Cinecritica: La Bala Perdida

LA BALA PERDIDA (BALLE PERDUE (LOST BULLET), FRANCIA, 2020)

Dos tipos están a punto de robar una joyería a base de pasar el muro con un auto con un sistema de propulsión extrema, tanto que resulta demasiado y se pasan atravesando cuatro muros y quedando atorado en el asiento, el duro Lino (Alban Lenoir, bien como el tipo duro de pocas palabras) logra que escape su amigo casi hermano Quentin (Rod Paradot) pero va a parar a la cárcel donde no tiene muchos amigos, pero a los pocos días el líder del escuadrón antidrogas Charas (Ramzy Bedia) consigue un permiso de su jefa Moss (Pascale Arbillot) para llevarlo a trabajar como mecánico del equipo anti-asalto de la unidad, pasan los años y el excelente trabajo de Lino consigue que el escuadrón sea el mandamás en las calles, por otro lado Charas no esta tan contento ya que solo consigue detener pequeños traficantes sin lograr llegar a la cabeza, en parte porque su equipo se emociona de mas y termina matando a los probables testigos, solo se siente cómodo con el convicto Lino que no termina por ser aceptado por sus compañeros por mas que lo feliciten por su trabajo.

Menos aun ayuda que haya mantenido un romance con una de las integrantes del escuadrón, la huraña Julia (Stéfi Celma), asi que por mas que Lino se esfuerce no logra que nadie lo tome en cuenta, ni el sádico Areski (Nicolas Duvauchelle, bien), ni el pedante Marco (Sébastien Lalanne) y por lo visto tampoco el mecánico buenas tardes que lo acompaña, con esto en mente Lino solo soporta esto por el gran amor que le tiene a los carros y por la gratitud que expresa hacia Charas, un tipo que no solo lo admira sino que le tiene respeto y una gratitud reciproca al grado de conseguirle su libertad, por desgracia un evento desafortunado que iniciaría el desmantelamiento de los narcotraficantes voltea todo y pone el mundo de Lino del revés, como un prófugo culpable de asesinato y sin que nadie le crea ahora toda la comisaria esta detrás de él, junto a los narcotraficantes, con la única opción de una prueba irrefutable incrustada en un Renault 21 rojo.

De aquí la cinta solo sera entretenimiento puro, peleas, persecuciones a pie y a carro, balaceras, y demás fruslerías que siempre nos tendrán al pendiente y al filo del asiento, merito total del director Guillaume Pierret que después de poner presentar la premisa de su propio guion se dedica a montar hábiles escenas de acción que dejan en evidencia a hollywood con sus grandes estudios y directores estudiados, aquí lo que tenemos es un amor por el genero, pocos recursos pero optimizadamente utilizados, y una demostración de efectos convencionales como los de antaño, no importa cuanto tiempo pase se seguirán viendo reales al no ser computarizados, ademas el protagonista nos entrega un esfuerzo físico encomiable, apostando el cuerpo en todo momento, y con una preparación que le tuvo que haber costado lo suyo, por ahí están algunas escenas memorables como esa interminable pelea en la comisaria en la que hasta uno se cansa, la sorpresiva escena del deshuesadero, y por supuesto ese enfrentamiento final a lo "Mad Max" con todo y personaje casi muerto pero que logro su objetivo, casi como héroe hawksiano, un momento que nos rememora el cine de acción de antes, violento, realista, con personajes ambiguos y héroes que no se rinden, tan increíble como disfrutable y profesional.

Calificación: Bien

Cinecritica: Mi Villano Favorito 3

MI VILLANO FAVORITO 3( DESPICABLE ME 3, EU, 2017)

Comenzamos la cinta con el enfrentamiento entre el villano ochentero Balthazar Bratt (voz de Trey Parker, nada menos que el co-creador de South Park) y Gru (voz de Steve Carell) que termina con la derrote de este ultimo, por lo que es despedido junto a su ahora esposa Lucy (voz de Kristen Wiig), con Gru sintiéndose humillado y derrotado todo dará un vuelco cuando su hermano gemelo Dru (también Steve Carell demostrando que puede cambiar la voz facilmente) lo invite a su casa, ahi el tipo resulta ser rico, exitoso y lo peor, con cabello, lo que causa la envidia de Felonious Gru que no dura mucho ya que rápidamente averigua que su padre y todos sus antepasados han sido villanos, y que su padre lo respetaba, no sucede lo mismo con el cobarde y bobalicón Dru que no tiene madera.

