Cinecritica: Un Asunto de Familia

UN ASUNTO DE FAMILIA (SHOPLIFTERS (MANBIKI KAZOKU), JAPON, 2018)

En cierta escena clave de la cinta mas reciente de Hirokazu Kore-eda la luchona mujer Nobuyo (Sakura Ando, magnifica) le recrimina a sus captores y pareciera que también al publico si una mujer es mama solo por el hecho de dar a a luz, ¿acaso no es mas madre la que ama y cuida? la mujer que la enfrenta solo le dice que en efecto, dar a luz la convierte en madre, para los espectadores la respuesta es mucho mas compleja y difícil, después de todo hemos sido participes de la vida de estos roba tiendas por casi dos horas, vivimos, disfrutamos y sufrimos con ellos, esta "familia" se ama y se quiere y es difícil no entender eso, Kore-eda no nos pide que los defendamos pero si que los comprendamos y lo hacemos tanto que terminamos sufriendo pero siempre con sentimientos felices al igual que los protagonistas.

Estas dudas, preguntas y la ambigüedad moral acompaña todo el metraje, el director que también es guionista y editor no nos da una salida fácil y en lugar de eso nos dice que no existen respuestas sencillas y que todo depende del cristal como se mire en esta critica a la familia y a la sociedad japonesa que se siente increíblemente mundial, al inicio vemos a Osamu (Lily Franky, muy bien) y su pequeño acompañante Shota (Kairi Jo, bien) robando una tienda en perfecta coordinación y con señas, esta escena es mostrada como juego y con algo de suspenso y nos mete de lleno en la dinámica familiar, los adultos tienen empleos precarios, los chicos roban tiendas todo el día, la anciana (la fallecida Kirin Kiki con ese estilo tan japones de trasmitir emociones) embauca a quien pueda y la adolescente Aki (linda Mayu Matsuoka) trabaja en un club erótico, pero casi de inmediato se topan con una niña dejada en la intemperie en una fría noche, la recogen y la alimentan pensando en regresarla, pero Nobuyo decide no hacerlo al saber que la maltratan.

Esto les puede ocasionar muchos problemas pero aun asi la integran a su familia, una que tiene muy buenas relaciones y que lo unico que la hace disfuncional es que hurtan, pero al tiempo nos daremos cuenta que no solo la pequeña Yuri (Miyu Sasaki) llego a la familia de esa forma, en realidad no hay lasos sanguíneos que los unan, los adultos viven con la anciana por conveniencia, esta los acepta para no morir sola, la adolescente acompaña a su abuela porque no era feliz en su casa y los niños son solovinos o rescatados según como se mire, aun asi Kore-eda logra que nos encariñemos, los comprendemos, los aprendemos a querer, esos abrazos, las bonitas relaciones que comparten, aun a pesar de ciertos comentarios sobre la abuela, o que el niño se rehúsa a decirle papa a Osamu, la familia es feliz y el director es lo suficientemente hábil para mostrarlo muchas cosas con la menor cantidad de elementos, una mirada, un gesto, una caminata, un dialogo clave.

Por ello cuando llega el ultimo cuarto de la cinta y todo se despedaza, cuando creíamos que todo estaría bien Kore-eda no tiene piedad con nosotros y nos deja un poco de realismo, de una sociedad que juzga, de unos medios que manipulan información, donde se nos quiere vender un retrato que sabemos falso porque nos han mostrado que la familia nace del amor, como dicen en la cinta la familia no puede escogerse pero no debería ser posible liberarse, despues de todo ¿no era mejor familia para la pequeña Yuri una banda de ladrones que la amaba y cuidaba que unos padres que la maltratan y ni siquiera avisaron a la autoridad que su hija se habia perdido?

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Cold War

COLD WAR (ZIMNA WOJNA, POLONIA - REINO UNIDO - FRANCIA, 2018)

El director Pawel Pawlikowski entrega una cinta con tintes clásicos que al mismo tiempo es moderna, una cinta muy bonita que resulta tan hermosa como desgarradora, una historia de amor de esas que casi ya no se cuentan, un amor imposible entre dos personas que se aman desesperadamente pero que dolorosamente no pueden estar juntos, es decir no pueden estar juntos pero mucho menos separados, la arrebatada Zuzanna (Joanna Kulig, magnifica) y el pensante Wiktor (Tomasz Kot, bien) que sufren un amor destructivo, toxico dirían muchos, pero que a final de cuentas es lo unico hermoso que conocen en el mundo tan vano y frió que les toco vivir, despues de todo el amor no es nada sencillo, es lo mas complejo que existe y una pequeña pelea puede hacerse enorme o generar mas amor y pasión asi como una buena relación se puede volver monotoma o viceversa, el amor es tan variable e inexorable como es posible y por supuesto tan hermoso como doloroso al igual que esta cinta.

