Cinecritica: Regresa a Mi

REGRESA A MI (BEN IS BACK, EU, 2018)

Olvidemos por un segundo el ridículo titulo en español que da a entender que estamos ante la típica cinta chantajista de turno y denle una oportunidad a la mas reciente cinta de Peter Hedges que también escribe esta película sobre un chico que esta perdido en las drogas y una madre abnegada que no se detiene ante nada por el bienestar de su primogénito, si bien parecería un drama que alega al sentimentalismo la verdad es que él director Hedges ha logrado un retrato humano y real sobre una familia que se enfrenta al problema de las drogas, toda una declaración de intenciones por parte del director que ataca las drogas, tanto las que se acaban de legalizar y popularizar por parte de Obama como las legales por parte de las farmacéuticas, aquí Hedges nos grita que las drogas son malas y no por nada ya que causan mas muertes que las armas de fuego en el país vecino.

Y no lo hace con discursos ideológicos que nos escupan a la cara sino de manera natural con una historia realista y creíble que le puede estar pasando en este mismo momento a cientos o miles de familias, Ben (el hijo del director Lucas Hedges) regresa a casa para navidad, algo que su madre le había exteriorizado aunque no de manera literal, el desconcierto es por parte de todos, sus medios hermanos se emocionan, su madre (sorpresiva Julia Roberts, muy bien) derrama lagrimas de alegría pero su hermana (Kathryn Newton) no lo quiere ahi, mucho menos su padrastro (Courtney B. Vance) que lo ven como una amenaza, despues de todo ha echado a perder otras navidades y siempre termina hasta las chanclas, con su vida en juego como el mismo dice en cierta historia donde su perro y madre le salvan la vida. Lo que escribí pareciera indicar que la madre esta cegada pero nada mas lejos de la realidad, esta contenta pero tiene miedo, le esconde todo lo que sea una tentación y se responsabiliza de él hablándole fuertemente.

Es asi que la cinta se centra en la relación de madre hijo, esta no lo deja solo ni para ir al baño, lo acompaña a sus vueltas y hasta su terapia donde se siente orgullosa, el problema es que al chico lo ve un adicto y sumado a las muchas mentiras que le dice a su madre, "nunca le creas a un drogadicto le advierte siempre él", el problema se agrava mas, despues de una misa conciliadora su casa ha sido atacada y su perro desaparecido, Ben se decide a ir por el y Holly lo acompaña en una especie de thriller con madre e hijo en medio de narcos y adictos en un ambiente peligroso y tenso donde Ben siempre se ve tentado, de aplauso la manera en la que Lucas Hedges logra ponernos en la piel del adicto que quiere y no puede, y una madre que no se rinde ante nada, es ahi cuando Roberts que es dura con su hijo y despues aguanta su confesión sufriendo para mostrarle su amor a pesar de que este la quiere lejos, o ella pidiendo perdón porque el divorcio le pudo haber afectado, o ese odio iracundo a cierto medico indolente que causo el indicio del problema y hasta el grito a la farmacéutica que hacen dinero con el vicio, se roba la película, siempre fuerte, tensa, entregada y aguantadora pero al mismo tiempo demostrando amor y cariño al grado de no rendirse y conseguir que salgamos con una sonrisa quebrada en la cara porque un alma perdida quizá encuentre la redención porque una madre nunca se rindió y lucho hasta el ultimo segundo.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Tumba de las Luciérnagas

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS (HOTARU NO HAKA, JAPÓN, 1988)

El joven Seita (Tsutomu Tatsumi) nos dice que murió el 21 de septiembre de 1945 y su espíritu es testigo de su desmejorado cuerpo tirado en la estación, a punto de morir, sin tener una idea de la realidad, despues su cuerpo es encontrado por los indolentes trabajadores que sin inmutarse encuentran muertos y hasta comentan que otro esta a punto de morir, y terminan aventando un empaque de dulces a donde sea, de este sale algo, una ceniza blanca que terminara siendo muy importante cuando sepamos que significa, ahora Seita es un espíritu y comienza su viaje a donde lo esperan sus seres queridos, el viaje ha terminado y es hora de emprender otro, en tanto a forma de flashback veremos la historia que lo llevo a terminar asi, una donde perdió la guerra mas importante que lidio en su corta vida, no era por honor, ni por su país, o por su nombre, era una guerra para otorgarle a su pequeña hermana Setsuko (Ayano Shiraishi) una niñez normal y feliz.

Muchos alegan que el mensaje de la cinta es anti-belicista a pesar de que el maestro Isao Takahata ,director y guionista de la misma, haya negado tal posibilidad, pero viendo el consenso general queda claro que el mensaje se da aunque no haya sido la intención del director, lo que es cierto es que estamos ante un drama de supervivencia de dos pequeños abandonados a su suerte por el destino y los adultos en un mundo que se ha vuelto cruel e indiferente a causa de la guerra, ya no importa vivir moralmente sino sobrevivir a como de lugar, no importa bajar la cabeza si ello les permite la oportunidad de una vida, pero mas doloroso, no importa hacer sacrificios con tal de que se logre la supervivencia, no importa que estos sean dos pequeños niños que no pueden valerse por si mismos, ya en el inicio de la cinta se nos indica la temática que tomara la cinta con esos trabajadores quitando a los muertos como levantar un papel tirado, la crueldad ha llegado a Japón de la peor manera, en forma de indiferencia total.

