Cinecritica: Mary Poppins

MARY POPPINS (IDEM, EU, 1964)

Con tal de revisar la secuela tenia que refrescarme la memoria de la cinta original, un consumado clásico para niños y grandes que sigue tan actual y refrescante que cuando se estreno, tenia los recuerdos de que me había encantado de niño y por supuesto recordaba sus pegajosisimas canciones pero no tenia tan en mente la cinta, despues de todo la vi siendo un pequeño y en México la nana nunca fue verdaderamente popular, pero para mi sorpresa desde que comenzó me gano, esa entrada viendo Londres desde el cielo, los avances de la maravillosa música y la etérea Mary Poppins (Julie Andrews, perfecta en el papel de su vida) esperando en unas nubes su llamado fueron suficientes para derrumbar los muros que contienen la niñez y que son puestos por ese adulto que nos dice que lo meloso y edulcorado es malo, y siendo sinceros, aunque la cinta lo es también es una fuerte cachetada a la separación y distanciamiento de la familia que afecta tan gravemente la niñez mundial, quizá por ello la cinta no solo es actual sino mas pertinente que nunca.

Desde el inicio con la niñera Katie (Elsa Lanchester) huyendo de casa por el cuarto escape de los niños nos es presentado una familia con padres ausentes que prefieren lo que sea antes que lidiar con sus hijos, y aunque pareciera que son dos demonios la verdad es que muy pronto nos damos cuenta que solo son unos angelitos queriendo llamar la atención, ya sea de la ausente madre (Glynis John, bien) sufragista y mas aun del autoritario padre George (David Tomlinson, excelente) que no ve ni escucha a nadie mas, despues de todo lo mas importante es el escalón en la sociedad en el que se esta y el nombre que da este, así que los dos niños que solo quisieron volar una cometa son castigados por mas que el policía sea el unico que entienda la situacion, y que la madre la sepa pero no se enfrente a su marido porque prefiere ir a sus reuniones, vamos que incluso las sirvientas (hilarantes Hermione Baddeley y Reta Shaw) solo se preocupan por ellas y reniegan de todo aunque sean conscientes de todo.

Asi que por mas que los niños rueguen con todo y aviso hecho por ellos mismos como quieren que sea su nueva niñera sus deseos son despedazados y tirados a la chimenea para dar paso a un correcto aviso pidiendo una niñera inglesa cliché, pero los papeles vuelan hasta el cielo para llega al dia siguiente de la preciosa Mary Poppins, una niñera que no da referencias y que tiene tanto carácter que se da el empleo ella misma, por supuesto con una semana a prueba a ver si le gusta, y si lo que había pasado antes nos preparaba para un entretenido musical cuando llega Mary todo se vuelve esplendido, ya sea con el vuelo de las niñeras postulantes o la magica llegada de Poppins volando con la sombrilla, ahi les enseña a los niños Jane (Karen Dotrice) y Michael (Matthew Garber) que puede ser divertido hacer sus responsabilidades como limpiar la habitación.

Poco a poco seremos inmersos en ese mundo mágico que el limpiachimeneas/artista callejero/hombre banda/vuela cometas Berg (esplendido Dick Van Dyke tambien en el papel de su vida) conoce tan familiarmente donde somos testigos de las mágicas y pintorescas aventuras que viven los niños junto a su niñera, todo esto por supuesto acompañados por unos soberbios números musicales con la excelsa música de Richard M. y Robert B. Sherman que nos remiten a la infancia al mismo tiempo que son inteligentes y guardan mensajes muy valiosos sin importar la edad que tengas, desde el imaginativo "Jolly Hollyday" con todo y animales cantores, el trabalenguas perfecto de "Supercalifragilisticexpialidocious" con unos protagonistas en bailando como en la epoca dorada, la grandiosa demostración vocal de Andrews de "A Spoonful of Sugar", la hilarante "I Love to Laught", la melancólica "Feed the Birds", la dulce "Stay Awake", la esplendida "Chim Chim Cher-ee", la locura que es "Step in Time" con esa desquiciante coreografía y por supuesto la maravillosa "Let's Go Fly a Kite" que engloba el mensaje de la cinta y nos pone un nudo en la garganta al mismo tiempo que nos corren lagrimas de felicidad.

