Cinecritica: Lo Mejor del Mes: Abril 2019

Cinecritica: First Reformed

FIRST REFORMED (ÍDEM, EU, 2017)

El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke, perfecto) es el pastor de una pequeña iglesia perdida en la nada perteneciente a la primera reforma que esta a punto de cumplir 250 años, esta es mantenida por la iglesia Abundant Life y por ende recibe ordenes del moderno pastor Joel Jeffers (Cedric Kyles) quien a su vez recibe apoyo de un gran empresario CEO de una empresa de caracter internacional, pero a Toller no le afecta esto, el pastor vive como un ermitaño y da misa en un templo al que asisten apenas cinco personas y que mas bien es mantenido por su valor turístico, tan es asi que lo vemos mas veces llevar a una familia dar la vuelta turística por el lugar que dar misa, pero ahi Ernst esta tranquilo, o por lo menos lo intenta, nadie lo molesta y tiene tiempo de pensar y auto-compadecerse de si mismo por un error que al parecer no se ha  perdonado del todo que acabo con su familia y su relación sentimental.

Desde el inicio el director y guionista Paul Schrader deja claras sus intenciones, en primer lugar el formato esta grabado en un formato 4:3 y antes del inicio lo pone en letras anunciando o quizá exigiendo que se respete este formato sin importar donde se pase, es asi que la primera escena nos muestra el templo y los alrededores y los interiores del lugar al que Toller llego como escapando del mundo, eligiendo el mismo alejarse de los humanos intentado ocultar un dolor inimaginable que apenas mengua con grandes dosis de alcohol, y su soledad la soporta escribiendo un diario en el que volcara sus pensamientos por 12 meses para despues destruirlo, de esta manera podra expiar sus dudas y fallas de fe tanto en Dios que se mantiene en silencio como de sus congeneres que apenas soporta.

Ha tomado esta decisión por que asi tendrán que verse sus tachas y no podrá cambiar nada, lo pensara menos, solo dejara que fluya lo que llegue a su mente como una forma de expiación, uno cree y suponemos que el pastor también lo piensa, que su diario a final de cuentas no tendrá nada relevante ya que su vida es dar los recorridos turísticos que al parecer disfruta mas que dar misa y sus visitas a la gran iglesia Abundant Life, pero esto cambia cuando despues de un sermón la angelical Mary (Amanda Seyfried con cara de santa) le pide ayuda, esta embarazada y quiere que hable con su marido Michael (Phillip Etinger, bien) ya que este quiere abortar, el tipo no quiere ir a Abundant Life ya que la considera mas una empresa que una iglesia y el ermitaño Toller se ve obligado a dar consejo a uno de sus feligreses.

En casa de este mantiene una platica filosófica intelectual que es de lo mejor en guion que he presenciado en mucho tiempo y que deja claro el pesimismo de Michael y las dudas de Toller, pero también aquí y a diferencia de lo que han escrito muchos otros deja claro la gran fe en Dios que tiene, es cierto que despues de esto le queda una idea que hecha raíces y le lleva a una crisis existencial y de fe pero solo despues es cuando crece, cuando el pastor empieza a descubrir que el mundo es aun peor de lo que pensaba, cuando se preocupa por el cambio climático y ve que lo que pensaba Michael de que su hija viviría en un mundo inhabitable no solo podría ser cierto sino que los culpables se regodean de lo que hacen, grandes empresarios con nexos gubernamentales a los que todos admiran y que incluso mueven los hilos de la religión que usan para adormecer negritos, es aqui cuando la cinta deja esos homenajes a Bresson y se acerca mas Bergman, siempre con Ozu en la manera de mostrar la cinta y con guiños a Tarkovski como esa majestuosa escena onírica.