Y es que Takahata retrata fielmente la novela de Akiyuki Nosaka con una naturalidad que deja perplejos, Nosaka escribió la manera casi autobiograficamente cargando con el fantasma de vivir lo mismo y haber sido incapaz de salvar a su pequeña hermana, tenia claro el mundo que tuvo que vivir, la indolencia de las personas, la indiferencia de los adultos, los pueblos devastados, el cielo negro y la tierra derruida, pero Takahata también lo vivió, sufrió los bombardeos como Nosaka, tuvo que huir y vio los horrores de la guerra, algo les quedo muy claro, esta destroza el espíritu humano, o quizá solo saca lo peor de ellos, lo que se encontraba mas oculto en su ser, por ello la historia destila esta misantropia sin concesiones, aquí no hay buenas personas, ángeles o santos que lleguen al auxilio de los pequeños, solo hay crueldad por parte de todos los que conocen, aunque sea en diferentes formas y niveles.

Ya sea la cruel tia (Akemi Yamaguchi) que no duda en robarles el arroz e insultarlos cada minuto, o el violento granjero que le pone una paliza a brutal a Seita al descubrir que le roba en sus sembradíos, otro indiferente granjero que no quiere ayudarles porque el dinero no le sirve, el indolente doctor que le dice que la niña no esta enferma sino que esta muriendo de inanición sin siquiera inmutarse, o esos niños que se burlan tranquilamente de los que viven y comen tan mal, el mundo que habitan Seita y Setsuko no tiene piedad, como tampoco lo tienen los bombarderos que atacan día y noche hasta llevar a la paranoia a los japoneses, y sin bondad no hay salvación, no para almas indefensas como ellos, en pocas palabras asistimos a un mundo quebrado por el sentimiento de supervivencia donde la moral importa poco y el honor menos.

Pero esto no es asi para Seita que siempre soporta con orgullo los horrores de la guerra, con la esperanza de la victoria y su gorra en alto, creo que aquí Takahata también critica su sociedad que se rindió sin honor, que recibió a los norteamericanos con gusto casi prostituyéndose y que algunos hasta tomaron la derrota como burla como en esa afrentosa escena de un detestable tipo sonriente al decir que todos los marinos estan en el fondo del mar. Y por supuesto como Takahata lo vivió, y lo vio, el mundo no puede ser mas real, la animación nos lleva a ese terrible mundo y los trazos nos trasportan a la psique de una población que veía horrores sin fin, esos fondos con los pueblos destruidos, ese cielo negro, los cuerpos aquí y alla, los quemados cubiertos de vendas y atacados por gusanos, todo es tan realista que duele pero tan artístico que nos sorprende gratamente, en cuanto al sonido es impresionante, terminamos agachando la cabeza al escuchar ese pitido de los bombarderos que se acercan.

La banda sonora de Michio Mamiya es otra gozada, con temas melancólicos que acentúan lo que vemos sin que nos lo imponga, nunca estorba sino que ayuda a que las imágenes sean mas fluidas y bellas. Seita y Setsuko escapan de ese bombardero al inicio de la cinta pero aun asi su infierno esta a punto de comenzar, ya sea viendo de primera fila los horrores de la guerra, la crueldad de los familiares, la miseria de la humanidad, con esa tia que los aborrece, esos adultos que los abandonan, y esa sociedad que los ataca, al final solo queda la historia del pequeño Seita intentando salvar a su hermana mientras las desgracias le caen una tras otra en los hombros y casi percibiendo el inevitable final, pero no todo es desgracia, Takahata no se regodea ni victimiza y menos fataliza a sus protagonistas, les da una vida, les otorga personalidades y les da momentos de felicidad y gozo, ya sea comiendo un rico estofado y arroz blanco, visitando la playa o durmiendo alumbrados por luciérnagas en un ambiente surrealista que nos aleja de la realidad.

La animación es pulcra y exquisita, solo hace falta ver las escenas de las luciérnagas, ese rojizo cobrizo de los espíritus o la maestría técnica de los ataques para danos cuenta del gran nivel de detalle y perfección, y por supuesto esa maestría cinematográfica de Takahata que siempre innova sus planos, casi como para darnos una excusa a no rendirnos frente a una historia tan fuerte. Algunos critican que Seita no quiso trabajar y que la niña era muy pesada y llorona, a ellos les digo, no había trabajo en ese Japón arruinado y Setsuko solo tiene 4 años, no pidamos héroes infantiles a los que nos tiene tan acostumbrados occidente e incluso el anime, estamos ante una historia realista y biográfica que solo nos cuenta la lucha de dos personas por sobrevivir a como de lugar, a un entregado hermano que hace hasta lo imposible por salvar a su hermana y una pequeña niña que aun con todo el dolor sigue siendo bondadosa y empatica como en esa dolorosa escena donde se preocupa por Seita, una expiación de demonios de un Japón quebrado, una humana historia que nunca chantajea pero por lo mismo destroza el corazón, un muestra de honor y orgullo, una critica la naturaleza cruenta del humano, un hermoso poema fílmico y una gran oda al amor, todo eso y mas es esta obra maestra de animación.

