Cinecritica: Tarzan de los Monos

TARZAN DE LOS MONOS (TARZAN THE APE MAN, EU, 1932)

Antes de visionar la mas reciente película del hombre mono decidí revisionar algunas otras cintas del personaje, no todas ya que es uno con una aportación tan extensa que casi roza las cien cintas, por lo que revise las mas importantes, las que produjo la MGM en los treinta y principio de los cuarenta, con la pareja del atletico nadador olímpico invencible Johnny Weissmuller y la preciosa Maureen O'Sullivan, los mejores Tarzan y Jane hasta la fecha, no solo por lo atléticos y creíbles que resultaban sino por la sensualidad que expedían a la pantalla. Comencé viendo esta cinta pensando que me iba a encontrar con una de esas películas de matinee que son recordadas mas por nostalgia que por su verdadero valor, es decir una cinta regular y agradable, pero me encontré con algo mas, este es el nacimiento del Tarzan cinematográfico de la mano del director W. S. Van Dyke, uno diferente al de los libros y cuyas aportaciones funcionan en pantalla.

La expedición de James Parker (C. Audrey Smith) y Harry Holt (Neil Hamilton) esta a punto de zarpar al misterioso monte Mutia donde supuestamente esta el cementerio de elefantes que les darían toneladas de marfil y muchas mas de billetes, ahi llega la hija de James, la hermosa Jane (Mauren O'Sullivan, preciosa) llega al lugar cansada de la ciudad y con ansias de aventuras, despues de algunas aventuras y de escuchar el ya clásico grito de Tarzan (Johnny Weissmüller) sin saber exactamente que es la expedición se siente agotada, y de pronto ven a ese hombre blanco que no solo vive en la selva sino que tiene poder sobre los habitantes de esta, Jane la parece bella ¿a quien no? y la rapta, la chica se da cuenta que no es un salvaje sino que es bueno e inteligente, le pide que la libere y asi lo hace pero esto solo sirve para que sean atrapados por unos pigmeos africanos que se divierten asesinando gente con gorilas, hasta que sean salvados por nuestro héroe por supuesto.

Al final tenemos ese viaje cumpliendo los deseos del viaje y la decisión de una Jane enamorada y un pretendiente derrotado que actúa con clase, es decir una buena, divertida y emocionante cinta de aventuras que nos regala a un Tarzan atlético, inventa el grito, incluye a la cómica chimpance Cheeta que solo existe de esta manera en las cintas, tenemos escenas tan buenas como la pelea con un león a mano, la del gorila, los sádicos pigmeos y el ataque de los elefantes que no rehuye a la violencia, ademas también es interesante el coqueteo de Jane y Harry que al final pierde con un hombre mas salvaje, y ademas me creí la relación que surgió entre Tarzan y Jane, con el suficiente coqueteo, la sensualidad, y los juegos que no solo quedan como me quedo con él porque me salvo, en cuanto a producción los decorados, los efectos de sonido, un diseño de producción creíble y el uso de animales reales que le suma puntos, ademas la sexualidad de los personajes y la violencia del continente africano esta ahi y se siente palpable, el mayor logro de la cinta.

Calificación: Bien

Cinecritica: Insidious: Chapter 4, La Noche del Demonio: La Ultima Llave

INSIDIOUS: CHAPTER 4, LA NOCHE DEL DEMONIO: LA ULTIMA LLAVE (INSIDIOUS: THE LAST KEY, EU, 2018)

Por estas razones no es tan buena idea que le modifiquen los títulos al pasarlos al español ya que al final terminan metiéndose en problemas como el de esta cinta, un titulo larguísimo que quiere conservar el original, seguir el hilo del cambio que hicieron a las primeras y todavía el subtitulo, ¿el resultado? un desastre, y ahora se preguntaran que porque le dedico tanto tiempo a este tema y la respuesta es que la cinta no ofrece algo mas interesante, estamos ante una derivativa cinta que como la tercera parte es una precuela y que en lugar de intentar algo original trata todos los lugares comunes de las anteriores, si desde la segunda parte ya no se hacia honor a la original la tercera resultaba un churro infecto y aburrido, con solo algunos chistes que te sacaban una sonrisa.