Y mas aun cuando Toller de plano se ha vuelto totalmente auto-destructivo y los problemas lo acosan sin cesar, el tipo se siente culpable por lo que sucedió en cierto momento clave de la cinta, un simple homenaje póstumo fue tomado por político y cierto empresario inescrupuloso (Michael Gaston) esta detrás de él, la presión de su "patrón" que lo invita a "vivir" el mundo real e incluso "actualizar" su fe y cierta enfermedad que lo azota sin piedad mientras el tipo solo opta por hecha pepto bismol al alcohol que lo esta matando o gritarle a la pesada Esther (Victoria Hill) y decirle que la repudia mientras se cae a pedazos, la única luz en su vida viene de la optimista Mary que no solo quiere tener a su hija sino que la espera con ansias de convertirse en madre y darle todo el amor aun en este mundo donde la contaminación, la degradación moral y la perdida de fe es la moneda de cambio diaria, en este viaje a los infiernos Toller se asemeja a Travis de "Taxi Driver" y a su protagonista destructivo de "Affliccion" donde Schrader también nos presenta personajes quebrados que bajan a los infiernos con perdida de fe en el ser humano, una misantropia inconmensurable y un final magnifico donde el director por fin abandona ese mundo cuadrado, claustrofobico y oscuro que decidió con su forma de filmar para regalarnos luz y esperanza en esa comunión con Dios.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Mirai

MIRAI (MIRAI NO MIRAI, JAPON, 2018)

El director Mamoru Hosoda lo ha vuelto a hacer, de nueva cuenta entrega una joya que nos recuerda el valor de la familia y nos invita a madurar de manera integra para bien de nuestra familia, la sociedad y nosotros mismos, se que suena demasiado pretencioso para una cinta animada pero debo recordar que animado no quiere decir infantil como lo han demostrado el genero desde su creación y en los años actuales, ademas la cinta es sencilla en su construccion por lo que todo mundo puede entenderla perfectamente, no es bueno decir que un visionado es obligatorio (nada debe ser menos obligatorio que ver cine ya que es un placer) pero si un niño pequeño ve esta cinta puede que le ayude de sobremanera en su maduración, muchos pensaran que es compleja o difícil de entender pero los pequeños son los que tienen la mente mas abierta a los simbolismos y a la fantasía que inunda una cinta que nunca choca con estos cambios sino que se sienten fluidos y nunca deja de parecernos cercano.

Esto debido a que la cinta nos retrata la vida familiar de cualquiera, es imposible no sentirse identificado con algún personaje, o con todos, todos hemos sido niños e hijos de alguien, o hay parejas inexpertas, padres, madres, abuelos, o somos hermanos de alguien como el protagonista Kun (Moka Kamishiraishi) que al principio esta ilusionado con la llegada de su hermanita pero que al poco tiempo se da cuenta de que no la quiere y hasta intenta hacerle daño. Desde el inicio se nota la mano de Hosoda en el diseño de personajes y una animación que es impresionante, pocas personas como los japoneses que pueden lograr que cada fotograma sea precioso y nos recuerde la belleza del mundo ya sea dentro de una casa o en la naturaleza, los trazos resaltan todo lo que vemos, hasta en los fondos y le dan identidad a cada momento, porque ademas los objetos, las zonas al igual que los diálogos vuelven a aparecer como parte integra de la historia.

Como anote antes el sello del director esta desde el inicio mostrándonos una casa de una joven pareja que cambiara con el tiempo en esa locura de imaginación arquitectónica y que con algunas imágenes estáticas nos muestra muchos años de vida, su comienzo como joven pareja, la llegada del perro Yuko y despues del bebe Kun con una hermosa canción de Tatsuro Yamashita que también nos entrega el hermoso ending, que ademas de bonita es simbólica, despues de escuchar una canción dedicada a las hermanas vemos a Kun emocionado por la llegada de su hermana Mirai (Kaede Hondo) pero pronto se convertirán en celos al ver que su madre (Kumiko Aso) apenas le presta atención, una que era total antes, y que su padre (Gen Hoshino) lo atiende poco al tener que desempeñar las tareas de la casa y cuidar a la bebe ya que trabajara desde casa a diferencia de su esposa.

