Cinecritica: I Am a Hero

I AM A HERO (IDEM, JAPON, 2015)

En una escena clave de la cinta el mangaka perdedor y dejado Hideo Suzuki (Yo Oizumi, bien) ha sobrevivido al ataque de zombies de un maravilloso plano secuencia donde unos corrían por sus vidas, otros no sabían ni que pasaba, algunos eran atropellados y el muy zopenco intentaba ayudar a quienes obviamente ya estaban convertidos, y para salvar a una colegiala toma su rifle de caza y salva el dia, o por lo menos eso imagina porque la realidad es que francamente estorba y apenas si se sube a un taxi por ayuda de la chica Hiromi (linda Kasumi Harimura) y un hombre de negocios, esta es la temática que nos trae el director Shinsuke Sato basado en el manga del mismo nombre del mangaka Kengo Hanazawa, es decir la de un pobre diablo que se ve obligado a ser un héroe como indica el titulo o a morir por la horda de zombies, una que hábilmente nunca se explica y cuyo primer indicio es la noticia de una mujer que mordió un perro, algo tan extraño que la reportera primero lo indica al revés.

Los primeros minutos son buenísimos y sirven perfectamente como critica social, algo en lo que el genero de zombies es especialista en buenas manos, pero esta vez no de EU o Reino Unido, ni siquiera de los Coreanos, esta vez estamos en Japón y ello lleva sus características y criticas propias, la cinta nos muestra al común Hideo, un asistente de manga que hace mas de una década gano un premio a mangaka nuevo pero a partir de entonces no a podido repuntar, como asistente del mangaka solo dibuja los escenarios y personajes sin tener nada que ver con la historia y por ello sin el nombre, reconocimiento y dinero que esto da, pero aun asi se imagina dando un sentido discurso de como el manga es el arte mas representativo de Japón y uno de los que se mantiene mas incorrupto, claro que esto solo lo imagina y seguirá teniendo estos sueños que solo existen en su mente y que siempre nos caen como balde de agua fría, pero siempre hilarantes.

Su jefe es un vago que no sabe como continuar la historia, que les exige demasiado con esas malditas fechas de entrega y que tiene una relación con su discípula, junto a Hideo dos tan perdedores como el, uno que no habla y otro que no calla nada a pesar de ser tan fracasado como los otros dos, en casa Hideo es esperado por su novia Tekko (linda Miho Suzuki) que no puede soportar mas tiempo que su novio despunte, ambos tienen mas de treinta años y sigue siendo bateado, vive en un mundo de mangas y guarda celosamente un rifle de caza que nunca usa, termina corriéndolo para al día siguiente llamarle pidiendo perdón, pero lo que encuentra Hideo es una mujer que lo ataca y a la que termina matando, en el trabajo es una masacre y todos se matan a batazos o como pueden, al correr se enfrenta a una horda en el plano secuencia mencionado, y de ahi a una magnifica persecución que lleva a los dos a huir al monte Fuji donde supuestamente el virus no llega.

La conocemos a ella y que quizá esta contaminada, de todas formas Hideo le promete cuidarla y cuando ella quede en un estado raro casi zombie lo hará, ya sea de los zombies que atacan, de los sobrevivientes del centro comercial, y de las traiciones y cambio de poder que se dan, porque cuando lleguen a esa lugar en el monte solo Tsugumi (Masami Nagasawa, bastante bien) se porta como humano, los demas se han convertido en unos tipos sedientos de poder, anhelan el rifle de Hideo, se traicionan, y esto solo lleva a un desastre en el clímax de la cinta donde el cobarde, tonto y buenazo Hideo deberá comprobar de que esta hecho en un final que quizá se alarga demasiado pero que increíblemente emociona y se disfruta, todo ello con un ritmo adecuado, escenas de accion estupendas, personajes que interesan aunque sean clichés, el friki, la colegiala, efectos especiales muy buenos, una banda sonora que cumple y una fotografía limpia y sucia cuando debe, pero lo mas interesante son esos zombies contorsionistas que siguen manteniendo parte de su personalidad anterior, la mujer que quiere comprar, el tipo que habla por celular, el atleta que sigue brincando, esos detalles que son divertidisimos e hilarantes logran que cobren personalidad propia y nos señala que no estamos muy lejos de su comportamiento.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Z: La Ciudad Perdida

Z: LA CIUDAD PERDIDA (THE LOST CITY OF Z, EU, 2016)

El coronel Percy Fawcett (Charlie Hunnam, bastante bien) se ha pasado la vida en las sombras sin reconocimiento alguno por el gobierno y la milicia por causa de su padre borracho y jugador, se pasa los días entrenando a los jóvenes cadetes pero queda muy claro que sus capacidades estan por encima de esa sencilla función, por fin el destino le concede la posibilidad de cumplir su sueño y formar parte de la historia cuando sea enviado a delimitar las fronteras de Bolivia y Brasil para evitar la guerra,  y por supuesto para que no sean afectados en el redituable negocio del caucho, Fawcett viaja a Brazil junto a Henry Costin (Robert Pattinson, bien) y algunos indígenas que lo guiaran en su camino, despues de pasar a los acaudalados dueños del caucho que viven de manera estrambotica con todo y opera en medio de la jungla, en ese viaje irreal Percy y su grupo se embarcan durante semanas por el rio y se enfrentan a indígenas, el clima y la fuerza de la naturaleza.