Wiktor e Irena (Agata Kulesza) viajan por la Polonia de los años cincuenta en medio de la nieve y la nada buscando posibles artistas, documentando y guardando a esos músicos folclóricos de una epoca que parece que ya no volverá pero siempre vivirá en nuestros corazones, viajan por parte del gobierno, uno comunista que solo sirve a sus lideres, pero ellos lo hacen de corazón y buscan mostrar el arte aun en ese mundo de pobreza y desasosiego puede existir un halo de luz, de pronto una joven canta una canción de una cinta rusa y es descubierta en sus mañas pero ello no evita que Wiktor quede prendado y la ponga como principal ya que a pesar de no tener la mejor voz tiene un "algo" que le da presencia, pronto Zula también se enamora y  ambos triunfan en sus presentaciones, el como director y ella como estrella y muy pronto viajan por el país para felicidad del encargado Lech (Borys Szyc) que ama el arte pero aun mas el poder y por ello cede inmediatamente a los deseos de hacer una presentación mas "patriótica".

Esto desanima a los encargados y Wiktor le propone a Zula huir pero ella por alguna razón decide no acompañarlo, a los años el tipo ve a Zula solo un tiempo para saber que ella ya es mas famosa en tanto el no puede vivir sin ella, y tiempo despues de nuevo se reencuentran, ella ya exiliada como él pero casándose (pero no por la iglesia aclara ella), aunque claro lo unico que quiere es a él aunque este tenga una mujer francesa y ella muera de celos, y peor aun vea que el mundo en el que vive su amado no es tan bueno como el piensa o intenta creer, vive atado a un éxito que solo se ve reflejado en una vida bohemia de fiestas donde se reconoce menos el valor del arte o por lo menos es mas efímero, y por supuesto los obscuros detalles capitalistas y de la industria, los favores por sexo y el uso de la publicidad vertidos en la venta de su historia "trágica" que incluso intentan usar ese oscuro pasado con su padre que ya la había atado en la Polonia comunista.

Zula no lo soporta y vienen mas peleas, escapes, reconciliaciones y sacrificios donde al final lo unico que les importa es estar cerca el uno del otro, para muestra el hijo ignorado, y que tiene un final grandisimo que nos deja un nudo en la garganta. Pawlikowski ofrece una dirección excepcional y concisa donde cada fotograma es una obra de arte y muestra mas de lo que aparenta, en menos de hora y media nos hace vivir un carrusel de emociones, todo enmarcado en una fotografía soberbia y una banda sonora de antología donde resalta cierta canción folclórica mostrada en cuatro diferentes formas que siempre van acompañadas de mucho sentimiento y que resumen la cinta y el amor imposible de los protagonistas, a final de cuentas muchos la elogian por atacar el comunismo y aunque si lo hace el director no nos ofrece una salida, el capitalismo tampoco es mostrado como respuesta, y al final creo que la guerra fría del titulo hace mas alusión a la guerra en el romance de estos enamorados que se enfrentan a todo tipo de problemas y obstáculos que deben vencer, pero siempre siendo ellos mismos sus principales enemigos, Zula y Wiktor no pueden vivir juntos pero tampoco separados por eso la importancia de ese precioso final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Balada de Buster Scruggs

LA BALADA DE BUSTER SCRUGGS (THE BALLAD OF BUSTER SCRUGGS, EU, 2018)

Desde el inicio los hermanos Coen hacen toda una declaración de intenciones, cuando el carismático y relajado Buster Scruggs (Tim Blake Nelson, perfecto) le dice a la cámara, es decir a nosotros los espectadores que a el lo culpan de misántropo como dice el cartel de buscado que carga pero que solo es realista porque el ser rastrero, tramposo y vil es la naturaleza humana y quien encuentre enfado y pesar es un necio por esperar algo mejor, con esto nos dicen lo que podría decirse es su mismo pensamiento, despues de todo el cine de Joel y Ethan Coen ha sido catalogado como misántropo frente a su frialdad con que tratan a los personajes y su interminable pesimismo de la humanidad, a final de cuentas nos dicen que no son pesimistas sino realistas y que de hecho les divierte esto, y por ello nos regalan seis historias que pudieran haber salido de un libro de relatos cortos sobre el viejo oeste.

Y asi lo intentan mostrar, tomando como base algunas historias ya existentes los Coen nos ponen un libro en pantalla con una mano que nos deja ver las ilustraciones que acompañan una historia que no leeremos ya que nos la mostraran en el mejor lenguaje cinematográfico posible, es asi que asistimos a una serie de relatos que nos encogen el alma, nos emocionan hasta las lagrimas y nos hacen reír como enajenados, con las mismas obsesiones que siempre han acompañado al director de dos cabezas, la carencia de humanidad de las personas, la maldad y el egoísmo de la mayoria de la gente, el destino como elemento ineludible de la vida, la muerte que llega por todos de maneras imprevistas o anunciadas, y el azar que reina sobre todos y todo son algunas de las que podrian mencionarse, por ahi muchos se quejan de que los relatos son disparejos, por la calidad y por los temas y ambientación.

