Cinevertigo: El Irlandés

EL IRLANDÉS (THE IRISHMAN, EU, 2019)

La fantasía de cualquier aficionado al cine de mafiosos y al cine en general, ver en pantalla a Robert De Niro, Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel y un larguísimo etc. es una maravilla, y lo es porque estan bajo las ordenes del mas brillante director fílmico existente en la actualidad, un Martin Scorsese en estado de gracia que los últimos años ha filmado solo lo que ha querido y con la mayor libertad posible, aqui nos regala la fascinante obra de uno de los mayores hitos de la mafia norteamericana, el irlandes Frank Sheeran (Robert de Niro, magnifico) que paso de camionero a uno de los mas importantes capos de la mafia, y el unico no italiano por cierto, de ahi el nombre de la película, pero también de el líder sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino perfectamente sobreactuado y genial en esa escena de su pelea con Stephen Graham discutiendo sobre vestimenta y puntualidad en una cita, echando chicos ojotes mientras come carne a los mismos capos de capos, Kietel incluido) que en esos tiempos era una de las personas mas importantes del país.

Para los que no sepan la cinta va sobre el enigma de este hombre pero lo mejor es ver la película sin saber nada y ya despues averiguar los datos reales, o mejor dicho verificarlos, pero siendo sincero la cinta tampoco va sobre eso, Scorsese nos muestra el mundo de la mafia y los que lo habitan, los problemas de moral en los que viven y navegan diario y el ethos que se han creado dizque engañándose a si mismos, con un ritmo pausado, y el adecuado, para esta cinta que en sus tres horas y media siempre nos tiene intrigados, emocionados y totalmente absortos, justo el corte que quería el buen Martin. La cinta es un prodigio técnico y estilistico mostrando una dirección perfecta con movimientos y cambios de cámara perfectos y una iluminación que peca de hermosa, la fotografía de Rodrigo Prieto es bellisima y cambia de palera de colores sutilmente según la epoca y esto nos ayuda casi subconcientemente a seguir el relato.

El montajes es otra maravilla, no hay falla de ningún tipo y como todo lo anterior esta al servicio de la historia, como también lo esta el diseño de producción que recrea perfectamente la epoca, a veces con efectos prácticos y otras digitales, y con esto llegamos a la mayor queja de la película (por ahi también hay quejas del tiempo, el ritmo y hasta el numero de lineas/palabras que tiene el personaje de Peggy cuando es de los mas importantes, que daño ha hecho la corrección política), el rejuvenecimiento facial digital, un detalle que ha molestado y que según muchos chirría, a mi me parece un detalle menor y aunque al inicio se mira extraño, supongo que mas por el hecho de ver jóvenes a actores septuagenarios, conforme avanza la cinta se siente orgánico y toda sensación de extrañeza desaparece, incluso lo considero un acierto ya que no estamos cambiando de actores en una historia que tiene tantos saltos temporales como lo son mas de cuarenta años, que no solo cuenta la historia de como la mafia movía los hilos de la política y los negocios, sino que es una crónica de como se vivió esa epoca para los norteamericanos.

Dejando de lado los aspectos técnicos ahora escribiré sobre lo mas importante, la historia y la narrativa, el guion basado en "I Heard You Paint Houses" de Charles Brandt y escrito por Steven Zaillian nos cuenta la historia de Frank Sheeran, un irlandés veterano de la segunda guerra mundial que durante su servicio ejecuto a muchos soldados enemigos por ordenes tacitas, ahi mismo el tipo perdió su humanidad y quizá se convirtió en el hombre de pocas palabras que es, de vuelta se convirtió en chofer de camiones donde empezó a traficar con los cortes de carne haciendo una especie de mafia donde todos tenían que ver y su parte, todo para tener feliz al mafioso de turno, pero Sheerans se hizo codicioso y cínico y llego al grado de no dejar nada en el camión por lo que la empresa lo demando, pero el cínico abogado Bill Bufalino (Ray Romano, excelente) lo rescata teniendo ademas unas de las mejores escenas del filme, y del año por supuesto.

Lo presenta con su primo Russell Bufalino (el repatriado Joe Pesci en estado de gracia) porque Frank no es un soplón y es leal, al tiempo Russell lo toma como protegido y le da un nuevo empleo, pintar casas, un eufemismo para las ejecuciones, asi el soldado Frank sigue las ordenes tacitas de su nuevo jefe sin chistar, sin poner quejas, sin preguntar, y siempre con una profesionalidad que da miedo, de antología como prepara los asesinatos, como también es de miedo la calidad en que las filma Scorsese, sin aspavientos ni haciéndolas emocionantes o enalteciendolas, las muestra dolorosas crudas y secas, como lo que son en realidad, lo que habla de una maestría y una madurez notables del maestro, tiempo despues el mismo Russell lo contacta con el líder sindical de camioneros, el poderoso y carismático Jimmy Hoffa que también toma como protegido a Frank, y a su familia, con la diferencia de que para la hija de Frank, la pequeña callada Peggy (soberbia Lucy Gallina de niña y esplendida Anna Paquin de adulta) el tio Russell es un asesino despiadado y el tio Jimmy es un hombre derecho que se preocupa por ayudar a las personas.