Al final logran su cometido y regresa como un héroe, ademas con la certeza de que existe una civilización que no se ha descubierto y que podría ser tan avanzados o mas que ellos, de esta manera se embarca en un nuevo viaje esta vez con el héroe ricachon James Murray (Angus Macfadyen) que quiere parte de la gloria de ese "El Dorado", de esa ciudad Z que nombra Fawcett, el segundo viaje es mas complicado con menos ayuda a pesar de llevar mas equipo, el principal problema es Murray que resulta ser un cobarde pusilánime que pone en peligro todo el viaje con sus debilidades y rabietas, aun asi Fawcett trata con una civilización indígena y descubre un nuevo mundo a pesar de que se queda dolorosamente cerca de su ciudad soñada.

Para todo esto Fawcett se tuvo que enfrentar a la prensa y a su propia familia que no lo conoce, una maravilla el feminismo real y bien encausado de su mujer Nina (Sienna Miller, asombrosamente bien) que busca su propio lugar y metas desde su posibilidades, y el entendimiento de ambos de que ella no puede lograr algunas cosas pero es mejor en otras para lograr la meta, al regresar de la segunda expedición la situacion es peor, si la vez anterior se reían de sus creencias esta vez es atacado vilmente por la RGS y un traicionero Murray que detienen sus expectativas, de aqui asistimos a la gran guerra donde Fawcett y sus hombres son vencidos y queda casi ciego, años despues Fawcett es apoyado por su hijo Jack (Tom Holland) para una tercera expedición que es apoyada por todo el mundo queriendo ganar a los norteamericanos, Percy y Jack van a buscar la ciudad y se enfrentan a los mismos peligros de antes, visitan a los caníbales y finalmente llegan al final del camino donde se encuentran las pruebas pero se topan con algo tan mágico como impredecible, todo esto dirigido de manera esplendida por James Gray que sabe manejar el ritmo y tono de la cinta, con valores de producción muy bien cuidados, un reparto ingles impecable y por supuesto ese sentimiento de aventura mágica, es decir es la mejor vuelta al cine de aventuras que fue tan usado en antaño y que sigue sintiéndose tan bien como siempre, mágico y emocionante al mismo tiempo que descubrimos junto al protagonista y nos empapamos de su obsesión y su ambición sin limites.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Guardianes de la Galaxia Vol. 2

GUARDIANES DE LA GALAXIA VOL.2 (GUARDIANS OF THE GALAXY VOL. 2, EU, 2017)

La primer cinta de los guardianes de la galaxia era una apuesta fresca y despreocupada de la casa marvel que apostaba con el director James Gunn y les resultaba, por lo que resulta hasta extraño que esta secuela nos de un bajón en la calidad tan notorio, escrito por el mismo Gunn la cinta tiene las mismas virtudes de la anterior pero también ahi esta su pecado, la banda sonora con canciones oldies era lo mejor de la cinta anterior y a sabiendas de eso esta se excede en el uso de ellas muchas veces hasta sin sentido y ya cualquiera las pone quitandole a Quill (Chris Pratt) su característica, y aun asi son lo mejor de la cinta por mas fortuitas que sean, lo siguiente es el humor, si la vez anterior se sentía fresco y natural esta vez se siente forzado y se quiere usar siempre en todo momento haciéndonos sentir hasta incómodos ya que sabemos que nos quieren obligar a reír y varias veces solo sonreímos con pena.

Las escenas de accion también se salieron, estan bien montadas y filmadas pero ninguna se toma en serio y por ello ya sabemos que nuestros héroes no tienen ningún peligro, siempre por mas difícil que parezca la situacion estarán bien, no hay tensión ni emoción, todo lo hacen ver fácil tanto que se dedican a la comedia física en lugar de pelear bien, el villano resulta demasiado obvio, por Dios se llama Ego (Kur Russell, de lo mejorcito del filme) y su plan no tiene ni pies ni cabeza y al final solo se pone de pechito para que lo eliminen, su meta parece algo normal y con mas posibilidades de ver las implicaciones del pensar diferente de un padre y un hijo pero echan todo por la borda con eso de que Ego mato a la mama de Quill y lo convierten en una caricatura.

He aquí el principal defecto del padre, demasiado tiempo perdido en sentimentalismos, que si Quill sufrió mucho por ser huérfano, que su mama se murio, que su padre Ego no lo quiere bien, que su papa adoptivo Yondu (Michael Rooker, lo mejor del filme) si lo quería y solo lo protegía, que Nebula (Karen Gillan) solo quería una hermanita y se hacia la que quería matar a Gamora (Zoe Saldaña), que Rocket Raccoon (voz de Bradley Cooper) solo es un hablador para ocultar su sufrimiento, tan bien que me caia, y asi un largo etc., lo mas rescatable las formidables canciones, el bebe Groot (voz de Vince Diesel) del que se abusa un poco, Drax (Dave Bautista, bien) que se salva de los chantajismos sentimentales y demuestra buena vis cómica, supongo que Gunn sabia que la película se le estaba cayendo ya que el larguísimo clímax final resulta aburrido y justo cuando pensé que estaba ante una mala película con un sacrificio final resulton y un bien filmado sepelio con multitud de cameos salva las papas del fuego.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Bajo la Arena

BAJO LA ARENA (UNDER SANDET, DINAMARCA - ALEMANIA, 2015)