Calificación: Excelente

Cinecritica: El Bosque Maldito

EL BOSQUE MALDITO (THE HOLE IN THE GROUND, IRLANDA - REINO UNIDO - FINLANDIA - BELGICA, 2019)

A algún lugar de la Irlanda campestre se han mudado Sarah (Seána Kerslake, muy agradable sorpresa con una actriz muy guapa y con talento) y Chris (James Quinn Markey, bien) por culpa del marido de esta, nunca se dice pero la mujer tiene moretones por ahí y por alla y nunca quiere hablar de su pasado, escapo de su marido y espera comenzar una nueva vida, pero como todo niño alejado de su padre y obligado a una nueva vida Chris comienza a rebelarse a pesar de la cercana relación que lleva con su madre, y como viven en una casa pegada al bosque el niño opta por correr hacia alla donde su madre descubre un tenebroso hoyo en mitad del bosque, un sumidero de proporciones gigantescas y teme lo peor, pero el pequeño no ha caído y todo parece resolverse.

Por supuesto que no es asi, y Sarah comienza a ver comportamientos extraños en el pequeño, cosas insignificantes, detalles que solo una madre podría darse cuenta, el niño se porta bien e incluso ha mejorado sus relaciones sociales, ahora pertenece al coro, participa en actividades y tiene por amigos hasta a los que no soportaba, quizá solo esta creciendo y madurando, pero Sarah no puede dejar de pensar en ello, mas aun cuando la loca del pueblo (Kati Outinen, la actriz fetiche de Kaurismaki) le diga que no es su hijo y que ella descubra su terrible pasado, sumado a que el niño come algunas cosas que antes no le gustaban, que ha perdido una fobia y que se ha olvidado de juegos que compartían la paranoia de Sarah crece a niveles enfermizos. Por supuesto estamos en terrenos conocidos, con la madre paranoia que piensa que su hijo a sido cambiado/poseído/corrompido etc., ya sea por su cambio a la madurez, el estrés que le causa a la madre o de plano el resentimiento y odio que le tienen al hijo por diversas razones.

El director y también guionista Lee Cronin aborda bien el tema, quizá todo lo imagina Sarah, despues de todo es una madre que acaba de escapar de su marido con un niño que se esta rebelando y con la presión de una vida nueva, que ademas tiene miedo de ver como su hijo cambia, y con el plus que nos da conocer las historias irlandesas y europeas de hadas, duendes y demas bestias que cambiaban al niño para darles una vida cómoda, por envidia o simple malicia como se ve en la desconocida "The Border", ya apunte que la dirección de Lee Cronin es bastante acertada, el diseño de producción esta muy logrado, con esos bosques tenebrosos y las casas que vemos, la fotografía con ese tono ocre y grisáceo que nos traslada a la mente de Sarah y en especial una banda sonora sobresaliente de Stephen McKeon con esas cuerdas tan intensas y las vocalizaciones que nos ponen la piel chinita, todo en aras de una historia sobre los miedos y temores de ser madre y la dificultad de lidiar con ellos, de lidiar con los hijos, algo que es tan universal que da miedo a todos.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Gran Aventura Lego 2

LA GRAN AVENTURA LEGO 2 (THE LEGO MOVIE 2: THE SECOND PART, EU, 2019)

Para ser franco no recuerdo mucho de la cinta anterior pero si algunos gags, el valioso mensaje de nunca dejar de imaginar y hasta la pegadiza canción, pero revisando mi reseña me di cuenta que quizá hasta la sobrevalore, pero aun asi es una cinta muy entretenida, lo mismo pasaba con la versión   de Batman en lego que ya era lo mejor de la cinta original, se que son comerciales pero estan tan bien hechos que funcionan, algo que no sucede con esta película que muestra graves síntomas de agotamiento de la formula, si la principal carta de la primer cinta era la originalidad aquí tenemos lo contrario, remixes de canciones de la cinta anterior, diferente historia pero que sigue los mismo pasos de Phil Lord y Christopher Miller, tanto asi que la cinta parece un deja vu, y el romper la cuarta pared de la cinta anterior se sobreutiliza y cansa.

La historia también es demasiado enmarañada para que los mas pequeños la sigan y ademas, lo que mas me llama la atención es leer esas criticas que dicen que la pelicula da un mensaje anti-consumismo y/o modas, ¿en serio? me parece que es todo lo contrario, la cinta es un comercial como las anteriores, aclaro que eso no la hace mala en si, solo es una característica, pero lo de anti-consumismo y modas no lo creo, en cierta parte de la cinta cuando el villano usa esas artimañas uno piensa que asi es pero luego la cinta da un vuelco que nos deja el mensaje contrario dejando en el subconsciente el sentimiento de que el consumismo y las canciones pegadizas de pésima calidad son validas porque los sentimientos son importantes o algo asi.