Por supuesto esto no es asi de sencillo pero para la pequeña, y adulta, Peggy son dos clases de hombres diferentes y esto justamente es una de las premisas mas importantes de la cinta, porque mas alla de contarnos como la mafia movía la política, y como uso y quito a los niños mimados Kennedy cuando estos pensaron que eran los jefes, y toda la movilización social y los cambios que hacen, lo que verdaderamente estamos presenciando es la vida de un hombre que fue perdiendo la humanidad, que podia medio matar a un tendero por hablarle feo a su hija, o que una simple mirada (¡esas miradas de Pesci!) o encogimiento de hombros son mas que suficientes para masacrar a alguien, todo esto en las primeras horas de la cinta que no esta exento de un humor negro y macabro, esos apuntes escritos sobre como y cuando murió cada personaje presentando mostrándonos el cruel mundo de la mafia y lo efímero del poder y la gloria, los chistes racistas "todos se llaman Tony", los apuntes ingenioso, y la mala leche integral que impregna la obra, pero eso si, todo con clase e inteligencia y una frialdad que da escalofríos.

Una frialdad que no tiene nada que ver con lo que nos hace sentir el director, Martin Scorsese es siempre empatico con sus personajes, eternos perdedores sin remedio, que son arrastrados por las circunstancias de la vida, pero que nunca es chantajista o sentimentalista, por ello cuando llegamos al tramo final de la cinta y somos testigos/participes de una dolorosa decisión nos quedamos fríos, aterrorizados y destruidos cuando la silenciosa Peggy suelte la frase mas devastadora de la cinta hacia su padre que quedara condenado a la soledad, la tristeza, el abandono,el olvido, como una penitencia de lo que ha hecho, justo en esta media hora final, como un cuarto acto, la cinta es cuando se vuelve mas crepuscular y melancólica, con todos los hombres de antaño poderosos disminuidos y derrotados por la vejez, por las enfermedades, por el tiempo y la vida misma, mostrando que al final todos somos iguales y que ellos quizá sufren mas por la culpabilidad y el temor, no solo el temor de Dios de un Frank Sheeran que se aferra a la idea del perdón divino sino al perdón nunca encontrado de la gente que ama en vida y el miedo al olvido, uno que le sucedió al todopoderoso en esa dolorosisima frase de la enfermera y que anuncia el mismo destino que le espera a él, por fortuna para él esta obra maestra de Scorsese le aseguro la inmortalidad y si de nuevo las obsesiones del director han aflorado conjuntando el cine de mafiosos y el espiritual de manera soberbia no debe preocuparse por el olvido, no despues de que se ha ganado a pulso el titulo de maestro y el cariño de miles de cinefilos que aman el cine y sus obras.

Calificación: Excelente

Cinecritica: El Sacrificio del Ciervo Sagrado

EL SACRIFICIO DEL CIERVO SAGRADO (THE KILLING OF A SACRED DEER, REINO UNIDO - IRLANDA, 2017)

El director y guionista Yorgos Lanthimos trajo esta cinta entre "The Lobster" y la magnifica "The Favourite", y como estas es de gran nivel, al inicio solo vemos una pantalla negra con música y dura tanto que llegamos a desesperarnos y desear que la cinta ya comience, como si no lo hubiera hecho, Lanthimos conciente de esto nos pone de golpe una cirugía a corazón abierto totalmente explicita y nos sentimos incómodos, de hecho un poco culpables por desear que pasara algo, esta es la temática que seguirá la película de aqui en adelante, haciéndonos sentir incómodos en todo momento pero sin poder quitar la vista de la pantalla, porque la película logra succionarlos hacia lo que nos cuenta y de aqui en adelante solo podremos estar pendientes aunque somos conscientes de que el final es inalterable, lo suponemos, lo tememos, y aun asi queremos ser participes de ello.