No soy fanático de las películas académicas, es decir las cintas que parecen pensadas para ganar premios, pero esta me pareció interesante debido a que toca un tema de esos que los judíos parecieran olvidar o mantener en la penumbra de la historia, de hecho el director Martin Zandvliet señala en la entrevista que viene en los extras del dvd que no encontró ningún libro que documentara el suceso a pesar de que todos saben que sucedió y hay muchas pruebas, es decir los campos de concentración donde murieron mas de seiscientos mil alemanes despues de la segunda guerra mundial, todos en diferentes países donde de una u otra forma se cobraron la afrenta que sufrieron al ser derrotados, no es una venganza por daños sino por orgullo, es decir como bien apunta el director y guionista toda la población fue cruel y los dejaron morir de hambre, como carne de cañón y avergonzandolos porque tenían permiso de todo el mundo de hacerlo.

Esto queda claro en la primera escena donde el sargento Carl (Roland Moller, bien) medio mata sadicamente a un soldado alemán prisionero solo porque si, a él le encargan limpiar la playa de Dinamarca de minas que pusieron los alemanes en la guerra, para ello usan a los prisioneros que son apenas unos sobrevivientes y donde obviamente son recurso descartable, ahi Carl los trata como basura mientras van muriendo uno por uno sin siquiera comer e irremediablemente el tipo duro cedera poco a poco para formar un vinculo con ellos aunque sepa cual va a ser su final, mientras los alemanes que estan formados por los usuales caracteres diferentes luchan por sobrevivir, roban para comer, se rehúsan a morir y sueñan con volver a su pais para ver a sus familias, reconstruirlo o formar su propia empresa aunque en el fondo saben que volver es imposible y solo les queda una salida.

Al final la cinta si resulta demasiado convencional pero la fuerza de las imagenes que pone Zandvliet no puede negarse, al igual que el ritmo, el manejo del reparto donde todos los jovenes realizan un trabajo impecable; Louis Hofmann, Joel Basman, Oskar Bökelmann, Emil Belton, Oskar Belton, etc., y en especial los momentos de suspenso y tensión donde hasta nosotros tememos que nos explote la mina en cara y nos sudan las manos al verlos desarmar las bombas, el sonido es impecable y eso nos sumerge en la escena, ademas no se sabe quien morirá, nunca se nos avisa desde antes, la muerte llega de forma súbita justo como en la vida real y por eso es mas chocante, la banda sonora cumple bien y los trabajos técnicos con impecables, las relaciones estan bien construidas y el villano cumple la función, lastima que el final sea tan resulton, aunque como bien apunta en los extras, es una libertad que se toma porque la realidad es que no dejaron escapar a nadie, de hecho solo encontró una persona que sobrevivió y ademas la dolorosa marcha de la muerte era lo que se hacia desde el inicio, quizá una película mas real habría sido mejor pero aun asi esta no resulta chantajistas y eso se agradece.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Cliente

EL CLIENTE (FORUSHANDE, IRÁN, 2016)

La cinta comienza con un magnifico plano secuencia que nos muestra como los inquilinos de un edificio de departamentos tienen que salir apresuradamente a mitad de la noche porque los trabajos que estan haciendo a un lado estan tumbando el edificio, Emad (Shahab Hosseini, muy bien) se regresa y deja sola a su mujer Rana (Taraneh Alidoosti, bastante bien) para ayudar a una persona que no puede valerse por si misma y al final la cámara toma a las excavadoras y el cristal se va cuarteando, desde aquí el director nos explica el tema de la cinta donde el marido Emad intenta ser un ciudadano ejemplar por encima de la relación con su esposa que desde entonces empieza a mostrar unas grietas que ya nunca podrán repararse y que inevitablemente quebraran la relación. Estos dos actores estan representando una obra basada en el libro "La Muerte de un Vendedor" de Arthur Miller que juega como representación de la propia vida que estan viviendo los protagonistas donde el protagonista es humillado de manera cada vez mas insistente y se vuelve mas patético.

El director Asghar Farhadi escribe un guion muy inteligente que logra tocar nuestras fibras mas sensibles con apenas diálogos, pocas palabras pero precisas y dolorosas, con un reparto que con miradas y gestos trasmiten todo lo necesario, con apenas aspavientos para mostrar como se va desmoronando el matrimonio de una pareja aparentemente estable que con un empujón saca lo peor de cada uno y donde la sociedad juega un papel muy importante. La pareja busca alojamiento y para fortuna (o quizá no) un amigo les consigue rápidamente un departamento pero al llegar las cosas de la inquilina siguen ahi y tampoco va por ellas, de forma inmediata se enteran que la persona que vivía ahi no era del agrado de los vecinos por su trabajo, una noche cuando Emad se queda en el teatro alguien toca el timbre, Rana da por hecho que se trata de su esposo y lo deja pasar y hasta deja la puerta entreabierta, en la siguiente escena Emad encuentra sangre en las escaleras, la puerta abierta y mas sangre, en el hospital su esposa esta siendo atendida de un golpe en la cabeza.