La verdad sea dicha ni siquiera la recuerdo mucho, sospecho que eso mismo pasara con esta cinta de Adam Robitel, aunque por fortuna es un poco mejor que la anterior, o mejor dicho menos peor, comenzamos viendo la infancia de Elise que sin duda es la mejor parte de la cinta para despues ponernos al día donde la Elise actual (Lin Shaye) no acepta un trabajo localizado en su antiguo hogar por los demonios que teme enfrentar, aunque sabemos que mas pronto que tarde emprenderá el viaje con sus patiños Tucker (Angus Sampson) y Specs (Leigh Whannell que sigue escribiendo los guiones), ahi se enfrentara al demonio este de las llaves que la atormento en el pasado.

En cierto momento la cinta intenta ponerse interesante cuando nos dice o mejor dicho nos recuerda que los peores monstruos pululan entre nosotros pero abandona ese valiente mensaje para decir que los demonios nos obligan a hacer cosas malas y que ademas pueden ser derrotados por nuestra mami con solo un ademan, lastima de final facilon ya que se habían puesto las bases para algo mejor, quizá si se hubiera intentado algo mas cómico con el dúo de bobos y su protectora, en fin nunca se animaran a algo asi, y ademas las sobrinas de Elise solo como Fanservice ¿en serio? bueno a final de cuentas lo salvable es que el final cierra el circulo terminando con las cintas de esta saga ¿o no?

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Thor:Ragnarok

THOR: RAGNAROK (ÍDEM, EU, 2017)

Haciendo confesiones tengo que aceptar que la mas nueva entrega del dios nórdico de la casa marvel me divirtió en extremo, y la vi una segunda vez y me siguió divirtiendo, o incluso lo hizo todavía mas, ademas sus escenas de accion me emocionaron y me las creía, justamente porque por fin se abrazo lo que todos hemos sabido siempre, estas películas son pura fantasía y no hay que tomárselas tan en serio, por ello mismo me sorprende que los fanáticos de la marvel, esos que aplauden las babosadas de "Iron Man" que con cada revisada caen muchos puntos al verles mas fallas se hayan hasta indignado con esta entrega que dizque no respeta la seriedad y complejidad del personaje, ahora resulta que los cómics son escritos por Hermann Hesse o Franz Kafka, por favor, bajenle menos, se que no solo quieren sino que necesitan que sus cómics favoritos se pasen viñeta por viñeta pero para eso ya estan los cómics que tanto adoran, ademas si vieran mas cine sabrían que de pasarlos asi la cinta resultaría pesada y simplona, y si, supongo que existen excepciones pero saben a que me refiero.

En lo particular esta cinta del ascendente director Taika Waititi es un agradable desmadre desbocado donde por fin me mantuve pendiente e interesado en todo momento, no vaya a ser que me pierda un chiste, y que funciona como película por si misma sin necesidad de servir solo como puente o conexión a las aburridas cintas de los Vengadores, desde el inicio sabemos que la cinta es cómica, el director se especializa en esto y ver a Thor (Chris Hemsworth presumiendo su buena vena cómica) colgado en cadenas mientras un villano de fuego se quiere aventar sus discursito y no puede es la perfecta entrada, dragones cortados a la mitad, un guardián galanteando Skurge (Karl Urban) y una obra teatral burlándose de los sucesos de la aburrida "Thor: The Dark World" con múltiples cameos; Sam Neill, Luke Hemsworth y Matt Damon, todo esto ya nos avecina la cinta que veremos.

Pero también es emocionante y hay conflicto cuando Odin (Anthony Hopkins) se desvanece anunciando a sus hijos la llegada de su hermana Hela (Cate Blanchett, divirtiéndose como desquiciada) que como si nada destruye el martillo y envia a Thor a un mundo lejano gobernado por un desquiciado amo (Jeff Goldblum robandose cada escena) y su sádica ayudante (Rachel House), ahi Thor se topa con la ultima Valquiria (Tessa Thompson), Hulk/Bruce Banner (Mark Ruffalo) y su hermano Loki (Tom Hiddleston), pelea por su vida en la arena, busca la manera de volver a enfrentarse con su invencible hermana, y se desespera para llegar a ayudar a Heimdall (Idris Elba), vamos que si quieren peleas las tendrán, peleas de naves espaciales, un clímax impresionante y hasta sorpresas aqui y alla, y si ademas le sumamos un reparto que se divirtió de lo lindo, con un Thor que igual es cínico y descarado, tonton, y hasta se comporta como adolescente, con Chris riéndose de él en todo momento, con una villana que suelta frases hilarantes con una seriedad ridícula, un tramposo por aquí, un gigante tonto por alla, una alcohólica peleonera por acá, y un mundo hermoso que despliega colores e imaginación no podemos pedir mas, ¿la mejor película del mcu? por supuesto.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Victoria y Abdul