Es asi que Kun se convierte en un desafiantes, llorón y desesperante niño que llora, exige ante las cosas mas sencillas, pero el árbol de su casa servirá de portal para su familia, pasada y futura donde aprenderá muchas lecciones importantes, desde el ver como él desplazo al perro primero, la llegada de la Mirai del futuro para una misión desternillante que le afectaría en el futuro, un viaje al pasado con su madre donde conocerá porque es asi el carácter de la misma y los demonios que carga por su miedo como madre y repetir los esquemas, conocerá a su bisabuelo quien le enseñara a andar en bicicleta o mejor dicho a depender de él mismo y dejar a sus padres respirar, y por supuesto ese viaje final con el tren diabólico donde no podrá ocultar sus verdaderos sentimientos y vera dolorosos sucesos de sus antepasados a los que tuvieron que enfrentarse para que él y Mirai existieran en ese milagro que es la vida, ademas Hosoda es lo suficientemente virtuoso para mostrarlo con la simple aceptación de no cambiar una prenda por el color. Preciosa y dulce cinta que reivindica la familia, el amor fraternal, la relación entre hermanos, los miedos de los padres actuales, y el valor de los antepasados donde las costumbres no tienen porque olvidarse y pueden convivir con lo nuevo, y quienes mejores que los japoneses para tan importante mensaje ya que lo viven día a día.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Glass

GLASS (ÍDEM, EU, 2018)

La mas reciente cinta de M. Night Shyamalan dividió a la critica y publico de manera exorbitante, de los dos lados hay defensores y atacantes a ultranza, no se porque unos la elevan tanto como a nivel de obra mayor como un estudio de los superheroes, eso ya lo hizo hace muchos años el mismo director con la subvalorada "Unbreakable",  y tampoco es la basura que dicen otros que ya piden la renuncia del director al cine, de hecho es mejor que la segunda parte de la "trilogía" de revisión sobre superheroes, "Split", aunque tampoco es mucho merito, lo que si es cierto es que la cinta es entretenida y los suficientemente inteligente para sorprendernos, quizá no gratamente pero eso es lo de menos, y por supuesto es mejor que la mayoria del ya quemado genero de superheroes. Creo que el debate se forma por las ya consabidas y esperadas vueltas de tuerca del director, a veces tramposas, a veces ridículas, a veces estupendas, pero a final de cuentas como espectadores sabemos que llegara, lo que sucede aqui es que hay dos vueltas de tuercas finales que hacen la apuesta mas arriesgada.

Al final de "Split" vimos que David Dunn (Bruce Willis aprovechando el poco tiempo en pantalla) decidía ponerle un alto a La Horda (James McAvoy, bastante bien) que como la bestia estaba asesinando jovencitas, aqui David junto a su hijo Joseph (Spencer Treat Clark) buscan al asesino y se nos da a entender que desde el fin de la otra cinta David ha sido un justiciero dedicado a salvar vidas, rápidamente lo encuentra con su capacidad extrasensorial y al enfrentarlo son capturados por la policía que los lleva a un psiquiátrico donde la doctora Staple (Sarah Paulson) intenta convencerlos de que solo sufren delirios, David se niega pero algunas personalidades de la horda ceden en tanto Elijah (Samuel L. Jackson robándose la película desde la mitad), Mr. Glass, apenas sabe que sucede por lo drogado que esta, lo que es peor los operaran para que puedan ser "normales".