A la mañana siguiente los dos toman posturas diferentes frente al ataque, Rana no quiere hablar de ello ni que acudan a la policía, quiere olvidarle, en tanto que Emad quiere justicia y retribución, el tipo acepta los deseos de su mujer pero esta lo aleja cada vez mas y no olvida el trauma, en tanto los vecinos y compañeros de trabajo hacen comentarios insidiosos sobre la justicia y la venganza que deberían de tomar o que incluso ellos tomarían si pudieran, la hombría de Emad queda en entredicho y el tipo se obliga a buscar al tipo que se aprovecho y golpeo a su mujer, usando la camionera olvidada, escuchando los mensajes que llegan de los clientes, descubriendo que sus amigos y compañeros tienen otra vida no tan honorable, y perdiendo la calma poco a poco, algo que queda patente mostrando su forma de ser como maestro, Emad es humillado (como su personaje en la obra) cada vez mas por su mujer, por sus vecinos, por sus amigos y con ello su patetismo es mas evidente, uno que podrá regresarse cuando descubra quien es el culpable aunque ello lo haga quedar en un dilema moral al igual que nosotros en un teatralizado final que funciona para mostrarnos la mezquindad y la debilidad humana.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Los Duelistas

LOS DUELISTAS (THE DUELLIST, REINO UNIDO, 1977)

El primer largometraje de Ridley Scott es una notable muestra de cine en estado puro, sin aspavientos ni discursos simplemente contar una historia de la mejor manera posible y aqui el director daba en el clavo con su talentoso tratamiento cinematográfico de imagen, con una historia que ademas no es tan simple como parece y que viniendo de una relato de Joseph Conrad basado en una historia real tiene muchas mas capas de lo que pareciera en un principio, Gerald Vaughan-Hughes mantiene la historia sencilla y de esta manera la cinta logra una conjunción estupenda entre imagen, sonido e historia, con una premisa tan sencilla como un par de tenientes del ejercito napoleónico que se baten a duelo múltiples veces a través de mas de quince años, desde el inicio Scott nos deleita con una locación hermosa, un diseño de producción soberbio y una fotografía exquisita casi como si estuviéramos viendo una pintura clásica, y en medio de todo esto dos hombres se baten en duelo, uno que ademas esta coreografiado y grabado de manera perfecta.

Obviamente tiene que haber un ganador y al momento siguiente vemos a un general de Napoleon molesto, que envia al teniente de húsares Armand d'Hubert (Keith Carradine, excelente) por Gabriel Feraud (Harvey Keitel, soberbio) que hirió gravemente al sobrino del alcalde, una decision de la que se arrepentirá d¨Hubert ya que despues de no encontrarlo en su casa se pasa por la fiesta de una dama aristócrata y esto es suficiente para que Feraud lo rete a duelo terminando todo con una herida de Feraud y la esposa de este defendiéndolo, a partir de este momento y sin saber porque d'Hubert sera perseguido sin descanso por Feraud que nunca estará contento hasta que logre su cometido, nadie sabe porque se estan liando a duelo, de hecho nosotros tampoco lo tenemos claro en una inteligente decisión de Scott que lo deja abierto.

Y es que no hay explicación que funcione, simplemente es la empresa que se autoimpone el testarudo y obsesionado Feraud que solo concibe su vida con duelos, apuestas, honor y la lealtad a Napoleon, un hombre que esta muerto por dentro a pesar de ser poderoso por fuera y que persigue a otro hombre al que quiere matar solo porque si, quizá porque ese hombre romántico que busca algo mas en la vida y que es feliz con lo que se le concede en ese momento es lo que mas odia, lo que desea, o simplemente es un hombre que quiere terminar lo que comenzó con una terquedad que va mas alla de lo humano, eso es algo que d´Hubert tampoco conoce y que sufrirá tratando de rehuir al no comprender que busca su oponente, pero este solo trata de no tener duelos innecesarios donde ademas se juega la vida porque si pero su honor y manera de ver la vida no le permite darse el lujo de no luchar, lo hace siempre en búsqueda de retribución y honor.

De hecho con el paso del tiempo d'Hubert tambien se obsesiona con los duelos, despues de que Feraud lo busca para el segundo y recibe una estocada de espada obligandolo a quedarse en suelo si no quiere morir el teniente se pone a practicar dejando de lado a su querida Laura (Diana Quick) y absorbiendo algo de la obsesión de su contrincante, subir de rango tampoco y la guerra tampoco le servirán porque Feraud lo sigue siempre, lo encuentra en todos lados, tiene lacayos que lo guían y el destino, ese cruel destino pareciera que siempre los pone en el momento justo, el tercer duelo es a sables en algún granero donde se pelea a muerte con todo hasta que ambos desfallecen, años despues llega el cuarto a caballo con resultados sorprendentes, en plena guerra perdida casi se da otro en Rusia con el ejercito destruido.

d'Hubert se recupera de sus heridas de guerra con su hermana que no duda en hacerla de casamentera y unirlo a la joven y bella Adele (preciosa, Cristina Raines) aun con las reticencias del soldado, por supuesto que el destino le juega otra pasada y a pesar de haberle salvado la vida tiene que tener un quinto duelo con Feraud a pistolas en unas hermosas y enigmáticas ruinas donde se juega al gato y al ratón y termina con una frase lapidaria no de muerte pero si de castigo ""siempre me has tenido pendiente de tí. Durante 15 años. No volveré a hacer jamás lo que me pidas. Por todas las reglas de combate tu vida desde este momento me pertenece. Simplemente te declaro muerto. Me he sometido a tus llamadas de honor durante largo tiempo. Ahora tú te someterás a la mía." Sorprendente final que nos regala una postal de pintura donde el pecador comienza su penitencia, toda la fotografía es pintura en movimiento, la portentosa banda sonora de Howard Blake es perfecta y nos sumerge en la cinta, el diseño es estupendo y el vestuario es de los mejores que he visto en mi vida, una obra mayor de Scott.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Culto a Chucky

