Cinecritica: Abzurdah

ABZURDAH (ÍDEM, ARGENTINA, 2015)

Al inicio de la cinta Cielo (una muy entregada Maria Eugenia Suarez) dice que no es una adolescente común y corriente, por supuesto que para nosotros no, es una creída, engreída y pedante niña de papis cuya ultima preocupación es el dinero, también es lista por lo que parece aburrirse y crearse problemas donde no los hay, algunos gustos que le hacen ruido a los maestros pero que para uno son completamente normales, lo que si es cierto es que la chica se pasa todo el día en el internet, por alla de los noventa cuando no era tan normal y mucho menos sencillo con la linea de teléfono ocupada, y lo que es peor la chica se enamora fácilmente y se obsesiona, al inicio de la cinta ya esta llorando por un tipo del que no sabemos nada y todavía no nos aprendemos los nombres cuando ya esta perdidamente de otro que a leguas uno intuye que es un patán que solo la quiere para la cama, y encima pedofilo como constataremos mas adelante.

La cinta basada en las memorias de Cielo Latino dice tratarse sobre los problemas de anorexia y bulimia, es decir dos peligrosos trastornos alimenticios que cada vez son vistos con mas naturalidad, el otro es el sobrepeso, pero conforme avance la cinta uno se queda con otra opinión, lo que de verdad afecto a la impetuosa adolescente Cielo que se hace llamar Abzurdah como alias cibernetico es esa relación desastrosa y toxica donde ella mendiga el amor de un indiferente Alejo (Esteban Lamothe) que uno como hombre entiende perfectamente que es un controlador descarado, un manipulador sin escrúpulos que solo quiere sexo de una mujer que no solo es una niña sino que no tiene ni de lejos el colmillo que a él le sobra, esto es lo mas interesante de la cinta, la terrible relación que destruyo el autoestima de una mujer hermosa que busco autoestima donde menos debía.

En cuanto a la anorexia y la bulimia son presentadas de forma sencilla sin causar gran impacto, lo que tiene valor es ese blog que nos recuerda que miles o millones de personas piensan que esto esta bien y hasta lo comparten orgullosas, la dirección de Daniela Goggi es demasiado sencilla, siempre con los mismos planos y una fotografía que no es la adecuada, ademas al final parece acelerar todo y ya nada tiene fuerza llegando a ese epilogo que no es malo por aleccionador sino porque no sabemos como llegamos ahi, otro punto débil es la actuación de Lamothe, entiendo que debe ser indiferente pero eso no significa tener cara de maniquí en todo momento, hay mas que ser bien parecido en ser actor y alguien debe recordarselo, y por ultimo aunque quebrada y sin fuerza la cinta se deja ver, Suarez se esfuerza y hace muchos desnudos tratando de darle fuerza a su personaje y aunque queda a deber en el tema de trastorno alimenticio acierta totalmente en mostrar una relación toxica, una muestra perfecta de un patán de esos que habitan en todos lados, pedante, prepotente, indiferente, creído, charlatán, mujeriego y con hijos regados aqui y alla que uno no termina por entender porque tienen tanto pegue, y al final les pasa lo que a Cielo, para ponérselas a las adolescentes de la casa.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Los Caballeros

LOS CABALLEROS (THE GENTLEMEN, REINO UNIDO - EU, 2019)

En cierta parte de la cinta un tonton boxeador negro es insultado por un gitano y se queja con el entrenador (Colin Farrell, excelente) de que lo llamo negro imbécil a lo que este contesta que tiene razón, es negro y es imbécil, ante el alegato de que es racista le insiste de que no dijo que todos los negros eran imbéciles sino solo él, esta comedia políticamente incorrecta y negrisima estarán presentes en todo momento en la cinta, un regreso a las raíces de Guy Ritchie que uno agradece despues del periplo donde el pobre tipo tuvo que filmar cosas tan horripilantes como la versión live action de "Aladdin", aqui de nuevo tenemos a gangsters británicos con esos acentos marcados que son tan macuarros y detestables como magnéticos, con una complicada historia con muchas vueltas de tuercas y sorpresas y una violencia que se ha criticado de machista blanco, en serio lo dijo una critica profesional, pero lo que uno percibe es que aunque la critica no se sienta cómoda con este regreso, el cinefilo común y mas aun el fanático de Guy Ritchie lo agradece y disfruta a cabalidad.

Como el mismo director y guionista parece disfrutarlo, el tipo se encuentra como pez en el agua con este ritmo frenético y el juego de imágenes que no parecen tener fin, siempre con una linea hilarante y rematada por una violencia que aparece de golpe frente a nosotros, es de admirar que todavía se anime a hacer chistes racistas y reírse de si mismo y la cultura inglesa, desde los drogadictos buenos para nada hasta la actual aristocracia incapaz de mantenerse por si mismos y sin nada mas alla de un titulo que termina por no valer mas que el estatus, ademas de animarse a criticar la industria de la droga peligrosa e incluso la corrección política mas rapante, pero todo esto en una historia muy interesante y aun mejor contada con buenos artilugios por parte de Ritchie que juega con el metacine con ese hilarante investigador Fletcher (Hugh Grant siendo el narrador y robándose la película).