Por supuesto que el supervillano tiene otros planes y para ello necesita del quebrantado Kevin y el héroe David, decir mas sobre la trama seria destruir gran parte del encanto de esta, despues de una presentación rápida el director nos pasa al psiquiátrico donde hasta nosotros mismos dudamos pero no pasa de ser una cinta continuista y falta de ideas hasta que el esplendido plan del supergenio Glass entra en accion y llegamos a un climax que nos depara una sorpresa tipo cómic a modo de revelación, la consabida vuelta de tuerca que esta vez resulta muy cruel, y finalmente ese segundo giro que a tantos a molestado, en lo personal me sorprendió y agrado, y deja una sensación distinta al deprimente final anterior, lo que si es que es ingenuo de Shyamalan pensar que algo asi destruirá o afectara los planes de los iluminatis que nos han manejado de por vida. Una cinta técnicamente impecable, que no veo tanto como secuela sino como un crossover, se nota que Shyamalan nunca la pensó como una trilogía y se nota, este es otro defecto de la cinta, a cada uno le toco el protagonismo de una y esta vez fue el turno de Glass pero el problema es que los otros dos quedan ensombrecidos, en especial David/Willis, que solo esta ahi para cumplir su parte del plan y que muere de forma penosa, tanto que termino por molestarme, en los extras el director dice que quito mas de una hora, eso explicaria el exceso de explicaciones aunque quedan como tipo comic, y los personajes emblema de "Unbreakable" son tan potentes como hace diecinueve años y no queda mas que maravillarnos ante el ingenio de Glass, ahora solo queda esperar que hará el director despues de esto porque no puede vivir de la nostalgia por siempre, o quizá si como lo muestra el maravilloso tema de James Newton Howard que nos trasporta a cuando Shyamalan hacia buen cine.

Calificación: Competente

Cinecritica: Border

BORDER (GRÄNS, SUECIA, 2018)

Interesantisima cinta fantástica de Ali Abbasi que toca muchos temas y va cambiando de genero sin que desilusione en ninguno, el guion del mismo director, Isabella Eklöf y John Ajvide Lindvisq basado en una historia corta de este ultimo es increíblemente inteligente, no podría ser de otra forma del autor de esa obra mayor llamada "Let the Right One In", la cinta va cambiando de piel pero siempre respetando lo que ya mostró y usando la información, sucesos y personajes de manera precisa para armar un rompecabezas que al final encaja de forma perfecta. Un filme noir nórdico con cine fantástico, drama, romance y terror, todo en conjunto para darnos una historia tanto bella como monstruosa, a final de cuentas todos somos capaces de lo mejor y lo peor como lo tiene claro su protagonista. Tina (Eva Melander, excelsa) es una agente de aduanas que es mas fea que pegarle a un abuelo, o por lo menos para nuestros estándares es asi, pero tiene un talento que la hace perfecta para lo que realiza, un olfato grandioso que descubre contrabando como vemos al inicio de la cinta.

Un día conoce a un sujeto parecido a ella y el olor le parece extraño, no puede descifrarlo, para los espectadores esto no es algo tan fuera de lo común porque pensamos que tiene un olfato excepcional pero es algo mas, lo descubrimos cuando no deja ir a un tipo hasta que encuentra una tarjeta sd con pornografía infantil, ella puede oler la vergüenza, la culpa y el miedo de las personas, es asi como comienza una trama policial donde ella es la clave para descubrir a una banda de pedofilos, en tanto conocemos su vida con el vividor Roland (Jörgen Thorsson) que ni la quiere ni la respeta pero que ella solo tiene para sentir compañía como le dice a su padre (Sten Ljunggren), enfadada, aburrida y molesta trascurre su vida hasta que el extraño regresa y lo detiene sin encontrarle nada pero entablar una relación donde el enigmático Vore (Eero Milonoff, muy bien) suelta algunas frases extrañas.

Tina le ofrece asilo y lo conoce aun mejor, el extraño ser que no parece tener una sexualidad como las de no nosotros invita a la protagonista a comer gusanos, correr desnudos por el bosque, nadar en las mas frías aguas, y comenzar una relación que despertara la verdadera naturaleza de Tina, le hará comprender quien es en realidad y a buscar la verdad de su pasado, pero también descubrirá que no todo es lo que parece y lo que creía una realidad completa se convierte en martirio cuando descubra que en todos lados se cuecen habas y que la maldad y la bondad no son propias de algunos sino que existen en todos, si la trama de la pedofilia y a era oscura lo que se esconde detrás es mucho peor, una extraña pero hermosa cinta que nos recuerda que vivimos en un mundo de clarooscuros, donde se nos invita a no perder la capacidad de imaginación ni asombro, enmarcada por un buena dirección en una fotografía preciosa que da énfasis a la naturaleza, y un maquillaje mas que destacado que ademas les brinda total libertad a sus protagonistas que forman parte de un reparto muy solido.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Primer Hombre en la Luna