VICTORIA Y ABDUL (VICTORIA & ABDUL, REINO UNIDO, 2017)

¿Sera que soy demasiado romántico? en lo personal me gusta que el cine sea un compilado de todo, es decir que el maquillaje, diseño de producción y el vestuario formen parte integra de la cinta, y cuando este es al estilo clásico, sin efectos digitales, con un perfecto trabajo artesanal por lo menos es un logro que me llama la atención y que eleva la cinta, a veces las cintas que tienen esto son cintas menores justamente porque piensan que con esto ya cumplieron y no deben entregar nada mas alla, pero ese no es el caso de esta cinta del veterano director Stephen Frears que logra una bonita y carismática cinta de epoca con un reparto sorprendente (Olivia Wilde, Michael Gambon, etc.) y una actuación de antología, la cinta gano el oscar a mejor vestuario, mi favorita era otra pero esta era la segunda opción, y es que por producción no hay nada malo que decir, todo es perfecto, vestuario, diseño, maquillaje y hasta efectos.

En cuanto a la historia tenemos una supuesta historia secreta que se intenta pasar por importante pero que mas bien es una anécdota pintoresca, la relación de amistad que tuvo en su ultima etapa de vida la reina Victoria (Judi Dench, esplendida) con el hindú Abdul Karim (Ali Fazal), al comienzo los tipos son trabajadores de los ingleses en la India y por simple política se los llevan a que entreguen una medalla a Inglaterra, Abdul porque es alto y el otro no tan alto Mohammed (divertidisimo Adeel Akhtar), ahi Abdul no sigue las reglas y mira directamente a una reina Victoria harta de las reuniones, hilarante como la reina se duerme en la ceremonia y como come desesperada para terminar pronto el suplicio, a la reina le llama la atención y lo hace llamar, sus costumbres y tradiciones le interesan y los hace sus empleados personales.

De aquí sabemos lo que ocurrirá, terminan teniendo una amistad que es mal vista por la corte que intenta revelarse, al final ocurre lo obvio, es decir la aceptación de lo diferente, pero lo que veo mas importante es la amistad entre dos humanos pero bueno, lo que me agrada es el personaje de Abdul, un tipo inteligente, carismático, parlanchin, pero con un toque de sinvergüenza, es decir, sabemos que el tipo cae bien y que le tiene cariño a la reina pero es imposible darnos cuenta de que aprovecha esto para tener prerrogativas en el poder, el tipo esconde que esta casado, y aun asi coquetea con la octogenaria mujer, le dice que es poeta cuando es obrero, tiene una enfermedad grave y nunca comenta nada, es decir Abdul es astuto aunque cae bien, justo lo que piensa la solitaria Victoria, pero aun asi la relación es bonita, y divertida, con una Dench en su mero mole.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Mas Fuerte que el Destino

MAS FUERTE QUE EL DESTINO (STRONGER, EU, 2017)

Cuando uno lee la sinopsis no puede mas que pensar que esta sera una pedante cinta chantajista y patriotera, algo hay de eso pero para ser francos el director David Gordon Green y su reparto salvan esto de ser una caricatura y le dan cierto espíritu, es de admirar que el director rehuye las posibilidades de irse por el camino fácil y cada que parece que va a caer le saca la vuelta, bueno, casi en todo momento, cuando llega la inevitable transformación algo hay de ese dejo chantajista y mas aun cuando se recurre a un cliché tan usado en el cine, no sabría decir que tanto se parece a la realidad pero si asi sucedió no hay nada que hacer, y por el potro lado tenemos a Jake Gyllenhaal, ese monstruo de la actuación que puede hacer de una persona tan carismática como repugnante.