Y es que lo mejor que tiene la cinta es el reparto, uno coral que brilla en cada uno de sus integrantes, desde el mencionado Grant que esta teniendo un renacimiento magnifico, Farrell que parece nacido para estas comedias de humor negro, un Charlie Hunnam como mano derecha e intelectual de su jefe Mickey pero que esconde un humano mas sádico detrás de ese trajeado caballero, Eddie Marsan riéndose de el mismo, Michelle Dockery como una mujer fuerte e implacable que con solo una mirada indica a los hombres que hacer, Matthew McConaughey lo hace bien pero es mas que nada su porte de galán el que aprovecha Ritchie ya que queda por debajo de los demas interpretativamente, y por supuesto ese pillo detestable que interpreta Jeremy Strong, desde el caminado al timbre de voz, y Ritchie se anima a retomar una sádica venganza antisemita que molestara a mas de uno, anote que McConaughey no lo hace tan bien pero en defensa de él debo añadir que aunque es el protagonista no aparece tanto y terminan robandole la función varios secundarios, incluso algunos sin tanto tiempo pero mejor dibujados, incluso en la caricatuzacion que hace el director, quizá por ello la cinta no se siente tan redonda o cercana, nos falta alguien con quien empatizar o seguir, algo que si logro en la superior "Snatch", pero "The Gentlemen" es un regreso al mejor Ritchie, a uno que juega en ligas mayores y que entrega una cinta tan entretenida como divertida, esperemos que se quede en lo que sabe y disfruta, gangsters, rusos, judíos malnacidos y cerdos.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Sin Limites

SIN LIMITES (LIMITLESS, EU, 2011)

Cuando uno ve cine tiene que permitir algunas concesiones en la lógica, quizá una herida que puede soportar el protagonista sin que se exagere, algunas casualidades y conveniencias, y hasta algunas físicas o tiempos que no se cumplen al pie de la regla si lo checamos con exactitud, de igual manera si el mundo que se nos presento tiene unas reglas diferentes como en la saga "El Señor de los Anillos" o en "Harry Potter"es totalmente valido siempre y cuando no rompan las reglas que ellos mismos proponen, por supuesto que debe de existir un limite y cuando este se sobrepasa o se rompe descaradamente uno se siente molesto, incomodo o simplemente estafado, justamente esto ultimo pensé con esta película de Neil Burger, una cinta que simplemente subestima la inteligencia del espectador y cree que uno se tragara lo que ellos digan solo porque si, no se que tanto respete el libro de Alan Glynn en el que esta basado, ya que no lo he leído, pero la historia de aqui hace aguas por todos lados.

Y es una pena porque la cinta no comienza mal, tiene una premisa interesante que podia desarrollarse de mucho mejor manera, Eddie (Bradley Cooper) es un escritor perdedor que no ha podido escribir una palabra de la novela que tiene por contrato, lo deja su novia (Abbie Cornish) lo que le recuerda el fallo que tuvo en su matrimonio anterior con Melissa (Anna Friel), por casualidad se topa a su ex-cuñado (Johnny Whitworth) que le regala una pastilla que lo hace activar todo su cerebro, se encama con la esposa del casero y escribe la novela pendiente que es brillante, la droga no solo lo hace mas lucido sino que facilita toda la información que existe en su cerebro, lo hace aprender fácilmente y tener mucha inspiración, el problema es que al no estar drogado regresas a tu terrible yo normal. Va por mas pastillas, matan al cuñado, encuentra las pastillas y comienza un meteórico ascenso al mundo de la bolsa de valores donde se alia con el multimillonario Carl (Robert de Niro).

Si bien el inicio de la cinta no es malo el problema viene despues, hay demasiadas conveniencias y fallos de guion que no podía dejar de pensar, si Eddie puede cuadruplicar su dinero diariamente ¿para que pide dinero a un usurero? ¿para ahorrarse medio dia? ¿porque despues no le paga a tiempo si tiene el dinero? ¿porque permite que este se ponga a su nivel dándole pastillas? ¿si es tan inteligente porque no se da cuenta que se le estan acabando las pastillas? y despues resulta que las tiene guardadas en otro lado, ¿porque su novia le dice que mientras se empastille no seguirá con él pero al final reaparece en el fina feliz con Eddie si se sigue empastillando? ¿si tanta gente conoce las pastillas porque nadie las toma? ¿porque Eddie no sufre el mismo destino que los demas que las toman? ¿porque matan al cuñado? ¿quien diablos mato a la modelo? ¿solo sirvió para esa identificación donde le roban? ¿porque hace tantas cosas facheras incluso en cosas que no saben que pasara? ¿lee el futuro? y el final de pena ajena y sin sentido, en pocas palabras una historia llena de deux ex machina, conveniencias de guion, agujeros de trama, casualidades, y un plot armor bestial para el protagonista, y ademas con una dirección que se va perdiendo en un mas de excesos de videoclip.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Fuga de Pretoria

FUGA DE PRETORIA (ESCAPE FROM PRETORIA, AUSTRALIA, 2020)

El incansable Tim Jenkin (entregadisimo Daniel Radcliffe) pasa un palo de escoba con un sistema que permite darle vuelta a una llave de madera que esta en el extremo, saca por la ventana de su celda el palo y comienza darle vuelta para probar el sistema, pero la llave se cae y la presión de levantarla aparece, primero jalarla con la escoba pero se mueve adonde sea, se escuchan los pasos del guardia que viene, desesperado Jenkin le pega un chicle al extremo y por fin lo logra, pero no se vuelve a caer, sigue la lucha, los pasos mas cerca ya en la escalera, el chicle se despega y queda pegado a la llave, el guardia ya casi llega y el palo toca el chicle se pega y lo levanta con cuidado para meterlo justamente en el momento que el guardia llega arriba, Jenkin por fin respira y nosotros con él, pero va mas alla, hiperventila, tiembla, si lo descubren el plan que lleva cientos de días pensando y avanzando se destruiría en un segundo.