CULTO A CHUCKY (CULT OF CHUCKY, EU, 2017)

No entiendo el porque del odio a las nuevas peliculas de Chucky, pareciera que los fanaticos quieren que se siguieran haciendo la segunda cinta siempre, la primera es irrepetible porque tiene un juego psicologico que ya no puede repetirse, la segunda intenta emular la primera y aburre en lapsos, quiza por ello se decidio tomar otro rumbo y hacer la saga mas desmadrosa, algo que ya se apuntaba desde la creacion del personaje con esos chascarrillos, la mala leche y los comentarios politicamente incorrectos, Don Mancini guionista de toda la serie y tambien director de las ultimas tres se ha decantado mas por este rumbo pero sin abandonar el otro, algo que ya habia retomado en la pelicula anterior, y que esta vez juega con ambas cosas, el desternillante humor de la quinta y el terror de la sexta. Un adulto Andy (Alex Vincent) es perseguido por su pasado en una cita que termina mal, llega a su casa donde tiene la cabeza de Chucky (voz de Brad Dourif, excelente) y lo tortura al tiempo que el muñeco se burla de el.

Con esto se nos revela que la escena postcreditos es real y que Chucky si intento ir por Andy y fallo, tambien la otra es real para sorpresa de muchos incluyendome, mientras tanto Nica (Fiona Dourif, bastante bien) esta en el manicomio sufriendo electrochoques por parte de el maquiavelico Dr. Foley (Michael Therriault) quien la convence de que ella es culpable y sufre locura, es trasladada a otro hospital donde puede recibir visitas, se entera de que su querida sobrina fallecio y recibe un muñeco Chucky de regalo por parte de Tiffany (Jennifer Tilly, bien) que se suma al que usa el Dr. para la terapia y donde solo Nica piensa que el muñeco viene a causar problemas, y ahora pudiendo cambiarse de lugar con el otro, nadie le cree pero los asesinatos comienza a sucederse, casualidad, accidentes y despues obvios asesinatos donde todos van cayendo mientras Foley piensa que Nica es la posible culpable aunque nosotros y la pobre chica sepamos la verdad.

De aquí pues ya sabemos, la desesperación de Nica, el muñeco aprovechándose de la mente de los que puede, si antes eran niños ahora son locos, tomando eso en cuenta el director y guionista Don Mancini toma una decisión inteligente al usar un manicomio con todos esos locos que pueden ser usados de distintas maneras y que dan una sensación enfermiza que siempre aporta, con los escenarios limpios y minimalistas que logran que cuando aparezca el muñeco se haga notar, aunado a eso es muy buena la decisión de volver a usar solo animatronic ya que lo hacen ver mas real y es el Chucky de toda la vida, y de nuevo se agradece la mala leche de Mancini que aun en esta difícil epoca no tiene miedo y se mofa de las correcciones políticas haciendo chistes racistas o de locos sin inmutarse, como muestra cuando Chucky platica con la loca esquizofrenica, hilarante y graciosisima, y de estas hay muchas, cada que aparece uno no puede mas que reirse a carcajadas de este psicópata que como el mismo apunta es un enfermo pero de forma graciosa, la fotografía es limpia, la banda sonora es buena y rescata temas clásicos actualizándolos, mención especial a esa escena antologica de Chucky triunfante. Por lo demas no se puede descubrir mas de la cinta sin afectar su visionado, algunos sorpresas que explican el final de la cinta anterior, quizá el unico detalle es que se pudo haber jugado mas con esta vuelta de tuerca pero es una gran adición que deja todo abierto para una ya deseada secuela.

Calificación: Bien

Cinecritica: Perfect Blue

PERFECT BLUE (PAFEKUTO BURU, JAPON, 1997)

Desde el inicio Satoshi Kon nos da una muestra de su talento mostrándonos a los personajes en poco tiempo y dando una presentación perfecta de su protagonista, estamos en un evento donde se presenta una especie de rangers tan queridos en Japon mientras los niños se quejan y los adolescentes intelectuales estan esperando la presentación del grupo de j-idols Cham! con el rumor de que la mas popular del trió, la líder, Mima Kirigoe (voz de Junko Iwao) esta a punto anunciar su retiro del grupo para convertirse en actriz, al ir tras bambalinas somos testigos de los nervios que sufren las chicas, los apuros y la magia cuando salen al escenario donde iluminan todo y el publico explota en aplausos, añadir que la mayoria de los fanáticos son hombres ya maduros lo que muestra de manera perfecta los que siguen a estos grupos y lo que significa para la sociedad japonesa, mientras el grupo canta "Angel of Love" el director nos muestra lo que sucede en la vida de Mima, su normal vida cotidiana viajando en metro, haciendo las compras y llegando a casa en bicicleta, la oportunidad para volverse actriz, una profesión mas estimada y duradera, y todo esto con una maestría impresionante por parte de Kon que hace unas transiciones naturales y fluidas.