Eso sumado a la virtuosa dirección del hábil artesano Robert Stevenson que nos regala color, sonido, imaginación y un ritmo exacto nos dan una obra que es imperecedera como ya comente, el tiempo no ha pasado por ella, no solo por sus actuaciones, en un reparto donde nadie esta fuera de linea, y que nos tiene un entrega un Dick Van Dyke con dos papeles memorables y una Julie Andrews que desde entonces forma parte de la historia del cine con un personaje vanidoso, inteligente, autoritario, dulce, maravilloso, vamos "prácticamente perfecta en todo", y por supuesto el mensaje que como ya comente es mas actual que nunca, las mujeres siguen peleando derechos pero esta vez no tienen importancia a diferencia de su derecho a voto, y ahora mas que nunca los padres estan distantes y solo se preocupan por ellos mismos y su lugar en la sociedad, si en la epoca eduardiano de la cinta lo mas importante es la posicion, el nombre y el dinero la situacion sigue prácticamente igual pero ahora peor ya que se ha cambiado por la fama, dinero, poder y la satisfacción propia por encima de todo.

Los padres se han vuelto perezosos y ya ni siquiera contratan niñeras, ahora dejan que las redes sociales y los medios eduquen a sus hijos, en tanto ellos se hacen nombres en redes sociales, ni siquiera con trabajo obsesivo como el señor Banks, por eso mas que nada la cinta tiene importancia en la actualidad, ya que muestra a una madre distante, un padre autoritario, unas trabajadoras molestas, con unos niños abandonados a los que se les pide ya no ser niños, y que son salvados por una niñera estricta, que si, les enseña a hacer los deberes y abrazar la responsabilidad siendo educados pero también les dice que sean imaginativos, que vivan su infancia, que nunca dejen de ser niños, ya que los niños disfrutan la vida a cabalidad y saben lo que es correcto como queda constancia con la decisión de Michael de darle sus ahorros a la mujer que alimenta las aves y no dárselos a un banco por mas que la sociedad y su padre lo empujen a ello.

Y por supuesto el mensaje principal ya que los bancos en realidad no son los villanos, o por lo menos no el principal, estamos ante una historia de crecimiento pero mas que de los niños de los padres, en especial de un estirado padre de sociedad que ve despedazada su burguesa vida cronometrada por una vida de sorpresas y cambios que culminan en aprender que lo mas importante es su familia, que para eso vino al mundo y que lo demas es mundano, tanto asi que atrae a todos en ese idílico final con una Mary Poppins nostálgica pero feliz, ya enseño la lección que venia a dar y es momento de darle paso a los padres de llevar y llenar la vida de los hijos, es decir un final cursi pero maravillosamente precioso que nos enseña a nunca olvidar la niñez y a poner lo espiritual por encima de lo material, despues de todo ¿que se impondrá al final?

Calificación: Excelente

Cinecritica: Cementerio Maldito

CEMENTERIO MALDITO (PET SEMATARY, EU, 2019)

Desde el inicio de esta nueva versión de "Pet Sematary" de Stephen King se nos muestra el final, no se entiende el porque hasta que nos vemos invadidos por jump scares y escenas sin sentido durante la cinta que no tienen otra finalidad que hacer que el publico joven no se aburra, me explico, como el guion esta tan mal llevado en la primea mitad que solo se dedica a explicar las reglas del juego y ademas de forma cínica casi siempre con Jud (John Lithgow) explicando todo con bolitas y palitos, y como en esta primera mitad no sucede nada se meten cosas asi, aumento súbito de sonido, escenas de terror sin sentido, y el final al inicio para que los adolescentes lo esperen y no se retiren o abran sus celulares, el problema de esto es que la cinta carece de alma y queda muy lejos de la primer versión, esa "Pet Sematary" de los ochenta que aun con sus defectos, errores y una que otra escena parodica es mucho mejor que esta, y mas importante aun, respeta mucho mas el espíritu del libro.

La película va sobre una familia que se muda a una casa aislada para que el padre Louis (un esforzado Jason Clarke) pueda tener un trabajo mas relajado como medico del pueblo alejado de las urgencias de la ciudad, el problema es que muy pronto se topa con un accidente terrible de un joven que muere desfigurado y que a partir de entonces se le aparece en sueños para advertirle sobre lo que esconde el bosque, que no es otra cosa que el cementerio del titulo, en tanto las pesadillas de su esposa (Amy Seimetz) sobre su hermana muerta empeoran y la hija mayor Ellie (Jete Laurence) se pone triste con la desaparición de su gato, claro que esto es porque su gato ha muerto, algo que Louis no quiere tocar con ella y que por consejo del vecino Jud termina enterrando en un extraño lugar solo para volver a la vida, totalmente cambiado.