Básicamente esta es la idea del primer largometraje de Francis Annan con guion de él mismo, basado en las memorias del mismo Jenkin tenemos aqui la bitácora de como pudo escapar de la cárcel de Pretoria con un sistema tan ingenioso como poco creíble, llegando al poco tiempo de su manifestación con panfletos explosivos contra el apartheid, estan en una cárcel de blancos pero que esta mucho mas cuidada porque todos ahi son prisioneros políticos, pero Jenkin junto a su amigo Stephen Lee (Daniel Webber) tienen una idea, hacer llaves de cada una de las puertas y escapar por la puerta ya que todo lo demas es inaccesible, a ellos se une el francés Leonard (Mark Leonard Winter) y por mas que tengan la negativa de una leyenda por la pelea de los derechos ciudadanos, Denis Goldberg (Ian Hart), de inmediato la cinta se mete de lleno en este procedimiento, el ataque terrorista, el juicio, los problemas familiares y sociales son mostrados de manera rapida y agil.

Los personajes los iremos conociendo en medio de las practicas del escape, cuando suden como locos escuchando al guardia acercarse, o cuando logren una pequeña victoria, cuando estén a punto de ser descubiertos o en algo tan sencillo como mantener una puerta emparejada con la punta de los dedos, me parece una decisión inteligente del director darnos un estilo mas clásico donde nos e gaste mucho tiempo en el drama o en discursos políticos, en el inicio nos pone el planteamiento y de ahi asistimos a cine en estado puro, aunque he de admitir que me incomoda un poco la relación de Jenkin con su novia que luego desaparece, como sucedió en la realidad en su vida, pero que para la cinta solo sirve como aliciente para salir si reflejar algo mas profundo, lo que si no entiendo son las quejas de los que alegan mas carga política a la cinta, esta es una cinta sobre una fuga, asi se opto y el director logra algunos momentos de tensión y autentico suspenso, no entiendo el afán de politizar todo, y menos aun cuando ellos mismos aplauden cintas de antes que de igual forma solo mostraban la fuga y aun menos de la historia que la valide.

Calificación: Bien

Cinecritica: The Way Back

THE WAY BACK (ÍDEM, EU, 2020)

Jack Cunningham (esforzado Ben Affleck) es un trabajador de la industria de la construccion, una antigua estrella de basquetbol, y un amado tío para sus sobrinos, aunque la realidad es que mas que todo esto Jack es un alcohólico consumado, bebe en todo momento, no solo sale de trabajar para irse rápidamente al bar del pueblo sino que esconde alcohol en su termo del trabajo, en su refrigerador solo tiene cerveza, y mas aun tiene un compartimiento para guardar la lata mientras se baña donde por supuesto sigue tomando, es asi que Jack vive día tras día quedando como una cuba cada noche y en todo momento ebrio, anoto esto porque la mas reciente película de Gavin O'Connor se vende como un drama de superación deportiva, ya saben esos donde un equipo de perdedores gracias a un nuevo entrenador o compañero comienza a cambias hasta ser ganadores aprendiendo importantes lecciones de vida.

Algo hay de esto pero lo que mas importa en la cinta son los momentos dramáticos de una persona que esta totalmente perdida en un vicio del que no puede salir, sabemos que el tipo no quiere ningún tipo de relación con nadie, se aleja de su familia, sigue enamorado de su ex mujer que si ha rehecho su vida con un ricachon, y esta molesto en todo momento, aun asi fue una estrella en sus tiempos colegiales y se esperaba mucho de él, algo que nunca llego aunque su arrojo a la bebida no tiene nada que ver con quedar solo en promesa ya que nos enteramos que fue una decisión personal auto-destructiva, lo que explicaría su tendencia actual a hacer lo mismo, es su personalidad, un tipo que por mas fuerte y reacio que parezca en realidad alberga a un cobarde incapaz de enfrentar los problemas de frente, a no ser que ya no sea el mismo como logra con el alcohol.

El padre lo llama y le ofrece el puesto de entrenador, duda en tomarlo pero prefiere no enfrentar el problema, y aunque al inicio no le importa seguir con la racha perdedora del equipo pronto su amor propio logra que se ponga la camiseta, entrene y dirija a estos chicos que son todos unas balas perdidas; el que no habla porque no tiene confianza, el mujeriego, el pedante grosero, el payaso, etc., esto lo ayudara a ir dejando la bebida pero una nueva situacion le recuerda el pasado y sus fantasmas internos, que lo desbaratan completamente, una interesante cinta que tiene su mayor problema en lo poco que toca las vidas de los demas pero que tiene su mejor elemento en esas platicas de entrenador que son bastante técnicas y eluden los sentimentalismos típicos de estas cintas, y por supuesto el que la redención no llegue, o por lo menos no se forma sencilla y superflua porque el día a día del adicto es una batalla y un logro, una decisión de guion bien tomada que evita traicionar a su protagonista, y un positivo regreso al cine de Affleck que mejor resultado le dio, el conservador con aires religiosos católicos.

Calificación: Interesante

Cinecritica: La Enviada del Mal

LA ENVIADA DEL MAL (FEBRUARY (THE BLACKCOAT'S DAUGHTER), CANADA, 2015)

Una joven sueña que un extraño le muestra un carro que acaba de sufrir un accidente, pareciera que esto no tiene mayor importancia que meternos de lleno en el ambiente que maneja Osgood Perkins, hijo nada menos que de Anthony Perkins, pero muy pronto nos daremos cuenta que es mucho mas importante de lo que parece, la joven e inofensiva novata Katherine (Kiernan Shipka, muy bien) que toca el piano y canta como los ángeles esta esperando que sus padres lleguen para verla, cuando estos no se presentan la muchacha parece entender que sucedió y nosotros con ella aunque los demas personajes no tengan ni idea, quizá solo se confundieron y retrasaron le comenta el bobalicón director que la deja en el fin de semana de descanso al cuidado de Rose (Lucy Boynton con mucha presencia y guapísima desde entonces) que tiene otros problemas como su posible embarazo, para arreglar esto le dijo a sus padres que no vinieran por ella.