Lo primero no puede ser un defecto en este genero, mas bien es una característica, en tanto que la irregularidad de los temas es obvio ya que los Coen intentan mostrar en cada relato una de sus facetas, como si un compendio de sus múltiples cintas se tratara, desde los relatos de amor, las farsas ridículas o la tragedia griega, siempre con cambios en todo, desde la ambientación al tono porque asi estuvo pensada, y aun asi guardan un tono parecido, hay algo que nos hace sentir que estamos en la misma cinta y aun mas importante los tonos van cambiando de forma gradual para que asi entregarnos un sentimiento distinto al del inicio, si comenzamos de la manera mas optimista e ingenua posible terminaremos con el pesimismo de la dura realidad en la cara. En lo personal estamos ante una gran cinta que no ha recibido el amor que merece.

La primera historia nos muestra a Buster Scruggs, el pajaro cantor que viste de blanco y cabalga junto a su caballo Dan mientras toca la guitarra y nos empalaga con su voz, el tipo solo quiere un lugar donde saciar la sed y jugar una partida pero solo se topa con pistoleros mexicanos y tipos abusivos que caen ante Dan que a pesar de que no parece matar una mosca es un pistolero mortal (y sin pistola también) que siempre esta alegre y respeta las normas sin que ello le exente de cantar junto a todos sobre la muerte de un pobre diablo que acaba de morir, pero como todo en la vida tiene un fin la única persona que no lo menosprecia sacara a relucir un defecto que culmina en una hilarante escena de dueto que nos reconforta y nos deja una sonrisa, que se unen a las muchísimas carcajadas que nos regalo, la segunda "Near Algodones" tiene claras referencias a Leone y resulta casi tan desternillante como la otra, pero a final de cuentas acudimos a visionar el pésimo día de un pobre diablo (James Franco, exacto como ese patético ladrón) que por lo menos tiene un segundo de luz, y donde podemos deducir que los Coen castigan al que quiere ganar el pan sin esfuerzo.

La tercera "Meal Ticket" nos muestra a un empresario (Liam Neeson, bien) y al artista (Harry Melling irreconocible) que monta un espectáculo de monologo donde cita grandes obras y donde sentimos su talento para trasmitir emociones aun sin extremidades, pero como un cruel chiste los que lo ven son ignorantes y pronto se acaba su publico para dar paso a un espectáculo ridículo e insulso que llama masas y donde el empresario toma una decisión horripilante, una historia donde los Coen se estigmatizan, el artista solo es carne de cañón para el empresario que cuando no lo ocupa lo destroza y donde las masas no entienden de arte, doloroso también para ellos con lo que viven ahorita, despues del drama del relato anterior "All Gold Canyon" es un precioso recorrido de lo que hace un hombre (soberbio Tom Waits) que busca un filón de oro en un precioso valle en comunión y comunicación con la naturaleza y un giro final donde los Coen nos dicen que los humanos somos viles pero aquí si prefieren premiar el trabajo duro y el amor a la naturaleza, y nos regalan postales esplendorosas.

"The Gal Who Got Rattled" va sobre la sumisa Alice (maravillosa Zoe Kazan) que siempre acata decisiones de los demas pero que frente a los inesperados acontecimientos que la azotan por fin podrá tomar la vida por las riendas en esa caravana que cuidan Billy (encantador Bill Heck) y Mr. Arthur (Grainger Hines, bastante bien), ahi nacerá una bella historia de amor que nos roba el corazón y culmina con una majestuosa batalla contra indios que nos arrebata el corazón estrujándolo, quizá la mejor de todas donde nos dicen que la vida es hermosa pero siempre dolorosa, y finalmente "The Mortal Remains" sobre un grupo de variopintas personas que se dirigen al mismo lugar, ahi con diálogos punzantes y ácidos los Coen hacen un uso inconmensurable del humor negro con un trampero (Chelcie Ross) que no deja de hablar, una mujer religiosa (Tyne Daly)que juzga a todos, un desenfadado francés (Saul Rubinek), un silente irlandés (Brendan Gleeson) y un ingles (diabolico Jonjo O'Neill) que al final no deja lugar a dudas que estamos viendo una obscura y dolorosa fabula sobre lo que nos depara a todos y que se une a la primera historia con personajes pecaminosos a pesar de no creerlo a diferencia del buen Buster. Técnicamente la cinta es mas que impecable, es hermosa en todo sentido quizá solo le afecta un poco la digitalización pero la banda sonora y las canciones son maravillosas, y ese humor misántropo, burlón y ácido de los Coen sigue intacto y lo que es mejor, ahora con dejos de luz y esperanza sobre los pobres mortales, por lo menos para los que entienden la vida y obran bien, aunque ni siquiera asi se esta exento de la fatalidad del destino o mejor dicho la falta de este.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Lo Mejor del Mes: Abril 2019

Cinecritica: First Reformed

FIRST REFORMED (ÍDEM, EU, 2017)

El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke, perfecto) es el pastor de una pequeña iglesia perdida en la nada perteneciente a la primera reforma que esta a punto de cumplir 250 años, esta es mantenida por la iglesia Abundant Life y por ende recibe ordenes del moderno pastor Joel Jeffers (Cedric Kyles) quien a su vez recibe apoyo de un gran empresario CEO de una empresa de caracter internacional, pero a Toller no le afecta esto, el pastor vive como un ermitaño y da misa en un templo al que asisten apenas cinco personas y que mas bien es mantenido por su valor turístico, tan es asi que lo vemos mas veces llevar a una familia dar la vuelta turística por el lugar que dar misa, pero ahi Ernst esta tranquilo, o por lo menos lo intenta, nadie lo molesta y tiene tiempo de pensar y auto-compadecerse de si mismo por un error que al parecer no se ha  perdonado del todo que acabo con su familia y su relación sentimental.