Emmet (Chris Pratt) sigue siendo el buenazo optimista de siempre aunque el mundo a cambiado desde que al final de la cinta pasada unos aliens entraron al mundo, es decir la hermana que quiere jugar con el hermano y el mundo adolescente de este, de pronto son atacados y llevan a los lideres a una boda, ahi les lavan el cerebro y Batman (Will Arnett) acepta casarse con Queen Watevra Wa'Nabi (Tiffany Haddish), Lucy (Elizabeth Banks, bien) lo soporta en tanto Emmet es ayudado por Rex (el mismo Pratt) a rescatar a sus amigos pero nada es lo que parece. La cinta aunque parece un deja vu al inicio resulta entretenida, los gags funcionan, y los mensajes parecen importantes, el problema es cuando llega Rex se intuye de inmediato que viene, es igual a Emmet y la voz de inmediato es reconocida, y a esto se suma que los villanos no eran tales y los mensajes son lo contrario y lo que es peor, con malos remixes.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Nacido para ser Rey

NACIDO PARA SER REY (THE KID WHO WOULD BE KING, REINO UNIDO - EU, 2018)

Entretenida y divertida cinta de aventuras fantásticas que nos remite a las películas de antes, de las ultimas décadas del siglo pasado donde por diversas razones un grupo de niños salvaban el mundo, su ciudad o sus familias, esta cinta de Joe Cornish que también escribe el guion nos remite a esas épocas, por lo que resulta claro que en entrevistas diga que es si versión de "ET" y demas cintas clásicas donde los niños toman la batuta, esta vez desde el punto de vista ingles y trayendo al presente la historia del rey Arturo, la verdad es que la cinta lo hace bien y aunque resulte inverosímil en todo momento siempre es divertida, ¿y porque no decirlo? hasta épica, cuando Alex (Louis Serkis, hijo de Andy Serkis) saca la espada excalibur de la piedra, o cuando esta le es entregada, o incluso la batalla final, tienen ese no se que, que nos remite a la infancia cuando la fantasía era importante y no necesitábamos ser mordidos por una araña para sentir que cualquier día nos meteríamos en una aventura para salvar el reino.

Alex es el típico perdedor invisible de la escuela junto a su amigo Bedders (Dean Chaumoo) quienes son acosados por Lance (Tom Taylor) y Kaye (Rhianna Dorris, una agradable sorpresa) quienes les patean el trasero un dia si y el otro también, pero Inglaterra se ha vuelto un país débil, sin líder, sin un rumbo y por ello Morgana (Rebecca Ferguson casi en cameo) toma poder, Alex saca a Excalibur y es perseguido por las fuerzas de la hechicera, Merlin (Angus Imrie) llega a la epoca para ayudar al nuevo rey que deberá unir fuerzas con sus enemigos y cumplir las reglas de caballería para llegar a buen puerto, todo esto en medio de viajes por todo Reino Unido, mucha comedia, persecuciones, peleas, entrenamiento y hasta traiciones.

Y lo mas importante con un mensaje muy valido, tanto cuando Alex se da cuenta de su cuna, la evolución de los personajes y cierto detalle que nos lleva a una batalla final tan épica como hilarante, y por supuesto, ese mensaje pro Brexit que no se oculta sino que se grita a los cuatro vientos, estamos en un país dividido y débil y deben pelear por su libertad, por su patria, por el honor de pertenecer a ese país y desterrar a los enemigos extranjeros, enfrentarse a esos que siempre intentan separarnos desde dentro (¿judíos?) y no permitir la intromisión de invasores que le dan poderes al mal, un mensaje tan valido como valiente y que les dice a los niños que la pelea acaba de iniciar y lo que viene es mas importante y mas difícil, todo esto enseñado con una historia divertida y épica que desborda carisma.

Calificación: Bien

Cinecritica: Bumblebee

BUMBLEBEE (IDEM, EU, 2018)

Charlie (Hailee Steinfeld, bien) es una chica pesimista, deprimida y negativa a la que nada le parece, al inicio creemos que quia la chica tiene una vida difícil y entendemos que acaba de perder a su padre pero mas alla de no ser popular, tener que trabajar como los mortales para comprar cosa y frustrarse al no poder terminar el proyecto que inicio con su padre no parece tener mas complicaciones, aunque su forma de ser determinara que si, su hermano (Jason Drucker) es un pesado pero en cierta forma el típico hermano menor, su mama (Pamela Adlon) siempre la apoya y su casi padrastro (Stephen Schneider) la quiere y siempre es optimista, comprendemos que la chica decidió encerrarse en su mundo y vivir asi, aunque es cierto que las personas a su alrededor son cansinas, y las populares son odiosas, y el vecino acosador de junto (Jorge Lendeborg jr.) es pesado, todo eso hace que la comprendamos, y que entendamos que estamos ante una cinta de crecimiento juvenil.

Al inicio ya vimos el final de la guerra de los decepticons y transformers, optimus mando a Bumblebee a la tierra y este pelea con otros y se topa con el ejercito, a partir de ese momento el incansable coronel Jack (John Cena) no se detendrá hasta encontrarlo en tanto el transformer logro escapar apenas convirtiéndose en un Beetle amarillo pero perdiendo la memoria, al tiempo se topa con Charlie y comienzan una amistad muy grande con el gigante amarillo ayudándola a madurar en tanto ella le enseña la cultura de los ochenta, esa maravillosa década tantas canciones y películas memorables a las que hace alusión la cinta, en tanto dos decepticons van por el pequeño para eliminarlo a la tierra e incluso engañan al ejercito.

