando celosamente en frascos, por supuesto que Alberto no esta enfermo, esta "muerto", o por lo menos eso parece ya que es la viva imagen de un muerto viviente, es decir Alberto "esta" o por lo menos parece muerto, y como cadáver se descompone cada vez mas por lo que tiene que maquillarse, ocultar las evidencias y bañarse en perfume, todo con movimientos tan lentos que en realidad pudiera considerarse un zombi de la edad romantica. Y así vemos el transcurrir de los días de Alberto en espera de que pase la semana para retirarse de su trabajo, pasando por la farmacia a abastecerse, esquivar a todos en el trabajo, evitar a su jefa, soportar que lo ignoren en el metro al derrumbarse ,escena real según el director y escritor Sebastián Hofman, y de paso ser confundido por un cadáver.

Todo esto es una obvia apología de la vida misma, de estos tiempos en los que todos somos una especie de muertos vivientes y mostrado de manera categórica con esos usuarios del gimnasio que solo realizan tareas repetitivas sin sentido mas ridículas y desquiciantes que las del mismo Alberto, con notorias referencias al cine del maestro David Cronenberg que se notan en la descomposición paulatina pero segura del protagonista que viene a evocar a la carne orgánica, es decir el cuerpo en transformación, la cinta ademas señala lo efímero de la vida con ese ejemplo del cometa Halley, y la imposibilidad de vivir cuando ya no se esta vivo, sin importar a que tipo de muerte se refiera, y con escenas tan poderosas como ese intento de salida a la frustración que termina de la forma mas terrible, todo esto con una dirección muy buena, una fotografía fría y lograda de Matías Penachino, una soundtrack bien escogido y un maquillaje impresionante que en realidad hace pensar que Alberto se descompone, aunque quizá lleva muerto mas tiempo del que se note, aunque físicamente se note hasta ahora, una valiosa opera prima de Hofman que siguió elevando la calidad.

Calidad: Muy Bien

Cinecritica: Guapis

GUAPIS (MIGNONNES (CUTIES), FRANCIA, 2020)

No, no y no, comprendo lo que intento la directora y guionista Maïmouna Doucouré en esta película, o por lo menos eso espero, pero cuando nadie lo entendió asi es porque de plano no supiste transmitir el mensaje, y no conozco a nadie que se haya sentido choqueado por las imágenes, al contrario, incluso pensando que esta mal sexualizar a las pequeñas de once años algunas personas que lo ven comentan que no estuvo tan mal, "no se desnudan", "los bailes son divertidos", "solo las viejas gordas que no se bañan y van a la iglesia se molestan viendo a las niñas bailar así", y el ya típico comentario de la feminista progresista "es su cuerpo, pueden hacer lo que quiera", todas estas frases reales que me han dicho algunas personas, al escuchar esto queda claro que la "critica" que deseaba hacer la directora no esta lograda, tomar esas escenas para esa intención no es malo, lo malo es que Doucouré es tan mala que le sale el tiro por la culata.

Las niñas estan hipersexualizadas y hacia la mitad de la cinta se deja de lado la historia para enfocarse solo en eso, Amy (Fathia Youssof) es una niña musulmana de once años que tiene que lidiar con el segundo matrimonio de su padre, algo que lleva a la depresión a su mama, por ello cuando conoce a Angelica (Medina El Aidi) bailando y planchándose el pelo quieren entrar al grupo del que es líder, las "guapis" del titulo, un grupo de chicas que bailan twerking para hacerse famosas, ademas de ser las "populares" de la escuela, Amy se obsesiona con eso para olvidar el drama con su familia, renegar de sus raíces y darle la espalda a la religión, peroooo todo esto se tiene que concluir solo porque se olvidan de todo esto, el desarrollo y evolución de la protagonista se da a trompicones, con huecos y sin sentidos.