Desde el inicio el director nos presenta un simbolismo fuerte y duro, algo que se repetirá durante toda su obra, despues de la cirugia se quita los guantes, sus manos estan inmaculadas y limpias, de hecho mas adelante se hace hincapié en lo hermosas y blancas que son sus manos, es decir son puras, pero nosotros desde el inicio sabemos que se han manchado con sangre, aunque no se noten, este tipo de referencias, simbolismos y juegos son lo que le dan mas valor a la historia. El cirujano cardiovascular Steven (Colin Farrell, perfectamente detestable) tiene una posición privilegiada en el hospital donde trabaja, en la sociedad donde pertenece a la élite de arriba, y hasta personal con una bellisima esposa, la oftalmológica Anna (fabulosa Nicole Kidman) que es capaz de cumplir los caprichos de su esposo en al cama, un extraño fetiche de ¿cadáveres?, con tal de tener una vida acomodada y elitista, tiene dos hijos que parecen ser ángeles puros e inocentes que solo se dedican a estudiar y a respetar a sus padres, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic).

Steven tiene una extraña relación con un adolescente casi adulto, el enigmático Martin (hipnotizante Barry Keoghan), pasa tiempo con él, le da regalos, come con él, hasta le enseña su vello corporal, es decir pareciera que quiere tener contento al joven, uno que actúa bastante extraño por cierto, hasta este momento no sabemos que pensar, Steven tiene una vida acomodada y feliz, con una familia educada que lo ama, y pierde el tiempo con un joven que obviamente no esta en su nivel socioeconomico ni intelectual, no queda mas que pensar lo peor, de ambos, una relación fuera de lugar quizá, un escape del padre hacia un mundo diferente o la juventud, que lo tomo como un protegido sin adoptarlo, pero hacia la mitad de la cinta las cosas dan un giro inesperado cuando Martin se meta completamente a la vida de Steve y este ya no cumpla sus caprichos al cien por ciento, no se puede revelar mas de la trama ya que las sorpresas y giros son lo mejor que tiene esta obra de Lanthimos pero baste decir que es una actualización de la mejor/peor tragedia griega.

Tomando como referencia el mito de Agamenón, un Rey griego que debe partir a la guerra contra los troyanos ya que los vencerán como les indico un oráculo, el mito tiene muchas versiones pero lo principal es parecido, Agamenón o uno de sus hombres cazaron a un ciervo sagrado de Artemisa, por error/diversion, y la diosa furica no permitió que corriera el viento encallando los barcos, y soltando una peste para matarlos, la única manera de calmar su ira era sacrificando a su hija Ifigenia, frente a la presión y las ansias de gloria la sacrifica, tiene múltiples finales pero el punto es que Artemisa obligo al rey a sacrificar a su propia hija y este accedió frente a un futuro mas nefasto de negarse, es decir el destino como loza ineludible, la vida del mortal atado al simple capricho y diversión de los dioses, y por supuesto, la justicia, una que pide una compensación reciproca, algo impensable en estos días, Lanthimos abraza la tragedia, destruye la unión familiar, nos enseña lo que en verdad habita en lo profundo de esos seres morales y refinados, con diálogos mordaces y dolorosos.

Los que antes veíamos como personas fuertes y humanas se ha reducido a cobardes egoístas, Anna dice que pueden tener mas hijos, la hija se convierte en una adolescente caprichuda, y el pequeño juega a ganarse el amor del padre que nunca le intereso antes, en tanto Steven sigue siendo el mismo pusilánime que no es capaz de aceptar sus errores, incapaz de aceptar su responsabilidad, no solo al inicio sino en ese mismo final a lo Haneke, todo esto con la violencia y misántropia del mencionado director, una premisa buñueliana y una puesta en escena que nos recuerda a Kubrick con escenarios pensados perfectamente y una cámara calibrada al milímetro que hace zoom in/out de tal manera que nos enseñe algo incomodo o que nos ponga totalmente claustrofobicos, sumado a una inquietante música que nos pone todavía mas incómodos y unos personajes que se saben meros objetos de una tragedia que los rebasa, al final no hay mensaje, se ha hecho justicia ¿divina? la única que podía poner las cosas a mano, una critica al sistema medico que exonera a los médicos negligentes son indiferentes a la vida y arrogantes, en una cinta que cambia del thriller hacia el mas puro terror, y un apunte final, aunque la decisión final es cobarde no parece tan azarosa cuando se cumple con las preferencias mostradas al inicio, un mensaje horrible que por desgracia es muy real.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: 1922

1922 (IDEM, EU, 2017)

Wilfred (un esforzado Thomas Jane) es un granjero que quiere comprar mas tierras, ama las que tiene y el trabajo de campo y ambiciona mas pero para dejarlas a su hijo (Dylan Schmid) en tanto su mujer Arlette (Molly Parker) desea dejar esa vida y regresar a la ciudad donde la gente es mas culta y superficial, la muerte del padre de está logra un problema ya que él quiere mas tierras, ella vender todo para irse a la ciudad y abrir una tienda de ropa, el granjero resentido empieza a odiar a su mujer, no permitirá que se lleve a su hijo, le quitara todo y para ello necesita matarla, y con saña porque ya no la soporta, aprovecha que su hijo esta enamorado y no quiere irse para convencerlo y entre ambos le quitan salvajemente la vida a la despreciable mujer, Wilfred pensó todo, es astuto, cínico, metódico, pero aun asi su vida comienza a caerse en pedazos.