Creo que todos saben de que va esta historia, ya sea por el libro, la primer versión o los múltiples homenajes y parodias de la historia que ha sido copiada sin cesar, pero aquí todo parece soso, una fotografía que se esfuerza por ser tenebrosa, habitantes del pueblo inexistentes que solo aparecen de vez en cuando como si pertenecieran a un culto siniestro pero sin esconderlo, el vecino con quien mágicamente se hacen amigos y que no parecen muy unidos, los excesivos efectos especiales y el desangelado Victor (Obssa Ahmed) que a diferencia de la versión de los ochenta no es burlón ni cínico sino una especie de intento de ángel de la guarda por demas aburrido, y finalmente el hecho de dejar al hijo pequeño Cage casi fuera de la historia porque como dicen los directores Kevin Kölsh y Dennis Widmyer no es creíble un niño con tanta fuerza solo hace que los peores temores y pesadillas del libro de Stephen King se tiren por el caño, mientras la primer versión la cinta al inicio parece una bonita historia familiar y la tragedia nos azota fuertemente para ver la progresiva perdición del padre de familia aquí la cinta se esfuerza por dar siempre miedo y enfocar tanto a los camiones que vivimos esperando (aun los que no sabían la historia) que atropellaran a alguien, y que culmina con una especie de familia zombie en lugar del tétrico mensaje del libro, la perdición que nos lleva el aferrarnos a nuestros seres queridos despues de su muerte.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Pokémon: Detective Pikachu

POKÉMON: DETECTIVE PIKACHU (POKÉMON DETECTIVE PIKACHU, JAPÓN-EU, 2019)

Desde hace décadas se ha intenta integrar las historias de los videojuegos a las películas ya que asi tienen una amplia base de fanáticos sin necesidad de trabajarla, los resultados financieramente han sido positivos, en calidad han dejado mucho que desear, tanto asi que ahora esta cinta esta considerada la adaptación mejor lograda y aunque deba hacer memoria para ver si es verdad a bote pronto parece correcto, con detective Pikachu estamos ante una cinta bonita, entretenida y hasta emocionante, lo mejor de la cinta sin duda son sus efectos especiales y ese mundo cyberpunk con mezcla de cine negro que funciona en todo momento, por otro lado los diseños que son lo mas aclamado me parecen mixtos, algunos diseños muy buenos como el del protagonista Pikachu (voz de Ryan Reynolds, muy esforzado) y otros terribles como el de Mewtwo (Rina Hoshino y Kotaro Watanabe), en cuanto al guion me parece que cumple por mas que se deje de lado el misterio y lo detectivesco y se apueste por la aventura y la comedia.

Aun asi se tienen claves, elementos, pistas, que resultan en algo interesante y entretenido cuyo principal problema es que algunas veces la cinta hace trampa sucediendo cosas por puro azar para que la trama y los protagonistas sigan, los villanos son caricaturescos y hasta obvios pero funcionan, y los secundarios cumplen bastante bien, de igual forma la voz de Reynolds funciona, es graciosa y le da carácter aunque a veces se siente demasiado esforzada, dicho esto el principal problema es el protagonista, no el Pikachu de Reynolds sino el Tim de Justice Smith que a veces es muy seco y otras veces exageradisimo, lo mismo que le ocurría en "Jurassic World", y esto claro que afecta la cinta. Tim es un perdedor en el mundo pokemon, no tiene pokemon que lo siga en esta Ryme city futurista donde los humanos conviven con los humanos en todo momento, cuando su padre desaparece se ve forzado a buscarlo por mas que su relación sea pésima.

Se encuentra con un Pikachu en el departamento y descubre asombrado que puede comunicarse con él, y aunque al inicio se resiste termina colaborando con el carismático roedor amarillo en la búsqueda de su padre donde como buen cine negro, basado en el videojuego spin-off del mismo nombre, una trama sencilla crece hasta que todo sale de control, es asi que la desaparición de su padre tiene que ver con un gas que vuelve violentos a los pokemon, que los lleva con un mafioso que hace peleas ilegales, con una joven y talentosa reportera (Kathryn Newton) y con un laboratorio que vimos al inicio y donde Mewtwo hizo su inclemente ataque, todo esto mientras el pikachu de su padre intenta recuperar su memoria para resolver el misterio. Divertida cinta que intenta hacerle homenaje a una franquicia que se ha expandido exponencialmente y que es lo suficientemente inteligente para no perder el tiempo explicando los pokemon o este mundo en el que existen, y por ello tiene tiempo de desarrollar la trama y algunos personajes con algunos momentos geniales y un clímax final que esta por encima de ese cierre.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Arctic