Ademas como ya agregue, las escenas de baile no logran su cometido, y hay tantas escenas que tienen este mismo fallo, las chicas viendo pornografía, jugando con un c
ondón, subiendo fotos desnudas a las redes, seduciendo a un guardia para que las deje escapar, y me topo con otro punto, no solo es la sexualización sino el actuar general, Amy se pelea con otra tipa solo porque ¿si? la chica roba un celular a un primo, o algo así ya ni recuerdo, y se le ofrece para que se lo deje, los jueces aplauden este baile y luego se escandalizan ¡¿como?! ya las habían visto antes, pero bueno, que le puedo pedir a una película tan torpe que su protagonista se da cuenta de su error en un arrebato de inspiración que le dura un segundo, oportunamente despues de que intento asesinar a una de las integrantes, y con un final tan abrupto que parece que se les acabo el presupuesto o el tiempo, aunque lo mas seguro es que el pésimo guión no supo como cerrar ninguna de las vertientes que abrió, lo peor de todo es que fuera de la polémica la cinta no tiene nada que ofrecer, carece de ritmo, esta quebrada, y su trama cambia sin sentido, una cinta completamente fallida.

Calificación: Desastrosa

Cinecritica: Amor, Nuestra Prisión

AMOR, NUESTRA PRISIÓN (ÍDEM, MÉXICO, 2017)

"No tuve una cita con el amor, simplemente le hice un paro a la soledad" sentencia una de las cinco presas que dieron su testimonio para este conmovedor corto animado-documental, escuchamos sus vivencias, pensamientos y penas mientras vemos diferentes técnicas de animación que siempre dan en el clavo con lo que escuchamos, alguna cuenta a carcajadas que se iba a casar con "el Ranas" mientras vemos la carta del celoso tipo, otra dice que no le gusto convivir con nadie, alguna mas se queja de que tiene que pasar harto tiempo para que puedan estar junto a su pareja, mientras otra se nota incomoda al contar como se sienten las miradas de las compañeras al asistir a tener intimidad, y peor aun, algunas de plano se casan ante la posibilidad de estar solas, aquí no aplica el mejor sola que mal acompañada, cuando se esta presa cualquier cosa es mejor que eso, aunque signifique terminar maltratada y con moretones por todo el cuerpo, desgarradora la animación en este momento.

Y lo que es peor, varias lo aceptan porque si no el gobierno ya no la dejaría tener otra pareja, un ciclo vicioso del que no parece existir escapatoria, con todo y el mal actuar del gobierno, al que no le importa que pierdan la humanidad porque al final de cuentas solo son presas, por lo menos algunas han crecido tanto que no ocupan amar así porque aman todo lo que existe, despues de todo "aprender amar aquí, es una absoluta libertad", es una lastima que del penal de Atlacholoaya en Morelos se hayan trasladado algunas al nuevo penal de máxima seguridad Coatlán del Río, Morelos, una cárcel privada financiada por el siempre "altruista" Carlos Slim que prohíbe a sus presas tocarse y hablarse entre si, por lo que ya no pueden tener contacto con nadie, ni para bien ni para mal como se lamenta la directora Carolina Corral que no deja de lado el tema de cárceles, y nos ofrece una visión dura sobre temas que ni sabíamos que existían.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Los Adioses

LOS ADIOSES (ÍDEM, MÉXICO, 2017)

La biopic de Rosario Castellanos Figueroa logra evadir los lugares común de las biografías, en primer lugar porque el estilo no es seco o cansino, en segundo no se limita a mostrar los eventos mas "importantes" en la vida de la mujer, hablando de los conocidos públicamente quiero decir, y tercero porque evita ensalzar de mas a su protagonista, aunque no por ello deja de mostrar una veta feminista responsable y pensante del asunto, aunque Natalia Beristaín idolatra a la mujer no rehuye de lo peor que tenia ella, y que es justamente lo que mas criticaba y contra lo que mas peleaba, por un lado Rosario es una de las escritoras y ensayistas mas importantes el siglo XX en Mexico, una que da clases tratando de sembrar una semilla feminista en los alumnos, que con sus poesías le daba valor a las mujeres, y que siempre peleo por sobresalir en un mundo que en esos tiempos era liderado por hombres.