EL PRIMER HOMBRE EN LA LUNA (FIRST MAN, EU, 2018)

Chazelle sigue manteniendo el ritmo y vuelve a entregar una buena cinta, no al nivel de las dos anteriores pero lo suficiente para estar entre las mejores del año, aquí abandonamos la música como elemento principal sobre el que gira la historia pero no por ello el director como músico casi frustrado la deja detrás, la música tiene ciertos momentos claves en la historia que no deja de ser una biopic que ya conocemos todos pero que esta vez es abordada desde un punto de vista mas intimo y por ello mas empatico y doloroso, Chazelle apuesta por una historia que para los norteamericanos es su mayor logro, la llegada a la luna contada desde los ojos de un tipo que apenas hablaba y que era muy cerrado en sus pensamientos, marcado por una tragedia y que se toma la misión no tanto como un  logro patriótico o humano sino una empresa personal en la que no puede desistir aunque le cueste la vida y mucho mas.

Chazelle nos cuenta algo tan grande como la conquista del espacio abierto de la manera mas claustrofobica posible, con espacios cerrados y muchos acercamientos que apenas nos dejan respirar y nos trasportan a lo que vivieron esos astronautas que apenas tenían unos centímetros para ver el exterior a pesar de que sabían que tenían millones de kilómetros de nada inmediata, esta decisión valiente da  ala cinta un tono extraordinario que nos tiene al filo del asiento y comiéndonos las uñas mientras imploramos porque no ocurra lo peor, con una fotografía perfecta y una edición exacta que logran hacernos creer dentro de esos pequeños artefactos a un lado del serio Neil Armstrong (Ryan Gosling, bien en su típica cara engarrotada pero ojos expresivos), los efectos especiales son maravillosos, nunca los reconocemos y por formar parte integra de la historia tienen bien merecido su oscar.

La música de Justin Hurwitz es magnifica, desde temas sintetizados que nos meten de lleno en la carrera espacial, acordes de tensión que quitan el aliento, operas que nos invitan a bailar y algunos temas sencillos pero al mismo tiempo épicos que aparecen en escenas de antología,  la película nos muestra desde el año 1961 cuando Neil era un piloto de pruebas que pudo regresar aun saliendo de atmósfera al evento consabido, volviendo al inicio el tipo ha fallado varias veces, en parte porque desea ver la tierra desde el cielo y también porque su pequeña hija esta enferma de gravedad, cuando la niña fallece Armstrong queda devastado y peor aun cuando lo quitan de los vuelos, por lo que busca oportunidad en la NASA donde forma parte del equipo que habiendo perdido frente a los rusos ahora empieza una nueva visión donde se llegara a la luna.

Somos testigos del duro entrenamiento, las largas jornadas de estudio y el ostracismo de Neil que solo se abre frente a su centrada mujer Janet (impresionante Claire Foy) siempre y cuando no sea sobre su fallecida hija, con el trascurrir de los años vemos muertes, equivocaciones, fallas mecánicas, y un Neil cada vez mas obcecado con la empresa mientras la prensa ataca sin piedad el programa y los liberales se quejan de los gastos mientras ellos no mendigan mas, por supuesto despues de tanto sacrificio y algunas escenas majestuosas, a la primera sumemosle el tensionante acople y las desesperanzadoras explosiones, para llegar a la misión del apollo 11 que desde que lo vemos partir nos tiene el alma en un hilo, y mas aun con ese tremendo alunizaje donde se hace obvio lo que se nos venia

diciendo, la misión del héroe es mas personal que patriótica, con un dejo de egoísmo pero que no por ello desestima ese héroe hawksiano que es Armstrong que nunca cesa ante su trabajo por mas peligroso que sea, una muestra de profesionalismo y héroe americano que hace su trabajo no por ser un héroe frente a los demas sino porque asi debe ser como lo muestra en sus secas respuestas.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Isla de Perros