Justo eso logra con su protagonista, un tipo irresponsable e indolente que solo se preocupa por su mismo, que era un borrachales antes de que le sucediera la tragedia y lo sigue siendo despues de ella, que representa a una sociedad necesitada de ídolos falsos y con una necesidad patriotera cada vez que su país se ve minimamente amenazado. Jeff Bauman (Jake Gyllenhall luciéndose) es un trabajador irresponsable que se preocupa mas por ver jugar su equipo en el bar ya que piensa que les da suerte, que descuida a su novia, y que no tiene mayores pretensiones en la vida, pero el tipo quiere volver con su hermosa y centrada novia Erin (Tatiana Maslany, bien) por lo que le hace un cartel y la espera en la meta del maratón de Boston, con tan mala suerte que le toca sufrir el atentado en carne propia.

Con su ayuda atrapan a los culpables pero eso no le devuelve sus dos piernas, el tipo se convierte en un símbolo para la ciudad, algo que no le sienta bien y que toma de la peor manera, faltando a terapia, llevando excesos, y siendo grosero con su novia, manipulado por su madre (bienvenida Miranda Richardson) va a inaugurar juegos, ondea banderas y da entrevistas hasta que llega al fondo para ser redimido cuando escuche la historia del tipo que le salvo la vida, lo dicho, algunas escenas buenas como cuando desairan a Oprah por amor propio, pero junto a otras como ese comercial a una cadena comercial, una cinta que se salva de la chamusquina gracias a que el director no cae en chantajismos y a un reparto que merecía una mejor historia.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Asesinato en el Expreso de Oriente

ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE (MURDER ON THE ORIENT EXPRESS, REINO UNIDO - MALTA, 2017)

Adaptar a Agatha Christie es muy complicado, sus libros con complejos y con muchos personajes, las pistas son dejadas de manera inteligente, se sugieren, empujando al lector a tratar de resolver los misterios, casi siempre son fallidas pero algunas son mas que honrosas excepciones y terminan siendo verdaderas joyas, claro que han sido cientas las adaptaciones y por ello la probabilidad es mas alta, hace décadas la escritora inglesa era garantía de éxito, las personas querían ver sus historias en pantalla, o conocerlas de esta manera, ahora eso parece muy lejano, los mas jóvenes solo quieren ver sus cómics en pantalla y los grandes escritores han pasado a ser relegados a un selecto grupo al que llaman nostálgicos, por fortuna todavía hay quien se arriesgue como Kenneth Branagh, un especialista en llevar libros de la literatura inglesa a la pantalla, en especial Shakespeare, aquí se decanta por una historia complicada logrando luces y sombras.

Aunque aplaudo el valor de llevarlo a pantalla grande en esta epoca lo importante es la calidad de la cinta, en lo personal me gusto, la cinta se mueve agilmente, con movimientos de cámara con clase y estilo, travellings magníficos y unos planos formidables, el director Branagh logra un estilo entre antiguo y novedoso aprovechando las nuevas tecnologías, y la historia es tan buena como el primer dia, los cambios que existen son mínimos y ademas nos regalan un clímax formidable, lastima de las persecuciones que son metidas con calzador y que eran innecesarias, un error del director intentando no aburrir a los nuevos espectadores, cuando la realidad es que ellos ni le darán la oportunidad. Hercule Poirot (Kenneth Branagh, bastante bien) acaba de resolver un caso referente a la iglesia del santo sepulcro, aquí se nos muestra de forma perfecta como es el personaje, un obsesivo compulsivo que necesita todo limpio, impecable, igual, y que tiene manías irritantes, tanto como su genio para ver las discrepancias como nadie mas.

Es invitado por Bouc (Tom Bateman) al expreso de oriente donde el pillo Ratchett (Johnny Depp) le pide protección y tiempo despues aparece muerto siendo los viajantes los posibles asesinos porque el tren estaba en movimiento, asi el detective Belga debe lidiar con un grupo variopinto donde cualquiera puede ser el asesino; el contador MacQueen (Josh Gad), la princesa Dragomiroff (Judi Dench), la bella divorciada de edad Hubbard (Michelle Pfeiffer), la creyente Estravados (Penelope Cruz), el racista medico Hardman (Willem Dafoe), el mayormodo Masterman (Derek Jacobi), el Dr, Arbuthnot (Leslie Odom Jr.), la maestra Debenham (Daisy Ridley), la asistente Schmidt (Olivia Colman), la condesa Andrenyi (Lucy Boynton), su iracundo marido (Sergei Polunin), el trabajador Pierre Michel (Marwan Kenzari) y el nuevo empresario Marquez (Manuel Garcia-Rulfo), con esto y una cantidad de pistas raras y los interrogatorios Poirot debe resolver un misterio que tiene la fuerza de la historia original y un buen hacer solo lastrado por momentos fuera de lugar que son borrados con un clímax que nos enchina la piel y el bigote mas impresionante de Inglaterra.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Six Shooter