Desde el inicio el director y guionista Paul Schrader deja claras sus intenciones, en primer lugar el formato esta grabado en un formato 4:3 y antes del inicio lo pone en letras anunciando o quizá exigiendo que se respete este formato sin importar donde se pase, es asi que la primera escena nos muestra el templo y los alrededores y los interiores del lugar al que Toller llego como escapando del mundo, eligiendo el mismo alejarse de los humanos intentado ocultar un dolor inimaginable que apenas mengua con grandes dosis de alcohol, y su soledad la soporta escribiendo un diario en el que volcara sus pensamientos por 12 meses para despues destruirlo, de esta manera podra expiar sus dudas y fallas de fe tanto en Dios que se mantiene en silencio como de sus congeneres que apenas soporta.

Ha tomado esta decisión por que asi tendrán que verse sus tachas y no podrá cambiar nada, lo pensara menos, solo dejara que fluya lo que llegue a su mente como una forma de expiación, uno cree y suponemos que el pastor también lo piensa, que su diario a final de cuentas no tendrá nada relevante ya que su vida es dar los recorridos turísticos que al parecer disfruta mas que dar misa y sus visitas a la gran iglesia Abundant Life, pero esto cambia cuando despues de un sermón la angelical Mary (Amanda Seyfried con cara de santa) le pide ayuda, esta embarazada y quiere que hable con su marido Michael (Phillip Etinger, bien) ya que este quiere abortar, el tipo no quiere ir a Abundant Life ya que la considera mas una empresa que una iglesia y el ermitaño Toller se ve obligado a dar consejo a uno de sus feligreses.

En casa de este mantiene una platica filosófica intelectual que es de lo mejor en guion que he presenciado en mucho tiempo y que deja claro el pesimismo de Michael y las dudas de Toller, pero también aquí y a diferencia de lo que han escrito muchos otros deja claro la gran fe en Dios que tiene, es cierto que despues de esto le queda una idea que hecha raíces y le lleva a una crisis existencial y de fe pero solo despues es cuando crece, cuando el pastor empieza a descubrir que el mundo es aun peor de lo que pensaba, cuando se preocupa por el cambio climático y ve que lo que pensaba Michael de que su hija viviría en un mundo inhabitable no solo podría ser cierto sino que los culpables se regodean de lo que hacen, grandes empresarios con nexos gubernamentales a los que todos admiran y que incluso mueven los hilos de la religión que usan para adormecer negritos, es aqui cuando la cinta deja esos homenajes a Bresson y se acerca mas Bergman, siempre con Ozu en la manera de mostrar la cinta y con guiños a Tarkovski como esa majestuosa escena onírica.

Y mas aun cuando Toller de plano se ha vuelto totalmente auto-destructivo y los problemas lo acosan sin cesar, el tipo se siente culpable por lo que sucedió en cierto momento clave de la cinta, un simple homenaje póstumo fue tomado por político y cierto empresario inescrupuloso (Michael Gaston) esta detrás de él, la presión de su "patrón" que lo invita a "vivir" el mundo real e incluso "actualizar" su fe y cierta enfermedad que lo azota sin piedad mientras el tipo solo opta por hecha pepto bismol al alcohol que lo esta matando o gritarle a la pesada Esther (Victoria Hill) y decirle que la repudia mientras se cae a pedazos, la única luz en su vida viene de la optimista Mary que no solo quiere tener a su hija sino que la espera con ansias de convertirse en madre y darle todo el amor aun en este mundo donde la contaminación, la degradación moral y la perdida de fe es la moneda de cambio diaria, en este viaje a los infiernos Toller se asemeja a Travis de "Taxi Driver" y a su protagonista destructivo de "Affliccion" donde Schrader también nos presenta personajes quebrados que bajan a los infiernos con perdida de fe en el ser humano, una misantropia inconmensurable y un final magnifico donde el director por fin abandona ese mundo cuadrado, claustrofobico y oscuro que decidió con su forma de filmar para regalarnos luz y esperanza en esa comunión con Dios.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Mirai

MIRAI (MIRAI NO MIRAI, JAPON, 2018)

El director Mamoru Hosoda lo ha vuelto a hacer, de nueva cuenta entrega una joya que nos recuerda el valor de la familia y nos invita a madurar de manera integra para bien de nuestra familia, la sociedad y nosotros mismos, se que suena demasiado pretencioso para una cinta animada pero debo recordar que animado no quiere decir infantil como lo han demostrado el genero desde su creación y en los años actuales, ademas la cinta es sencilla en su construccion por lo que todo mundo puede entenderla perfectamente, no es bueno decir que un visionado es obligatorio (nada debe ser menos obligatorio que ver cine ya que es un placer) pero si un niño pequeño ve esta cinta puede que le ayude de sobremanera en su maduración, muchos pensaran que es compleja o difícil de entender pero los pequeños son los que tienen la mente mas abierta a los simbolismos y a la fantasía que inunda una cinta que nunca choca con estos cambios sino que se sienten fluidos y nunca deja de parecernos cercano.