Ademas vemos a un extraño tipo que trabaja como guardia que mira a Mima con un  ademan con la mano que nos indica de manera perfecta como es la relación de el con su idol, o mas específicamente como lo entiende él, unos chicos estan haciendo destrozos y el tipo va a defender a Mima y las cosas se ponen tensas solo para terminar con un reclamo de la idol que se despide de sus fans con la hermosa canción "Cherish These Memories, de esta manera termina la introducción, una donde Kon nos adentra en su mundo con una animación fluida que ademas presume de una sensación cinematográfica, como si una cámara estuviera grabando la animación algo que se nota con Cham! cantando y esa cámara en movimiento siempre en el lugar correcto, algo que no parece tener sentido ya que es animación pero Kon logra dar esa sensación y hacer muy delgada la linea entre esta y los actores reales, ademas la animación para su tiempo es soberbia mas alla de algunos diseños de personajes sencillos cuando son muchos en cuadro, pero el diseño de la mayoria es exquisito, desde la fantástica Mima de la que estoy enamorado hasta el sombrío Me-Mania (voz de Masaaki Osuka) o la realista Rumi (voz de Rica Matsumoto).

Por otro lado cuando son impersonales siempre van de acuerdo a lo que en ese momento nos quiere contar el director, ya sea porque solo son fanáticos sin peso o porque representan un castigo para la protagonista, volviendo a la cinta alguien le dice a Mima que siempre ve "La habitación de Mima", algo que no entiende la joven que vive sola con muñecos y sus peces en un pequeño departamento que parece habitada por una niña o una adolescente, su madre esta al pendiente de ella y no entiende porque dejo el grupo, en eso Mima recibe un fax que la tacha de traidora, al día siguiente en su debut como actriz en una serie de thriller llamada "Double Bing" una carta bomba daña al jefe de la agencia, pero tanto él como su representante Rumi no quieren darle mucha atención, Mima compra una computadora y entra en la dirección web de la habitación de Mima y se asusta al darse cuenta de que la persona que escribe ahí su diario personal sabe demasiado de ella, en tanto en su vida profesional la agencia la pone en charola de plata con tal de que tenga mas protagonismo en la serie y no solo tres escenas.

El chico que causo problemas en su ultimo concierto fue atacado y esta delicado, el grupo Cham! esta teniendo mas éxito que nunca y el acosador esta en todos lados, con todo esto la chica cede ante la presión y graba una escena de violación que resulta muy molesta a pesar de ser animación y fingida, es decir grabada, al final terminamos pensado lo mismo que Mima, que ha sido ultrajada y que las circunstancias la estan llevando a su peor pesadilla, por si fuera poco empieza a verse a si misma, su alter ego Mima como Idol que le recrimina su nueva imagen y se burla de ella y su agredida moral, los fanáticos también estan enojados con ella que se ha alejado de la imagen idol que en Japón representan a la hija perfecta, la hermana perfecta y la novia perfecta, con todo ello es obvio que la presión para Mima la esta rebasando y su mente esta jugando con ella, se le suma que el guionista de serie es asesinado violentamente en un ascensor y con "Angel of Love" de fondo en una escena genial. 

La agencia sigue lucrando con el morbo de una ex idol con fotografías de desnudos y Mima empieza a tener alucinaciones, sueños y pesadillas al mismo tiempo que confunde la realidad con la fantasía, el fotógrafo también es asesinado y Mima empieza a sospechar que ella es la culpable, que su otra personalidad ha tomado control de su cuerpo y mas con una evidencia contundente en sus manos, es aquí cuando la cinta entra en su recta final con una Mima perdida y con el acosador entrando en escena regalándonos una revelación final soberbia que da paso a un clímax magnifico y una imagen final de antología que cierra la película de manera perfecta, con la preciosa canción "Season" de fondo. Un thriller psicológico de terror que es sumamente inteligente y que nunca se ve venir, donde nos encontramos tan perdidos como la protagonista y donde el director Satoshi Kon juega con tres escenarios, el real, el de las alucinaciones y el de la serie que estan grabando, siempre de manera estupenda y confundiéndonos aunque siempre sabemos que ocurre, pero me refiero a que si nos dejamos llevar en este viaje paralelo a los infiernos de Mima encontramos un extravagante placer que nos hace rompernos la cabeza y comernos las uñas.

Con un final que nunca se ve venir y una animación magnifica que se acopla al estilo de la cinta, con una banda sonora que es soberbia,  desde los temas de grupo Idol que son inocentes pero siempre usados de manera adecuada en la historia, imposible oír "Angel of Love" sin recordar un ascensor o "Season" sin esa sonrisa y ultima frase perfecta, pero los temas que acompañan a la cinta como "Virtua Mima" o "Nightmare" son extraordinarios y logran que uno se sumerja y se le enchine la piel al escucharlos. Se le critica que es muy violenta y sádica pero de otra manera no se podría entender la cinta, como entender el rencor hacia el fotógrafo si no se le asesina de manera tan sádica, o muy sexual para ser un anime, y aquí es increíble ya que Satoshi Kon nos hace sentir incómodos solo con sugerir una escena grabada, algo crucial para la historia que si es cierto muestra el descubrimiento sexual de Mima, algo importante ya que como idol lo tenia prohibido.