Asi las dos chicas con dos cuidadoras de pocas pulgas y menos palabras deambulan por el colegio que parece sacado de la peor pesadilla de cualquiera, lo peor es que en realidad estos colegios católicos son asi, lo digo por experiencia pues ahi estudie, casi como si el demonio estuviera atento de un alma abandonada o débil, pero tenemos una tercer chica, la desequilibrada mental Joan (Emma Roberts, bien) que escapo del sanatorio y es rescatada por una pobre pareja que pasara por la escuela, esta de mas decir que en algún momento se cruzaran los caminos de las chicas, pero el guionista Perkins escribió el guion con inteligencia y lo remata de la mejor manera, aunque ya para entonces en lo personal me ha ganado, con ese ambiente tan bien logrado, con ese diseño de producción en unas locaciones terribles en el mejor sentido de la palabra.

Con una dirección y montaje opresivos que siempre anuncian lo peor aunque lo contenga para tenernos con una incomodidad terrible, ayudado por la música de su hermano Elvis Perkins que sobresale ayudando al ambiente y marcando la pauta, esto junto a las interpretaciones de su trió principal, un grupo de talentosisimas chicas que en estos momentos estan triunfando, logran una experiencia redonda, donde en una llamada telefónica puede escucharse lo peor, donde se le rinde culto a lo mas grotesco, donde se abraza la maldad y se llora su retirada, o peor aun, donde esta no regresa porque nos ha dejado, o quizá porque nos ha enseñado lo suficiente, o ¿quizá solo existió en nosotros mismos? solo esta resolución pone los pelos de punta y que bueno que es asi.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Spenser: Confidencial

SPENSER: CONFIDENCIAL (SPENSER: CONFIDENTIAL, EU, 2020)

Un águila aparece en pantalla en pleno vuelo para anunciarle a los maleantes y policías corruptos que los héroes se acercan y que serán vencidos, esta referencia patriótica tan marcada, tan notoria, tan poco sutil es lo que últimamente se dedica a realizar el director Peter Berg, esas películas con un alto sentido patriótico que en su mayoria resultan tensionantes, divertidas y por lo menos siempre entretenidas, es cierto que los que no compartan esta visión del mundo se sentirán molestos en todo momento, son de esas películas que muchos empatan de inmediato con el conservadurismo, los republicanos y en estas fechas a Trump, por mi parte aunque considero esa escena una ida de olla lo cierto es que esos héroes con una moral tan fuerte, que no esperan nada a cambio y solo se dedican a hacer su trabajo me parecen maravillosos, un héroe hawksiano, un ente que ya casi no se ve y que siempre terminamos viendo con admiración, un tipo sin infulas ni pretensiones, el heroe americano comun, el que todos ellos (hasta yo) desearían ser.

La verdad sea dicha cada vez paso mas a los héroes de Berg, cuestión de madurar o quizá de hacerse viejo, desde el inicio vemos la moral intachable de nuestro héroe cuando Spenser (Mark Wahlberg, actor fetiche del director) llegue a cuestionar la investigación de su jefe y termine dándole una golpiza al encontrarlo golpeando a su mujer incluso cuando esta lo intenta detener a golpes, por detrás escuchamos el juicio y el rudo policía solo atina a decir que no se arrepiente y se lo merecía, y estamos de acuerdo con el incluso cuando todavía no sabemos cuanto, cinco años despues Spenser sale de prisión despues de una pelea y es recibido por su mentor Henry (Alan Arkin) que lo pone a dormir con el gigante negro Hawk (Winston Duke), esa misma noche Boylan (Michael Gaston), el capitán que golpeo, es asesinado a machetazos y se convierte en el principal sospechoso, no solo eso sino que terminan culpando a un tipo que conocía y que considera incapaz de hacer algo asi por lo que se obsesiona con el caso,

Asi el tipo que se quería retirar a Arizona para conducir maquinaria pesada se ve envuelto en una investigación que lo lleva a enfrentarse con los policías que lo repudian, unos violentos trinitarios con machetes, latinos que transportan droga, agentes del FBI, y un complot tan enrevesado que pareciera no tener salida, asi con droga, inmigrantes, un casino y soplones la situacion siempre nos tiene atentos, la película es divertida y la moral del tipo es muy refrescante porque nos remite a esos héroes de accion de antaño, ademas siempre es un deleite ver a Wahlberg recibiendo palizas y en esta cinta Berg se regodea en el compromiso del actor, hasta un perro le hace las de Cain, una historia quiza demasiado enrevesada que al final se resuelve de forma harta sencilla es el peor de sus pecados, pero lo demas es un placer culpable, el sueño de un americano que hace justicia venciendo latinos, negros, rusos y policías corruptos, y todo esto con la vis cómica de una hilarante Iliza Shlesinger, la mejor en la cinta, que suelta hartas palabrotas como esa mujer de fuerte carácter, cínica y de armas tomar como el interés romántico del prota, y bueno por supuesto la moral del protagonista que en ese gustoso final ve impávido como han culpado de un incendio con muertos a un tipo que iba con el a la escuela, el tipo grita jurando por Dios que no lo hizo y Spenser lo mira sin pestañear mientras sus compañeros piden a gritos cambiar el canal o le niegan lo que piensa, pero es demasiado tarde la moral intachable de Spenser solo le hará tomar una opcion y ya la conocemos.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Chicas Perdidas

CHICAS PERDIDAS (LOST GIRLS, EU, 2020)

¿En serio todavía vas a seguir investigando sobre esa prostituta desaparecida? suelta un policía en una de las lineas claves de la cinta de Liz Garbus que aqui debuta en la ficción pero con un tema real basado en el libro del periodista de investigación Robert Kolker, es decir tenemos una terrible historia real que desde el inicio se nos anuncia el fatídico final, es cierto que la cinta es convencional en el estilo de dirección, de hecho la paleta de colores es la típica en estas cintas de crimines pero lo realmente valioso es la historia que narra, y en especial esos apuntes que critican a la sociedad, la policía y los medios de comunicación, los primeros porque consideran que las muertes de unas prostitutas no son importantes, como si fueran ciudadanos de segunda, los segundos porque simplemente no les importa, son corruptos, encubren a alguien o en el mejor de los casos son simplemente inútiles como el comisionado (Gabriel Byrne) y finalmente los medios de comunicación que en todo momento las llaman prostitutas, trabajadoras sexuales y un largo etc. sin decir jamas sus nombres reales.