SIX SHOOTER (IDEM, REINO UNIDO - IRLANDA, 2004)

El sello de Martin McDonagh es el humor negro, la mala leche, el llevar a personajes imperfectos a situaciones limites, ya lo apuntaba con este cortometraje que gano el oscar en el 2005, en menos de media hora vemos un humor negrisimo donde como acostumbra el director no deja títere con cabeza, la esposa de Donnelly (Brendan Gleeson, bastante bien) acaba de morir y el tipo ni siquiera lo ha podido asimilar cuando el medico casi lo corre porque ¡demonios! ha habido muertes de bebes por muerte súbita y una mujer fue asesinada por su hijo, ni siquiera le quedo algo de cabeza, el tipo toma el tren y su compañero es un chico parlanchin (Ruaidhri Conroy, bastante bien destrampado) que se suelta diciendo sandeces al por mayor, es estúpido, racista y no cuida sus palabras, habla mal de actores, músicos y hasta alaba cierta tragedia ocurrida años antes.

Una pareja esta sentada a un lado y se ven muy acongojados, el chico ni lo piensa y los increpa molestándolos, despues se sabe que su bebe murió súbitamente a lo que el chico los culpa, todo se comienza a calentar y Donnelly los cambia, pero apenas un tiempo con el chico le basta a la mujer para tomar una terrible decisión que ademas lo acorralara cuando se descubra un secreto. De antemano sabemos lo que va a venir pero no por ello deja de ser interesante, sobretodo cuando el cínico tipo cuenta la historia de una vaca que explota por un gas contenido, tan hilarante como surrealista.

Una historia mala leche con muchísimo humor negro y que va juntando hilos desde el inicio hasta que todo converge, que no tiene misericordia con su protagonista al que no le da un escape, ni siquiera uno horrible, pero uno no puede evitar reir ante su "Oh Jesus, what a fuckin day".

Calificación: Bien

Cinecritica: Coco

COCO (ÍDEM, EU, 2017)

Miguel (voz de Anthony Gonzalez) sueña con ser cantante y se escapa a la plaza idolatrando a los mariachis que ve ahi mientras lustra zapatos, tiene una guitarra escondida y se la pasa aprendiendo a tocar mientras mira películas de su ídolo Ernesto de la Cruz (voz de Benjamin Bratt y Antonio sol cuando canta), pero su abuela le tiene prohibido eso debido a que su tatarabuela fue abandonada por su marido que prefirio irse a probar suerte con la música, Miguel esta condenado a seguir el negocio familiar que comenzó su fuerte tatarabuela Imelda (voz de Alanna Ubach) y ser zapatero, despues de ciertos sucesos el niño termina llegando al mundo de los muertos y se dispone a buscar a su heroe ya que una pista le dice que es su pariente, el padre que abandono a la familia, y con su bendición puede regresar a su hogar con los vivos, prefiere esto a que lo haga su tatarabuela Imelda con condiciones de no cantar.

Ahi se encuentra con Hector (voz de Gael Garcia Bernal) y hace equipo con el con la condición de que ponga su foto con los vivos ya que si no se acuerdan de él desaparecerá también de ese lugar, es asi que emprenden la búsqueda por el famoso artista que ahi también es tan famoso como en vida mientras sus familiares muertos lo buscan desesperadamente ya que si se acaba el tiempo pasara a formar parte de ese mundo, por supuesto que siendo Pixar y el director Lee Unkrich junto a Alfred Molina es mucho mas de lo que parece, al principio la cinta es una historia sobre un niño que no se dará por vencido hasta cumplir sus sueños, y sabemos que por el trayecto entenderá que la familia es lo mas importante, mucho se ha comentado de esto porque la historia esta pensada en México pero la verdad Pixar ha tocado este tema antes, claro que no de esta manera tan mexicana, donde la familia se entiende desde los tatatatatatabuelos a la generación mas joven.