Esto debido a que la cinta nos retrata la vida familiar de cualquiera, es imposible no sentirse identificado con algún personaje, o con todos, todos hemos sido niños e hijos de alguien, o hay parejas inexpertas, padres, madres, abuelos, o somos hermanos de alguien como el protagonista Kun (Moka Kamishiraishi) que al principio esta ilusionado con la llegada de su hermanita pero que al poco tiempo se da cuenta de que no la quiere y hasta intenta hacerle daño. Desde el inicio se nota la mano de Hosoda en el diseño de personajes y una animación que es impresionante, pocas personas como los japoneses que pueden lograr que cada fotograma sea precioso y nos recuerde la belleza del mundo ya sea dentro de una casa o en la naturaleza, los trazos resaltan todo lo que vemos, hasta en los fondos y le dan identidad a cada momento, porque ademas los objetos, las zonas al igual que los diálogos vuelven a aparecer como parte integra de la historia.

Como anote antes el sello del director esta desde el inicio mostrándonos una casa de una joven pareja que cambiara con el tiempo en esa locura de imaginación arquitectónica y que con algunas imágenes estáticas nos muestra muchos años de vida, su comienzo como joven pareja, la llegada del perro Yuko y despues del bebe Kun con una hermosa canción de Tatsuro Yamashita que también nos entrega el hermoso ending, que ademas de bonita es simbólica, despues de escuchar una canción dedicada a las hermanas vemos a Kun emocionado por la llegada de su hermana Mirai (Kaede Hondo) pero pronto se convertirán en celos al ver que su madre (Kumiko Aso) apenas le presta atención, una que era total antes, y que su padre (Gen Hoshino) lo atiende poco al tener que desempeñar las tareas de la casa y cuidar a la bebe ya que trabajara desde casa a diferencia de su esposa.

Es asi que Kun se convierte en un desafiantes, llorón y desesperante niño que llora, exige ante las cosas mas sencillas, pero el árbol de su casa servirá de portal para su familia, pasada y futura donde aprenderá muchas lecciones importantes, desde el ver como él desplazo al perro primero, la llegada de la Mirai del futuro para una misión desternillante que le afectaría en el futuro, un viaje al pasado con su madre donde conocerá porque es asi el carácter de la misma y los demonios que carga por su miedo como madre y repetir los esquemas, conocerá a su bisabuelo quien le enseñara a andar en bicicleta o mejor dicho a depender de él mismo y dejar a sus padres respirar, y por supuesto ese viaje final con el tren diabólico donde no podrá ocultar sus verdaderos sentimientos y vera dolorosos sucesos de sus antepasados a los que tuvieron que enfrentarse para que él y Mirai existieran en ese milagro que es la vida, ademas Hosoda es lo suficientemente virtuoso para mostrarlo con la simple aceptación de no cambiar una prenda por el color. Preciosa y dulce cinta que reivindica la familia, el amor fraternal, la relación entre hermanos, los miedos de los padres actuales, y el valor de los antepasados donde las costumbres no tienen porque olvidarse y pueden convivir con lo nuevo, y quienes mejores que los japoneses para tan importante mensaje ya que lo viven día a día.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Glass

GLASS (ÍDEM, EU, 2018)

La mas reciente cinta de M. Night Shyamalan dividió a la critica y publico de manera exorbitante, de los dos lados hay defensores y atacantes a ultranza, no se porque unos la elevan tanto como a nivel de obra mayor como un estudio de los superheroes, eso ya lo hizo hace muchos años el mismo director con la subvalorada "Unbreakable",  y tampoco es la basura que dicen otros que ya piden la renuncia del director al cine, de hecho es mejor que la segunda parte de la "trilogía" de revisión sobre superheroes, "Split", aunque tampoco es mucho merito, lo que si es cierto es que la cinta es entretenida y los suficientemente inteligente para sorprendernos, quizá no gratamente pero eso es lo de menos, y por supuesto es mejor que la mayoria del ya quemado genero de superheroes. Creo que el debate se forma por las ya consabidas y esperadas vueltas de tuerca del director, a veces tramposas, a veces ridículas, a veces estupendas, pero a final de cuentas como espectadores sabemos que llegara, lo que sucede aqui es que hay dos vueltas de tuercas finales que hacen la apuesta mas arriesgada.

Al final de "Split" vimos que David Dunn (Bruce Willis aprovechando el poco tiempo en pantalla) decidía ponerle un alto a La Horda (James McAvoy, bastante bien) que como la bestia estaba asesinando jovencitas, aqui David junto a su hijo Joseph (Spencer Treat Clark) buscan al asesino y se nos da a entender que desde el fin de la otra cinta David ha sido un justiciero dedicado a salvar vidas, rápidamente lo encuentra con su capacidad extrasensorial y al enfrentarlo son capturados por la policía que los lleva a un psiquiátrico donde la doctora Staple (Sarah Paulson) intenta convencerlos de que solo sufren delirios, David se niega pero algunas personalidades de la horda ceden en tanto Elijah (Samuel L. Jackson robándose la película desde la mitad), Mr. Glass, apenas sabe que sucede por lo drogado que esta, lo que es peor los operaran para que puedan ser "normales".