ARCTIC (IDEM, ISLANDIA-EU, 2019)

En el despiadado Ártico Mads Mikkelsen intenta sobrevivir a toda costa, la cinta del brasileño Joe Penna se suma a esta nueva ola de sobreviviencia en la que dejamos la fantasía y el buen rollo para abrazar un realismo que duele en todo momento, que nos tensa y que nos trata sin piedad aventandonos a la cara las verdaderas circunstancias que tendría que enfrentar un pobre diablo abandonado por el azar, o quizá salvado por el mismo azar, asi el paciente Overgard (Mikkelsen en una actuación extraordinaria) vive el día a día en el inclemente Ártico escribiendo en el suelo un gigantesco SOS, viajando a una punta donde intenta mandar señales, revisando las lineas de peces, y un sinfín de tareas que realiza incansablemente siempre con un horario enfermizo ayudado por su reloj, es aquí cuando la cinta nos gana, por el realismo que imprime, por la fotografía que nos regala, por un excelente trabajo de sonido pero sobre todo por un protagonista magnifico que lleva el peso de la cinta en todo momento con múltiples acercamientos y tomas cerradas.

Y es que decir que la cinta en realidad de Mikkelsen no es erróneo, con solo dos actores el danes carga todo el peso sobre sus hombros, con esas miradas que dicen mas que mil palabras, los gestos que nos indican mas de lo que podría decir y una narración que no se traiciona porque a pesar de que en cierto momento la cinta pudiera optar por el  heroísmo y/o lo épico se mantiene en lo que planteo por mas doloroso que sea para él protagonista y los espectadores, Overgard sobrevive a como puede en esos restos de avión hasta que un dia llega su salvación, o eso parecía porque la tormenta tumba el helicóptero y lo que parecía una salida se convierte en una carga con una mujer (Maria Thelma Smaradottir) que no solo no ayuda sino que literalmente estorba y por supuesto esta cerca de morir.

Es ahi cuando nuestro solitario hombre debe tomar una decisión, o se arriesga en ese camino mortal lleno de osos polares y tormentas implacables o deja morir a la mujer, una decisión que muy posiblemente signifique la vida o la muerte para él y que nos regala momentos tan emotivos como majestuosos siempre llenos de una tensión que nos quita el aliento y donde a final de cuentas solo queda no rendirse, luchar, porque eso es parte de lo que nos vuelve humanos y nos indica que estamos vivos, sobrevivir no por heroísmo ni patriotismo sino porque queremos hacerlo... porque somos humanos.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Corazon Borrado

CORAZÓN BORRADO (BOY ERASED, EU, 2018)

El conflictuado Jared Eamons (ascendente Lucas Hedges) por fin confiesa a sus padres su naturaleza, a los sureños y religiosos tipos de la américa profunda, por un lado la devota Nancy (Nicole Kidman, muy bien) y por el otro el dedicado pastor Marshall (Russell Crowe, esplendido) quienes no saben como reaccionar y ni siquiera dicen nada, a no ser de una lagrima por la mejilla de la mujer que esconde su rostro y un tic nervioso del pastor, esta escena tan bien actuada muestra perfectamente las virtudes de la cinta, es decir un buen manejo de actores por parte del director, guionista y actor Joel Edgerton y lo mas importante, un reparto impecable donde ademas de los mencionados tenemos a Xavier Dolan como uno mas de los homosexuales que estan en cierto centro que los cura e incluso Flea, el bajista de los Red Hot Chilli Peppers, en el papel de un sádico rehabilitado.

Es maravilloso ver a estos actores lucirse con la cámara fija sobre ellos dándoles todo el tiempo posible y regalandoles las escenas, pareciera que Edgerton les deja todo libre para su lucimiento, y regalan con creces soberbias interpretaciones donde los duelos actorales se convierten en un dulce baile de talento, y Edgerton es un director artesanal y competente, por desgracia el guion no esta a la altura de esto y la cinta naufraga en muchos momentos, la película esta dividida en tres secciones, por un lado el presente de Jared en el centro de conversión donde el homosexual de closet Victor (Edgerton) intenta cambiar a los homosexuales de forma poco ordinaria, y sin ninguna preparación medica o religiosa, vamos que hasta los folletos tienen faltas de ortografía, pero se siente demasiado caricaturizado, entiendo la critica y la respeto por la seguridad con que se hace pero es demasiado forzado hacernos creer que todos los centros son asi.