Las alucinaciones que tiene Mima, los juegos de sueños, realidad y fantasía son tratados de manera perfecta por el director que nunca pone nada de manera gratuita, la cinta apenas dura una hora veinte con una historia tan compleja y profunda que en occidente duraría tres horas, una felicitación para Kon que ademas hilvana una obra mayor que es una secuencia de escenas memorables una tras otra sin traicionar nunca el hilo conductor, un director que se fue pronto y que no pudo seguir haciendo obras mayores de donde han tomado "ideas" Nolan y Aronosfky junto a otros directores que son mas admirados y conocidos, por ahi "Requiem por un Sueño", "Inception" y "Black Swan" por poner ejemplos. Una obra mayor que deberíamos de darnos el tiempo de revisar y dejar los prejuicios del anime y solo disfrutar de cine inteligente en estado puro, en especial cuando es tan bueno como el de Satoshi Kon.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell: Vigilante del Futuro

GHOST IN THE SHELL: VIGILANTE DEL FUTURO (GHOST IN THE SHELL, EU, 2017)

Vamos a lo primero, soy un ferviente admirador y fanático de la saga "Ghost in the Shell", en especial el diptico soberbio de Mamoru Oshii pero no soy un ridiculo que busca lo políticamente correcto como la mayoria de las personas que alegan que la protagonista debe ser asiática (en todo caso deberian alegar japonesa pero bueeh) como en la original, ni me molesta ni me incomoda ya que a pesar del nombre el mundo que nos presenta la saga no se basa en eso, y ver a Scarlett Johansson siempre es un placer y mas con un traje entallado, por otro lado tenemos el detalle de la comparación con la original, no debe de hacerse y es un error, siempre debe de tratarse al producto de forma independiente pero obviamente es complicado y mas cuando estamos hablando de una obra del alcance de "Ghost in the Shell".

Se nota que los guionistas vieron todas las obras de ghost in the shell ya que intentan tomar elementos de las cintas de Oshii y de la saga Stand Alone Complex, de mas esta decir que solo estan de relleno ya que al final ni siquiera tienen que ver con su historia principal, lo mismo va para las escenas iconicas que aquí son metidas con calzador como pretexto de tenerlas en live action con muchísimo menos estilo y excesivo uso del slow motion, nada que ver la loca iracunda de la mayor aqui con la perfección estoica del fin de la escena del agua en el anime, creo que ya deje en claro que la cinta no tiene nada que ver con la fuente clásica y que no es digna ni de llamarse asi, y ademas el mundo se parece mas a la publicidad tecnologica excesiva de "Blade Runner" que al futuro sombrío de "Ghost in the Shell", ahora veamos lo que nos ofrece la cinta en si, la mayor Mira Killian (Scarlett Johansson, siempre hermosa pero queriendo moverse como robot cuando nada que ver...) es un cyborg que trabaja en la sección nueve y se enfrentan con un hacker que esta asesinando a ciertas personas.

Cuando se tope con él maloso (Michael Pitt) resulta que ya la conocía y que los recuerdos que la atormentan no son fallos de programación sino recuerdos reales que su mama científica adoptiva (Juliette Binoche correteando la chuleta) no quiere que sepa porque son la clave de quien era antes y lo mala que es la corporación que la creo y que controla parte del mercado, el problema es que los malos son malos malosos y el gobierno ni inmiscuido esta, es solo un tipo codicioso que a las primeras de cambio pueden matar, todo lo demas en la trama es un despropósito sin sentido que incluso contradice la fuente original, con temas de individualidad, el conocerse a uno mismo, la identidad y etc, contradiciendo siempre a la cinta original y con ese final de pena ajena donde resulta que si es Motoko Kusanagi pero la metieron en un cuerpo caucásico y ademas antes era "activista contra la tecnología", háganme el recrabon favor, lo mejor de la cinta sin duda Takeshi Kitano como el jefe Aramaki, el que mas se parece a la fuente original pero dejando de lado eso el que tiene la mejor escena por mucho, unos matones van a liquidarlo y los elimina mientras la cámara lo toma siempre estática y primero de arriba para que al ultimo escupa "no manden a unos conejos a hacer el trabajo de un zorro" hasta juraría que el escribió y filmo esta escena, ah y también es valiosa la canción original en los créditos. 

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Blade Runner

BLADE RUNNER (IDEM, EU, 1982)

En un futuro donde el cielo siempre es obscuro y la gris lluvia es perpetua, donde la publicidad neón esta en todos lados ocultando la miseria que esta en tierra el Blade Runner Rick Deckard (Harrison Ford, muy bien) se ve obligado a perseguir a los nexus 6, las maquinas casi humanas llamadas replicantes por un mundo multicultural, mientras estos ansían la vida o quizá solo temen a la muerte, de esta manera comienza una de las mejores películas de la historia del cine, una obra maestra que nos recuerda la maravilla que es el cine y nos regresa la humanidad alimentándonos el alma, ¿que se puede decir que le haga valor a esta magnifica obra? el tercer largometraje de Ridley Scott estuvo lleno de problemas durante toda la producción pero esto no se nota en pantalla, la presión y las libertades de algunos regalaron algunos momentos memorables de la cinta, volviendo a la cinta esta comienza con las grandes industrias dominando el firmamento, grandes llamaradas asoman por encima de un mundo gris e industrializado y un ojo es testigo de ello.