La justicia no lo alcanzo pero si las habladurías, la culpa, el odio del hijo, el rencor de su vecino, mientras las ratas le destrozan la vida desde que vio como despedazaban el cuerpo de su mujer, las escucha en las paredes, las ve, lo aruñan, lo muerden, lo persiguen, y el pierde a su hijo y nieto en el mundo del crimen mientras arruinado apenas sobrevive soportando el espíritu de su mujer que lo flagela un dia si y el otro también. Interesante historia sobre la culpa de cometer un crimen atroz, de como el karma parece llegarnos a todos, y como una mala accion que supuestamente nos dejara algo bueno solo nos entrega cosas que caen como cascada, el director y guionista Zak Hilditch logra una buena cinta, convencional pero con una fotografía y efectos cuidados, en tanto las actuaciones son buenas.

El problema es que la cinta nunca se decide que es, a veces es un drama, otras es terror psicológico, otras una historia de la América profunda, y un largo etc. esto no es malo si se complementaran pero parecen estorbarse, aunque algunas escenas como esos susurro sardónicos de la mujer al pobre diablo son estupendos, la premisa de la historia de Stephen King es sencilla aunque funciona, quizá el problema es el mismo que "Gerald's Game" también de Netflix, se siente que se alargan superficialmente, es decir estas películas depuradas, con media hora menos fueran mucho mejores, aun asi una película que se disfruta al ver aunque despues de que el director entrego "These Final Hours" y descubrió a Angourie Rice uno espera mucho mas.

Calificación: Regular

Cinecritica: Monster House: La Casa de los Sustos

MONSTER HOUSE: LA CASA DE LOS SUSTOS (MONSTER HOUSE, EU, 2006)

La opera prima de Gil Kenan producida por Steven Spielberg y Robert Zemeckis es una joyita que no paso desapercibida pero tampoco recibió los halagos que merecía, por supuesto esto puede parecer subjetivo pero comparándola con la flojisima "Cars" del mismo año la diferencia de calidad es abismal, en esta película no solo hay una buena historia bien llevada narrativamente, también tiene un valioso consejo que no es ni ñoño ni cliché, y técnicamente es impecable, ya en la actualidad los renderizados chirrean un poco pero la captura de movimiento funciona, y gracias a que no quisieron hacer los personajes completamente reales como en la fallida "The Polar Express" sino darles un estilo caricaturizado que aprovecha mas las bondades de la tecnología regalándonos los gestos y los movimientos de los actores reales en lugar de tratar de recrearlos al cine por ciento.

Ademas la cinta tiene las dosis justas de humor, aventura, misterios, cinta de madurez, terror y hasta romance, todo esto con tres pequeños protagonistas tan bien logrados que no estamos ante el típico cliché de niño en el cine sino que verdaderamente parecen tres pequeños reales, con una personalidad propia y el tiempo para mostrarla y explorarla, es decir el apesadumbrado D.J. (Mitchel Musso), el gordito bobalicón pero simpático Chowder (Sam Lerner) y la madura y centrada Jenny (Spencer Locke, sorprendentemente bien) son pequeños a los que nos parecimos, o conocíamos a alguien como ellos, o simple y sencillamente nos parecen humanos y cercanos, es asi como al historia de los dos niños perdedores, uno que abraza su patetismo, el otro que lo niega, no van a ir a pedir dulces en halloween porque estan grandes, en lugar de eso le causan un ataque al sociopata vecino extraño ¿quien no tuvo uno? Nebbercracker (Steve Buscemi) y si bien esto pareciera que les quita de encima al vecino que roba sus juguetes la verdad es que las cosas se pondrán mucho peor.

De aqui en mas, notaran que la casa esta viva, que devora personas, y que sin Nebbercracker ahi ahuyentando a los que se acercan las cosas se pondrán muy feas en plena noche de halloween, asi los tres harán lo posible para impedirlo, y bueno los secundarios son de lujo, el patán mujeriego, la niñera hipócrita, el nerd que es idolatrado por los niños, los papas que ven a los pequeños como idiotas, un par de policías de los que se encuentra uno por ahi y todos con un elenco extraordinario, y por si fuera poco esta grabada con brío y un gran sentido de los tiempos y el espacio, desde la secuencia inicial, hecha a modo de plano secuencia, con la niña en la bicicleta paseando y metiéndose al jardín ya se nos muestra como sera la cinta, el vecino gritando eufórico y esos detalles extraños del césped que ya nos avisan que algo no esta bien, entretenidisima y recomendable cinta.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Maldición de las Brujas