La cinta comienza con una escena salida de una película de terror, una desesperada joven corre de un carro pidiendo auxilio, nadie la socorre y la policía llega mas de una hora despues de la llamada al 911, una extraña llamada de un doctor desconocido activa las alarmas de Mari (Amy Ryan, muy bien de nuevo con hija perdida) que explotan cuando su hija Sherre (ascendente Thomasin McKenzie) le diga que el novio también la busca, la policía no le hace caso y el novio golpeador y el chófer de su hija desaparecida no ayudan en nada, pero el caso tomara un giro cuando un perro haciendo sus necesidades encuentre 4 cuerpos asesinados y escondidos, todos con las mismas características y envueltas en Yute, de aqui la investigación de Mari no descansara descubriendo una enorme mafia en la comunidad de millonarios donde se cuidan unos a otros, donde un posible sospechoso, el doctor que llamo Hackett (despreciable Reed Birney) se mofa y burla de ella y la policía apoyado por su esposa y la comunidad.

Este apunte es de lo mejor que tiene la cinta, un grupo de ricos que muy posiblemente se encubren porque consideran mucho mas valioso a uno de ellos que a la mas de media docena de cuerpos encontrados, de mujeres pobres, marginadas y sin educación que ademas eran prostitutas, de hecho las mejores escenas de la cinta son esas donde Hackett se mofa en la cara del comisionado, y el cinismo presentado en la escena de la confrontación con Mari, por supuesto que la cinta tiene mas cosas valiosas, esas locaciones ancestralmente desiertas y peligrosas, los apuntes sociales que ya hice, y la descomposición de Mari que lucha por no dejar la memoria de su hija manchada y no rendirse al mismo tiempo que lidia con dos trabajos y sus otras dos hijas, una de ellas, Sarra (Oona Laurence) sufre esquizofrenia, un dato que se volverá clave en un apunte al final de la cinta y que da para otra cinta, documental o libro, y por supuesto las familias de esas pobres chicas, un grupo variopinto de la América profunda que representa la ignorancia, pobreza, violencia y desatención que desde el nido condena a sus integrantes.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Brahms: El Niño 2

BRAHMS: EL NIÑO 2 (BRAHMS: THE BOY II, EU, 2020)

Si la película "The Boy" del director William Brent Bell tenia como única carta fuerte el final que podía dividir opiniones pero que por lo menos era arriesgado, por ello aunque no me convencía lo valoraba en cierto modo, por ello no entiendo como el mismo director, y la misma guionista Stacey Menear hicieron esta secuela que contradice lo dicho y hecho en la cinta anterior, es como tirar todo a la basura y decir miren lo que dije antes no es, ahora es asi, y bueno la única explicación que se me ocurre es el cochino dinero, ademas si antes la esforzada Lauren Cohan sacaba las papas del fuego aqui Katie Holmes solo hunde mas el barco, con un buen inicio donde se muestra un atraco que deja trastornados a la madre Liza (Katie Holmes) y su hijo Jude (Christopher Convery) deciden ir a una casa de campo que resulta ser la de huéspedes cerca de la mansión donde ocurrio la primer cinta.

Liza tiene pesadillas todas las noches, el chamaco no pronuncia palabra desde que ocurrió el incidente, y para acabarla de molar el niño se encuentra al muñeco de la cinta anterior que dizque habla con el y se hace llamar Brahms, como en la anterior, por ahi un cazador ronda (Ralph Ineson) sin peso en la trama, y es que quizá el niño este loco por lo que sufrió, el problema es que de inmediato esta opción es desechada y nos queda claro que el muñeco esta maldito pero no por lo que sucede en la cinta anterior sino por una vuelta de tuerca que no tiene sentido porque destruye lo construido anteriormente, es como si el director y la guionista solo se hubieran preocupado por sorprender como en la anterior sin hacer una historia apenas coherente.

Y si no solo hace falta pensar en las incongruencias, por ejemplo ¿para que matan al perro del cazador? con la sorpresa de cierto personaje al final esto ya carece de sentido ¿quien lo hizo? ¿para que? ¿es que querían asustar a los padres? pero ¿no se supone que buscan lo contrario? un amalgamo de contradicciones que nunca se esclarecen en un ambiente que por lo menos esta bien logrado pero con sustos manidos y una Holmes que nomas no funciona, decepcionante porque la cinta no había comenzado tan mal con ese robo y los traumas que cansaba pero poco a poco se va por el despeñadero.

Calificación: Churrito

Cinecritica: Las Aventuras de Bo Peep

LAS AVENTURAS DE BO PEEP (TOY STORY 4: LAMP LIFE, EU, 2020)

Cuando un cortometraje dura siete minutos y volteas a ver la hora es que algo muy malo esta pasando, el problema con Pixar, y su secuelitis es que solo apelan a la nostalgia de su publico, sean mayores de treinta o cuarenta años o niños que se aventaron su filmografia en pocas semanas o incluso dias, los segundos apenas empezaran a diferenciar entre buen cine y el que no lo es, los primeros estan cegados por la nostalgia, en esto se han basado últimamente, si "Toy Story 4" gano inmerecidamente el oscar a mejor película animada no era porque no supiéramos todo lo que le paso a Bo Peep entre la dos y esta.

