19/3/20

Cinecritica: El Hombre Invisible

EL HOMBRE INVISIBLE (THE INVISIBLE MAN, AUSTRALIA - EU, 2020)
Una mujer esta acostada con los ojos muy abiertos y se quita de encima la mano del hombre con quien duerme a quien ha drogado y que ademas le tiene un terror bestial, esto no lo sabemos con dialogo sino por la grandiosa puesta en escena de un ascendente Leigh Whannell, el colaborador habitual de James Wan, guionista de algunas cintas de la saga "Saw" y de la saga "Insidius" ademas de debutar con la tercera parte en la dirección, pero de esa película blanda y mala a esta tenemos un abismo de talento, Whannell filma con clase y seguridad, y nos regala grandes momentos como este inicio con los detalles ya mencionados, las cámaras, el plato del perro Zeus, y hasta una inoportuna alarma que termina en una carrera donde en unos segundos reafirmamos lo que temíamos, Cecilia (majestuosa Elizabeth Moss) es alcanzada por un segundo por su perseguidor y con eso entendemos todo, por ello lo que viene despues con ella escondida en casa de un amigo policía sin poder salir a la calle ya que cualquier situacion y persona la alteran es entendible.

O por lo menos es asi hasta que su hermana (Harriet Dyer, bien) le informa que su marido se suicido y que ya no tiene nada que temer, Cecilia se resiste a creerlo pero al final tiene que aceptar que ya puede empezar a dejar su pasado atrás y con todo y fortuna heredara de su marido, un genio de la óptica y multimillonario que había convertido su vida en un infierno manipulando su forma de vestir, actuar y hasta pensar, golpeándola y abusando de ella un día si y el otro también, pero algo no deja a Cecilia tranquila, mas adelante ella soltara un dialogo clave que explica su sentir, pero también para nosotros es obvio, despues de todo la cinta es sobre el hombre invisible y el marido de Cecilia es un genio óptico, atando cabos sabemos lo que pasara y no tarda en llegar que la vida de Cecilia se convierte de nuevo en un infierno, su cordura queda en entredicho con todos ya que ella y solo ella piensa que el tipo la acosa y la tortura siendo invisible.

Por supuesto aqui es donde el guion de Whannell muestra sus mas obvios simbolismos, nadie le cree a la mujer, ni su unico familiar, ni su amigo, menos la chica que solo se lleva bien con ella porque le paga la universidad y por supuesto no la policía que solo ve a una mujer histérica que no puede dejar atrás el pasado, justo como sucede en algunos, varios, muchos casos de la vida real con maridos y hombres abusivos que son un ejemplo para la sociedad, eso es justamente Adrian (Oliver Jackson-Cohen), un genio encantador y bien parecido que debajo de una fachada amable esconde un sociopata narcisista que se cree merecedor de todo y de todos, por ello mismo lo unico que no cede ante él es lo unico que desea al punto de obsesionarse y pasar todo el tiempo torturando a su mujer, tomándole fotos dormida, pisando una sabana, quemando un desayuno, saboteando su entrevista, drogandola y finalmente dándole donde mas le duele apartándola y aislándola para tomar lo que mas quiere.

Justo eso es lo mejor de la cinta, el terror psicológico y la ansiedad que nos causa un tipo revanchista y egocéntrico que justo no puede dejar a una mujer en paz porque ella no lo necesita, mostrado con los encuadres para dos personas donde no se ve nada, la cámara tomando un lugar vació donde suponemos esta el psicópata, y las múltiples formas de tortura que llegan a un clímax inusitado, y la banda sonora sigue brillando, como también lo hace ese tercer acto donde la cinta abandona la cautela y se destrampa de forma tal que no podemos creer lo que vemos y por supuesto ese acto final donde la venganza llega a su máximo mostrándonos una mujer fuerte, independiente (¡por fin!) y empoderada, pero ¿a que precio? la miramos, la admiramos y le tememos porque se convirtió en algo mas parecido a lo que odiaba.

Calificación: Muy Bien

17/3/20

Cinecritica: En la Hierba Alta

EN LA HIERBA ALTA (IN THE TALL GRASS, EU, 2019)
Otra adaptación de una historia de Stephen King por parte de Netflix, esta vez una historia del maestro del terror co-escrita con su hijo Joe Hill, y desde este humilde asiente la cinta me parece la mejor de las adaptaciones del escritor que tiene la plataforma, mucho tiene que ver que el director y guionista sea Vincenzo Natali que regresa a lo que ama, el cine, y en especial el cine laberíntico y ambiguo, desde el inicio la cinta nos muestra sus cartas, dos hermanos estan viajando por la carretera, Becky (Laysla de Oliveira) una chica embarazada y su hermano/perrito faldero Cal (Avery Whitted), cuando se detienen escuchan la voz de un niño pidiendo ayuda desde la hierba alta, cuando entran no solo no encuentran al pequeño ni a su madre sino que ya no pueden salir de ahi y ni siquiera encontrarse, muy pronto nos damos cuenta de que la hierba hace lo que quiere, traslada a todos al punto que desea, manipula el tiempo y el espacio y por ende se crean diferentes versiones de los protagonistas que pueden converger extrañamente en el mismo momento.