LA MALDICIÓN DE LAS BRUJAS (THE WITCHES, REINO UNIDO - EU, 1990)

Recordaba haber visto esta cinta cuando era pequeño, y lo hacia con cariño por lo que aplazaba el revisarla ahora de viejo ya que muchas veces cuando uno lo hace se da cuenta que lo que en su momento le pareció bueno por nostalgia, recuerdos, desconocimientos o simple presión social verdaderamente no lo es tanto, me ha sucedido con muchas otras películas, igual sucede el efecto contrario, cuando uno es adolescente o recién adulto se cree sabelotodo y exige demas no viendo las cualidades en un todo, por fortuna cuando termine de verla no podía quitar la sonrisa de mi boca, y no era el efecto nostalgia, era el efecto Roald Dahl y Jim Henson, el primero un genio en narración de historias que con sus historias infantiles nos transporta a mundos mágicos siempre coherentes y nos emociona hasta el alma, el segundo un genio del séptimo arte que con sus marionetas y efectos nos transporta a mundos maravillosos donde los grotesco se conjuga con lo hermoso, y que siempre esta dispuesto a sacarnos una buena carcajada.

Es asi como la historia de las brujas de Dahl nos tiene tan encantados como aterrorizados, recordaba que de niño daba un poco de miedo y en la actualidad constato que viéndola de niño debe causar verdadero terror junto a un sentimiento de magia aventurera que no puede desaparecerse, Luke es un pequeño que ama a su abuela Helga (la gran Mai Zetterling, perfecta como encantadora y combativa abuela adorable de quien escucha historias sobre brujas y como cuidarse de ellas, la desgracia llama a su puerta informando que sus padres han muerto por lo que se ve obligado a vivir con la abuela Helga que decide llevarlo a Estados Unidos, pero extrañas cosas le suceden a Luke, una extraña mujer con brillantes ojos purpuras intenta convencerlo de acercarse, cosa que llega al extremo cuando en el hotel de vacaciones todos los indicios que le asevero su abuela parecen darse en los integrantes de una convención de amables mujeres.

Es decir, tienen un brillo purpura, sufren comezón en la cabeza ya que al ser calvas usan pelucas, esconden sus garras con elegantes guantes, y no tienen dedos por lo que no usan zapatos en punta, despues de conocer al pesado niño Bruno (Charlie Potter), y sus distantes padres, asi como lidiar con el gerente del hotel (nada menos que Rowan Atkinson como un Mr. Bean mas funcional) las cosas se salen de control cuando queda atrapado en la convención por buscar sus ratones, escondido se da cuenta que todas son brujas y que la bruja mayor (magnifica Anjelica Huston y con kilos de maquillaje sigue siendo expresiva) tiene un plan para convertir a todos los niños en ratones, mostrando como funciona la formula en el glotón de Bruno y dejando todo sin esperanza a menos que dos ratones parlanchines salven el dia, y de paso acaben con las brujas si no son pisados en el intento.

Algunas escenas son esplendidas, la historia de la niña desaparecida y vista en el cuadro pintado por su padre es terrorífica y causa desasosiego, la bruja que se aparece a Luke es una maravillosa muestra de como funcionan las brujas, sin o con poderes, las escenas con Luke escondido en el salón con todas esas brujas nos tienen en tensión máxima, los ratones, ya sean entrenados o marionetas, son geniales en las escenas, y finalmente la escena de la transformación de las brujas, en especial la bruja mayor, es de otro mundo, lo máximo en los efectos de Henson que de verdad da miedo y que aun me tiene pensando como diablos logro esos efectos prácticos tan reales y orgánicos, eso si, el final peca un poco de adorable pero para ese entonces el director Nicolas Roeg nos tiene en la bolsa, nos ha asustado, maravillado, emocionado, asqueado, divertido y hasta nos ha dejado una valiosa enseñanza, pensada por el gran Dahl y manufacturada por otro grande, Henson.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Silent Hill

SILENT HILL (CANADA - FRANCIA - JAPÓN - EU, 2006)

La pequeña Sharon (Jodelle Ferland en su ¿recurrente? papel de niña inocente/maligna) es sonámbula e intenta suicidarse, ademas de recitar una y otra vez el nombre de Silent Hill, como la madre, Rose (Radha Mitchell, lo mejor de la cinta) no concibe que su hija este loca pues deja al marido (Sean Bean haciendo de florero) y va al pueblo de marras, el tipo le cancela las tarjetas y en un escape sin sentido de una policía (Laurie Holden) llega al pueblo maldito conocido por todos los videojugadores, ahi la niña desaparece y lo que sigue es ver a deambular a Rose por el pueblo que esta lleno de una intensa niebla que apenas permite ver, y de pronto cambiamos a un tono metálico quemado donde terroríficas criaturas aparecen para matar a quien se encuentren.