En un tono de comedia y con mucha ternura es como el director Travis Knight paga derecho de piso en Hollywood, he escuchado mucho que es la mejor cinta de la saga, no sabría asegurarlo ya que no he podido nunca soportar una entera, pero si estamos ante una entretenida cinta de maduración muy bonita con momentos dramáticos y accion bien lograda, con una actriz muy buena y con ese plus que le dan los ochenta, pareciera un bajón para su director despues de "Kubo and the Two Strings" pero para ser una cinta por encargo esta muy bien lograda, con una amistad muy bonita, un mensaje siempre valioso sobre el valor de la familia, la mención a esos profesionales que no se rinden ante nada, momentos emocionales que llegan al corazón y ¿porque no decirlo? unas emocionantes escenas de accion que logran que genuinamente nos interesemos por todo lo que sucede.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: La Mula

LA MULA /(THE MULE, EU, 2018)

El nonagenario Earl (majestuoso Clint Eastwood) se detiene a orillas del camino para ayudar a cambiar las llantas del carro de una familia con cientos de kilos de cocaína en su propia camioneta, estos despierta el enojo de los guardianes mexicanos narcos que lo cuidan pero eso le importa poco, como tampoco le preocupa soltarle al tipo que ahora no pueden nada sin internet y que no se imagino ayudando a unos negros, estos se molestan y le dicen que ya no se les dice asi pero a Earl no le interesa y solo se mofa de su ocurrencia, es obvio que de nueva cuenta estamos a una cinta de estilo clásico, tanto en su construccion como en su mensaje, de nueva cuenta asoma el Eastwood de extrema derecha y republicano que no duda en meter sus irreales y esos chistes tan políticamente incorrectos, pero la verdad sea dicha, cuando los vi reí a carcajadas y los que estaban conmigo también, aunque a diferencia de su Walt Kowalski de "Gran Torino" aquí el director que es consciente de los cambios en la estructura social es lo suficientemente inteligente para que su personaje no lo haga con dolo sino como de la mas completa ignorancia de los tiempos, y al mismo tiempo decirnos que estamos en una epoca ridícula y que antes era mejor y mas sencillo.

El legendario director de nuevo se pone en el papel protagonico desde la mencionada cinta y hay que decirlo, tenemos ciertas similitudes con la misma, aquí también se de-construye el personaje emblemático que Eastwood nos ha regalado, el que impregna su cine y su propia estela, despues de todo sus personajes se parecen a él, a su forma de pensar, y representan lo que el cree y piensa, todo esto con un clasismo sorprendente, tomándose su tiempo en presentarnos la historia que parece sencilla pero que se vuelve inmensamente grande conforme avanza, con una fotografía hermosa y una banda sonora de antología que nos deja tarareando las canciones días despues de haberla visto, incluso los narcos son incapaces de resistirse al encanto y cantan junto a Earl a pesar de la aprehensión que sienten por el Tata, esa mula que les da tantos resultados pero que apenas y sigue sus ordenes, Earl vive a su modo, asi ha sido siempre y no piensa bajar la cabeza frente a unos latinos por mas pistolas que le pongan enfrente, no a él que es un veterano rudo.

Claro que esa misma libertad también es criticada, despues de todo el sujeto siempre puso el trabajo por encima de su familia y eso le paso factura, una mujer (Dianne Wiest) que lo abandono, una hija que no le habla, una nieta (la siempre adorable Taissa Farmiga) que intenta remediar infructuosamente las relaciones, pero razones no les quedan, ya al inicio vemos a un Earl que es carismático, amable y trabajador pero que prefiere festejar con sus compañeros que asistir a la boda de su hija (Alison Eastwood, hija del director en la realidad), prefiere dedicarse a sus flores sin darse cuenta que su familia solo florece una vez al igual que ellas, pero años despues Earl queda en bancarrota y embargado por causa de la internet y los bancos, el ataque a ambos es evidente, y no le queda de otra que ser mula de los carteles mexicanos, primero solo con la sospecha, despues a sabiendas de lo que trasporta, asi somos participes de los diferentes viajes de Earl Stone donde tiene diferentes dificultades y aventuras pero siempre con ese ritmo ameno, mucha comedia y el optimismo de un personaje que ama la vida.

Tanto la ama que no duda en dar lo que gana, ya sea para la boda de su nieta o el lugar de los veteranos que la aseguradora niega pagar, que no siga ordenes lo hace mas difícil de seguir y menos sospechoso, por lo que convierte en el favorito del jefe Laton (Andy Garcia), aunque el gusto le durara poco ya que los delincuentes son despreciables, en tanto los agentes Colin (Bradley Cooper, bien) y Treviño (Michael Peña) buscan desesperadamente a esa mula que mueve cientos de kilos al mes, y que nos da una interesante subtrama que se corona con esas escenas donde los dos norteamericanos conviven y platican sobre la vida porque la ven igual a pesar de que estén en lados contrarios por el momento, no solo en la justicia sino en la moral de vida por mas que comiencen a converger en el punto de la familia a lo que Earl aconseja no lo haga.