Deseoso de ser villano le pide ayuda a su hermano y Gru acepta usándolo para recuperar un diamante de las manos de Bratt lo que le regresaría su vida como agente y héroe para las pequeñas. La cinta filmada a seis manos; Pierre Coffin, Kyle Balda y Eric Guillon, parece que nunca sabe adonde va y juega con múltiples historias que apenas rellenan la menos de hora y media de duración, por un lado tenemos a Lucy que intenta ganarse su lugar como madre, debo decir que no supieron plantear ni cerrar esta, la de la búsqueda del unicornio por parte de las niñas esta solo para que no desaparezcan, y la de los minions tiene sus momentos , la parodia a "bad", pero en parte comienzan a cansar y por otro lado pareciera que los hicieron a un lado para que no le quiten protagonismo a la ultima historia, la de los hermanos gemelos en una misión que termina separandolos.

Lo que es peor es que todo se plantea y luego se olvida, Gru se siente mal porque su hermano es mas exitoso, al segundo siguiente destruimos esa historia, pareciera que disfruta ser villano de nuevo, se nos olvida en la escena siguiente, la nueva jefa entra y no vuelve a aparecer, y asi un larguísimo etc. el punto fuerte de la cinta por mucho es el villano Bratt, un tipo psicópata que se quedo anclado en los ochenta, como una fusión entre Michael Jackson y Gary Coleman de "Blanco y Negro", como este ultimo cuando paso su carisma infantil, es decir creció, lo botaron y el rencor y la locura lo hacen querer recrear lo que hacia su personaje en el show, lastima que salga tan poco y no se indague mas en su personaje porque es lo único rescatable, ademas el hace que llegue a la cinta un mas que disfrutable soundtrack ochentero, que ademas de pegajoso es lo mejor de la cinta.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: La Torre Oscura

LA TORRE OSCURA (THE DARK TOWER, EU, 2017)

El niño Jake (Tom Taylor) tiene sueños que mas bien son pesadillas, son increíblemente vividos y el insiste en que son reales aunque nadie le cree, ni su mama (Katheryn Winnick) mucho menos su padrastro que a leguas se nota quiere deshacerse de él, el chico dibuja lo que sueña y por alguna extraña razón es antisocial y no puede tener una vida normal, supongo que por los sueños aunque no hilvano una cosa con la otra, su padre murió hace poco y esta visiblemente perturbado pero cuando vayan por él los pieles falsas el niño escapara y asi de la nada por algo que vio en una visión y un comentario en internet encuentra la puerta que lo lleva al mundo la tierra media, ahí conoce al pistolero de sus sueños (Idris Elba) quien solo quiere vengarse del hombre de negro (Matthew McConaughey), el otro tipo que ve en sus sueños que quiere tumbar una torre oscura con el poder de unos niños.

Así lo que vemos es una típica y convencional aventura infantil de fantasía que nos presenta a un niño diferente o bicho raro que encuentra su lugar en el mundo, o mas bien en el universo, que es importante y resulta ser el elegido por mas que toda su vida le han dicho lo contrario, es decir la formula que le venden a los niños, pubertos y adolescentes que están enojados con el mundo y se creen especiales aunque nadie mas lo vea. El chico viaja y el pistolero Roland quiere vengar la muerte de su padre, escenas de balazos dizque chulas, un ambiente poco imaginativo y mal logrado, y una historia que avanza a trompicones por portales y escenas de acción mal hechas hasta un final sin sentido y de pena ajena que parece va dirigido a los mas pequeños.

Ese es justamente el peor problema de la cinta, que parece diseñada para niños, para hacer una franquicia millonaria con el sueño de un nuevo elegido, pero que por desgracia falla en todos y cada uno de los ámbitos que toca, el director Nikolaj Arcel , director de la exquisita "A Royal Affair", con guion a cuatro manos nunca saben que contar y la historia deambula sin sentido por todos lados, al final aunque no he leído la saga de Stephen King lo cierto es que su estilo cruento, terrorífico y ácido no esta por ningún lado, en lugar de eso tenemos una fantasía edulcorada que no sabe si es ciencia ficción, western, terror o acción. Ademas todo mundo alaba la actuación de Elba que me parece solo sostiene un personaje cliche y soso en sus carisma, en tanto el criticado McConaughey por lo menos divierte con la mama leche y se nota que se lo esta pasando bomba.

Calificación: Churro

Cinecritica: Líbranos del Mal

LÍBRANOS DEL MAL (DELIVER US FROM EVIL, EU, 2014)

Scott Derrickson es un director que poco a poco se ha ganado mi respeto, tanto asi que creo que menosprecie su popular película "Sinister" ya que aun la tengo en mente a pesar de los múltiples tópicos y clichés que maneja la cinta, mucho mejor es "The Exorcism of Emily Rose", película que me gano y con "Dr. Strange" el tipo pago piso en hollywood con un blockbuster bien hecho, apunto todo esto por esta cinta tan odiada cuyo único pecado es ser nada original y manejar todos los clichés del terror, pero como en Sinister la levanta su protagonista, en aquella era Ethan Hawke, en esta es Eric Bana, dos actores de gran talento que merecían mas oportunidades en la industria que lastimosamente solo premia a los que llaman a taquilla, y ademas de Bana aqui el villano es interpretado por Sean Harris que siempre da un mal rollo impresionante, y que por lo visto aquí se divierte de lo lindo.