Por ahi la mama y la policía se unen, se topan una secta fanatizada ¿existen otras? lideradas por Christabella (Alice Krige, bien) que parece querer ayudar hasta que descubren que la hija de Rose es igual al demonio que ellos combaten, que no es otra cosa que su sobrina abusada por el conserje y luego torturada por la secta muy a pesar de su madre (Deborah Kara Unger), dicho asila historia parece sacada de un mal capitulo de serie mexicana pero la verdad el director Christophe Gans hace un buen trabajo, nos mantiene entretenidos, con un logrado diseño de producción, efectos especiales que en su tiempo funcionaban, una buena banda sonora que retoma los del videojuego, y mucha violencia y gore que logran dar la sensación de que esta adaptación no solo se hizo para recaudar dinero de la chamaquiza.

Muchos fanáticos alucinan porque se parece al videojuego en tanto los cinefilos reniegan de que no se entiende ni pio, y aqui todo mundo tiene algo de razón, es cierto que la estética parece la de los videojuegos pero esto también se nota en las presentaciones de personajes y platicas que parecen mas una cinemática que una narración cinematográfica, lo de los cambios se entiende, mundo real, purgatorio e infierno, pero los que no han jugado no lo entenderán y es un grave fallo de la cinta, y por ultimo todo eso de la secta religiosa y la venganza con pacto demoníaco se me hace muy usado y cliché, no entiendo porque los fanáticos de la cinta se ponen como locos a una historia que se ha usado miles de veces y cientos de mejor manera, es un elemento tramposo una historia asi y deja fuera el espíritu del juego de infiernos personales debidos a la culpa que los carcome, eso no se ve aqui, vemos la representación de una persona que busca venganza y los "pecaminosos" no sienten nada de culpa, buena adaptación que cumple estéticamente pero deja fuera el espíritu, y principalmente que abraza todos los clichés de la peor manera.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Nunca Digas su Nombre

NUNCA DIGAS SU NOMBRE (THE BYE BYE MAN, EU - CHINA, 2017)

Un hombre llamado Larry (Leigh Whannell en cameo) pierde la cabeza y asesina a toda su familia para despues suicidarse, esta escena fuerte y violenta es lo mejor de la película, por desgracia despues de esto solo bajara mas y mas calidad, tampoco es que la escena sea una maravilla pero es contundente y directa, algo que ya nunca se alcanza en esta ñoña película hecha para adolescentes o pubertos, ya en la actualidad conocemos a tres universitarios con beca pero totalmente idiotas, el desabrido Elliot (Douglas Smith), el casanova John (Lucien Laviscount dándome risa cuando debo asustarme y exasperandome cuando debe ser gracioso) y la novia del primero, la mas que potable Sasha (guapa Cressida Bonas con un personaje perchero), estos no quieren vivir en el campo y rentan una casa cercana donde en un viejo mueble tiene escrito Bye Bye Man.

A partir de ahi Elliot ya no podrá sacar de su cabeza al ente que como un virus se va apoderando de su cabeza haciendo que tenga alucinaciones y que vea a la extraña figura fantasmal y su perro, el caso es que cuando dices o piensas su nombre ya te fregaste y poco a poco los demas caen en la maldición, asi que los protagonistas intentan buscar la verdadera naturaleza del monstruo e investigan el crimen del inicio que tiene que ver con este, el problema es que nada de esto resulta interesante, el tema ya esta manido y no va a ningún lado, los efectos son malos, el villano no da miedo ni impone, se ve demasiado genérico, y finalmente tanta investigación y todo eso para nada ya que al final ni importa.

No solo eso sino que dejamos de ver a personajes por largo rato, como la dizque medium de cascos ligeros que solo aparece en la cinta para decir "hay algo aqui" y meterse con el garañon, y de pronto reaparecen porque si, eso sumado a una policia (Carrie-Anne Moss, correteando la chuleta) que no sirve mas que para darle remate a la cinta, y una Faye Dunaway que hasta duele que aparezca en esta historia mediocre, pues solo nos quedan eso, el impresionante reparto secundario que aparecen como cameos, y una protagonista guapa que casi no sale, y bueno si, algunas alucinaciones no son tan malas pero lo cierto es que ya casi la olvido y acabo de verla.

Calificación: Mala 

Cinecritica: La Niñera

LA NIÑERA (THE BABYSITTER, EU, 2017)

Para ser sincero la única razón por la que revise esta cinta del siempre decepcionante McG es la presencia en el protagonico de Samara Weaving, una actriz preciosa y con un talento desbordante que se mira fantástica en traje de novia bañada completamente en sangre, esa sonrisa desbordante, ese humor negro que parece emanar de ella, la manera en la que escupe las lineas ácidas, y por supuesto esa hermosa sonrisa con un dejo burlón que es sencillamente impagable, pero quizá eso fuera solo la actuación que logro en la grandiosa "Ready or Not", por lo menos tenia que saberlo y nada que ver, la chica en esta cinta se luce, no solo tiene ya todo el repertorio que usaría en la cinta mencionada sino que presume una sexualidad y seguridad que no hace mas que ampliar su abanico, y la verdad sea dicha, es una divertida parodia de las cintas de terror slasher con dejos de otras, y por ello mismo la cinta funciona.