Otro, el mejor por mucho, son esos recuerdos y los momentos del conflictuado Jared con sus padres, el sufrimiento de Nancy que no sabe como enfrentarse a esto que le ha tocado, sufre por su hijo pero también por su amor a Dios y no entiende como sucedió esto, en tanto el padre ve el problema intentando derrotarlo, tomando decisiones y consejos pero también alejándose de su hijo por sus firmes creencias, el problema esta en la ultima sección, una serie de inacabables flashbacks donde vemos como Jared descubre su homosexualidad, no son malos pero terminan siendo cansinos por lo redundantes que resultan, una violación permitida y una búsqueda con un seudoartista terminaron por decirle a Jared que le gustaba, pero nosotros lo supimos desde el primer recuerdo cuando batea a su potable novia porque le da asquito.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Desobediencia

DESOBEDIENCIA (DISOBEDIENCE, REINO UNIDO-IRLANDA-EU, 2017)

Al inicio del filme vemos al Rabino líder en una comunidad inglesa de judíos ortodoxos dar un sermón sobre las tres criaturas que creo Dios, los ángeles, las bestias y los seres humanos, siendo estos últimos los únicos capaces de desobedecer las enseñanzas de Dios, siendo esta una película del chileno Sebastián Lelio es claro que tendremos una historia sobre mujeres fuertes y por supuesto la insumision, este debut internacional por parte del director esta bien logrado, la dirección es pulcra y no mete nada de florituras por lo que no se siente su sello pero tampoco estorba, y la fotografía y la música son buenas, ademas el director mete algunas analogías y simbolismos en la historia que se agradece, lo grisáceo del mundo, el erotismo latente, esa forma en que todos parecen desaparecer de cuadro cuando las dos amantes estan juntas, y por supuesto lo mejor de la cinta, un reparto que eleva la cinta varios escalones.

Y es que la historia aunque interesante es algo muy visto, Ronit (Rachel Weisz, muy bien) es la hija del rabino que despues de su sermón cae muerto, al saber esto vuelve a Londres donde no sera bien recibida por la comunidad aunque el protegido de su padre la acoge con gusto, Dovit (Alessandro Nivola) es su amigo de la infancia y también lo es su mujer Esti (Rachel McAdams, exquisita) que tiene una magnifica presentación en la cinta. Nosotros como espectadores sabemos que algo sucedió en el pasado aunque nadie se atreve a mencionarlo, ni siquiera Ronit, o quizá sobretodo ella, pero su rebeldía queda latente en cierta cena familiar a partir de donde Esti busca un acercamiento que culmina en algo impensable en esa comunidad tan cerrada, y que fue el escándalo del pasado que rompió la relación, a partir de aquí veremos el sufrimiento de ambas mujeres, la desesperación del marido que no sabe como lidiar con la situacion y los reproches de la comunidad a los pecaminosos.

Como apunte antes lo mejor de la cinta son las interpretaciones, dos personajes femeninos que son interpretados por dos de las mejores actrices de su generación apoyadas con unos secundarios muy profesionales, por otro lado aunque el mensaje políticamente ya resulta cansino la cinta es interesante pero algo me inquieta, su titulo dice desobediencia y al inicio de la cinta se habla sobre la posibilidad de elegir, de libertad, de libre albedrío como el regalo que Dios nos da, y el final que resulta tan inverosímil como chantajista y forzosamente dramático supuestamente pone punto final a este sermón e idea la verdad es que no puede ser visto asi desde un punto de vista religioso creo yo, si asi fuera el matar o robar podrían ser parte de nuestra libertad, y aunque quizá mi idea es ir muy lejos no estoy en contra del mensaje, lo que si es cierto es que hablamos de desobediencia, de libertad, algo que como espectadores deberíamos de tener y que el director no nos otorga al solamente ver la perspectiva de las dos mujeres como victimas, es decir sin tener el cuadro completo de los demas personajes es imposible elegir con libertad y cometer la consabida desobediencia al pensamiento erigido por el realizador.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Lucky

LUCKY (ÍDEM, EU, 2017)

Cuando llevaba una hora de película me sentía atrapado por esta historia sobre un vaquero de noventa años que estaba descubriendo su mortalidad, en especial por esa magnifica actuación de despedida de la leyenda Harry Dean Stanton que nos deslumbra y oprime el corazón cada vez que aparece, pero que también admiramos y nos saca carcajadas con su clara visión de la vida, por otro lado los extraordinarios secundarios que desfilaban sin parar regalándonos sorpresas y talento, por un guion inteligente y pausado y finalmente por la novel dirección de John Carroll Lynch que parece tener décadas dirigiendo, siempre pulcro, con clase y mucho talento en los planos y colores. Como apunte la cinta me había ganado pero lo que sucede en la media hora final es tan maravilloso que no pude contener las lagrimas y las sonrisas al ver como cada fotograma estaba impregnado con un alma que traspasa la pantalla, donde una persona descubre que su vida en crepúsculo valió mucho la pena y que solo queda sonreír frente al inevitable final.