Earl aprenderá una dura lección y tendrá la oportunidad de redimirse ante su familia, y por supuesto también ante la justicia y su país en ese final inesperado donde el héroe típico americano regresa a la pantalla, donde se toman responsabilidades y se respetan las leyes, donde Eastwood se rehúsa como lo hizo el Earl real, la historia es real, a darle una salida fácil a su protagonista, es cierto que los inmigrantes les han hecho la vida mas difícil pero la responsabilidad final es de ellos, ese es el verdadero mensaje republicano de la cinta, no el que los extranjeros sean villanos porque no todos son detestables como se deja claro, sino en esa rectitud y moral que siempre debe ser respetada por los norteamericanos, una que nosotros no entendemos ya que aquí el que miente, roba, engaña y delinque es admirado y el que respeta la moral como Earl es despreciado y nos reímos de él, quizá deberíamos empezar a vernos nosotros mismos y dejar de criticar a los demas, y decir las cosas como son, ver la moral como es, justo como el buen y cinico Clint Eastwood lo hace.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Un Asunto de Familia

UN ASUNTO DE FAMILIA (SHOPLIFTERS (MANBIKI KAZOKU), JAPON, 2018)

En cierta escena clave de la cinta mas reciente de Hirokazu Kore-eda la luchona mujer Nobuyo (Sakura Ando, magnifica) le recrimina a sus captores y pareciera que también al publico si una mujer es mama solo por el hecho de dar a a luz, ¿acaso no es mas madre la que ama y cuida? la mujer que la enfrenta solo le dice que en efecto, dar a luz la convierte en madre, para los espectadores la respuesta es mucho mas compleja y difícil, después de todo hemos sido participes de la vida de estos roba tiendas por casi dos horas, vivimos, disfrutamos y sufrimos con ellos, esta "familia" se ama y se quiere y es difícil no entender eso, Kore-eda no nos pide que los defendamos pero si que los comprendamos y lo hacemos tanto que terminamos sufriendo pero siempre con sentimientos felices al igual que los protagonistas.

Estas dudas, preguntas y la ambigüedad moral acompaña todo el metraje, el director que también es guionista y editor no nos da una salida fácil y en lugar de eso nos dice que no existen respuestas sencillas y que todo depende del cristal como se mire en esta critica a la familia y a la sociedad japonesa que se siente increíblemente mundial, al inicio vemos a Osamu (Lily Franky, muy bien) y su pequeño acompañante Shota (Kairi Jo, bien) robando una tienda en perfecta coordinación y con señas, esta escena es mostrada como juego y con algo de suspenso y nos mete de lleno en la dinámica familiar, los adultos tienen empleos precarios, los chicos roban tiendas todo el día, la anciana (la fallecida Kirin Kiki con ese estilo tan japones de trasmitir emociones) embauca a quien pueda y la adolescente Aki (linda Mayu Matsuoka) trabaja en un club erótico, pero casi de inmediato se topan con una niña dejada en la intemperie en una fría noche, la recogen y la alimentan pensando en regresarla, pero Nobuyo decide no hacerlo al saber que la maltratan.

Esto les puede ocasionar muchos problemas pero aun asi la integran a su familia, una que tiene muy buenas relaciones y que lo unico que la hace disfuncional es que hurtan, pero al tiempo nos daremos cuenta que no solo la pequeña Yuri (Miyu Sasaki) llego a la familia de esa forma, en realidad no hay lasos sanguíneos que los unan, los adultos viven con la anciana por conveniencia, esta los acepta para no morir sola, la adolescente acompaña a su abuela porque no era feliz en su casa y los niños son solovinos o rescatados según como se mire, aun asi Kore-eda logra que nos encariñemos, los comprendemos, los aprendemos a querer, esos abrazos, las bonitas relaciones que comparten, aun a pesar de ciertos comentarios sobre la abuela, o que el niño se rehúsa a decirle papa a Osamu, la familia es feliz y el director es lo suficientemente hábil para mostrarlo muchas cosas con la menor cantidad de elementos, una mirada, un gesto, una caminata, un dialogo clave.

Por ello cuando llega el ultimo cuarto de la cinta y todo se despedaza, cuando creíamos que todo estaría bien Kore-eda no tiene piedad con nosotros y nos deja un poco de realismo, de una sociedad que juzga, de unos medios que manipulan información, donde se nos quiere vender un retrato que sabemos falso porque nos han mostrado que la familia nace del amor, como dicen en la cinta la familia no puede escogerse pero no debería ser posible liberarse, despues de todo ¿no era mejor familia para la pequeña Yuri una banda de ladrones que la amaba y cuidaba que unos padres que la maltratan y ni siquiera avisaron a la autoridad que su hija se habia perdido?