Por supuesto que el supervillano tiene otros planes y para ello necesita del quebrantado Kevin y el héroe David, decir mas sobre la trama seria destruir gran parte del encanto de esta, despues de una presentación rápida el director nos pasa al psiquiátrico donde hasta nosotros mismos dudamos pero no pasa de ser una cinta continuista y falta de ideas hasta que el esplendido plan del supergenio Glass entra en accion y llegamos a un climax que nos depara una sorpresa tipo cómic a modo de revelación, la consabida vuelta de tuerca que esta vez resulta muy cruel, y finalmente ese segundo giro que a tantos a molestado, en lo personal me sorprendió y agrado, y deja una sensación distinta al deprimente final anterior, lo que si es que es ingenuo de Shyamalan pensar que algo asi destruirá o afectara los planes de los iluminatis que nos han manejado de por vida. Una cinta técnicamente impecable, que no veo tanto como secuela sino como un crossover, se nota que Shyamalan nunca la pensó como una trilogía y se nota, este es otro defecto de la cinta, a cada uno le toco el protagonismo de una y esta vez fue el turno de Glass pero el problema es que los otros dos quedan ensombrecidos, en especial David/Willis, que solo esta ahi para cumplir su parte del plan y que muere de forma penosa, tanto que termino por molestarme, en los extras el director dice que quito mas de una hora, eso explicaria el exceso de explicaciones aunque quedan como tipo comic, y los personajes emblema de "Unbreakable" son tan potentes como hace diecinueve años y no queda mas que maravillarnos ante el ingenio de Glass, ahora solo queda esperar que hará el director despues de esto porque no puede vivir de la nostalgia por siempre, o quizá si como lo muestra el maravilloso tema de James Newton Howard que nos trasporta a cuando Shyamalan hacia buen cine.

Calificación: Competente

Cinecritica: Border

BORDER (GRÄNS, SUECIA, 2018)

Interesantisima cinta fantástica de Ali Abbasi que toca muchos temas y va cambiando de genero sin que desilusione en ninguno, el guion del mismo director, Isabella Eklöf y John Ajvide Lindvisq basado en una historia corta de este ultimo es increíblemente inteligente, no podría ser de otra forma del autor de esa obra mayor llamada "Let the Right One In", la cinta va cambiando de piel pero siempre respetando lo que ya mostró y usando la información, sucesos y personajes de manera precisa para armar un rompecabezas que al final encaja de forma perfecta. Un filme noir nórdico con cine fantástico, drama, romance y terror, todo en conjunto para darnos una historia tanto bella como monstruosa, a final de cuentas todos somos capaces de lo mejor y lo peor como lo tiene claro su protagonista. Tina (Eva Melander, excelsa) es una agente de aduanas que es mas fea que pegarle a un abuelo, o por lo menos para nuestros estándares es asi, pero tiene un talento que la hace perfecta para lo que realiza, un olfato grandioso que descubre contrabando como vemos al inicio de la cinta.

Un día conoce a un sujeto parecido a ella y el olor le parece extraño, no puede descifrarlo, para los espectadores esto no es algo tan fuera de lo común porque pensamos que tiene un olfato excepcional pero es algo mas, lo descubrimos cuando no deja ir a un tipo hasta que encuentra una tarjeta sd con pornografía infantil, ella puede oler la vergüenza, la culpa y el miedo de las personas, es asi como comienza una trama policial donde ella es la clave para descubrir a una banda de pedofilos, en tanto conocemos su vida con el vividor Roland (Jörgen Thorsson) que ni la quiere ni la respeta pero que ella solo tiene para sentir compañía como le dice a su padre (Sten Ljunggren), enfadada, aburrida y molesta trascurre su vida hasta que el extraño regresa y lo detiene sin encontrarle nada pero entablar una relación donde el enigmático Vore (Eero Milonoff, muy bien) suelta algunas frases extrañas.

Tina le ofrece asilo y lo conoce aun mejor, el extraño ser que no parece tener una sexualidad como las de no nosotros invita a la protagonista a comer gusanos, correr desnudos por el bosque, nadar en las mas frías aguas, y comenzar una relación que despertara la verdadera naturaleza de Tina, le hará comprender quien es en realidad y a buscar la verdad de su pasado, pero también descubrirá que no todo es lo que parece y lo que creía una realidad completa se convierte en martirio cuando descubra que en todos lados se cuecen habas y que la maldad y la bondad no son propias de algunos sino que existen en todos, si la trama de la pedofilia y a era oscura lo que se esconde detrás es mucho peor, una extraña pero hermosa cinta que nos recuerda que vivimos en un mundo de clarooscuros, donde se nos invita a no perder la capacidad de imaginación ni asombro, enmarcada por un buena dirección en una fotografía preciosa que da énfasis a la naturaleza, y un maquillaje mas que destacado que ademas les brinda total libertad a sus protagonistas que forman parte de un reparto muy solido.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Primer Hombre en la Luna

EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA (FIRST MAN, EU, 2018)

Chazelle sigue manteniendo el ritmo y vuelve a entregar una buena cinta, no al nivel de las dos anteriores pero lo suficiente para estar entre las mejores del año, aquí abandonamos la música como elemento principal sobre el que gira la historia pero no por ello el director como músico casi frustrado la deja detrás, la música tiene ciertos momentos claves en la historia que no deja de ser una biopic que ya conocemos todos pero que esta vez es abordada desde un punto de vista mas intimo y por ello mas empatico y doloroso, Chazelle apuesta por una historia que para los norteamericanos es su mayor logro, la llegada a la luna contada desde los ojos de un tipo que apenas hablaba y que era muy cerrado en sus pensamientos, marcado por una tragedia y que se toma la misión no tanto como un  logro patriótico o humano sino una empresa personal en la que no puede desistir aunque le cueste la vida y mucho mas.

Chazelle nos cuenta algo tan grande como la conquista del espacio abierto de la manera mas claustrofobica posible, con espacios cerrados y muchos acercamientos que apenas nos dejan respirar y nos trasportan a lo que vivieron esos astronautas que apenas tenían unos centímetros para ver el exterior a pesar de que sabían que tenían millones de kilómetros de nada inmediata, esta decisión valiente da  ala cinta un tono extraordinario que nos tiene al filo del asiento y comiéndonos las uñas mientras imploramos porque no ocurra lo peor, con una fotografía perfecta y una edición exacta que logran hacernos creer dentro de esos pequeños artefactos a un lado del serio Neil Armstrong (Ryan Gosling, bien en su típica cara engarrotada pero ojos expresivos), los efectos especiales son maravillosos, nunca los reconocemos y por formar parte integra de la historia tienen bien merecido su oscar.

La música de Justin Hurwitz es magnifica, desde temas sintetizados que nos meten de lleno en la carrera espacial, acordes de tensión que quitan el aliento, operas que nos invitan a bailar y algunos temas sencillos pero al mismo tiempo épicos que aparecen en escenas de antología,  la película nos muestra desde el año 1961 cuando Neil era un piloto de pruebas que pudo regresar aun saliendo de atmósfera al evento consabido, volviendo al inicio el tipo ha fallado varias veces, en parte porque desea ver la tierra desde el cielo y también porque su pequeña hija esta enferma de gravedad, cuando la niña fallece Armstrong queda devastado y peor aun cuando lo quitan de los vuelos, por lo que busca oportunidad en la NASA donde forma parte del equipo que habiendo perdido frente a los rusos ahora empieza una nueva visión donde se llegara a la luna.

Somos testigos del duro entrenamiento, las largas jornadas de estudio y el ostracismo de Neil que solo se abre frente a su centrada mujer Janet (impresionante Claire Foy) siempre y cuando no sea sobre su fallecida hija, con el trascurrir de los años vemos muertes, equivocaciones, fallas mecánicas, y un Neil cada vez mas obcecado con la empresa mientras la prensa ataca sin piedad el programa y los liberales se quejan de los gastos mientras ellos no mendigan mas, por supuesto despues de tanto sacrificio y algunas escenas majestuosas, a la primera sumemosle el tensionante acople y las desesperanzadoras explosiones, para llegar a la misión del apollo 11 que desde que lo vemos partir nos tiene el alma en un hilo, y mas aun con ese tremendo alunizaje donde se hace obvio lo que se nos venia

diciendo, la misión del héroe es mas personal que patriótica, con un dejo de egoísmo pero que no por ello desestima ese héroe hawksiano que es Armstrong que nunca cesa ante su trabajo por mas peligroso que sea, una muestra de profesionalismo y héroe americano que hace su trabajo no por ser un héroe frente a los demas sino porque asi debe ser como lo muestra en sus secas respuestas.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Isla de Perros

ISLA DE PERROS (ISLE OF DOGS, ALEMANIA - EU, 2018)

Isla de Perros o como lo avisa su juego de palabras en el idioma original, el titulo se puede escuchar como I Love Dogs, deja claro lo que piensa el director sobre los perros, y mas aun sobre los humanos, todos los caninos son bondadosos y nobles y pueden actuar mal pero sin ser maliciosos, en cambio los humanos mienten, engañan, manipulan, roban y asesinan sin escrúpulos, no todos, algunos son tan nobles que solo podemos admirarlos, pero lo que dice Wes Anderson ahi queda, pero como en su mundo nada es tan sencillo todos los personajes tienen esa dualidad que los hace tan sorpresivos y sorprendentes, ademas la historia principal que muchos llaman "simple" o sencilla esconde mucho mas de lo que parece, no solo en ella misma ya que no es tan simple como aparenta, también en los simbolismos que aunque algunos dicen tratan sobre el pasado la verdad es que estan mas presentes que nunca en este mundo globalizado donde los gobiernos y grandes empresas manipulan para lograr sus metas y beneficios sin importar a costa de que sea.