Lucky (magnifico Harry Dean Stanton ninguneado por todos) es un vaquero de noventa años que sigue estando en forma debido a que se levanta haciendo ejercicio y bebiendo religiosamente sus vasos de leche fría, el tipo tiene la misma rutina, va al mismo café donde resuelve crucigramas y camina por todo el pueblo maldiciendo cierto lugar, ve sus programas de concursos siempre y cuando sean de conocimiento, y visitando por las noches un bar donde convive, en cierta manera, con sus dueños, el barman y los clientes asiduos entre los que esta el extravagante Howard (exquisito David Lynch casi haciendo un personaje sacado de sus mundos) que perdio su tortuga y esta deprimido, y claro le dejara todo en herencia, el mundo de Lucky transcurre siempre igual, en una rutina interminable hasta que un dia simplemente se cae porque si, piensa que tiene algo, despues de todo es un fumador compulsivo pero esta completamente sano, la respuesta del doctor es que esta viejo y todo llega a su final.

Esta situacion saca de noción a Lucky que aunque sigue la rutina inevitablemente se comporta de diferente manera, intenta pelearse con un abogado y visiona el infierno, recuerda una terrible vivencia infantil, y se pierde cuidando sus jardín, es decir el descubrimiento de que su vida se agota lo agobia de manera terrible porque no sabe como reaccionar, pero aun asi no se rinde, se da oportunidad de conocer a sus compañeros, busca mascotas, intente enmendarse sin traicionar su esencia y por supuesto encuentra a ese veterano (Tom Skerritt, muy bien) de la segunda guerra mundial que al igual que él recuerda con respeto, orgullo y amargura ese episodio y donde comprende que a la vida solo se le puede sonreír, que el karma le llega a todos, que a veces debe darse oportunidades, y que culmina con una fiesta mexicana donde florece su amor por el mariachi y canta "Volver, Volver" sin gran voz pero con toda el alma, me sigue maravillando como los extranjeros parecen valorar y amar mas nuestra cultura que nosotros mismos, para regalarnos una ultima enseñanza en ese desvarió que tuvo en el bar, la verdad importa y solo queda sonreír. Extraordinaria cinta que resume la vida de manera excelsa, la vida es tan bella como nosotros queremos que sea, y el talento vale tanto de joven como de viejo, Dean Stanton se luce, nos estruja el alma y nos sorprende haciendo ejercicio y siendo tan divertido como triste, ademas la cinta sirve como despedida y homenaje a los personajes que realizo y a él mismo como se nota en las muchas vivencias que Lucky y el comparten, dos personajes, dos leyendas.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Viuda

LA VIUDA (GRETA, EU, 2018)

Un fino bolso de cuero verde es olvidado en el metro por una mujer, es encontrado por la buenaza de Frances (la confiable Chloë Grace Moretz) que no duda en regresarla a su dueña por mas que su mejor amiga Erica (Maika Monroe, bien) le diga que si hace cosas asi la ciudad de New York se la comerá viva, esto no detiene a Frances que va a casa de Greta (fascinante Isabelle Huppert) que agradece mucho y la invita a tomar el te mientras toca el piano y le comenta sobre su solitaria vida donde ha perdido a su marido, su hija esta lejos en Francia y hasta su perro murió, una anciana francesa que aparenta ser debil y pequeña no puede ser un problema para Frances, y ademas esta siente lejos a su hija y para Frances se convierte en una figura materna ya que acaba de perder a su madre, es asi que una joven chica que no ha salido del luto, y que ademas lo ha sufrido mas debido a la rapidez conque su padre dio vuelta a la pagina acepta este juego de roles con Greta.