Tobin (Will Buie Jr.) es el pequeño que se supone seria rescatado pero termina siendo el que da la información clave a los hermanos para intentar salvarlos de su padre Ross (Patrick Wilson, el mejor de la cinta por mucho) que se encuentra bajo la influencia de la Roca, un extraño monumento que se encuentra en el centro del laberinto creado por la hierba y que entendemos es el causante de todo, una especie de ente/poder ancestral que tergiversa y manipula todo lo que sucede en el territorio que controla, vemos a los protagonistas luchar y sufrir tratando de escapar de este infierno inteligentemente retratado por Natali y con una fuerza descomunal como villano, y por supuesto a un Wilson divirtiéndose de lo lindo, por ahi hay algunas escenas fuertes, violentas, con mucho suspenso, y algunas tan terroríficas como un feto siendo devorado.

El problema es que cuando entra en escena Travis (Harrison Gilbertson) la cosa empieza a perder la lógica, y no me refiero a las diferencias de los saltos temporales o demas sino a que algunas versiones de los personajes desaparecen convenientemente y hacia el final la cinta peca de un final edulcorado que no cuadra y que ademas rompe la lógica que nos ha vendido, una lastima porque hasta los tramos finales Natali nos había entregado una buena cinta que solo tenia como defecto un abuso de ciertos efectos especiales donde no los necesitaba, aun asi es una interesante cinta que nos retrata un terror mas parecido a maestros como Lovecraft que al mismo King y eso se agradece aunque al final se decante por el estilo King en ese final pensado en hacer sentir bien al espectador aunque tengo entendido que esta vez el error no viene en la historia original por lo que es un pecado de Natali, ¿quizá de la misma Netflix que no quería un final oscuro?

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: El Juego de Gerald

EL JUEGO DE GERALD (GERALD'S GAME, EU, 2017)
Desde el inicio supuse hacia donde iba esta cinta de Netflix basada en el libro del maestro del terror sospechosamente prolífico Stephen King, y es que el director Mike Flanagan mas que terror es director de dramas, o por lo menos dramas de terror, o eso es lo que me ha tocado ver de él en las cintas que me ha tocado visionar y esta vez no es la excepcion, un matrimonio con algunos años encima van se toman unos días en una cabaña lejos de la civilización para tratar de salvar su matrimonio con un juego en el que la mujer es esposada como un fetiche para el marido, es decir el seguro abogado Gerald (Bruce Greenwood) imponiéndose a la sumisa Jessie (Carla Gugino cargando la cinta sobre sus hombros y saliendo avante), en cierto momento al tipo le empieza a dar un infarto por culpa de la pastillita azul y cierto empujón de su esposa terminan el trabajo.

Asi Jessie queda esposada a la cama, sin nadie cerca, en un lugar solitario y sin posibilidad de que alguien venga, y lo que es peor, con la puerta abierta que aprovecha el "Cujo" de turno para empezar a comer el cadáver de su marido y quizá despues a ella misma, por lo que su mente comienza a divagar y ella a enloquecer, hablando con su propia versión de Gerald que aqui si es franco y ventila todos los problemas del matrimonio, una versión luchona de ella misma, y empieza a recordar el pasado mientras el hambre y la sed comienzan a pasar factura, es asi que tenemos dos cintas, una de supervivencia donde la mujer hace hasta lo imposible por un sorbo de agua, donde el perro es un peligro latente y donde un tal Moonlight Man (Carel Struycken) se le presenta como presagio de la muerte misma y donde no sabemos si lo imagina o es real.

La otra parte es la dramática, su pasado traumatico, donde conocemos al bastardo de su padre y como ella repite el ciclo porque en realidad nunca supero lo que sucedió durante ese eclipse rojo y lo que representan las esposas, el problema es que esta parte toma demasiada importancia y se alarga en demasía lo cual resulta cansino porque desde que no quería ponerse las esposas supuse que era por algún trauma de su niñez y ya esperando esto solo quedaba como lo presentaban y Flanagan lo presentan de la forma mas convencional posible, eso si, al parecer es muy fiel al libro, y lo creo porque ese final alargado donde el clímax queda muy atrás y seguimos viendo la vida de la protagonista y hasta una revelación ya tardía e innecesaria y ese enfrentamiento donde ya miramos la hora, una lastima porque tiene buenos momentos, buenas cosas y una Carla Gugino fenomenal y guapísima.

