Cinecritica: Ghost in the Shell: Solid State Society

GHOST IN THE SHELL: SOLID STATE SOCIETY (KOKAKU KIDOTAI: STAND ALONE COMPLEX SOLID STATE SOCIETY, JAPON, 2006)

La ultima parte de la serie Stand Alone Complex sigue la curva descendente que ha tenido la serie dejando de lado los temas filosóficos para enfocarse únicamente en el político policíaco, el problema es que si desde la cinta anterior se abandonaba el thriller muy rápido esta lo hace de manera mas rápida y nos regala un final que supone una vuelta de tuerca sorpresiva pero que parece mas un truco sacado de hollywood que otra cosa, sin sentido y sencillamente tramposa, algo que el director y guionista Kenji Kamiyama se saco de la manga porque estaba consciente de lo débil del guion. Con una Motoko que ha renunciado a su cargo desde hace dos años y un Batou que solo trabaja en los casos que el desea la sección nueve se ve obligada a contratar personal que resulta prescindible para la trama porque cuando el "titiritero" aparezca y las personas prefieran suicidarse a enfrentarlo Togusa y Batou se verán obligados a unir fuerzas.

Aunque la mayor aparece muy rápido con diferentes cuerpos prestados haciendo su propia investigación, el solid state society del titulo que tiene que ver con la desaparición de muchos pequeños sin que nadie lo note y que al parecer van adoptados con los ancianos del país para preservar una raza pura que tenga la fuerza necesaria para llevar al país a un gran futuro, la accion no es tan buena como en las entregas anteriores pero la investigación de Togusa cumple bien su cometido llevándolo al ultimo a tomar una decisión limite, el problema es que el final como apunte antes es tramposo aunque no deja de ser una idea interesante que Kamiyama no condene totalmente la idea de preservación y nacionalismo, algo que en la segunda parte pareciera tomar la parte contraria.

Quizá eso es lo mas interesante de la saga, que no dice respuestas, solo plantea preguntas, por otro lado la animación cumple y los diseños estan bien logrados, lastima que los nuevos personajes solo estorben, y ademas algunos secundarios ganan protagonismo como Saito e Ishikawa frente a la poca aparición de la legendaria Motoko Kusanagi, la banda sonora cumple y creo que en general lo hace en toda la saga, con algunas buenas canciones que son muy buenas, pero el problema es que uno en automático compara con Kawai pero dejando eso de lado lo hace bien, me parece que es un buen cierre porque se poco a poco se ha ido desinflando y era difícil mantener un nivel tan grande.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex 2nd GiG - Individual Eleven

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX 2ND GIG - INDIVIDUAL ELEVEN (KOUKAKU KIDOUTAI S.A.C. 2ND GIG INDIVIDUAL ELEVEN, JAPON, 2006)

Los once individualistas son detenidos por la sección nueve pero amenazan que alguien los reemplazara, helicópteros hackeados por los mismos, muchos suicidios hasta coreografiados, y el enigmático Kuze que parecía formar parte de ellos pero que ahora juega del otro bando, que ademas posee un cuerpo sintético con una resolución indetenible, por otro lado el todavía mas enigmático Kazundo Goda, in tipo desfigurado que maneja todo a su conveniencia y que siempre va un paso adelante que los demas, mientras la primer ministro empieza a confiar plenamente en Aramaki para que descubra y saque los trapos sucios al sol, el pasado de Kuze es un respiro dentro de tanta accion pero de inmediato volvemos a la accion que desde el inicio de la cinta no se detiene.