Cole (adecuado Judah Lewis) es un superñoño de ¿12 en serio? años que sufre Bullying y no es respetado por nadie, solo por el obvio cliché de la vecina y mejor amiga que se nota esta enamorada, pero que el dando respuesta con otro cliché ni nota, el caso es que Cole tiene una niñera que esta como quiere y mas, la sexy Bee (Samara Weaving, maravillosa) que lo defiende de los bravucones, lo trata bien y hasta le deja darse su buen taco de ojo, el caso es que Cole es convencido por su vecina Melanie (Emily Alyn Lind) que no puede ser perfecta y que la espié, esto es lo peor que hace Cole, no hace caso a Bee que lo drogaba en secreto y la espía, pero no encuentra un novio que llegue sin permiso, drogas o alcohol, al inicio solo un "inocente" juego de retos con todo y besos lesbicos, pero despues un ritual satánico con el sacrificio de un virgen y con la mismísima sangre de Cole.

Por supuesto el muchacho no colabora y las cosas se salen de control, lastima que en este tramo final las cosas se pongan demasiado locas y sin sentido pero aun asi son entretenidas, sin duda lo mejor es el humor negro antes del clímax de la cinta, ese humor gamberro donde se nos presentan todos los clichés de las películas de terror a propósito para que nos riamos de ellos, el grupo de satánicos esta conformado por la sexy y tonta porrista (Bella Thorne, bien), el guapo que tiene que quitarse la playera porque si (Robbie Amell), la asiatica rara y depravada (Hana Mae Lee) y el negro chistoso (Andrew Bachelor) que abrazan con

fuerza sus clichés y nos regalan lineas y momentos hilarantes, en una cinta que no teme mostrar la violencia y el humor negro sin recatos, y por supuesto le permite brillar al talento de Samara Weaving que esta construyendo su futuro como superestrella, esperemos.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Bird Box: A Ciegas

BIRD BOX: A CIEGAS (BIRD BOX, EU, 2018)

Una mujer (Sandra Bullock) nos dice aunque en realidad les habla a dos pequeños que no deben abrir por nada del mundo los ojos, salen con los ojos vendados y a ciegas llegan a una pequeña balsa y se avientan al rió, con esto pareciera que estamos ante una tensionante y entretenida cinta, de esa que todos hablan y que Netflix se ha encargado de viralizar, pero de inmediato regresamos cinco años en el tiempo con una mas "joven" y cargante Malorie que dizque es una artista, esta embarazada, no quiere al niño, es empoderada, y por supuesto muy liberal, como de costumbre Netflix metiendo sus ideas, que no me quejara de no ser porque pierden un mundo de tiempo en sus babosadas, de pronto llegan unos entes que con verlos uno debe suicidarse, Malorie sobrevive y se esconde en casa de un viejo amargado (John Malkovich, lo unico rescatable de la cinta) junto a muchas otras personas.

Los suicido son ñoños, no tienen imaginación y los efectos son terribles, y como los entes o lo que sean no pueden entrar a las casas al parecer, pues todos estan bien ahi, un variopinto grupo de cliches formado por todas las etnias, razas y edades, la verdad ni importan, son carne de cañón y ya lo sabemos porque al inicio vimos que solo la Bullock estaba viva, ah y los dos bebes que vienen en camino obvio, por ahi entra un loco que mata a varios de golpe y nomas porque si hay una elipsis de cinco años, donde un grupo de locos, el primero en cinco años supongo, llegan a matarlos y el amante de la Malorie los ¡mata a balazos con los ojos cerrados! cual Django, pero ¿como? nunca se me dijo o siquiera se me insinuó que el tipo era el mejor en disparar, vamos que los demas se quedan parados o no jalan el gatillo y esperan su turno, una de las peores escenas que he visto, de pena ajena.