Calificación: Palomera 

12/3/20

Cinecritica: Los Dos Papas

LOS DOS PAPAS (THE TWO POPES, REINO UNIDO - EU - ITALIA, 2019)
La cinta del internacionalizado Fernando Meirelles comienza de buena manera con un conflicto dentro del vaticano tras la muerte del popular Juan Pablo II, es decir los conservadores con los liberales, ¿o progresistas?, unos representados por Joseph Aloisius Ratzinger (Anthony Hopkins haciendo suya la cinta) y los demas por varios pero en especial por Jorge Mario Bergoglio (Jonathan Pryce, bien) que termino siendo el unico que le dio batalla al cardenal aleman que era la mano derecha y la parte pensante y filosofica del papa anterior, asi despues de que Ratzinger se convirtiera en Benedicto XVI pareciera que veremos una historia de conflicto, traiciones y política sucia pero en lugar de eso vemos a Bergoglio siendo amado por todos en Argentina mientras pide su renuncia al papa en turno que esta hasta el cuello de problemas por culpa de la corrupción descubierta por un filtrador y los inacabables problemas de pedofilia.

Ratzinger le pide a Bergoglio que vaya a visitarlo y aunque este desea hablar de su renuncia el primero evade el tema y discute y debate con este sobre temas que le interesan, su postura sobre la homosexualidad, la pedofilia, el aborto, el celibato de los sacerdotes, la comunión de los excomulgados, y un largo etc., así mientras vemos como los dos pelean con agudeza también somos testigos de la vida de Bergoglio en flashbacks desde que era un niño hasta como líder de los jesuitas y su misteriosa relación con la dictadura argentina, y aunque es un deleite ver a estos dos actores en un duelo actoral, y en especial a Hopkins, la verdad es que la cinta va perdiendo el poco filo que mostró en cierto momento y termina siendo una historia que en lugar de enfrentar y poner sobre la mesa los problemas de la iglesia católica termina librando de culpa a los dos papas del titulo, a uno de sus equivocaciones "sin mala intención" de la dictadura y a otro de los casos de pedofilia aunque el mencionado ni siquiera le correspondió a él.

La cinta es demasiado amable y se siente poco sincera, ademas Meirelles graba casi en modo tele-filme y las pocas veces que se atreve a mostrar un simbolismo o algo asi termina dando pena ajena, eso si, acepto que las locaciones son hermosas, y aunque al inicio me preguntaba como consiguieron el permiso de grabar ahi la duda se despejo muy pronto porque es obvio que la cinta es un panfleto del nuevo papa Francisco ya que no solo libera de culpa a este por sus delitos pasados sino que lo presenta humano y cercano a la gente, con esa falsa humildad que Ratzinger solo menciona en una ocasión, de lo mejor de la cinta junto a esa linea de que Bergoglio no es Dios sino una persona, algo que el argentino no parece entender del todo, y por supuesto ese Franciscanismo de Meirelles que ademas nos presenta a Ratzinger como alguien hambriento del poder primero, y luego demasiado débil para sostenerlo, junto a detalles de corrupción, falta de humildad, problemas para entender a la persona común, y una arrogancia que no parece creíble, eso si, Hopkins es tan buen actor que termina ganando la partida y su papa Benedicto nos gusta mas, termina siendo mas carismático y sincero y hasta uno se divierte cuando ven la final del mundial juntos porque sabe que el pobre anciano despreciado e incomprendido por lo menos le ganara una al ahora papa Francisco.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Judy

JUDY (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)
He leído y escuchado en todas las criticas que Renée Zellweger imita de manera magnifica los ademas. posturas y gestos de la leyenda Judy Garland, y lo ven como un gran logro digno de que gane todos los premios habidos y por haber, pero me pregunto ¿la actuación es igual a imitación? como un loro que aprende a hablar por repetición a Zellweger como al Freddie Mercury de Rami Malek y muchos mas actores de biopic, la mayoria premiados, les basta con copiar y repetir gestos, ademanes y tics cuando la actuación va mucho mas alla, y no tiene que ver con esos detalles o el parecido físico sino a poder mostrar el alma de la persona representada y que la veamos como a ella misma, no que digamos "ha mira tiene el mismo tic", en fin es lo que hay en este nuevo mundo de cinefilos que tan confundidos parecen estar y hasta uno mismo se contagia de esas malas costumbres, la prueba esta en esa malograda actuación de Malek en "Bohemian Rhapsody".