Con todo lo escrito parecería que una de las virtudes de Derrickson es justamente la elección de reparto, y quizá lo es, por eso me causa tanto ruido los errores de elección en esta cinta que dicho se de paso, se nota cuenta con mucho mas presupuesto que cualquier otra de sus cintas a excepción obviamente de la cinta de Marvel, pero Édgar Ramírez como el bonito jesuita Mendoza y Joel McHale como el chistoson compañero de Bana son dos errores grandisimos que la cinta carga en todo momento. En algún lugar de Iraq unos soldados encuentran una extraña cueva, un corte nos sitúa en New York donde el obsesivo policía Ralph Sarchie (Eric Bana, bien) tiene "corazonadas" que lo llevan a escoger casos que siempre son mas de lo que aparentan, detienen a un tipo que abusada de su mujer, arrestan a una mujer que intento asesinar a su hijo en el zoológico, y terminan envueltos en una investigación que une esos acontecimientos con unos enigmáticos pintores, unas palabras satánicas que aparecen por todos lados y una canción de The Doors que ejemplifica perfectamente lo que estamos viendo.

Sarchie es ateo, no va a misa y no cree en nada, por un incidente del pasado y por su presente donde ve diariamente la oscuridad humana, pero la única manera de enfrentar a este ente sera recuperando su fe, mucha investigación, algo de gore, mucho mal rollo con Santino (Sean Harris, bastante bien), el debut de Lulu Wilson, y algunos trazos de terror que llegan a su tope en ese final tan bueno como ridículo que ejemplifica lo que es la cinta, un conjunto de altibajos que nunca funciona del todo, en el final tenemos una puesta en escena y dos actores buenísimos ademas de buenos efectos junto a un negro que da risa y la actuación de Ramírez que parece recitar sus lineas en un parque, aun asi la cinta se deja ver, tiene sus momentos y la elección musical, por parte del demonio de la historia al parecer, dejan que la sigamos hasta el final, lastima porque esta historia de la vida real podía haber dado mas, y quizá hasta hacer una saga tipo "The Conjuring" para Sarchie.

Calificación: Regular

Cinecritica: Amor de Gata

AMOR DE GATA (A WHISKER AWAY (NAKITAI WATASHI WA NEKO O KABURU (QUIERO LLORAR, LLEVO UN GATO)), JAPÓN, 2020)

Miyo (voz de Mirai Shida) esta en un festival con su madre aunque lo primero que vemos es un extraño ¿sueño? ¿recuerdo? que tiene la chica despierta, Miyo huye de ahí y se topa con un extraño vendedor (voz de Koichi Yamadera) que tiene mascaras de gato, lo siguiente que vemos es la animosa y extrovertida Miyo hacerle un Hinode amanecer a su compañero Kento Hinode (voz de Natsuki Hanae) que no es otra cosa que una extraña arremetida con las nalgas, el chico se incomoda, se molesta y ni siquiera se digna a verla, asi mientras ella le dice una y otra vez halagos y esta pegada a el, y se emociona hilarantemente con cualquier cosa, a él le vale, pero Miyo, o Nule como todos la conocen, una abreviación de Niña Ultra Loca y Enigmática, no se rinde ni se ve perturbada, de hecho regresa contenta a su casa y de su ventana sale una hermosa gatita blanca con ojazos azules que va a la casa de Hinode con quien pasa la tarde escuchando sus deseos, quejas y pensamientos mas profundos.

Es obvio que Miyo es la gatita que Hinode llama "Taro" y que la mascara es la que la convierte, también nos enteramos rápidamente que la primera vez que se convirtió en gata fue en el festival donde él la encontró y le abrió su corazón por lo que ella se enamoro a partir de ese momento, el problema es que Miyo es una niña extrovertida que dice todo lo que piensa y Hinode es un chico introvertido y serio que no le cuenta nada a nadie y se guarda para si mismo todo lo que sufre y vive, bueno casi para él solo ya que se abre con Taro que despues de todo solo es una linda gatita que ni le entiende, con esto en mente Miyo se convierte en el gato solovino de su amor platónico con la idea de usar esa información para conquistarlo como humana, y ademas con el plus de que como gata es lindo y cariñoso con ella, el problema de su plan es que el vendedor comienza a acosarla tratando de convencerla de que se quede como gata ya que asi seria mas feliz, despues de todo ¿que puede darle a su amado como humana? o ¿quien la espera o quiere?