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Cold War

COLD WAR (ZIMNA WOJNA, POLONIA - REINO UNIDO - FRANCIA, 2018)

El director Pawel Pawlikowski entrega una cinta con tintes clásicos que al mismo tiempo es moderna, una cinta muy bonita que resulta tan hermosa como desgarradora, una historia de amor de esas que casi ya no se cuentan, un amor imposible entre dos personas que se aman desesperadamente pero que dolorosamente no pueden estar juntos, es decir no pueden estar juntos pero mucho menos separados, la arrebatada Zuzanna (Joanna Kulig, magnifica) y el pensante Wiktor (Tomasz Kot, bien) que sufren un amor destructivo, toxico dirían muchos, pero que a final de cuentas es lo unico hermoso que conocen en el mundo tan vano y frió que les toco vivir, despues de todo el amor no es nada sencillo, es lo mas complejo que existe y una pequeña pelea puede hacerse enorme o generar mas amor y pasión asi como una buena relación se puede volver monotoma o viceversa, el amor es tan variable e inexorable como es posible y por supuesto tan hermoso como doloroso al igual que esta cinta.

Wiktor e Irena (Agata Kulesza) viajan por la Polonia de los años cincuenta en medio de la nieve y la nada buscando posibles artistas, documentando y guardando a esos músicos folclóricos de una epoca que parece que ya no volverá pero siempre vivirá en nuestros corazones, viajan por parte del gobierno, uno comunista que solo sirve a sus lideres, pero ellos lo hacen de corazón y buscan mostrar el arte aun en ese mundo de pobreza y desasosiego puede existir un halo de luz, de pronto una joven canta una canción de una cinta rusa y es descubierta en sus mañas pero ello no evita que Wiktor quede prendado y la ponga como principal ya que a pesar de no tener la mejor voz tiene un "algo" que le da presencia, pronto Zula también se enamora y  ambos triunfan en sus presentaciones, el como director y ella como estrella y muy pronto viajan por el país para felicidad del encargado Lech (Borys Szyc) que ama el arte pero aun mas el poder y por ello cede inmediatamente a los deseos de hacer una presentación mas "patriótica".

Esto desanima a los encargados y Wiktor le propone a Zula huir pero ella por alguna razón decide no acompañarlo, a los años el tipo ve a Zula solo un tiempo para saber que ella ya es mas famosa en tanto el no puede vivir sin ella, y tiempo despues de nuevo se reencuentran, ella ya exiliada como él pero casándose (pero no por la iglesia aclara ella), aunque claro lo unico que quiere es a él aunque este tenga una mujer francesa y ella muera de celos, y peor aun vea que el mundo en el que vive su amado no es tan bueno como el piensa o intenta creer, vive atado a un éxito que solo se ve reflejado en una vida bohemia de fiestas donde se reconoce menos el valor del arte o por lo menos es mas efímero, y por supuesto los obscuros detalles capitalistas y de la industria, los favores por sexo y el uso de la publicidad vertidos en la venta de su historia "trágica" que incluso intentan usar ese oscuro pasado con su padre que ya la había atado en la Polonia comunista.

Zula no lo soporta y vienen mas peleas, escapes, reconciliaciones y sacrificios donde al final lo unico que les importa es estar cerca el uno del otro, para muestra el hijo ignorado, y que tiene un final grandisimo que nos deja un nudo en la garganta. Pawlikowski ofrece una dirección excepcional y concisa donde cada fotograma es una obra de arte y muestra mas de lo que aparenta, en menos de hora y media nos hace vivir un carrusel de emociones, todo enmarcado en una fotografía soberbia y una banda sonora de antología donde resalta cierta canción folclórica mostrada en cuatro diferentes formas que siempre van acompañadas de mucho sentimiento y que resumen la cinta y el amor imposible de los protagonistas, a final de cuentas muchos la elogian por atacar el comunismo y aunque si lo hace el director no nos ofrece una salida, el capitalismo tampoco es mostrado como respuesta, y al final creo que la guerra fría del titulo hace mas alusión a la guerra en el romance de estos enamorados que se enfrentan a todo tipo de problemas y obstáculos que deben vencer, pero siempre siendo ellos mismos sus principales enemigos, Zula y Wiktor no pueden vivir juntos pero tampoco separados por eso la importancia de ese precioso final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Balada de Buster Scruggs

LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS, EU, 2018)

Desde el inicio los hermanos Coen hacen toda una declaración de intenciones, cuando el carismático y relajado Buster Scruggs (Tim Blake Nelson, perfecto) le dice a la cámara, es decir a nosotros los espectadores que a el lo culpan de misántropo como dice el cartel de buscado que carga pero que solo es realista porque el ser rastrero, tramposo y vil es la naturaleza humana y quien encuentre enfado y pesar es un necio por esperar algo mejor, con esto nos dicen lo que podría decirse es su mismo pensamiento, despues de todo el cine de Joel y Ethan Coen ha sido catalogado como misántropo frente a su frialdad con que tratan a los personajes y su interminable pesimismo de la humanidad, a final de cuentas nos dicen que no son pesimistas sino realistas y que de hecho les divierte esto, y por ello nos regalan seis historias que pudieran haber salido de un libro de relatos cortos sobre el viejo oeste.

Y asi lo intentan mostrar, tomando como base algunas historias ya existentes los Coen nos ponen un libro en pantalla con una mano que nos deja ver las ilustraciones que acompañan una historia que no leeremos ya que nos la mostraran en el mejor lenguaje cinematográfico posible, es asi que asistimos a una serie de relatos que nos encogen el alma, nos emocionan hasta las lagrimas y nos hacen reír como enajenados, con las mismas obsesiones que siempre han acompañado al director de dos cabezas, la carencia de humanidad de las personas, la maldad y el egoísmo de la mayoria de la gente, el destino como elemento ineludible de la vida, la muerte que llega por todos de maneras imprevistas o anunciadas, y el azar que reina sobre todos y todo son algunas de las que podrian mencionarse, por ahi muchos se quejan de que los relatos son disparejos, por la calidad y por los temas y ambientación.