Pero como comente antes la historia es mucho mas compleja, no solo es obvio que Miguel descubrirá que su familia es lo mas importante, también se reconciliara con su pasado, al igual que su familia, y no de la forma usual, porque aqui los héroes quizá son villanos y los villanos héroes, y nada es lo que parece, sumemosle la historia del bonachón y desesperado Hector, y un perro tonto que pareciera ser un guia, un alebrije en el otro mundo, aunque algo desgarbado, esto tiene todavía mas valor porque Pixar homenajea al mismo tiempo que parodia, sin temor a lo como lo tomen los demas, esto queda claro con de la Cruz que es una copia exacta de Pedro Infante porque mas que este y Jorge Negrete tengan un cameo, a los conocedores de la historia de Infante incluso les hara ruido el nombre que tiene aquí, y por supuesto, las cintas que ve Miguel, la forma de morir, y hasta algo de la fama que tenia tras bambalinas.

También es formidable la forma en que se ríe de Frida Kahlo como un genio que se mira el ombligo una y otra vez, la música folclórica con buenos arreglos, números musicales sensacionales, un mundo imaginativo y precioso que nos hace abrir los ojos, siempre con guiños a México, eso si, el pueblo es quizá demasiado humilde en contraposición con el mundo de los muertos que es organizo y parece el otro lado, técnicamente la cinta es impecable aunque el diseño de personajes de los humanos siga siendo sencillo, lo demas es impresionante, pero esto se da por sentado, lo importante es el mundo creado que es hermoso, la historia es tan oscura como humana y nos recuerda lo importante de la vida pero la aceptación de la muerte como algo natural ademas de recordarnos nuestras tradiciones donde no debemos olvidar los muertos para que sigan viviendo y convivan con nosotros una vez al año.

Dándole su lugar a las fuertes mujeres mexicanas que siempre logran sacar adelante a su familia y siendo el núcleo que une la familia por generaciones, por ello las reuniones con la abuela aun en la actualidad. La música que es maravillosa, desde temas clásicos que por fortuna los jóvenes escucharan y algunas nuevas como "remember me" esa que al inicio se escucha como una fiesta y que al final cobra un sentido diferente cuando es cantada con el alma por el protagonista, justo es aquí cuando la cinta tumba todas tus barreras y te gana, es imposible permanecer indiferente al canto de Miguel y la reacción de su bisabuela Coco (voz de Ana Ofelia Murguia), maravilloso.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Las Horas Mas Oscuras

LAS HORAS MAS OSCURAS (DARKEST HOUR, REINO UNIDO, 2017)

Leyendo algunas criticas veo que estas son tan divididas como la cinta que acabo de reseñar, esto es totalmente valido cada quien tiene su propio criterio y gustos aunque como siempre debo observar que la calidad no tiene que ver con percepciones, simplemente esta existe o no, pero ya estoy divagando, de lo que leí me llamo la atención que calificaban únicamente basándose en si estan de acuerdo con el discurso de la película o no, es decir los que consideran a Hitler lo peor que le ha sucedido a la humanidad elevaban la película a mínimo lo mejor del año, los que piensan que Churchill es un sociopata que mando asesinar miles de personas y solo actuó a conveniencia decían que era un churro infumable, ni uno ni otro, una bonita cinta de papa filmada con los usuales movimientos, travelling, planos secuencias, la forma teatral, fotografía de cuadro, cámara fija perfecta, de Joe Wright y con una actuación magnifica de Gary Oldman.

Para los que quieran aprender historia deben leer, el cine no es una herramienta para enseñar historia, eso es claro y de nueva cuenta se muestra en esta ocasión, donde Winston Churchill (Gary Oldman, perfecto) es mostrado como un humano con dudas y aprensiones pero que en cierto modo parece iluminado y se encuentra tanto con respeto como con enemigos que se ven representados con la rebelión del propio gabinete de guerra y de las cámaras, la verdad es que en la realidad el tipo vio con buenos ojos el ataque nazi a los rusos que odiaba, y que se hicieron de la vista gorda al inicio, que el tipo no tenia pensado salvar sus tropas de Dunkirk, que el tipo despues se ensaño, que aplaco de forma violenta a mineros y a las naciones hermanas, que despues cometió atrocidad tras atrocidad, todo esto es cierto, pero como se le mostraría asi en esta cinta, como en "Lincoln" de Spielberg solo vemos el lado bonito de los personajes y se enfocan en una etapa clave de su vida.