Y luego ya llegamos a la larguísima travesía del rió que resulta aburrida y cansina, y que luego de ver a la Bullock hasta agacharse para esquivar ramas en un lugar al que acaba de llegar no queda mas que mirarse los pies de ver lo mal hecha que esta la cinta, una pena que la directora Susanne Bier haya tenido que caer tan bajo a una cinta de encargo con poco presupuesto, que no tiene guion, cuyo mensaje de maternidad no se lleva bien, es como si ha bueno ya nació pues me lo quedo, y un final de pena ajena, ademas ni siquiera es original, bebe de "The Happening" y por supuesto intenta robarle el hype a "A Quiet Place" una cinta maravillosa que de lejos es infinitamente mejor, ya desde la premisa, aquella cinta no nos deja oír y cuando lo hace nos corta el aliento, pero siempre nos deja ver, esta no nos debería dejar ver pero como eso no se puede pues vemos a personas que corren como tontos con venda, y no solo eso, porque la logica de la cinta, como los ciegos, nos indica que basta con no abrir los ojos e ignorarlos para estar tranquilos.

Calificación: Churro

Cinecritica: El Hoyo

EL HOYO (ÍDEM, ESPAÑA, 2019)

Goreng (Iván Massagué totalmente entregado y bajando de peso doce kilos para el papel) despierta en el hoyo del titulo, una especie de prisión con celdas que van hacia abajo, una siempre por debajo de la otra, con un hoyo en medio que les permite visualizar las de arriba y las de abajo, ahi Goreng se topa con el cínico y directo anciano Trimagasi (Zorion Eguileor, lo mejor de la cinta, obvio) que le explica y de plano a nosotros todo el asunto, estan en el piso 48 de quien sabe cuantos, se dicen los nombres asignados porque permanecerán ahí durante un mes entero, a ese lugar llega una plataforma con comida que ya ha sido devorada por 47 pisos superiores, es decir 94 personas, la plataforma dura dos minutos y solo durante ese tiempo la comida les pertenece por lo que Trimagasi se atasca mientras puede, Goreng guarda una manzana pero como va contra las reglas el calor comienza a matarlos, el centro de autogestion voluntaria es un infierno donde los de arriba son los primeros en degustar la comida, de disfrutar los placeres, de vivir cómodamente en tanto mientras mas abajo es mas difícil sobrevivir porque la comida simplemente no llega.

Esto lo sabe tranquilamente Trimagasi que ha estado en niveles altos y muy bajos logrando sobrevivir con algo de suerte y por supuesto el cuchillo samurai-max que se auto-afila, Goreng le agarra cierta desconfianza, pero nosotros nos sentimos mas afines al viejo que habla con la pura verdad y esos dejos de humor frió y cínico, un tipo engañado por la mercadotecnia que tuvo un mal día, y no al ambicioso Goreng que intenta ganar un titulo pero es tan ingenuo y soñador que llevo como objeto el libro del "Quijote de la Mancha", algo que sera vital en la forma de comportarse y de entender el final de la cinta, aun asi lo que entendemos es que todos se comportan como Trimagasi, es decir los de arriba desprecian y humillan a los de abajo, y los de abajo saben que los de arriba son intocables y que no valen nada para ellos, por ahi aparece una violenta mujer que baja los niveles buscando a su hijo que formara parte de la evolución del protagonista.

El problema es que despues de pasada la genuina emoción que causa la alegoría tan directa de los de arriba tomando cosas de mas dejando a los de abajo sin nada y como se comporta la sociedad, el cambio aleatorio de niveles es algo que funciona perfecto, pero despues del impacto inicial la cinta comienza a caerse, es cierto que la violencia y el gore nunca son usados por el director Galder Gaztelu-Urrutia de forma ludica pero el poder del mensaje comienza a pasarse, y nos enfocamos mas en la supervivencia del protagonista, su paso por un nivel bajisimo, la llegada a un nuevo nivel alto con compañero que representa la otra cara de la misma moneda, un nivel infernal y finalmente una opción o plan para cambiar las cosas que francamente nunca tiene sentido, ademas de tener algunas lagunas y un final que esta totalmente desinflado.

Lo que no se puede negar es que la dirección es mas que funcional, tiene una buena narrativa, la banda sonora de Aranzazu Calleja es buenísima, el diseño de producción aunque austero es bello y existen algunos apuntes de humor negrisimo y unas cuentas lineas que vaya que valen la pena, Trimagasi diciendo que en el mes del nivel bueno si cree en Dios, Goreng obligando a los demas a racionar a punta de amenazas dictatoriales, aunque no puede hacer lo mismo con los demas ya que "no puede cagar para arriba", al final la cinta funciona la mas de las veces pero da la impresión de que engullida la alegoría solo le queda desinflarse, algo mucho mas notorio con ese final dizque esperanzador que no solo carece de lógica sino que contraria el comportamiento que hemos visto durante toda la cinta, aunque existe una escena clave que nos puede dar a entender un final un poco menos malo, tiene que ver con cierta escena de un Panna Cotta a mediados de la cinta y el idealismo ingenuo del Quijote moderno Goreng, no es Bong Joon-Ho pero entretiene y supongo es mas accesible, con todo y lo escatologico, que una cinta del genio surcoreano.

Calificación: Interesante