Una innecesaria cinta que por desgracia es peor que haberlo dejado a la imaginación, solo vemos a una Bo (voz de Annie Potts) quejándose porque le tocaron dos niñas pesadas y despues porque fue desechada, y finalmente llego a la aburrida tienda de antigüedades, no hay aventura, no hay emoción, vamos que ni siquiera hay historia, y cuando pensamos que quizá su escape sea emocionante la directora Valerie LaPointe sale con una salida tramposa, aburrida y facilona, técnicamente si es buena pero no deberíamos tener que conformarnos, ¿esta mal pedir algo mas?

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Kakurenbo

KAKURENBO (ÍDEM, JAPÓN, 2005)

En el inicio de la cinta una voz en off nos indica que el juego de las escondidas en Japón tiene una versión mas oscura, el Oto-ko-yo, donde los pequeños se atavían con kimonos y mascaras de zorros, los pequeños siguen las pistas y llegan a la entrada de la ciudad prohibida para jugar a las escondas ahi, siete niños y el colado, uno que quizá busca aunque nadie sabe bien a ciencia cierta que hace ahi, cuando los pequeños entran ahi son perseguidos por cuatro demonios que no se detendrán ante nada y que peor aun ¡son indestructibles! el director Shuhei Morita que también escribe el guion entrega una cinta que mas que ser una cinta de terror al uso causa una incomodidad que al final de la cinta entrega su verdadero mensaje.

El problema es que el cell shading por mas hermoso que se vea no parece la decisión correcta, la animación es hermosa y el diseño de personajes es bueno, espectacular por parte de los demonios, pero al ser una cinta del 2005 en Japón se nota que no contaba con la inversión necesaria por lo que la animación es lenta y tosca, no es fluida y eso afecta las escenas que de pronto se notan cortadas o fuera de ritmo, una lastima porque como apunte la historia no deja de ser interesante y mejor aun los diseños de los demonios donde ademas el director tiene los pantalones de cargarse a niños sin problema alguno, eso si, la mayoria de los niños son cliches y sus motivaciones para jugar no pasan de tener una emoción fuerte o demostrar ser valientes.

Lo mejor como ya anote son los demonios, desde ese sádico que carga un garrote para aplastar y los sigue desde el inicio, el poderoso león japones que aparece despues, los dos demonios enanos con carro perruno que son como la peste, y el que tiene muchos brazos y esta cuidando la verdadera ciudad, una que muestra su verdadero funcionamiento en un final escabroso con todo y aparición del quinto demonio, el zorro de nueve colas, y que no es otra cosa que la destrucción de la niñez y las tradiciones ancestrales por la vistosa tecnología, un miedo típico japones pero que debería ser de todo el mundo.

Calificación: Regular 

Cinecritica: Los Inquilinos

LOS INQUILINOS (THE LODGERS, IRLANDA, 2017)

Unos hermanos gemelos no idénticos viven en una casona, la casa real y emblemática Loftus Hall, a la que estan extrañamente cercanos, ya desde el inicio con Rachel (Charlotte Vega, todo un descubrimiento para un servidor) corriendo como alma que lleva el diablo para llegar antes de las doce en su casa pues se quedo dormida leyendo frente al lago sabemos que las cosas no estan bien, o por lo menos que son lo suficientemente extrañas para causarnos una aprehensi real, y esto solo se ve confirmado por el actuar de su hermano gemelo Edward (Bill Milner, bien) que le exige que pida perdón a una trampa en el suelo junto a las escaleras principales, los gemelos no idénticos tienen que cumplir tres reglas si es que quieren vivir con tranquilidad con los inquilinos del titulo, no llegar despues de las 12 de la noche ya que ellos toman la casa para si, no dejar que entren extraños y nunca alejarse el uno del otro, la ultima parece la mas sencilla pero conforme avance la cinta veremos que esconde un significado mucho mas macabro que un amor familiar.

Con una dirección pulcra de Brian O'Malley, un diseño de producción bellisimo de Joe Fallove, una fotografía hermosa de Richard Kendrick y la música (¡ese macabro tema principal!) del guionista David Turpin que también logra una buena historia, por mas que no sea innovadora es dolorosa y macabra, con algunos simbolismos que causan mas incomodidad que el típico susto fácil, los hermanos estan recluidos en la vieja casona, atrapados, prácticamente son sus rehenes, o por lo menos Rachel que sueña con ser libre a diferencia de su hermano que acata todas las ordenes vehementemente, quizá en parte por la cuestión de consumación que sucederá tarde o temprano, los chicos son unos apestados para el pueblo por la forma en la que viven y porque entendemos, mas de alguno intuye o sabe el oscuro secreto de la familia, es asi como los ignorantes pueblerinos son un peligro mas.

Y cada vez estan mas solos, no tienen dinero, ya no les fían y su abogado (David Bradley) los visita porque estan quebrados, en todo esto un militar mutilado regresa de la guerra (Eugene Simon) y Rachel siente una curiosidad nada sana por él que solo lograra la desesperación de su gemelo y la ira de los habitantes de la trampa donde el agua fluye hacia arriba, es cierto que gran parte de la cinta se construye un ambiente gótico melodramático que funciona, por desgracia el romance un poco soso baja el nivel de la cinta, uno que ya no recupera en su final surrealista, porque lo mas poderoso ya había sucedido, el clímax no era el terror de los inquilinos sino el secreto que intuíamos, ese que le da fuerza a la cinta porque nos recuerda que el mal habita en lo cercano a nosotros, la misma familia.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Historias de Fantasmas

HISTORIAS DE FANTASMAS (GHOST STORIES, INDIA, 2020)

Antología de terror conformada por cuatro historias de diferentes directores, con el plus de que son de una cultura muy diferente y nos entregan otra mirada, eso si, quizá para algunos represente lo contrario por el choque de culturas y les parezcan mas cansinas que otras antologías, para los que se animaron a verla lo que sigue es una cinta que aunque no es buena tampoco es totalmente desechable, la primera es de la directora Zoya Akhtar que nos presenta una típica historia de fantasmas al uso donde una enfermera (entregada Janhvi Kapoor) llega a cuidar a una enferma que apenas y se mueve, se ve obligada a limpiar sus desechos, bañarla y alimentarla mientras espera que su amado, un hombre casado que obviamente solo la usa para sexo, ni siquiera quiere visitarla, menos tener algo seria con ella, el ambiente esta bien cuidado y el final es lo sorpresivo que se espera, el problema es que toda la historia secundaria de ser la amante de un tipo no aporta nada y solo sirve para alargar.