Todo esto viene a colación porque lo mas llamativo de la película de Rupert Goold es justamente la actuación de la reaparecida Zellweger que principalmente intenta copiar ademas y posturas de la gran Judy Garland, pero todo el asunto termina siendo caricaturesco, sobre todo cuando la actriz saca a la luz sus conocidos gestos y ademanes característicos, aunque para ser sincero Zellweger esta muy por encima del mencionado ganador del oscar, por lo menos ella en ciertos momentos si parece conectar con la actriz (y ella si es la que canta y aunque no es Garland no lo hace nada mal) y deja de mostrar maniqueísmos para entregar una actuación real donde pareciera que estamos viendo a la persona en cuestión, el problema es que no es todo el tiempo y sumado a una cinta que parece no ir a ningún lado y que apunta a muy poco apenas contándonos las ultimas semanas de Garland, la verdad es que desilusiona.

Judy (la mencionada Zellweger) esta en quiebra y apenas sobrevive gracias a su fama y pequeñas apariciones donde siempre lleva a sus pequeños, con su ex a punto de quitarle la custodia decide hacer unas presentaciones en Inglaterra donde todavía la quieren y aclaman y ganaría mucho dinero en poco tiempo, el problema es que para Judy no sera sencillo pues las drogas, el alcoholismo, la ansiedad, los fantasmas de su pasado (mostrados en flashbacks con una joven Judy (Darci Shaw) en medio de la grabación del "Mago de Oz") y los problemas de maridos mantenidos no la dejaran jamas, tanto asi que la mujer termina sencillamente derrotada aunque para nosotros ha resultado tan frió y distante el recorrido que no nos importa mucho, pero Garland es Garland y solo esa escena final con el publico que la abuchea, la ovaciona, la odia y la ama se entrega a ella por un momento y la ayudan a cantar "Somewhere Over the Rainbow" cuando ella se quebra no queda mas que rendirnos a la cinta, o mejor dicho rendirnos ante el talento y la imagen que tenemos de la maravillosa actriz y cantante.

Calificación: Palomera

10/3/20

Cinecritica: El Faro

EL FARO (THE LIGHTHOUSE, EU - CANADA - BRASIL, 2019)
El cojo marinero Thomas Wake (Willem Dafoe, sobre-actuado) y el joven ex-leñador Ephraim Winslow (un desatado Robert Pattinson) llegan a una isla de nueva Inglaterra donde se verán obligados a pasar cuatro semanas cuidando el faro hasta el siguiente cambio de turno, ahi se supone que los dos se turnaran el cuidado del faro pero de forma imponente el viejo lobo de mar Thomas se apodera del mismo y le deja todas las actividades cansinas y pesadas a Ephraim que las hace de no tan buena gana, asi el tipo se pone a fregar pisos, limpiar cisternas, palear carbón y un larguísimo etc. que parece no tener fin, en tanto el viejo pedorro solo se la pasa en la noche en la luz del mismo faro y duerme el resto del día, solo levantándose al anochecer para comer y ponerse una buena borrachera, y aunque al inicio el chico se niega a caer en las garras del alcohol poco a poco cederá ante el viejo y también ante sus instintos mas básicos.

Masturbación, sueños de sirenas, alucinaciones que no van a ningún lado, Ephraim poco a poco perderá la noción de la realidad mientras se emborracha con el anciano y este lo increpe y le diga cosas contradictorias todo el tiempo, tanto asi que nosotros mismo terminaremos confundidos y sin saber que creer, por ahi se asoman cientos de simbolismos, que las gaviotas como guías de las almas de los marineros, que el faro casi como un anhelado símbolo falico, la tormenta como demostración de locura y estar ahogado en alcohol, y por supuesto la preciosa fotografía que nos remonta al impresionismo alemán con un sonido donde cada crujido y graznido se sienten en lo mas profundo de nuestro ser, y dos actores que dan todo de si aunque se sobreactuan causando tanto terror como humor mala leche, que supongo que era la intención del director y guionista Robert Eggers.