Se hacen mejores amigas, o mejor dicho madre e hija adoptiva en una relación extraña por la cercanía pero de pronto todo cambia cuando Frances descubre muchísimos de esos bolsos en un mueble, todos con la identificación, pastillas, etc. descubriendo un patrón enfermizo de Greta que seguramente ha dejado antes bolsos por ahi, Frances se aleja pero es demasiado tarde, Greta ya no lo permitirá, múltiples llamadas, mensajes, vigilancias, acosos y hasta visitas a su trabajo darán la linea para la siguiente parte de la película del reaparecido Neil Jordan que navega por las aguas conocidas del acosador psicópata y donde vemos las mejores partes de la cinta por mas que algunos aleguen que esto lo hemos visto muchas veces antes, y es que la cinta es valiosa por sus agregados, en primer lugar una dirección inteligente de Jordan que en conjunto con una producción estupenda, esa banda sonora, nos dan una cinta realista aun a pesar de la teatralidad.

Que la situacion de acosador ya no es entre una pareja, aquí es claro que ninguna de las protagonistas carga con sentimientos sexuales hacia la otra sino mas bien una extraña relación maternal que nos muestra lo mas oscuro de la maternidad, no solo en la relación de Greta con Frances sino en el pasado de esta, y por supuesto esos momentos tan impresionantes que parecen salidos de algún autor prestigioso con Huppert explotando en un personaje que da tanta ternura, como lastima, miedo, risa y hasta admiración por la dedicación otorgada, por lo bizarra que puede llegar a ser esta Greta que lo mismo ruega como declara la guerra con un escupitajo con chicle incluido, que suelta improperios en ¿Hungaro?, que baila ballet al tiempo que da una inyección letal, que sigue sin sutileza, que toca el piano con dedicación, y que golpea con una regla al enseñarlo, vamos que esa mirada perdida en la nada dice todo y nada, de ya un psicópata para la historia y por supuesto que esto gracias a la encarnación de Isabelle Huppert que sigue entregando soberbias interpretaciones.

Calificación: Bien

Cinecritica: Sorry to Bother You

SORRY TO BOTHER YOU (ÍDEM, EU, 2018)

Cassius "Cash" Green esta buscando empleo y no encuentra una mejor manera que mentir sobre sus referencias y logros al gerente de una empresa de ventas telefónicas, por supuesto que esto les agrada ya que demuestra que es un pillo mentiroso, justamente lo que necesitan en esas empresas, Cash entonces comienza su empleo preguntándose que sera de sus vida, el sueña con lograr algo mas, tener dinero y dejar algo para la posteridad, muy diferente a la manera de pensar de su potable novia Detroit (Tessa Thompson) que es una artista conceptual que trabaja en lo que puede, ambos viven en la cochera del tio de Cash (Terry Crews) que esta a punto de perder la casa por adeudos, hasta este momento hemos conocido a un tipo harto de su vida y unos estereotipos tipicamente negros, casi tocando el nivel de explotación, un ambiente que no desaparecerá en toda la cinta. 

Cash no logra vender nada ya que es bateado irremediablemente con la titubeante presentación que da nombre a la cinta, algo que no parece deba cambiarse por el nombre de la empresa, pero un consejo de un viejo anciano (Danny Glover) le da la llave al éxito, debe hablar con voz de "blanco", el lo hace con la de Steve Buscemi, lo que le asegura la venta, a partir de este momento Cash desarrolla su voz de blanco exitoso (David Cross) lo que le da múltiples ventas alrededor del mundo y lo pone en la mira para un ascenso, mientras tanto el casi líder sindical Squeeze (Steven Yeun) lidera una huelga junto a Detroit y tonto amigo de Cash, Salvador (Jermaine Fowler), por supuesto en medio de esto la empresa le ofrece un ascenso a Cash, uno que no puede rehusar y al día siguiente por fin sube en el ascensor dorado que tanto deseaba donde una candente voz (Rosario Dawson) le recuerda que es mejor que los demas.

En ese lugar el jefe es el negro con estilo (Omari Hardwick) que le indica con su voz de blanco (Patton Oswalt) que ahi solo se habla con esa voz, y le dice que los negocias ahí en las altas ligas son vender mano de obra de WorryFree a otras partes del mundo, una empresa gigantesca que esta acusada de esclavismo corporativo a pesar de presentarse como una empresa socialmente responsable, amable y cool, como cualquier empresa tecnológica que le venga a la mente, con un CEO multimillonario y humanista que detrás de su fachada perfecta y agradable parece esconder al mismo demonio, pero los múltiples ceros compran de inmediato la conciencia de Cash que sigue vendiendo como loco al grado de que es invitado a la fiesta del CEO Steve Lift (Armie Hammer, bien) que es una orgía descontrolada que culmina en una reunión de negocios que parece salida de un libro de terror mala leche con mucho lsd.