La segunda historia de Anurag Kashyap es la mejor de la antología, una historia sobre una mujer embarazada (sorprendente Sobhita Dhulipala) que espera ansiosa a su primer bebe, pero debe cuidar a su sobrino (Zachary Braz), el hijo de su hermana que nos daremos cuenta pronto no solo quiere que ella funja como su mama ya que su padre dice que se parece mucho a la misma, sino que le tiene unos celos enfermizos al bebe por nacer, el pequeño diablillo parece tener poderes y esto en conjunto con los temores de la madre, la aborrecion de su marido hacia el sobrino y un extraño trauma/creencia la llevan a una espiral de temor y alucinaciones donde un demoníaco pájaro nos hará las delicias a los amantes del terror, la tercera de Dibakar Banerjee es la mas convencional de todas, una historia sobre un pobre diablo que llega a una aldea para ver porque los niños reprueban tanto y encontrarse con dos pequeños sobrevivientes de una calamidad.

Los de la ciudad devoran a los de la aldea, si los de la aldea aceptan devorar los consideran de los suyos, una obvia critica social al sistema indio de desaparecer las aldeas que antaño conformaban al país, la mas convencional y sencilla, aunque he de admitir que los monstruos estan bien diseñados y representados y el humor socarrero funciona, la ultima de Karan Johar es una extraña historia fantasmal a la usanza de los cuentos que van de boca en boca, sobre una mujer (bellisima Mrunal Thakur) que acepta casarse con un junior, viven en su casa y tuvieron una linda boda, el problema es que el tipo esta obsesionado con hablar con su abuela muerta, y todos en la familia ven esto normal, a tal grado que las decisiones de su matrimonio deben pasar por ella, frente a esto Ira no se queda tranquila pero quizá no todo sea imaginado o inventado, un corto muy sencillo con ambientación típica de Bollywood pero que mejora en su maquiavelico final, sobretodo en una epoca donde los ricos son vistos como bichos muy extraños. Como todas las antologías mantiene una calidad irregular en sus cortos, siendo el segundo el mejor y el tercero el mas flojo, aun asi no carecen de interés y todos tienen algunas virtudes, una oportunidad de ampliar nuestra cultura cinefila.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Fangio: El Hombre que Domaba las Maquinas

FANGIO: EL HOMBRE QUE DOMABA LAS MAQUINAS (ÍDEM, ARGENTINA, 2020)

En cierta entrevista presentada en la cinta Juan Manuel Fangio dice que se debe "intentar ser el mejor, pero nunca creerse el mejor", creo que esto representa lo que el legendario piloto logro en la historia de la Formula 1, de la conducción, y del mismo deporte, un tipo con clase y bien educado que nunca dejaba los modales de lado por mas que los que tuviera a su lado fueran rivales acérrimos, de hecho la mayoria son amigos, algo que es trasladado a las palabras de otros legendarios competidores como Sir Jackie Steward, Alain Prost, Mika Hakkinen y hasta el fallecido Ayrton Senna, un doloroso representante de lo peligroso que es este deporte y que lo era mucho mas en los años cincuenta cuando corrió Fangio, con una seguridad casi nula y unos circuitos que desafiaban la vida, en pocas palabras era mucho mas peligroso, menos técnico, con menos tecnología y seguridad pero corrido casi a la misma velocidad que en la actualidad.

El director Francisco Macri logra un documental muy ameno y siempre interesante donde se nos sueltan muchos datos pero con la suficiente carga emotiva para no cansarnos, de pronto se dice alguna anécdota, una linea de aprendizaje por la experiencia, o simplemente se sufre o se goza, todo esto montado con algunas entrevistas de archivo de Fangio que son de muy distintos años y epocas, las entrevistas a sus compañeros, mecánicos, equipo, rivales, amigos y hasta los admiradores que despues se convirtieron en pilotos, junto a esto una crónica ricamente documentada de su vida profesional, ya que la personal no se toca, desde que empezó como mecánico autodidacta hasta ser corredor de la formula uno y ganar cinco campeonatos con cuatro escuderias diferentes, Alfa Romeo, Maserati, Mercedes-Benz y Ferrari, algo impensable ya que la escuderia es mas importante que el piloto en este deporte.

Con muchas imágenes, vídeos y audios de archivos de las carreras y hasta de algunos accidentes, Fangio tuvo dos muy fuertes y dolorosos en su vida, todo esto se nos relata ademas de los incidentes y desavenencias que tuvo como las veces que corrió sin dormir o cuando en un viaje internacional llego tarde a la carrera y corrió de ultimo, ademas se muestran algunos datos del estudio de la universidad Sheffield donde por medio de algoritmos descubrieron que Fangio ha sido el mejor piloto existente, un buen documental, con muchísima información bien mostrada, con un ritmo fascinante y algunas entrevistas de gran valor, no merece menos un hombre humilde que sigue siendo el mejor de todos los tiempos.