Como si conociera su vida el gato da justo en el clavo, no puede ser la madre que la abandono de pequeña, tampoco sus compañeros que le dieron la espalda cuando esto sucedió, menos claro la centrada Yoriko (voz de Minako Tokobuki) quien también estuvo a punto de abandonarla y ahora es su única conexión con el mundo, menos su padre (voz de Susumu Chiba) y su comprensiva madrastra (voz de Ayako Kawasumi) que son egoístas por no considerar sus sentimientos antes de enamorarse, mucho menos los dos abusadores de la escuela y menos aun el amor de su vida al que le importa poco o nada y que al parecer le seria de mas ayuda como gato que como

humano despues de todo cuando lo ve los demas desaparecen, casi literalmente. Con todo lo dicho queda claro que Miyo no es extrovertida y alegre porque sea feliz sino precisamente por lo contrario, siente que no merece ser amada porque ni su madre la quiso, los demas toman decisiones sin consultarla, y en la escuela solo es un bicho raro, totalmente lo contrario al introvertido y serio Hinode.

O por lo menos eso parece en el inicio pero conforme avanza la cinta escrita por Mari Okada nos damos cuenta de que los dos chicos tienen mucho mas en común de lo que parece, algo que se dice literalmente en la dolorosa escena donde rompen el corazón de nuestra querida Nule, logrando que la evolución de los personajes ser creíble y esplendida, al final el mensaje es maravilloso y esta cinta de crecimiento no se queda solo en mostrar un paso a la madurez sino en retratar como el amor no es idílico y hermoso en todo momento, también es doloroso, lleno de malentendidos, complicado, difícil, y por lo mismo sumamente gratificante, despues de todo como suelta alguien ahi quiero

conocer no solo tu sonrisa, también tu cara enojada y tus rabietas, a lo que contestan ¿como me amarías si conoces lo peor de mi? esa frase resume el amor, o la contestación a esa frase, por ello, por lograr una película madura, genuinamente divertida, ver a la chica actuar como gata o viceversa es hilarante, profunda, tenebrosa (ese villano) y emocionante, el tercer acto es de antología, estamos ante una de las mejores cintas de animación del año.

Dirigida a cuatro manos por el veterano Junichi Sato y el debutante en largometraje Tomotaka Shibayama la cinta en todo momento es divertida y tiene algo que decir, la animación es esplendida, los entornos son maravillosos y realistas, los diseños son maravillosos y dejan atras ese cliche del anime que tanto conocemos, la fluidez de sus movimientos asombra y la imaginativa ciudad del final esta al nivel de la mejor animación, ademas su banda sonora de Yorushika es excelente y las canciones de Mina Kubota brillan, ademas los secundarios son carismáticos y tienen relevancia en la trama. Una de esas cintas que comienzan siendo sencillas y que terminan tan profundas que no pueden desaparecer de tu mente, es un gusto que el anime se mantenga en este nivel dejando claro que no se ha corrompido como las series llenas de fanservise y eyecandy, y que todavía una historia de amor entre una pareja pueda hacerte sentir como adolescente y mejor aun, recordar que el amor existe y que no es sencillo de encontrar ni mantener, y todo eso con la "sencilla" historia de una hermosa gatita blanca.

Calificación: Notable

Cinecritica: Furia

FURIA (FURIE, FRANCIA - BÉLGICA, 2019)

Al iniciar la cinta dirigida y escrita por Olivier Abbou se nos dice que lo que veremos esta basado en hecho reales pero que se cambiaron los nombres por respeto a las victimas, cuando termina la cinta tenemos claro que esa advertencia no era mas que una falacia para jalar pobres incautos que presumen de que ven cine que cuenta cosas reales, la verdad es que lo que sucede en la cinta es imposible, mas por el final salido de madres que nunca explica resoluciones, pero fuera de este engaño ¿Furie es una buena película? la respuesta es por supuesto que no y daré mis muy personales razones, Furie nos cuenta la historia de una familia que se va de vacaciones y presta la casa la niñera de su hijo a la que han desalojado, como pasando algunos meses y la niñera junto a su novio pagaron los servicios y tienen algún contrato con lagunas que nunca nos explican bien se han apropiado de la casa y los dueños legítimos no pueden correrlos.