Es asi que Cash se ve arrastrado a una vorágine de locura de la que no podrá salir tan fácilmente y que culminara en muchas dosis de locura, una ácida critica a la sociedad y la inutilidad de la bolsa de valores que no tienen escrúpulos y en donde los medios hacen héroes a los monstruos, hasta que llegamos a una locura desquiciada donde el revanchismo de la cinta toma la lógica de esta haciendo trampa porque si, una lastima porque el director y guionista Boots Riley había regalado una hora inicial que era muy buena y un inicio de la segunda que toca la excelencia por los disparates y la valentía que nos regala, es una lastima que el final sea tan tramposo y pareciera estar escrito para darle un final ya que de otra forma estuviéramos hablando de una gran obra, aun asi la cinta es mas que meritoria, comenzamos viendo una cinta sobre un perdedor que desea el éxito a como de lugar y que por ello es capaz de traicionar a sus amigos y pareja, y que cuando logra el éxito autoimpuesto por la sociedad ve por fin lo mas oscuro del sistema sin una oportunidad de redención como en ese negrisimo y bien logrado final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Hotel Mumbai: El Atentado

HOTEL MUMBAI: EL ATENTADO (HOTEL MUMBAI, AUSTRALIA-INDIA-EU, 2018)

El director Anthoy Maras debuta en largometrajes con esta potente historia llena de tensión, violencia y por lo menos desde este rincón, con un halo de realismo, y es que la fotografía tiene un estilo documental al igual que la cámara siempre en movimiento de Maras, y el guion evita inteligentemente los actos heroicos y los héroes irreales, si bien es cierto que muchos actúan con valentía frente a los actos la realidad es que muchas de las veces estos mismos se comportan de forma cobarde, cuidando su vida sobretodo y cometiendo errores que les costaran caros, y por el otro lado los villanos, un grupo de fanáticos religiosos paquistaníes que siguen las ordenes de una voz todopoderosa que les promete el cielo y vírgenes en nombre de Ala, pero los tipos viven sus fe de forma realista y temen, dudan, se acobardan al mismo tiempo que queda claro que para algunos lo mas importante es el dinero prometido a sus familias o el odio que tienen a los extranjeros e "infieles".

Pero esto no los hace humanos, todo lo contrario, al ser mas parecidos a nosotros resultan aun peores debido hasta donde puede llegar un ser humano con tal de lograr dinero, gloria o por simple rencor, hasta llegar al punto de seguir la orden de disparar a todo lo que se mueva. Durante la cinta seguimos a un grupo de  variopintos protagonistas que se ven inmersos en el peor ataque terrorista de Bombay, un noble empleado (Dev Patel) del Taj Mahal Palace Hotel donde se centrara la historia, una joven pareja (Armie Hammer y Nazanin Boniadi) con bebe incluido, una niñera incansable (Tilda Cobham-Hervey), un chef con liderazgo (Anupam Kher), una pareja de turistas estadounidenses (Angus McLaren y Natasha Liu Bordizzo) y por ultimo un cínico empresario ruso ex militar (Jason Isaacs robándose cada escena en que aparece).

Los terroristas comienzan los ataques en la ciudad, que culminan en doce diferentes puntos pero donde el mas terribles es el ataque al hotel donde disparan a todos y despues van piso por piso matando a todos los huéspedes y empleados mientras algunos se refugian en donde pueden esperando que la policía los apoye, y aunque la policía local entra se convierten en mas victimas en tanto las tácticas especiales duran mas de un día en llegar en tanto todos las personas son ganado que matan poco a poco y donde los terroristas se van convirtiendo poco a poco en unos monstruos que disfrutan la violencia, todo esto mostrado de manera coherente y con un ritmo trepidante en un thriller que nos tiene al borde la butaca en todo momento y donde cualquiera puede morir por lo que no esperamos un final feliz aunque lo deseemos, muchos se quejan de que es demasiado entretenida pero debemos entender que es la finalidad de la cinta, Maras no intenta recrear de manera exacta sino mostrar de la mejor manera la historia y en parte lo logra, despues de todo el espíritu principal sigue en ella, los esfuerzos por sobrevivir, los momentos de valor, la ignorancia de los terroristas, el temor en el que vivimos, las dudas sobre quienes son esas voces y apodos que siguen operando libres y por supuesto la inoperancia de las autoridades que le permiten a los delincuentes ser y deleitarse el tiempo que deseen, sea aquí en México o en la otra punta del mundo.

Calificación: Bien