Deckard esta en la calle leyendo el periódico y comiendo cuando la policía lo lleva con el jefe Bryant (M. Emmet Walsh) quien lo obliga a cazar a cuatro replicantes que mataron y huyeron, el perfecto Roy Batty (Rutger Hauer, perfecto), la peligrosa Zhora (Joanna Cassidy, adecuadamente sexy y ruda), la preciosa y dulce Pris (una excelente Daryl Hannah con una belleza atemporal) y el grandulon Leon (Brion James, bien) que ya se cargo al blade runner Holden (Morgan Paull), el es el mejor y por ello deben sacarlo del retiro por mas que tengan al eficiente y enigmatico Gaff (Edward James Olmos, muy bien), el divorciado asesino no tiene mas que ponerse a investigar y conoce al padre de los nexus, el megalomaniaco Dr. Eldon Tyrell (Joe Turkel, bastante bien) y a su impresionante replicante Rachael (Sean Young, magnifica) que soporta de manera impensable la prueba Voight-Kampff.

Esto molesta de alguna manera a Deckard, la razón de porque son tan humanos es que les estan implantando recuerdos, ellos ni siquiera saben lo que son, o por lo menos la hermosa Rachael no lo sabia y todavía se resiste a aceptarlo ¿como aceptar que no es real? y que ademas morirá en poco tiempo, porque los replicantes viven cuando mucho cuatro años, una condena a muerte que los asecha sin piedad. Seguimos por un lado a Deckard en su investigación, la visita al hotel donde se quedaban los replicantes, recabar pistas, buscar y encontrar, ser observador, hacer preguntas por las calles, amenazar a quien necesite y meterse en clubes de dudosa moral con tal de obtener respuestas. La cinta tiene una segunda linea igual de interesante en la que vemos el esfuerzo de los replicantes por obtener lo que desean.

Buscan a los que tengan relación con su creación, interrogan, amenazan, analizan, ya sea a un pobre diablo chino (James Hong) que diseña sus ojos, o el genio genético J.K. Sebastian (William Sanderson, bastante bien) que no puede mas que admirar a estos seres arios que representan la perfección del ser humano, una lectura que es tan asombrosa como puede ser polémica. Blade Runner es ciencia ficción pura, con preguntas existencialistas y una mirada al futuro sin olvidar el pasado pero también bebe del cine y la novela negras, con un protagonista de dudosa moral, una femme fattale, y ese sentimiento de fatalidad en todo momento, el hecho de que Deckard es un solitario es una muestra clara y ademas le reconozco a Scott seguir la misma valiosa critica social que en su anterior obra maestra "Alien", la critica a las corporaciones que aqui son todopoderosas y omnipresentes en una sociedad de miseria que apenas sobrevive en tierra y donde el que no roba se aprovecha del otro.

Esto nos lleva a replantearnos la situacion de la humanidad, aquí todos son fríos, insensibles e indiferentes, pueden ver que asesinen a una mujer por la espalda y ni siquiera tienen reacción, son casi maquinas, justo como el presente que nos alcanzo, en tanto el gobierno es opresor, lo que queda claro cuando le exigen al protagonista un permiso para estar en tierra, o al obligarlo, con la policía sobrevolando a los que debe proteger y esas luces inalcanzables que parecen ojos en todo momento y en todo lugar. Pero esto no es lo mas importante en esta obra donde la lluvia cae sin descanso y la paleta de colores cambia dependiendo la situacion ayudándose de esa publicidad invasiva, con un diseño de producción y unas locaciones excelsas que son ayudadas por unos efectos especiales que siguen manteniéndose vigentes, un sonido que nos immerse en el lugar, una fotografía excelsa de Jordan Cronenweth y una banda sonora magnifica de Vangelis.

Lo vital en esta película es la búsqueda de humanidad por parte de los replicantes, unos seres que solo desean un poco mas de vida, no es que quieran ser inmortales, es que tienen miedo a la muerte, la ingeniería genética y el síndrome de frankenstein marcan esta obra, a un Roy con el tiempo en contra pero manteniendo la calma con tal de lograr su cometido, un tipo que se acepto líder del grupo y que llora y sufre cada perdida que tiene, que busca a su creador por hibris, necesita vivir mas tiempo, que le expliquen porque no se puede, o por lo menos a que demonios vino a este mundo, a final de cuentas no es lo que todos deseamos en lo mas profundo de nuestro ser, por ello Roy es el personaje mas importante, o por lo menos mi favorito, su busca mas alla de los limites, la búsqueda de su creador y el miedo en el que vive inmerso lo empujan mas alla.

Mención aparte para la fastuosa escena de Roy con su padre, con su dios, al que ama y odia, y que solo haya una manera de pagarle, de ese enfrentamiento final con Deckard donde pide mas tiempo y que al final desperdicia con una decisión incomprensible, por lo menos para nosotros, para el es claro, He visto cosas que los humanos ni se imaginan: naves de ataque incendiándose más allá del hombro de Orión. He visto rayos C centellando en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán... en el tiempo... como lágrimas... en la lluvia. Es hora... de morir. Justo por ello me gusta mas la versión con voz en off, por las palabras que siguen por parte de Deckard, porque despues llega las lapidarias palabras de Gaff que culminan con ese origami, muestra de inocencia y esperanza, porque el amor a la vida es lo que predomina sin importar que nos queden cien años o un segundo, a final de cuentas ¿quien lo sabe?

Calificación: Excelente