ISLA DE PERROS (ISLE OF DOGS, ALEMANIA - EU, 2018)

Isla de Perros o como lo avisa su juego de palabras en el idioma original, el titulo se puede escuchar como I Love Dogs, deja claro lo que piensa el director sobre los perros, y mas aun sobre los humanos, todos los caninos son bondadosos y nobles y pueden actuar mal pero sin ser maliciosos, en cambio los humanos mienten, engañan, manipulan, roban y asesinan sin escrúpulos, no todos, algunos son tan nobles que solo podemos admirarlos, pero lo que dice Wes Anderson ahi queda, pero como en su mundo nada es tan sencillo todos los personajes tienen esa dualidad que los hace tan sorpresivos y sorprendentes, ademas la historia principal que muchos llaman "simple" o sencilla esconde mucho mas de lo que parece, no solo en ella misma ya que no es tan simple como aparenta, también en los simbolismos que aunque algunos dicen tratan sobre el pasado la verdad es que estan mas presentes que nunca en este mundo globalizado donde los gobiernos y grandes empresas manipulan para lograr sus metas y beneficios sin importar a costa de que sea.

La película es totalmente reconocible como una de Anderson, tiene su sello en cada fotograma, su mano se ve en todo momento, desde los personajes y diseño precioso con reminiscencias hipster pero muy bonito todo, la artesanía con la que esta hecho todo, el uso de la paleta de colores que sirve perfectamente a la historia y remarca lo que sucede en el momento, y esos encuadres perfectos donde todo es simétrico y parece sacado de un cuadro preciosista, el director ha sabido construir un universo propio y totalmente reconocible hasta por personas a las que no les gusta, las criticas de las cintas estan divididas pero lo que nadie niega es el virtuosismo técnico, tanto en fotografía, diseño de producción y el movimiento absolutamente natural de este mundo en stop motion pero que de alguna forma nunca esconde ni niega su base, es decir esos cientos de personajes hechos a mano con decorados donde se nota el amor en cada milímetro y donde Anderson reniega de la tecnología, para entregarnos lo mas posible a mano.

Y es que ademas la perfección es palpable, con el pelaje de los perros moviéndose en todo momento, con ese aire que les mueve la ropa y que nos trasporta de inmediato ahi, donde vemos muchísimos personajes secundarios que tienen identidad propia sin ser clones, Anderson ha llevado el stop motion artesanal a un nuevo nivel. Por si fuera poco el director usa otros tipos de animación, ya sean esas pinturas estáticas con que se nos muestra el prologo o esa animación en segunda dimensión que vemos a través de las pantallas, que guardan su propio diseño para los personajes principales siempre respetando su esencia. por supuesto el diseño artístico también pasa por una obvia inspiración japonesa, sea por sus pinturas maestras, su diseño ancestral de dibujos, y el uso de una estética, donde ademas el director aprovecha para hacer múltiples homenajes a directores japoneses.

El prologo nos muestra la batalla ancestral que vivieron los perros contra la dinastia Kobayashi que los tenia al borde la extincion hasta que un pequeño renego de su propia humanidad y los ayudo, en la actualidad el alcalde Kenji Kobayashi (Kunichi Nomura) ha hecho un decreto para enviar a todos los perros a la isla de la basura por la fiebre que sufren, tiempo despues Chief (Bryan Cranston), Rex (Edward Norton), Boss (Bill Murray), Duke (Jeff Goldblum) y King (Bob Balaban) apenas pueden sobrevivir en la isla, quieren rendirse al añorar la vida hogareña que tenian pero el perro callejero Chief no se los permite, de pronto una avioneta se estrella y conocen al pequeño Atari (Koyu Rankin) que llego ahi para encontrar a su perro Spots (Liev Schreiber), entonces se embarcaran en una odisea donde Chief reniega formar parte aun con los consejos de la atractiva Nutmeg( Scarlett Johansson), en tanto en la ciudad el gobierno avisa que los perros raptaron a Atari que es nada menos que el sobrino del alcalde y el pueblo esta todavia mas indignado, en tanto que los jovenes periodistas y en especial la estudiante de intercambio Tracy (Greta Gerwig) sospechan que las cosas no son como lo muestran.