A partir de entonces la trama se comienza a enredar de manera compleja pero nunca se traiciona hasta que llega al clímax final con un enrevesado plan que se alarga en demasía pero que no pierde fuerza con dos bandos con planes propios y donde nos enteramos de los movimientos como si fuera una partida de ajedrez, y por supuesto con el tercero en discordia que nos muestra que Japón sigue teniendo miedo y es celoso de lo que quieren hacer con ellos los norteamericanos y las naciones unidas al considerarlos un país de segunda o prescindible, también se usa la trama tecnológica pero es demasiado engorroso decir mas detalles, eso si, el final con las tachikomas de nuevo mete los dilemas morales en primer plano, los simbolismos de las manzanas y de la cruz que carga Batou buscando a Motoko como si cargara con la culpa, con escenas de accion en todo momento y una trama política siempre cambiante.

Por el lado malo la animación todavía sufre bajones, la banda sonora si demerita un poco, comparada con la cinta anterior usa mas canciones y algunas veces las tonadas tratan de imponer el sentimiento en lugar de seguirlo, solo en contadas ocasiones pero molesta algo que es mas propio del cine gringo, el crecimiento de los personajes, las personalidades, los villanos, la ambigüedad de los personajes y hasta el agridulce final, todo eso funciona bien y es un logro de Kenji Kamiyama que mantenga esta calidad, no alcanza las cuotas de el hombre que ríe pero aun asi resulta recomendable y lo de las tachikomas siguen siendo tan adorables y graciosas como en la cinta anterior y por ello su desenlace es tan sentimental como había sucedido antes.

Calificación: Bien

Cinecritica: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex - El Hombre que Rie

GHOST IN THE SHELL: STAND ALONE COMPLEX -  EL HOMBRE QUE RÍE (KOUKAKU KIDOUTAI STAND ALONE COMPLEX THE LAUGHING MAN, JAPON, 2005)

Después de ver las dos excelentes películas de Mamoru Oshii y escuchando los buenos comentarios de esta saga que funciona como otra extensión del manga de Masamune Shirow, esta cinta es un resumen de la serie que nos cuenta la trama del hombre que ríe del titulo lo que nos lleva a que la trama sea igual de densa que las películas pero con un ritmo mucho mas vertiginoso donde perder un detalle causa que despues se pierda el hilo, pero la cinta recompensa de sobremanera al espectador interesado con una trama inteligente que nos regala sorpresas y también preguntas existencialistas y de comportamiento humano. El hombre que ríe aparece justo despues de presentarnos a los protagonistas en una escena de accion con geishas asesinas, aquí de nuevo el protagonismo es para la mayor Motoko Kusanagi que sigue manteniendo en cierta forma el carácter solitario y practico, el hombre que rie hackea de manera increíble a todas las cámaras y los cerebros que tengan ciberimplantes por lo que nadie conoce su cara y maneja a los demas a placer.

Años antes ya había aparecido secuestrando al dueño de una importante compañía donde se vio obligado a escapar, Togusa es el encargado de la investigación ya que un policía lo contacto al descubrir unas fotografías pero murió en un extraño accidente, Togusa descubre lo que encubren estas y debido a eso las autoridades deben dar la cara y es cuando el hombre que ríe ataca de nuevo, algunos ataques despues Togusa va de encubierto a un lugar donde se tratan a las personas que sufren síndrome de cerramiento de cibercerebro y descubre algo raro que lo lleva a una empresa que descubrió la verdad detrás del síndrome, una terrible que involucra a la organización de salud, al gobierno y a muchas empresas en detrimento de un hombre de ciencia, a partir de entonces Motoko toma la batuta con algunos enfrentamientos muy bien mostrados, emocionantes y violentos hasta la resolución del misterio.