Fuera de algunos comentarios y consideraciones sociales que nunca entendí si eran criticas, sarcasmo o parodia la cinta nunca termina de funcionar, y aunque no comienza mal, supongo que la premisa es lo unico basado en algo real, se va perdiendo hasta caer por un despeñadero, como apunte lo mas interesante de la cinta son esas quejas políticas que dejan mal a todo el mundo, los policías son tachados de racistas por la esposa (Stéphane Caillard) de Paul (Adama Niane) solo por hacer su trabajo, es decir someter a una persona que no entendía y era violenta, justo lo que ha despertado un movimiento a nivel mundial, pero el mismo protagonista sufre la misma discriminación racial al ser llamado débil y oreo (negro por fuera, blanco por dentro) por un estudiante al que da clases, despues Paul se victima como falso inmigrante para causar mas repercusión social, el sociopata Mickey (Paul Hami) le suelta un ¿somos iguales? a Paul que este entiende como algo racial cuando se refería a la cobardía intelectual de Paul frente al machismo violento de Mickey, y finalmente por ahí se suelta el valgo mas porque logre esto como negro.

Estos apuntes son lo mejor de una cinta que nos va contando como Paul termina siendo comido por la vida machista y ultraviolenta de Mickey para despues recapitular y terminar enfrentándose a ellos en una parte final que parece sacado de la película hollywoodense mas cutre, un sinsentido que termina por hundir una cinta que deambulaba sin sentido en casi todo momento, una mujer que solo esta como concepto sexual, un hijo que parece que no existe y un hombre que dizque no sucumbió frente al machismo y la violencia pero que en esa escena sexual final entre la pareja parece decir lo contrario sin que se entienda lo que la cinta quiere decir, ademas al final todo se resuelve como por arte de magia, muertos, explosiones, inquilinos, todo desaparece, el hombre ahora es muy hombre y por ello hace el sexo rudo y demas tonterías.

Calificación: Churrito

Cinecritica: You Should Have Left

YOU SHOULD HAVE LEFT (IDEM, EU, 2020)

Theo Conroy (Kevin Bacon, muy bien) en un huraño banquero retirado y padre de familia que parece esconder un oscuro pasado, tiene todo el dinero del mundo pero no le gusta decir su nombre y evita en lo posible cualquier interacción, de hecho parece tener razones ya que la mención de su nombre llama la atención del cadenero de la filmación en la que trabaja su esposa, la mucho mas joven actriz Susanna (la bellisima Amanda Seyfried que se ha convertido en el deseo de los hombres maduros en el cine como en "First Reformed") que pudiera ser su hija como se lo preguntan en cierto momento, ademas justo llega cuando graban una escena sexual explicita sumamente incomoda de escuchar, poco a poco nos va quedando claro porque Theo toma una especie de programa terapéutico, escucha las grabaciones que parecen sacadas de cualquier coach que vende capacitaciones, escribe en un diario hasta que le duele la mano y pierde la tinta, y revisa las conversaciones de su mujer en el celular, la tableta y hasta la laptop, Theo es un hombre desconfiado, inseguro, introvertido, algo que no tiene nada que ver con la vida acomodada que tuvo ni su físico que no parece un anciano decrepito por mas que su hija Ella (Avery Essex, bien) se lo repita una y otra vez y hasta le pregunte si ya se va a morir.

Cuestión que contesta Theo secamente y despues se excusa diciendo que no cree en el cielo, algo que parece impensable porque Theo vive literalmente en el infierno de la vergüenza, la inseguridad, los celos y la ira, conocemos su situacion actual, y mas adelante en la cinta el pasado que lo condena ¿equivocadamente?, cuando van de vacaciones a una casa en Gales todo comienza a salirse de control, mas pesadillas de las habituales, toda la familia se pone irritable, y en el pueblo le advierten sobre la casa que rentaron, una que no va con el pueblo y que parece arquitectura moderna y abstracta en cierta forma, tanto que cierto tendero irritable (hilarante Geoff Bell) le presta una escuadra para que revise "ángulos", viviendo este mundo de pesadilla este banquero retirado a sus sesenta se enfrentara a sus temores, sus pesadillas, la realidad de su relación y finalmente lo conducirá a un infierno terrenal que no estan distinto del propio que se ha creado.

La cinta dirigida y escrita por el irregular David Koepp basada en el libro del mismo nombre de David Kehlmann causa el suficiente terror e incomodidad para no abandonarlos, maniatada por las reseñas la cinta de Blumhouse decide tomar derroteros diferentes a los acostumbrados, aquí no estamos ante una cinta de jumpscares, aunque cuenta con algunos, sino que juega con la mente del espectador tanto como con la de su protagonista, nos tiene angustiados, nunca sabemos a ciencia cierta que es verdad y que es falso, los juegos/pesadillas de espacio tiempo nos remiten a esas películas sobre casas embrujadas de antes, y en lo personal termina genuinamente aterrorizado, y al mismo tiempo feliz en un sentimiento agridulce, porque el amor de un padre por una hija y viceversa lo puede todo, menos sacarte del propio infierno personal al que te has condenado, y que mas temor que tus culpas y arrepentimientos te persigan hasta cazarte sin escapatoria alguna, porque el diablo tiene casas en la tierra y tiene exactamente la misma forma que nosotros.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Wendy