También eso sospecha el hábil profesor Watanabe (Akira Ito) que se esfuerza por desarrollar una vacuna aunque eso representa enfrentarse al gobierno, nosotros no sospechamos ya que sabemos con certeza lo que ocurre, con los varios enfrentamientos, y aunque la pelicula se decanta por la evolución de Chief el final depara varias sorpresas con peleas, persecuciones y una revolución estupendamente llevada, con muchos personajes maravillosos como Jupiter (F. Murray Abraham) y Oracle (Tilda Swinton) que nos regalan varios de los momentos mas hilarantes de la cinta, el humor es ácido, negro, naif, ridículo y a veces hasta escatologico, pero siempre inteligente, priorizando lo que vemos o lo que se dice, nunca se recurre al chiste fácil o resulton por lo que los mas pequeños se aburrirían bastante, no es tanto una película para niños y menos viendo los temas que trata, hay un asesinato que llega despues de una escena deslumbrante donde se prepara un sushi con una meticulosidad enfermiza, donde se nos habla de muchas cosas importantes a modo de parodia, y donde la cinta apuesta por terminar rindiendo honor a la respetable cultura japonesa donde los valores y la cultura es primordial.

Wes Anderson es un director mas que talentoso y lo vuelve a demostrar, es un virtuoso del cine en todo su espectro, que ademas toma una valiente decisión que nos mete mas en la cinta, los ladridos son traducidos, lo que hablan los humanos no, es decir que a menos que sepamos japones no podemos entender que sucede, bueno si, tanto como los perros y eso es lo interesante, entendemos que sucede, lo que quieren y buscan los humanos, pero siempre con limitantes, tanto como nuestros valerosos protagonistas que se diferencias por características extravagantes y divertidas, sumado a un reparto de voces de antologia, a los mencionados sumemos Frances McDormand, Harvey Keitel, Yoko Ono, Ken Watanabe, Akira Takayama, Anjelica Huston, Kara Hayward, etc, y una esplendorosa banda sonora de Alexandre Desplat que acompaña magníficamente a los acontecimientos en todo momento. El director ha logrado una hermosa cinta que traspira hermosura, perfección y un amor por la cultura japonesa y los perros que no puede dejar indiferente a nadie.

Calificación: Muy Bien 

Cinecritica: Conducta Animal

CONDUCTA ANIMAL (ANIMAL BEHAVIOUR, CANADA, 2018)

Interesante cinta de los directores y también guionistas Alison Snowden y David Fine que trata temas tan complejos con una sencillez que desborda, y que al mismo tiempo lo toman con humor sin faltar el respeto de las personas que sufren los trastornos, de hecho los mismos personajes que aparecen en el corto aunque nos saquen muchas sonrisas son tratados con respeto y les tomamos cierto cariño a pesar o quizá debido a sus defectos, la animación en 2d es maravillosa, limpia pero con un cierto aire de suciedad realista que nos lleva a pensar en nuestro mundo y que funciona mucho mejor que el 3d que todavía se sigue viendo muy infantil si no es bien tratado.