Calificación: Interesante 

Cinecritica: Errementari: El Herrero y el Diablo

ERREMENTARI: EL HERRERO Y EL DIABLO (IDEM, ESPAÑA - FRANCIA, 2017)

Película a modo de fabula basada en un cuento vasco y en idioma Euskera lo que le suma mucho al ser el idioma original del cuento y aportar a esa atmósfera bien construida, con una historia y presentación a "The Storyteller" del legendario Jim Henson, y con un humor socarrón y mala leche que se mofa incluso de los que viven usando el nombre de Dios a su conveniencia, un tono tomado de Alex de la Iglesia, productor y padrino del director y guionista Paul Urkijo Alijo, tomando como base el antiguo cuento titulado de la misma manera Urkijo le da una una vuelta y lo hace mas grande, su ambición es mas grande pero es bien compensada en una narrativa muy ingeniosa, si bien el cuento original nos cuenta como el herrero engaña al diablo y hasta al mismo cielo esta película toma un tono mucho mas maduro y adulto y le sienta de maravilla.

Nunca dejando de ser imaginativo, con una atmósfera mas que lograda y una producción que aunque escasa en recursos es muy inteligente en como plantear los escenarios, los efectos especiales estan logrados por mas que algunos chirrían hay que decirlo, y por supuesto donde brilla es en el maquillaje que nos entrega personajes bien caracterizados y unos demonios que se sienten muy realistas y que nunca brincan a la vista, desde el prologo a modo de narración de abuelos que con una animación nos cuenta sobre este herrero que es mas malo que los demonios, y de inmediato brincamos a la guerra Carlista donde un tipo parece inmortal y asesina a sus verdugos acompañado de una extraña sombra, diez años despues este es un herrero ermitaño (Kandido Uranga, muy bien) al que todo mundo teme y sobre el que sobrevuelan varias tenebrosas leyendas, que si mato a su mujer, que hizo que se ahorcara porque la golpeaba, que es un asesino, que hizo un pacto con el mismo diablo, o que esconde un tesoro invaluable.

Todos estos chismes y habladurías no solo representan el pérfido estado de la sociedad sino que tendrán peso en la trama en su momento, el ultimo mencionado es el que pone todo a moverse, un pomposo enviado del gobierno, Ortiz (un maquiavelico Ortzi Acosta) busca el tesoro perdido en la guerra y moviliza a todo el pueblo, en tanto la detestada niña huérfana Usue (Uma Bracaglia, bien) termina en la casa del Herrero Patxi donde descubre a un niño enjaulado y torturado que no es lo que parece, en una historia oscura y critica a la sociedad, incluso al espíritu humano, como ese doloroso momento donde el sacerdote muestra su verdadero yo mucho peor que el del mediocre demonio Sartael (hilarante Eneko Sagardoy), y es que con tantas vueltas de tuerca y sorpresas, y una buena narrativa de personajes que los hace crecer y evolucionar no queda mas que rendirse, y ademas nos recuerda al mejor Alex de la Iglesia, a ese de "El Dia de la Bestia", cine en estado puro hecho con amor y que nos remite e a los cuentos de antaño que eran mas sencillos y mejor contados, y llenos de una valentía tremenda que abraza la cinta y tanta falta hace en el cine actual.

Calificación: Bien

Cinecritica: Guerra en el Aserradero

GUERRA EN EL ASERRADERO (LA TERRE ET LE SANG, FRANCIA - BÉLGICA, 2020)

Efectivo filme francés que va del thriller criminal hacia la accion mas pura y sucia, y por ende mas creíble y fuerte, del especialista en cine de accion Julien Lecrercq con guion del mismo y otras seis manos mas, aunque terminando de verla parecen demasiados guionistas para una historia mas bien sencilla pero no por ello simple, estamos ante la típica historia de mafiosos contra un padre de familia que por no perder lo unico que tiene otorga todo de si. Un grupo de maleantes ataca la comisaria de policía para recuperar la cocaína de su jefe, aunque lo cierto es que la quieren para ellos mismos, dinero rápido y fácil si nadie se entera, por supuesto esto es imposible porque no solo es una noticia que se propaga rápidamente sino que el hecho de matar a dos policías y las cámaras hacen que para el jefe de la mafia (Eriq Ebouaney adecuadamente temible) todo sea claro, y mas aun cuando alguien le cante lo que ocurrió.

Para estos momentos ya sabemos que el perpetrador le ha dado el carro con la droga a su hermano, un delincuente de poca monta que lo esconde en el aserradero de su jefe, el estoico Saïd (el actor fetiche del director Sami Bouajila) que descubre que sus días estan contados por una enfermedad y decide vender el negocio con tal de otorgarle un futuro a su hija sordomuda Sarah (Sofia Lesaffre, bien), por suerte en la venta Saïd descubre el vehículo y  aunque no le de oportunidad de hacer algo los delincuentes no lo pillan totalmente por sorpresa por lo que da batalla, en una parte final que brilla por lo bien filmada que esta y que recuerda mas a un western que al típico filme de accion.

De hecho esto es lo mejor de la cinta, estas escenas de accion que vienen precedidas por unas muy tensionantes de suspenso, la accion sucede inteligentemente, pausadamente, sin prisas, nadie sale como loco a disparar matando a diestra y siniestra, existe un sentimiento de estrategia que nos hace creer que lo vemos es real, y que cualquiera puede morir en cualquier momento, un detalle que nunca se traiciona, ni siquiera en bien logrado final. Una recomendable cinta que como mayor virtud tiene el abrazar los estereotipos para que nos resulte todo mas familiar y creíble (el jefe valorando mas a su raza que a los musulmanes franceses) y que tiene un clímax muy bien logrado, ya quisiéramos que la mitad de las cintas de hollywood le otorgaran esta profesionalidad y narrativa a sus escenas de accion y clímax, y ademas en un paquete de menos de hora y media.

Calificación: Vale la Pena