Pero tiene otro lado, uno que contradice totalmente su cara social, mientras que Rosario pelea por el lugar y la valía de la mujer en su casa padece justamente contra lo que lucha, es rehén de un amor toxico y dependiente que la encadena a un marido astuto, que abusa de sus palabras, del amor que ella siente, que chantajea a la primera oportunidad, y que incluso tiene celos del talento de su esposa al grado de destruirle la maquina de escribir al "tropezarse" con ella, justamente aquí es donde la directora evita caer en el feminismo mas simplón y en elevar la figura de la escritora en un nivel que evite que parezca humana, es decir, Rosario esta en esa relación porque así lo desea, se volvió dependiente por convicción propia, y en todo momento supo con quien compartía su vida. Esto sumado a los altos valores de producción y a una dirección pulcra logran que la cinta sea visible y entretenida.

Se debe admitir que gran parte del encanto de la cinta esta justamente en la elección de sus actores principales, la cinta muestra dos etapas de la vida de Rosario Castellanos, en su juventud estudiantil cuando era la voz y líder de los jóvenes, y en su madurez como escritora consagrada en la que vuelve a caer en las garras de un hombre que siempre amo y que nunca dejo de padecer. En su etapa adulta la actriz Kaina Gidi logra darle clase, madurez y un halo de respeto que siempre impone, en tanto que Daniel Giménez Cacho esta tan bien como acostumbra como Ricardo Guerra Tejada, el patán que manipula a la escritora a su antojo, y que a pesar de su ojetes tiene cierto encanto para el espectador, Pedro de Tavira hace lo propio como un Ricardo joven, con menos fuerza pero con mayor cinismo, y cierra el circulo la maravillosa Tessa Ia que con una mirada denota inocencia y con la siguiente nos demuestra la fuerza necesaria para dar con una resolución que cambia su vida, las dos actrices son lo mejor de la cinta, de Tessa desde hace rato le seguimos la pista en su imparable ascenso, de Gidi resulta una sorpresa muy grata.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Mexicanos de Bronce

MEXICANOS DE BRONCE (ÍDEM, MÉXICO, 2016)

La perfecta pieza de acompañamiento del estupendo documental "Somos Lengua" es la opera prima de Julio Fernández Talamantes, como en la otra cinta Fernández nos muestra una parte de la cultura rapera del hip hop que casi no se conoce en el pais, esta vez no viajando por las calles, en lugar de eso vemos el hip hop en los grupos que se hicieron en el reclusorio oriente de la Ciudad de México, principalmente de MPC (Ministros de la poesía callejera), una banda formada por "Bullet", "Rocky" y "Homes", tres reclusos que estan ahí por delitos violentos y que han encontrado una salida en la música, en escribir esas letras rítmicas que hablan sobre su vida, la calle, la violencia, el gobierno, la sociedad, pero siempre aceptando lo que son y lo que hicieron, nunca se victimizan y el director respeta esto ya que evita ser condescendiente o tratar de defenderlos, en lugar de eso solo sigue y documenta sus vidas, y estas son lo suficientemente interesantes para mantenernos siempre al pendiente.

Después de escuchar rimas, música y hasta una sesión de grabación junto al grupo Pachamama, específicamente Héctor Guerra realizan una canción para defender Wirikuta del rapaz presidente Calderón, vamos conociendo mas íntimamente a esos tres integrantes dejando de lado a los demas que ya habíamos visto, una decisión inteligente ya que así podemos conocer un poco mas de estas personas, aunque nunca pueda entenderse totalmente, lo cual es debido a la complejidad de sus personalidades, conocemos a sus familias, desde la de "Bullet" que esta a punto de salir, su tia comenta que esta ahí por lo que hizo y que no deben de doblar las manos, su hermano esta decepcionado de su hermano menor, y la hermana de plano intenta excusarlo, su esposa intenta alejarse y a su hijo le gustaría tenerlo de vuelta, en tanto con "Rocky" la casa parece una guardería que parece seguirán los mismos pasos ya que todos lo admiran, y su madre comparte la responsabilidad de que su hijo este en la cárcel, despues de todo el papa de "Rocky" esta en el mismo penal que él.