En la sesión llevada por el paciente doctor Clement (Ryan Beil) se nos presenta una insegura sanguijuela (Leah Juel) que sufre ansiedad frente a la separación o tiempo de su pareja, en tanto la cinica mantis Cheryl (Andrea Libman) no la soporta, despues de todo ella tiene el problema, una devoradora de hombres como mil hijos, el puerco Todd (Toby Berner) siempre esta zanpandose algo en el hocico y el amistoso pajaro Jeffrey (James Kirk) carga un obscuro trauma infantil, en tanto la gata Linda (la misma Alison Snowden) sufre síndrome TOC, todo trascurre normalmente hasta que llega Victor (Taz Van Rassel), un simio que ataca a todos y que no soporta estar ahi, insulta a todos y no comprende sus problemas, para el es obvio que tienen comportamientos incorrectos y que solo deben cambiarlos.

Por supuesto que el tipo no esta ahi por ser perfecto y aunque todos imaginamos cual es su problema en cierto momento le tocara confesarse con todo y climax desquiciado que saca a relucir el lado perruno del doctor que es todo amabilidad y paciencia y donde cierta situacion hara entender a Victor de la gravedad de su problema y las consecuencias que puede traer, un buen homenaje a los medicos que son respetuosos y dedican su vida a mejorar la de los demas sin que ello evite ciertos chistes sobre ellos como ese hilarante final.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Wifi Ralphs

WIFI RALPH (RALPH BREAKS THE INTERNET, EU, 2018)

Entretenida cinta de la casa Disney que funciona como secuela al respetar el espíritu de la primera pero al mismo tiempo evitando repetirse demasiado, con dos mensajes, uno muy valioso y que no se ve tanto en cintas infantiles y otro que de plano es hasta peligroso y bastante incongruente dentro de la historia, bueno quizá hasta dos mensajes malos. Seis años despues de los eventos de la primera parte, que si soy sincero apenas recuerdo la trama general, tenemos a Ralph (John C. Reilly) y Vanellope (Sarah Silverman) divirtiéndose toda la noche en los diferentes juegos de la arcadia mientras que se quejan de su dia en el trabajo con sus juegos, un accidente causa que el volante de la maquina Sugar Rush se rompa y con ello se desconecte el juego y se venda como piezas de repuesto, para que esto no suceda Ralph y Vanellope se embarcan en una aventura por el internet para encontrar el volante.

Lo ganan en subasta en una broma divertida que rompe la historia por la cantidad de dinero a conseguir, un pop up les encarga robar cierto articulo del juego Slaughter Race donde conocen a Shank (Gal Gadot) y Vanellope queda prendada de ella, esta las manda con su prima de Yesss (Taraji P. Henson), algoritmo principal de Buzzztube donde haciendo vídeos estúpidos Ralph gana fácilmente el dinero, con el problema principal de la cinta resuelto a la mitad de esta no queda otra que cambiar el curso y cuando Vanellope, despues de ser convertida en princesa disney a la fuerza con cameos de todas las princesas con diseños feos la verdad sea dicha, decide quedarse con Shank a lo que Ralph reacciona de forma insegura y egoísta y suelta un virus que puede destruir todo el internet.

Es cierto que la cinta siempre es entretenida y ese giro le da mas sentido a una trama que parecía un mcguffin pero los últimos minutos son repetitivos y cansinos, demasiado estruendosos y largos, lo bueno es que se resuelve de buena manera con una aceptación y madurez que niega los fuegos artificiales, lo dicho, el mensaje de los celos en las amistades, la inseguridad dentro de la misma, es un buen mensaje que se resuelve bien, por otro lado los directores Rich Moore y Phil Johnson insinúan dos cosas que no son buenos mensajes para el publico al que va orientado la cinta, primero que los pop-up son buenos cuando pueden llevan a paginas para adultos o virus, y el segundo mensaje que hacer vídeos de internet es una forma facilisima de hacer dinero siempre y cuando uno solo se desprenda de su dignidad, y aunque esto sea asi en este momento el internet es muy cambiante, en pocas palabras la cinta se niega a mostrar los riesgos de internet donde todo mundo es bueno aun asi la cinta aguanta el palomazo y técnicamente es muy buena.

Calificación: Palomera

Lo Mejor del Mes: Marzo 2019