Lo primero no puede ser un defecto en este genero, mas bien es una característica, en tanto que la irregularidad de los temas es obvio ya que los Coen intentan mostrar en cada relato una de sus facetas, como si un compendio de sus múltiples cintas se tratara, desde los relatos de amor, las farsas ridículas o la tragedia griega, siempre con cambios en todo, desde la ambientación al tono porque asi estuvo pensada, y aun asi guardan un tono parecido, hay algo que nos hace sentir que estamos en la misma cinta y aun mas importante los tonos van cambiando de forma gradual para que asi entregarnos un sentimiento distinto al del inicio, si comenzamos de la manera mas optimista e ingenua posible terminaremos con el pesimismo de la dura realidad en la cara. En lo personal estamos ante una gran cinta que no ha recibido el amor que merece.

La primera historia nos muestra a Buster Scruggs, el pajaro cantor que viste de blanco y cabalga junto a su caballo Dan mientras toca la guitarra y nos empalaga con su voz, el tipo solo quiere un lugar donde saciar la sed y jugar una partida pero solo se topa con pistoleros mexicanos y tipos abusivos que caen ante Dan que a pesar de que no parece matar una mosca es un pistolero mortal (y sin pistola también) que siempre esta alegre y respeta las normas sin que ello le exente de cantar junto a todos sobre la muerte de un pobre diablo que acaba de morir, pero como todo en la vida tiene un fin la única persona que no lo menosprecia sacara a relucir un defecto que culmina en una hilarante escena de dueto que nos reconforta y nos deja una sonrisa, que se unen a las muchísimas carcajadas que nos regalo, la segunda "Near Algodones" tiene claras referencias a Leone y resulta casi tan desternillante como la otra, pero a final de cuentas acudimos a visionar el pésimo día de un pobre diablo (James Franco, exacto como ese patético ladrón) que por lo menos tiene un segundo de luz, y donde podemos deducir que los Coen castigan al que quiere ganar el pan sin esfuerzo.

La tercera "Meal Ticket" nos muestra a un empresario (Liam Neeson, bien) y al artista (Harry Melling irreconocible) que monta un espectáculo de monologo donde cita grandes obras y donde sentimos su talento para trasmitir emociones aun sin extremidades, pero como un cruel chiste los que lo ven son ignorantes y pronto se acaba su publico para dar paso a un espectáculo ridículo e insulso que llama masas y donde el empresario toma una decisión horripilante, una historia donde los Coen se estigmatizan, el artista solo es carne de cañón para el empresario que cuando no lo ocupa lo destroza y donde las masas no entienden de arte, doloroso también para ellos con lo que viven ahorita, despues del drama del relato anterior "All Gold Canyon" es un precioso recorrido de lo que hace un hombre (soberbio Tom Waits) que busca un filón de oro en un precioso valle en comunión y comunicación con la naturaleza y un giro final donde los Coen nos dicen que los humanos somos viles pero aquí si prefieren premiar el trabajo duro y el amor a la naturaleza, y nos regalan postales esplendorosas.

"The Gal Who Got Rattled" va sobre la sumisa Alice (maravillosa Zoe Kazan) que siempre acata decisiones de los demas pero que frente a los inesperados acontecimientos que la azotan por fin podrá tomar la vida por las riendas en esa caravana que cuidan Billy (encantador Bill Heck) y Mr. Arthur (Grainger Hines, bastante bien), ahi nacerá una bella historia de amor que nos roba el corazón y culmina con una majestuosa batalla contra indios que nos arrebata el corazón estrujándolo, quizá la mejor de todas donde nos dicen que la vida es hermosa pero siempre dolorosa, y finalmente "The Mortal Remains" sobre un grupo de variopintas personas que se dirigen al mismo lugar, ahi con diálogos punzantes y ácidos los Coen hacen un uso inconmensurable del humor negro con un trampero (Chelcie Ross) que no deja de hablar, una mujer religiosa (Tyne Daly)que juzga a todos, un desenfadado francés (Saul Rubinek), un silente irlandés (Brendan Gleeson) y un ingles (diabolico Jonjo O'Neill) que al final no deja lugar a dudas que estamos viendo una obscura y dolorosa fabula sobre lo que nos depara a todos y que se une a la primera historia con personajes pecaminosos a pesar de no creerlo a diferencia del buen Buster. Técnicamente la cinta es mas que impecable, es hermosa en todo sentido quizá solo le afecta un poco la digitalización pero la banda sonora y las canciones son maravillosas, y ese humor misántropo, burlón y ácido de los Coen sigue intacto y lo que es mejor, ahora con dejos de luz y esperanza sobre los pobres mortales, por lo menos para los que entienden la vida y obran bien, aunque ni siquiera asi se esta exento de la fatalidad del destino o mejor dicho la falta de este.

Calificación: Muy Bien