La película es totalmente reconocible como una de Anderson, tiene su sello en cada fotograma, su mano se ve en todo momento, desde los personajes y diseño precioso con reminiscencias hipster pero muy bonito todo, la artesanía con la que esta hecho todo, el uso de la paleta de colores que sirve perfectamente a la historia y remarca lo que sucede en el momento, y esos encuadres perfectos donde todo es simétrico y parece sacado de un cuadro preciosista, el director ha sabido construir un universo propio y totalmente reconocible hasta por personas a las que no les gusta, las criticas de las cintas estan divididas pero lo que nadie niega es el virtuosismo técnico, tanto en fotografía, diseño de producción y el movimiento absolutamente natural de este mundo en stop motion pero que de alguna forma nunca esconde ni niega su base, es decir esos cientos de personajes hechos a mano con decorados donde se nota el amor en cada milímetro y donde Anderson reniega de la tecnología, para entregarnos lo mas posible a mano.

Y es que ademas la perfección es palpable, con el pelaje de los perros moviéndose en todo momento, con ese aire que les mueve la ropa y que nos trasporta de inmediato ahi, donde vemos muchísimos personajes secundarios que tienen identidad propia sin ser clones, Anderson ha llevado el stop motion artesanal a un nuevo nivel. Por si fuera poco el director usa otros tipos de animación, ya sean esas pinturas estáticas con que se nos muestra el prologo o esa animación en segunda dimensión que vemos a través de las pantallas, que guardan su propio diseño para los personajes principales siempre respetando su esencia. por supuesto el diseño artístico también pasa por una obvia inspiración japonesa, sea por sus pinturas maestras, su diseño ancestral de dibujos, y el uso de una estética, donde ademas el director aprovecha para hacer múltiples homenajes a directores japoneses.

El prologo nos muestra la batalla ancestral que vivieron los perros contra la dinastia Kobayashi que los tenia al borde la extincion hasta que un pequeño renego de su propia humanidad y los ayudo, en la actualidad el alcalde Kenji Kobayashi (Kunichi Nomura) ha hecho un decreto para enviar a todos los perros a la isla de la basura por la fiebre que sufren, tiempo despues Chief (Bryan Cranston), Rex (Edward Norton), Boss (Bill Murray), Duke (Jeff Goldblum) y King (Bob Balaban) apenas pueden sobrevivir en la isla, quieren rendirse al añorar la vida hogareña que tenian pero el perro callejero Chief no se los permite, de pronto una avioneta se estrella y conocen al pequeño Atari (Koyu Rankin) que llego ahi para encontrar a su perro Spots (Liev Schreiber), entonces se embarcaran en una odisea donde Chief reniega formar parte aun con los consejos de la atractiva Nutmeg( Scarlett Johansson), en tanto en la ciudad el gobierno avisa que los perros raptaron a Atari que es nada menos que el sobrino del alcalde y el pueblo esta todavia mas indignado, en tanto que los jovenes periodistas y en especial la estudiante de intercambio Tracy (Greta Gerwig) sospechan que las cosas no son como lo muestran.

También eso sospecha el hábil profesor Watanabe (Akira Ito) que se esfuerza por desarrollar una vacuna aunque eso representa enfrentarse al gobierno, nosotros no sospechamos ya que sabemos con certeza lo que ocurre, con los varios enfrentamientos, y aunque la pelicula se decanta por la evolución de Chief el final depara varias sorpresas con peleas, persecuciones y una revolución estupendamente llevada, con muchos personajes maravillosos como Jupiter (F. Murray Abraham) y Oracle (Tilda Swinton) que nos regalan varios de los momentos mas hilarantes de la cinta, el humor es ácido, negro, naif, ridículo y a veces hasta escatologico, pero siempre inteligente, priorizando lo que vemos o lo que se dice, nunca se recurre al chiste fácil o resulton por lo que los mas pequeños se aburrirían bastante, no es tanto una película para niños y menos viendo los temas que trata, hay un asesinato que llega despues de una escena deslumbrante donde se prepara un sushi con una meticulosidad enfermiza, donde se nos habla de muchas cosas importantes a modo de parodia, y donde la cinta apuesta por terminar rindiendo honor a la respetable cultura japonesa donde los valores y la cultura es primordial.

Wes Anderson es un director mas que talentoso y lo vuelve a demostrar, es un virtuoso del cine en todo su espectro, que ademas toma una valiente decisión que nos mete mas en la cinta, los ladridos son traducidos, lo que hablan los humanos no, es decir que a menos que sepamos japones no podemos entender que sucede, bueno si, tanto como los perros y eso es lo interesante, entendemos que sucede, lo que quieren y buscan los humanos, pero siempre con limitantes, tanto como nuestros valerosos protagonistas que se diferencias por características extravagantes y divertidas, sumado a un reparto de voces de antologia, a los mencionados sumemos Frances McDormand, Harvey Keitel, Yoko Ono, Ken Watanabe, Akira Takayama, Anjelica Huston, Kara Hayward, etc, y una esplendorosa banda sonora de Alexandre Desplat que acompaña magníficamente a los acontecimientos en todo momento. El director ha logrado una hermosa cinta que traspira hermosura, perfección y un amor por la cultura japonesa y los perros que no puede dejar indiferente a nadie.

Calificación: Muy Bien