WENDY (ÍDEM, EU, 2020)

Al inicio del filme vemos a una pequeñísima niña que no debe pasar de los dos o tres años de edad ayudando a su madre a preparar comida y juntar platos en la cafetería que tienen, es mas un juego para ella pero su abuela lo ve como su futuro inobjetable, lo mismo para sus hermanos y hasta su vecino Thomas (Krzysztof Meyn) que se rehúsa a ser barrendero cuando crezca y escapa en un tren donde se encuentran otros pequeños, solo Wendy es testigo de esto y la perseguirá cuando ya sea una niña de unos once o doce años y sienta que ayudar en la cafetería es una condena que le impide ser niña y que peor aun, es su misero futuro, por lo que se pierde en fantasías y sueña con escapar, su madre Angie (Shay Walker) es un amor y los comprende, ella también tiene sueños frustrados, quería ser jinete de rodeo, pero sabe que la vida no funciona asi, en esos momentos el segundo largometraje de Benh Zeitlin me tenia ganado al parecer una versión de Peter Pan que jugara con el realismo mágico como lo hiciera en "Bestias del Sur Salvaje" pero ahora con la realidad de la américa profunda que parece condenada a ser el tapete de las empresas y el patio trasero de la basura del país, millones de condenados por nacimiento que intentan pelear dando su voto al ahora presidente de los EU.

Pero ¡oh sorpresa y decepción! nada mas lejos de la realidad, en muy poco tiempo el director abandona esta faceta y se decide por una que esta de moda, una historia de inicios u orígenes, así cuando viajan a la tierra de nunca jamas, que es una isla del caribe al parecer, donde como todos sabemos no pueden crecer y Peter Pan (Yashua Mack) difiere en el personaje al no tener carisma y ser un terco sin remedio, todo se mueve hacia la historia de como nació un personaje clave del libro, algo que por desgracia para los que conocemos la historia original se ve venir desde el inicio por pura lógica de nombres, y la película termina siendo una reinvención que nos muestra mas que nada como nació la disputa entre los piratas y Peter Pan, mientras el personaje de Wendy (Devin France, un agradable descubrimiento) se va perdiendo cada vez mas convirtiéndose en testigo de lo que sucede, por supuesto es muchísimo mejor que el personaje de Peter Pan que cae mal y casi no aparece, ademas de tener cambios de humor sin sentido y tener una actitud de mierda, que la tiene en la historia original claro pero por lo menos ahi era carismático.

Con lo que escribí pareciera que no me gusto la cinta y aunque tiene múltiples fallos y nunca pareciera que nunca sabe que va a contar lo cierto es que Zeitlin es un director con muchos recursos, que no huye a la fantasía y lo logra convenciéndonos de que puede suceder en la realidad, su puesta en escena es hermosa, y esas hermosas imágenes casi poéticas, y el final tiene un mensaje valioso que nos habla de la importancia de crecer y madurar, de enfrentar la realidad y disfrutarla porque cada segundo de vida es una experiencia tan maravillosa como viajar a la tierra de nunca jamas, lastima que no logre este nivel en toda la cinta porque estaríamos hablando de una cinta mas que notable.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Precio de la Verdad

EL PRECIO DE LA VERDAD (DARK WATERS, EU, 2019)

El abogado Robert Bilott (Mark Ruffalo, perfecto) se sube a su coche despues de una cansada audiencia de horas contra el villano, un ente sin rostro y mas temible que el peor de los engendros del terror, acaba de pasar un estacionamiento subterráneo vació donde parecen seguirle, se dispone a meter la llave para encenderlo y entonces se detiene, teme lo que pueda sucederle al prender el carro, y aun asi no tiene otra opción, y nosotros como espectadores sentimos lo mismo, tenemos el temor de que explote, nos sentimos ansiosos y enfermos como nuestro protagonista, y peor aun, terminamos justo como él, o aun peor, cuando nos damos cuenta de que lo que mas se le puede hacer a una empresa gigante internacional es pegarle unos pellizcones que lo incomodan pero nunca lo dañan, y concordamos con el obseso Bilott en algo que ya sabíamos de antemano pero que aun así duele recordar y reconocer, el sistema es el que esta corrupto, no sirve, nadie nos ayuda ni auxilia, ni las empresas, ni los científicos, ni el gobierno, estamos solos y solo nos tenemos a nosotros mismos, algo que cualquier mexicano, y en muchas otras partes del mundo supongo, debe ser una verdad irrefutable.