Esta vez en los primeros días siendo primer ministro, cuando el tipo sabe que no lo quieren pero lo necesitan, trabajando en todo momento, escribiendo y ensayando oratorias con su secretaria (Lily James), con el apoyo de su mujer (Kristin Scott Thomas) que no lo deja rendirse, y con Halifax (Stephen Dillane) metiendole el pie, despues lo obvio, se gana el respeto del rey, la confianza de los ciudadanos y finalmente la lealtad de la cámara con ese discurso final donde Oldman eleva la cinta con maestría, y es que el tipo capta los manierismo, la dicción, la voz, los gestos, los modos, el lenguaje corporal, todo por debajo de un maquillaje esplendido, y con un Wright dirigiendo con inteligencia, lastima que tenga algunas cosas malas, el villano de la cinta, Halifax lo puso en ese lugar y despues quería quitarlo solo porque si, no hay congruencia aqui, y bueno, esa escena del tren que da pena ajena, casi dejaba de verla, que bueno que no porque me hubiera perdido el discurso final donde desaparece Oldman y revive Churchill.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Tres Anuncios por un Crimen

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN (THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI, EU, 2017)

El tercer largometraje de Martin McDonagh es un drama del américa profundo pero a modo sarcástico, sin tomarse tan en serio y siempre con un humor ácido y negro que incluso coquetea con el slapstick mas ridículo, la historia del titulo es solo la excusa para que podamos ver a un grupo de personajes racistas, groseros, estúpidos, malhablados, y todo lo que se acumule en el mes, es decir una cantidad de personajes reales, Mildred Hayes (Frances McDormand, la ganadora del oscar luciéndose) es una cincuentona divorciada, o dejada, que contrata los anuncios del titulo para recriminarle a la policía y en particular al jefe William Willoughby (Woody Harrelson, muy bien) que no han avanzado en las investigaciones en el caso de su hija que fue violada, asesinada y quemada justo en ese camino, el guion del propio director no tiene buenos y malos, simplemente la realidad humana, Mildred pone los anuncios porque quiere presionar, necesita resultados, no esta conforme con aceptar que el crimen de su hija quede asi.

Sabemos que la mujer tiene razón, merece tener justicia por un crimen tan atroz, pero también entendemos la postura del jefe de la policía, es un tipo honesto y trabajador que quiere resolver el caso pero que no puede por falta de pruebas, es uno mas de los crímenes sin resolver entre millones, la batalla de estos dos personajes, los diálogos entre ellos, son lo mejor del filme, porque se respetan y se entienden el uno al otro, Mildred sabe que el tipo hace lo que puede pero necesita resultados a como de lugar, no solo porque su hija murió de forma atroz sino por cierto sentimiento de culpa, el tipo sabe que la mujer esta en su derecho de exigir, de hecho merece justicia pero no puede hacer mas por ella, a estos dos se suma un policía violento, Jason Dixon (Sam Rockwell ganando su oscar aquí)  y racista que igual grita improperios y amenaza que casi mata a golpes a un tipo casi solo porque si. 

Sumemosle un reparto impresionante que van desde el hijo (Lucas Hedges) que no soporta lo que sucedió a su hermana, el padre golpeador (John Hawkes) que agarro novia veinteañera trofeo para redondear la disfuncional familia, la madre de Dixon que lo llevo a ser como es, un enano enamorado (Peter Dinklage desaprovechado) y demas personajes, lo que vemos es una cinta quebrada, que igual ofrece personajes fuertes que otros que no aportan nada a no ser el avance de la cinta, y que tiene escenas de antología con otras que parecen estorbar, lo que si es que la transformación de Dixon no es creíble, pasa demasiado rapido para avanzar la trama, lo otro es que el humor que el director ya dejo patente en su cinta "En Brujas" sigue intacto, no deja titere con cabeza y uno se carcajea si o si con escenas como la del sacerdote que llega con Mildred, los improperios racistas de Dixon, la cara petrificada y los comentarios siempre sarcásticos y dolientes de Mildred, la cara de esta mientras lee una bonita carta mala leche del jefe de policía, el ataque del dentista, la patada a cierta muchacha generacion z, y momentos de tensión como la amenaza de cierto tipo en el trabajo de ella, en cuanto a la solución del asesinato, parece que esta ahi aunque cada quien tendrá que sacar sus conclusiones.

Calificación: Bien