El problema es que si dejamos de lado los planos casi perfectos y los logros técnicos y artísticos de la cinta la verdad no tiene tanto que ofrecer, una historia sin pies ni cabeza que termina siendo cansina por lo repetitivo del asunto, desde muy temprano suponemos que el protagonista cederá a la locura, y solo se reitera en el asunto con larguísimos monólogos de Dafoe y un Ephraim que esta tan o mas confundido que nosotros, sobre las teorías que yacen en la cinta si bien es verdad que son muchas y variadas y que quizá ninguna de ellas sea, la mas obvia me parece la de Proteo y Prometeo, una simple burla de Eggers a la naturaleza humana y como esta es tan frágil y detestable como el mar mismo, por ello mismo los dos terminan siendo Thomas ya que Proteo es una muestra del subconsciente de uno mismo, es decir vemos a la misma persona en dos representaciones distintas con todo y el final de Prometeo, por ahi lei que quiza esta en el purgatorio y la luz es la sabiduría o salvación que desea (como el fuego de sabiduria de Prometeo) la cual también encaja con la cinta y algunas mas pero decido quedarme con la burlona, despues de todo si no la entiendo asi y pienso que Eggers se tomo la cinta muy en serio seria una muy grande desilusión despues de haber entregado una obra mayor como "The Witch" y ahora este pastiche, hermoso claro, pero sin un rumbo claro.

Calificación: Palomera

8/3/20

Cinecritica: El Arte de la Autodefensa

EL ARTE DE DEFENDERSE (THE ART OF SELF-DEFENSE, EU, 2019)
Casey Davies (Jesse Eisenberg, extraordinario) es un solitario perdedor a mediados de sus treinta, es un perdedor tanto en su trabajo como en su casa donde hasta su mimado perro salchicha parece imponerse, es asi como tiene que salir de noche a comprarle comida y apenas despues de que un grupo de motociclistas le pregunten si tiene arma sera atacado despiadadamente al parecer solo porque si, al salir de terapia intensiva el tipo comienza a tener un verdadero pavor a salir fuera y a la noche por lo que decide por fin tomar cartas en el asunto y poder defenderse, su primera opción es comprar un arma pero termina llegando por casualidad a un dojo donde el Sensei (Alessandro Nivola, impresionante) es el típico macho alfa y termina despertando la curiosidad en el pobre protagonista que decide inscribirse para probar y que termina genuinamente seducido por lo que puede darle el karate, ademas de que el maestro se ha tomado el reto de convertirlo en todo un macho, o mejor dicho en sacar el hombre que existe dentro de él.

Claro que como notamos desde el principio este dojo no es uno normal, las normas de poder que promueve y los valores o mejor dicho anti-valores que se dan son todo lo opuesto a lo que enseñan en las artes marciales, su maestro se toma como algo personal llevar a Casey a tomar confianza, a cambiar su forma de vida y hasta darle consejos cual padre adoptivo, esto es muy importante ya que forman parte básica de los muchos mensajes y simbolismos de la cinta, ya despues la situacion comienza a cambiar de una sátira de un humor negrisimo a un extraño thriller y terminar en una parodia donde no se respeta nada ni nadie y que por eso mismo resulta tan increíble, con un final sorpresivo a forma de gag que da paso a una oscuridad perpetua por parte de nuestro extraño protagonista que finalmente tuvo una evolución loable y creíble durante el extraño viaje y logro su propósito, es decir convertirse en aquello que teme, o por lo menos en parte y quizá forma mas pensante y por ello mas escalofriante.

El director Riley Stearns que también nos firma el guion logra una película extraña y estrambotica que siempre cambia de piel y nos sorprende constantemente, nunca sabemos adonde va la cinta como tampoco lo sabemos con nuestros personajes, que eso si, nunca toman decisiones raras o contradictorias, o por lo menos que no se sientan orgánicas y naturales con su actuar y pensar, la cinta en primer lugar cuenta la historia de un pobre diablo que encuentra su lugar en el mundo, volveré a esto en el final, por otro lado es una rigurosa sátira de la hombría, del machismo, de todas esas formas y el actuar de los hombres o por lo menos lo que suponemos admirable, es decir el Sensei es un tipo misogino, imponente, violento, manipulador, controlador, pero también es carismático, atractivo y todo lo que siempre se nos dice que es lo que debe ser un macho alfa, detesta a las mujeres, aunque estas lo amen y odien al mismo tiempo como Anna (fantastica Imogen Poots) suelta frases misoginas por aqui y por alla, y por supuesto todos le siguen, los que lo siguen anhelan ser como él y la sátira esta ahi en todo momento, ya sea por los sobrios comentarios fuera de lugar, por la realidad tergiversada y por supuesto por los simbolismos como esas cintas como símbolo falico de poder.