Esto viene a colación despues de que el gigante invencible de la química DuPont se pasa por el arco todos los avances que ha logrado el incansable abogado Bilott que termino metido en un tema que genera incomodidad en todos los ámbitos posibles. Filmada por Todd Haynes con un estilo duro, realista y pesimista ayudado por la fotografía de tonos grises y azulados de Edward Lachman y la melancólica música de Marcelo Zarvos, el director no se entrega al drama fatalista, ni hace que sus personajes se sobreactuen, sino que impregna todo de un pesimismo creciente mas que adecuado con el guion de Mario Correa y Matthew Michael Carnahan que no se cansa de repetir que DuPont es invencible, que si acaso se le pueden arrebatar unos milloncitos de los mil millones que gana por año solo en la venta de teflon, que al ser un ente no puede ser enjuiciado por mas que sea un asesino silencioso y despiadado que actúa vilmente y que no se detiene en seguir dañando el planeta y asesinando a todos los que lo habitan con tal de seguir ganando millonadas.

Robert acaba de hacerse hecho socio en la firma que dirige con mano dura Tom Terp (un maravilloso Tim Robbins) y de inmediato un granjero que dice conocer a su abuela llamado Wilbur Tennant (Bill Camp, sublime) lo contacta para que lo ayude con una demanda, ha esto no se dedica Bilott así que no le da importancia, aunque algo dentro de él lo carcome, esto junto con la insistencia del granjero hacen que vaya a echar un vistazo y encuentre varias anormalidades; rocas decoloradas, vacas desquiciadas que los atacan, órganos gigantes, tumores aquí y alla, y un cementerio descomunal de animales, ademas los habitantes de su pueblo natal Parkersburg en West Virginia tienen los dientes negros y parecen tener una tendencia a desarrollar enfermedades graves como cáncer, lo que comienza como una simple demanda como petición de documentación para poner en paz al granjero termina en una pelea a muerte entre el abogado de DuPont y Bilott, al que dejan solo, apesadumbrado y con una cantidad de trabajo para varias vidas.

Por fortuna el obsesivo abogado no se da por vencido y termina encontrando, catalogando y uniendo las pruebas que la misma empresa otorgo donde el PFOA (acido perfluoroctanoico), un compuesto llamado también C8 por su aleación casi inquebrantable que ha contaminado todo el mundo, y como indica la cinta con terror, contaminado al 99 % de los seres vivos del planeta sin posibilidad de sacarla de nuestro sistema, es así que somos testigos de una serie de pruebas irrefutables que nos escandalizan y encabronan cada vez mas, por parte de una empresa que sabia lo que hacia y lo escondían con malicia, personas que nacen con deformaciones, canceres, colesterol alto, dientes manchados y duros, una empresa que hacia experimentos con sus propios empleados, pero al mismo tiempo es el mayor empleador del lugar, que esconde, miente, compra, corrompe, demora, y termina ganando si o si, ademas con el favor de las personas, y que puede faltar a su palabra mientras se forra con nuestra salud.

Es interesante el tema ademas porque nos muestra los dos lados de estas sucias y corruptas corporaciones, y esa misma ambigüedad en la misma sociedad gringa, vemos una escena donde una vaca enloquece por el agua envenenada y de inmediato vemos los centros comunitarios y la ayuda de la empresa en el pueblo, porque los mismos habitantes se niegan a creer porque les dan empleo, y satanizan al tipo que los ataca dándole la espalda en la misma iglesia, donde la misma secretaria que recibe la demanda hacia la empresa DuPont se mofa deseándoles suerte, donde el socio mas nuevo de la firma solo piensa en dinero, donde la autoridad cinicamente hace dictámenes secretos y cambia leyes para auxilio de los poderosos, es decir no solo el sistema sino la misma sociedad esta del lado de una empresa asesina. Por fortuna nos quedan los cruzados como Bilott que sacrifica trabajo, familia (la pobre esposa toda paciencia encarnada por Anne Hathaway), y salud (esos ataques desesperantes), y esos momentos de éxito moral, donde una llamada exitosa se celebra con un llanto silencioso, donde una esposa defiende el éxito moral de su esposo, cuando alguien derrotado en misa recibe una señal, y donde el obstinado granjero Tennant se niega a darle la mano al corrupto abogado de DuPont porque el siempre supo como funcionaba el sistema aunque no estaba estudiado, porque el sabia que la vida nunca regresa con dinero y solo clama justicia, la misma que deberíamos exigir nosotros porque hasta la fecha se sigue haciendo ese compuesto asesino que nos contamina aunque no lo usemos, y contamina a nuestros bebes, con esa idea en mente hasta miedo da tener hijos.