Mientras que en casa de "Homes" solo lo esperan vagos y cholos, así que parece que de salir estará condenado a repetir el mismo ciclo, el "Bullet" termina saliendo libre y lo acompañamos en su difícil viaje por la libertad, sin que nadie le de empleo, distante de su familia, tratando de evitar las amistades del barrio, entrando en una depresión donde queda claro que aprendió a vivir en la cárcel estando mucho mas cómodo alla, en tanto los otros dos buscan en la religión una manera de enmendar su vida, uno confiesa que si la vida fuera justo estaría muerto, rezando y confiando en Dios parece la única salida de estos músicos delincuentes que estan condenados por muchísimos años, y donde al final solo son una parte de esas espeluznantes cifras que dicen que la mitad de los reclusos seguirá regresando, como uno de los protagonistas, que la mayoria son menores de treinta años y culpables de crímenes violentos, viéndolo así no parece que las autoridades hagan su trabajo.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Jaula de Oro

LA JAULA DE ORO (ÍDEM, MÉXICO - ESPAÑA - GUATEMALA, 2013)

El hosco Juan (Brandon Lopéz) camina por una calle donde solo se ve miseria y violencia, en otro lado Sara (Karen Noemí Martínez Pineda) se encierra en un baño donde se corta el pelo, se venda los senos, oculta su rostro con una gorra y se toma una pastilla anticonceptiva, el amable Samuel (Carlos Chajon) llega a su encuentro y los tres se dirigen a cumpler el sueño americano, un viaje desde Guatemala hasta Estados Unidos que parece tan imposible como esperanzador, en México se les une el indígena tzotzil Chauk (Rodolfo Dominguez, magnifico) que no habla una sola palabra en español, asi los cuatro, los tres amigos y el solovino, siguen su travesía en la bestia, topándose con cantidad ingente de obstáculos y adversidades, al tiempo que la tensión entre Juan y Chauk se hace cada vez mas grande, en parte por la discriminación del primero al indígena que no lo baja de "pinche indio" y mas importante aun, porque Chauk sospecha ¿o sabe? que Sara que se hace llamar Osvaldo en realidad es mujer.

En su travesía se encontraran de todo, una odisea donde se topan con policías que actúan cual viles delincuentes, donde son derrotados pero no se rinden como si tuvieran un destino inalterable, sacarle la vuelta a los soldados como si nada, sobrevivir al hambre y sed, no caer en las vías, soportar un asalto que por supuesto avala el conductor del tren, sufrir a las bandas delincuentes que se dedican a la trata de blancas, enfrentarse a unos secuestradores que extorsionan a los familiares del "otro lado", padecer la ojetes de los coyotes, y resistir a los francotiradores gringos. Todo esto pareciera que la cinta no es mas que otra película mas sobre el miseralismo latinoamericano que tanto gusta a cinefilos y críticos, es decir una cinta que "expone" las miserias y penurias, haciendo que todo sea sensacionalismo y amarillismo, que explota el jodidismo, el morbo y que se jacta de la victimizacion de los personajes, de los protagonistas, de nosotros mismos.

Pero el director Diego Quemada-Díez logra evitar todo esto dotando de personalidad y humanidad a sus personajes, dándole a la historia, con guión de él mismo junto a Lucía Carreras y Gibrán Ramírez Contreras, una visión realista que aunque no rehuye de lo peor del ser humano, esta vez mostrado desde el inicio de la jornada, también tiene momentos de felicidad, de humanidad, de amor, de amistad, de conocimiento, de crecimiento personal, de tristeza, de tristeza, y pequeñas victorias que siempre mantienen la esperanza, así los que antes eran enemigos ahora pueden dar la vida por el otro, los que morían de celos no repararan un segundo para defender a la persona que quieren, y que pueden mirar a su hermano a los ojos sabiendo que hicieron lo correcto.

Este sentimiento de estoicismo impregna todo el metraje, algo que se agradece y que junto a la dirección inspirada de Quemada-Diez que ademas de encuadres bellos se da el lujo de algún detalla visual que despues cobra importancia, y muestra a inmigrantes reales que le dan un valor agregado a la cinta (y que aparecen en los créditos), algo que se hace mas poderoso con la fotografía casi documental de María Secco. Es increíble que tenga que venir un español a mostrar como se hace una cinta de este tema sin chantajismos, que le otorga dignidad a sus personajes, y que se resume en la canción "La Caña" del "Son del Centro" junto al mensaje de la canción "La Jaula de Oro" de los "Tigres del Norte", y es que si se tiene la suerte de lograr el sueño sera para barrer los sueños quebrados de otros.

Calificación: Muy Bien