Es obvio que Stearns también esta muy interesado en mostrar como funcionan las sectas, la manera en como Casey es acorralado de alguna forma para entrar en el dojo, el líder que tiene la verdad absoluta, el poder sobre los demas y la única opción de decisión, todos los que le siguen que solo esperan tener una valoración positiva del líder, en este caso el Sensei con sus cintas de colores, y por supuesto las cadenas de poder que existen en las sectas que aqui se ven hasta en el lugar que te sientas, y el personaje de Casey es la victima perfecta, un perdedor sin amigos que solo pasa su vida viendo televisión y alimentando a su perro, al que solo le habla su jefe en el trabajo y que queda todavía mas desprotegido al ser atacado, en cambio en el dojo, tiene amigos, compañeros, alguien a quien admira, una meta, se siente parte de un grupo sin importar que pierda la identidad propia, y bueno despues de reírnos de tonterías machistas como hacer sentadillas y carcajearnos con inobjetables comentarios misoginos solo podemos asustarnos de lo que esconden las sectas y finalmente maravillarnos porque el protagonista se ha convertido en algo que no era, no en un villano pero Stearns se da el lujo de decirnos que un poco de todo no es malo y al abrazar este tono grisáceo el final es todavía mas perturbador.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Jojo Rabbit

JOJO RABBIT (IDEM, NUEVA ZELANDA, REPUBLICA CHECA, EU, 2019)
Jojo Betzler (el descubrimiento Roman Griffith Davis) se pone su uniforme de la juventud hitleriana, se acomoda la gorra, sus zapatos y se ve al espejo con inseguridad, a lo que el mismísimo Adolf Hitler (el también director y guionista Taika Waititi) le alienta que se ve magnifico y que sera un gran dia, por lo que el niño sale cargado de energía saludando efusivamente a todos los que se topa en la calle, este tipo de fanatismo ciego en los pequeños y los alemanes es algo que Waititi refuerza con el montaje de esa versión alemana de "I Wanna Hold your Hand" de The Beatles, por lo que entendemos que ese amigo imaginario que tiene Jojo asi como su entusiasmo por el campo de entrenamiento se deben solo a la desinformación y la poderosa maquinaria mercadotécnica de adoctrinamiento, es decir desde el inicio entendemos que Jojo no es un niño con malos sentimientos, solo esta confundido, desinformado y solo, al igual que muchos otros pequeños, mención especial al entrañable Yorki (adorable Alfie Allen) y eso se nota en su infantil y bufonesco Hitler ideado por su cabeza.

La cinta que ha construido Waititi solo puede describirse como adorable, un compendio de dulzura de un pequeño que parece no mataría una sola mosca y que aun asi se encuentra arrastrado por un torbellino de violencia y destrucción, indiferentemente de cual sea la postura del dictador sobre la segunda guerra mundial y Hitler la cinta funciona en la comedia y deja una sensación de alegría al final con todo y lo agridulce del asunto, lo que si es verdad es que la cinta va perdiendo filo conforme avanza, comienza siendo una locura irreverente donde Jojo va al campamento donde un hilarante Capitán venido a menos (Sam Rockwell, impresionante), y una rubia gorda desternillante (la siempre bienvenida Rebel Wilson) nos sacan carcajadas al por mayor, con los accidentes de cuchillos, los bobos ejercicios, las políticas machistas y hasta una alucinación fascinante de Jojo que lo lleva a tener un accidente.

El problema es que despues de esto la cinta da un tremendo bajón cuando se rebele un personaje mas que es escondido por la rebelde madre de Jojo (Scarlet Johansson, bien), la judía Elsa (la hermosa Thomasin McKenzie) que no solo se enfrenta a Jojo sino que demuestra una fortaleza no acorde a su edad, de aqui la historia va por derroteros mas conocidos y menos arriesgados, dejamos la locura y la hilarancia de reirnos de los nazis al obvio melodrama que sabemos donde terminara,con todo y cambio de tono en la fotografía y el soundtrack,  lo que no se puede negar es que Waititi logra algunas muy buenas escenas como la llegada de la SS a la casa, o las tensantes cenas de Jojo con su madre, pero algunas otras son reiterativas, de cualquier forma al final la situacion se compone un poco con algunos aliados sorpresivos, una dolorosa imagen de unos zapatos y por supuesto ese final donde se ve a los civiles alemanes, ancianos, mujeres y niños, defender la ciudad ante la inmisericorde llegada de los americanos cuando la guerra ya estaba perdida.