Calificación: Notable

Cinecritica: Ya No Estoy Aquí

YA NO ESTOY AQUÍ (ÍDEM, MÉXICO - EU, 2019)

Al final de la segunda película del director y guionista Fernando Frías de la Parra el recién llegado Ulises (Juan Daniel Garcia Treviño) ha regresado de su odisea personal, solo para darse cuenta que el lugar al que regreso no es el mismo que dejo atrás, ni el lugar, ni su banda, ni la cultura, ni siquiera el mismo, por lo que su deseo nostálgico de regresar a ese pasado idilico parece haber sido arrancado de golpe por el narcotrafico y la narcocultura que se propago por todo el país en esa mal llamada guerra contra el narco del terrible Felipe Calderon, que ademas amenaza con volver por sus fueros, sus amigos han aceptado la oferta del narco y los adolescentes cargan "cuernos de chivo" para todos lados, las pubertas estan embarazadas, y la cultura abraza al narcotrafico aceptando todo con tal de una bolsita de despensa de 100 pesos como se ve en una cruenta escena, ahi Ulises ya no tiene cabida, pero como buen "Terko" prende su reproductor y comienza a escuchar sus cumbias rebajadas, comienza a bailar y a anclarse en la subcultura "Kolombiana" como lo ha hecho en toda la cinta, pero de prontos se apaga, y volvemos de sopetón a la realidad junto a él, una realidad de patrullas, policías, disparos y ambulancias, una imagen dolorosa y cortante que le enseña que tampoco esta aqui, ni siquiera en su ciudad, en su casa, en su hogar.

Esta imagen final es perfecta para terminar el metraje porque deja claro que Ulises ya no puede escapar mas, que su sueño no existe, que el pasado nunca regresara, y queda abierto porque no sabe adonde ir ya que todo el tiempo se ha negado a aceptar la destrucción de su pequeño universo, y también deja claro que Ulises se ha negado a cambiar, a evolucionar, y uno lo admira por eso pero somos conscientes de que en este mundo, y en un país que sigue secuestrado por el narco, solo ver lo que sucedió en Culiacán en ese jueves negro, no es posible. La cinta de Frías se mueve en dos diferentes tiempos, por un lado nos cuenta el pasado de Ulises donde disfrutaba de las fiestas, cuando era el rey del baile, en los tiempos que cuidaba a su pandilla "Los Terkos", a los que se les hace una mención especial al final de la cinta, porque queda claro que el director siente realmente admiración, cariño y respeto por los "cholombianos", esa mezcla entre ropa de cholo, baile colombiano y corte de pelo azteca, pero volviendo al pasado, Ulises era respetado y querido pero entonces un aviso por la radio nos informa de la falsa guerra contra el narco, y una mala decisión, un juego, un malentendido, causa que Ulises quede entre la espada y la pared y tenga que huir.

En tanto en el tiempo presente somos testigos de las dificultades de Ulises para acoplarse a la vida de mojado, no sabe ingles ni le interesa aprender, sus compañeros se burlan de él por ser diferente, lo atacan, le dan carrilla, y el sigue anclado a su forma de vida y cultura lo que le causa múltiples problemas, principalmente causadas por él como se ve en esa escena donde escapa del policía que quería ayudarlo, o esa ayuda que nunca acepta del todo de esa adolescente china Lin (Xueming Angelina Chen) que amablemente lo apoya, pero Ulises es una causa perdida y no se siente agusto ahi porque ni siquiera lo intenta por lo que queda irremediablemente condenado a volver de donde escapo, por ahi he escuchado que Ulises es terco y obstinado, que esta cerrado y cae mal, pero no lo veo asi, como apunte antes existe algo de admiración por mi parte hacia alguien que no cambia sus creencias y culturas, que desprecia a los que no tienen las suyas, ese comentario que escupe a los pochos de "no te queda creerte negro" por lo de escuchar hip hop, y ese orgullo con que viste y ama su música.

Ademas ¿no existe algo de morbosidad malsana en Lin? pareciera que lo ve como un objeto o cosa rara, aun mucho mas de lo que ella pudo ser en cualquier momento, y por otro lado, ¿no tiene razón Ulises de estar molesto y no cambiar? despues de todo le arrebataron su estilo de vida, su música, su cultura, lo que amaba, todo antes de tiempo sin razón alguna, por lo menos en mi si causa tanta indignación como enojo, y es que aunque pertenecemos a culturas diferentes todos sufrimos los mismos estragos, y todos tenemos algo de terquedad, al final ninguno pertenece a ningún lugar, y que esto nos lo diga Frías con una dirección notable, dándole preferencia en esas tomas fijas a los bailes y con esa particular música que ni sabia que me gustaba hace que el viaje sea mas placentero, no menos doloroso pero por lo menos mas disfrutable.

Calificación: Muy Bien