Vamos que solo por estas escenas, por estos momentos, de las personajes peleando para salvar la vida de sus hijos o de los pequeños protegiendo a sus familias y a si mismos la cinta tiene un valor que la rescata, es decir es de las pocas cintas que nos muestran como los alemanes fueron masacrados sin piedad y sin oportunidad como represaría sin sentido, creo que esta no era la intención del director pero asi quedo el final y quizá por ello la cinta levanto tantas infulas, una cinta que se atreve a victimizar y vanagloriar a los alemanes ademas de humanizarlos va en contra de lo que a uno le enseñan en sociedad, cinta quebrada pero que vale la pena revisar, y frente a lo visto y vivido solo nos queda bailar y que mejor que al ritmo del maestro Bowie.

Calificación: Bien

5/3/20

Cinecritica: 1917

1917 (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)
Un soldado (esforzadisimo George Mackay) esta tumbado junto a un árbol descansando de una de las guerras mas cruentas de la humanidad, la primera guerra mundial o gran guerra, junto a el esta su compañero Lance Blake (Dean-Charles Chapman, bien) y cuando apenas los estamos conociendo les llega la orden de ir con el general quien les dará una misión crucial, informar a las lineas aliadas que estan mas adelante de que detengan el ataque ya que la inteligencia descubrió que los alemanes se repliegan como señuelo, si no detienen el ataque miles de jóvenes soldados morirán y entre ellos se encuentra el mismo hermano de Blake, Joseph (Richard Madden), es asi como la pareja se enfrasca en una empresa que parece imposible donde tendrán que sortear territorio enemigo, alambre de púas, bombas, trincheras enemigas y propias, laberínticos túneles, una ciudad destruida y hasta ríos sin descanso ya que es una carrera contra el tiempo.

Con esta sencilla premisa el director y escritor Sam Mendes (basado en las memorias de su propio abuelo) vuelve a entregar una obra de calidad, mas que por la historia misma por la gran dirección y en especial de una fotografía de Roger Deakins que casi alcanza la perfección, con luce natural, hermosos filtros, y una cámara que siempre debe estar donde debe, y lo mas impresionante de todo y lo que todos comentan, la manera en que esta filmada y mostrada de forma que parece ser una toma única, y solo con dos o tres cortes notorios y que logran que uno se sienta completamente inmerso en la película, como si fuéramos el tercer pobre diablo que los acompaña en esa misión suicida, y como lo mas importante es el tiempo esta decisión es mas que correcta y satisfactoria, el reloj nos persigue sin parar y el ambiente no nos da ningún respiro, le sumamos unas locaciones asombrosas, manejo de tiempos y extras sensacionales, un conocimiento del espacio perfecto, efectos prácticos y especiales que nos convencen de que estamos ahi y tenemos una experiencia asombrosa.

El problema es que despues de la premisa no hay mucha mas historia, todo se trata de ir del punto A al punto B sin que suceda nada mas que las dificultades que se topan en el transcurso, y esto no es algo malo, de hecho Mendes logra mantener la tensión en todo momento pero nunca conocemos a nuestros protagonistas por lo que no nos sentimos identificados con ellos y solo tenemos un poco de empatia sin que nos despierten gran cosa, y esto se va haciendo grande conforme avance la cinta, cada mas mas técnicamente deslumbrante pero emocionalmente distante,  pero se le agradece a Mendes que no villanice a los alemanes, aunque para ser franco la cinta vaya que vale la pena, tanto asi que en todo momento me tuvo pegado a la pantalla, verla en pantalla grande es una experiencia fenomenal, y con algunos brincos en ciertos momentos puntuales y algunos chascos como esa chica con el bebe y una casualidad de pena ajena.

Antes apunte que la cinta es fría, y si lo es, pero al final cuando tenemos esos cánticos y el clímax por fin empezamos a sentir verdadera emoción, de esa heroica de los viejos tiempos que se ve engrandecida por un pequeño gesto corporal, de objetos, de lineas entre dos personajes que por fin nos entregan lo que necesitamos, una emoción y dramatismo que hace que nos desahoguemos y que contemplemos agradecidos una repetición de lo que vimos en el inicio, quizá la calma antes de la inevitable tormenta y la única forma de soportarla, la memoria de nuestros seres queridos.

Calificación: Bastante Bien

18/2/20

Cinecritica: El Caso de Richard Jewell

EL CASO DE RICHARD JEWELL (RICHARD JEWELL, EU, 2019)
En cierto momento de la cinta el abogado con corazón Watson Bryan (Sam Rockwell, muy bien) le dice a su cliente, el gordo bobalicón del titulo, el tal Richard Jewell (Paul Walter Hauser, en una perfecta elección de casting) que no abra la boca, que solo él puede hablar y que Richard se quedara callado sin decir ni hacer nada, para estos momentos ya sabemos como lo sabe también Watson que esto es imposible, cuando la policía llega a allanar la casa del sospechoso Richard no solo les ayuda y les da ideas repitiendo que los comprende ya que también es policía y que entiende que solo hacen su trabajo sino que dice ciertas lineas e ideas que solo lo hunden mas y mas, como apunte antes para este entonces este comportamiento no nos parece raro aunque si exasperante, mas que nada porque sabemos que Richard es un buen hombre, un americano con moral y ética intachable, buenazo, patriota, dedicado, profesional en su trabajo pero también es ignorante, ingenuo y demasiado quisquilloso en su trabajo lo que lo convierte en la presa ideal de la prensa y el gobierno.

Aunque para ser francos de no ser por lo quisquilloso e incluso paranoico que es no habría sospechado de una mochila que termino siendo una bomba puerta en los juegos olímpicos de Atlanta y que hubiera causado mucho mas daño de no ser detectado por este. Richard nos es presentando como un personaje ingenuo, incluso un poco bobalicón como indique antes pero con buenos sentimientos que hace migas con un abogado jugando videojuegos mientras sueña dejar la guardia de seguridad para convertirse en policía, en los juegos olímpicos Richard consigue empleo como guardia despues de fallar en un empleo policíaco y aunque añora ser policía de nuevo realiza su trabajo respetuosa y profesionalmente, tanto asi que va enfermo a trabajar y salva a muchísimas personas cuando descubre una bomba en una extraña mochila despues de algunas falsas alarmas que mando el hombre de días anteriores.

Para este momento vemos a Richard tener una fama y respeto que nunca había conocido pero que disfruta mas su madre que él aunque pareciera entender que por ahi esta su oportunidad de crecer profesionalmente, hasta que los medios inescrupulosos y liberales extiendan sus garras hacia él y lo tiren a los buitres de los medios informativos que solo buscan la nota y el rating y las masas que son manipuladas por ellos, en tanto el FBI solo busca un chivo expiatorio para mantener la tranquilidad de los civiles y el nombre en el extranjero y no hay nada mejor que usar a un tipo que tiene todo el perfil de un terrorista, ignorante, pobre, solitario, frustrado profesionalmente, sin pareja, sin amigos, que vive con su madre, que ha tenido problemas con sus jefes en trabajos anteriores y que gusta de las armas.

Como el traje de héroe le quedaba mal lo prefieren de villano y rápidamente lo estigmatizan, es asi como Richard Jewell se convierte en la victima perfecta del gobierno estadounidense y los medios que tienen tanto poder en ese país y en prácticamente todos los demas, las investigaciones, los interrogatorios, la persecución, todo se ve y se entiende como una excusa, una presión, una forma de destruir al pobre tipo cuyo unico defecto es no ser un modelo liberal, pero es aquí cuando el director Clint Eastwood dirigiendo con un clasicismo y una maestría encomiables saca a relucir su forma de pensar, no importa si tu pensamiento es conservador o liberal en cierto momento pensaras y casi gritaras a la pantalla, a esa rapaz periodista Kathy Scruggs (entregada Olivia Wilde) y a ese detestable agente Tom Shaw (Jon Hamm, bien) que dejen en paz al pobre de Richard, y en mi caso incluso al nefasto Bill Clinton que nos es presentando en imágenes televisivas y que se entiende o por lo menos eso da a entender la cinta, que es parte de esta mentira, una que hace romperse a la tranquila madre de Richard, Bobi (Kathy Bates, perfecta) en un gesto que hace que todos los que tenemos madre o abuela nos rompamos también.

Escribí que en cierto momento casi quise gritarle a la mentira que es Clinton y es justamente eso lo que molesta a los críticos de Eastwood, es cierto que la cinta tiene una obvia tendencia republicana echando sal a las heridas de los medios liberales y atacando las débiles organizaciones gubernamentales pero mas aun ¿no sera la reinvindicacion de un héroe común? del ciudadano común norteamericano que no tiene poses o comportamientos de héroe sino que simplemente sale día a día a hacer su trabajo con profesionalidad y seriedad, de esos que forman la norteamerica de antaño y que parecen anacrónicos en la actualidad, esos tipos que sueñan con servir a su pais y sus ciudadanos y solo son tratados como dinosaurios y enajenados, como el propio Eastwood lo ha sido, y la verdad sea dicha cuando esta forma de ver la vida se muestra con una maestría tal que va del suspenso al melodrama, al drama judicial, el suspenso y hasta una comedia negra y satírica delirante solo queda rendirse ante el genio de Eastwood y valorar como se debe al héroe común, y por ello mas valioso, que es Richard Jewell.

Calificación: Notable