Solo que el director y escritor Kenji Kamiyama es muy pesimista y no permite que los villanos se rindan tan fácil ni deja la historia abierta, el gobierno ataca a la sección 9 lo que da paso al mensaje religioso y filosófico de la obra con los tachikomas y sus sacrificios y el tramo final donde el tema filosófico se torna mas denso y complejo con el hombre que ríe donde las citas ahora si saltan a cada momento dejando de lado el thriller policíaco que era hasta entonces, y por supuesto el complejo de autosuficiencia que forma parte integral de la trama, lastima que la animación no este al nivel de las cintas de Oshii, es buena pero en ciertos momentos tiene bajones, la banda sonora de Yoko Kanno también cumple pero queda muy lejos de Kawai, esto no es malo ya que no es correcto que las compare pero en general si se siente que la producción no esta a la altura de la compleja, enrededada e inteligente trama, una obra diferente pero también muy recomendable.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Ghost in the Shell 2: Innocence

GHOST IN THE SHELL 2 INNOCENCE (INOSENSU: KOKAKU KIDOTAI, JAPON, 2004)

Con una hermosa cita de "The Future Eve" y resumiendo lo que sucedió en los años de esta y la cinta anterior pasamos a ver el futurista y deplorable mundo futuro donde el solitario cyborg Batou (voz de Akio Otsuka) y el padre de familia Togusa (voz de Koichi Yamadera) estan investigando un caso donde unas gynoids han asesinado a sus dueños, Batou llega a la escena del crimen donde una gynoid ha asesinado a tres personas y se adentra en un oscuro callejon dejando hablando solos a los malhumorados policías, se enfrenta al asesino que para sorpresa del cyborg pide auxilio antes de intentar suicidarse pero Batou decide actuar para hacerlo de manera mas "humanitaria", con esta escena inicial se nos muestra la grandeza de esta cinta de Mamoru Oshii que presume unos gráficos preciosos que no han envejecido y donde se conjuntan las dos y tres dimensiones para un mundo hermoso en sus detalles pero sombrío en su realidad a pesar de que siempre nos tiene anonadados.

De igual manera los temas que toca en apenas un par de minutos son profundos y complejos y a estos se sumaran muchos mas mientras se profundiza mas en ellos, el aspecto sonoro es impecable y la banda sonora es otra maravilla de Kenji Kawai que sirve como continuación de la banda sonora de la obra mayor "Ghost in the Shell" pero con muchas mas canciones y unos arreglos para las anteriores, ya en los créditos se nota que Oshii contó con mayor presupuesto (veinte millones de dolares) y nos muestra en computadora pero en un hermoso estilo artístico como se hacen las gynoids de nueva cuenta haciendo alusion al comienzo de la vida mientras la magnifica "The Ballade of Puppets: Flowers Grieve and Fall" nos acompaña, la película es tan densa como la anterior, con mucha información y detalle, con una historia compleja e inteligente que guarda temas todavía mas profundos e importantes pero con un ritmo preciso a pesar de su corta duración.

Batou y Togusa llegan a la comisaria donde constatan que la gynoid intento suicidarse, donde la policía los odia y donde Haraway (voz de Yoshiko Sakakibara) tiene con ellos un gran debate filosófico-existencialista donde el director nos echa en cara el porque de nuestra fascinación con las muñecas, en la sección 9 el jefe Aramaki (voz de Tamio Oki) sabe de la importancia de este tema pero no hayan relación entre los asesinatos ni el porque, en tanto Ishikawa (voz de Yutaka Nakano) los llama a un sadico asesinato que parece realizado por la mafia, como única pista deciden visitar al nuevo jefe de la mafia en una escena de accion que deja en vergüenza al cine hollywoodense con disparos, pelea cuerpo y cuerpo y explosiones, por otro lado Aramaki le encarga a Togusa que este pendiente de Batou ya que si vida se ha vuelto rutinaria y solitaria.

Batou cree que vive escondido de todo el mundo, intenta no relacionarse con nadie y solo se preocupa por su perro Basset Hound Gabriel, su unico acompañante y el personaje menos mecánico de la historia, de igual manera cuando aparece se sigue jugando con la realidad, el comprarle comida siempre en el mismo lugar causa que hackeen su cerebro y mire una realidad alterna, frente a esto la sección se desentiende y deja a la pareja investigar por su cuenta mientras las pistas los van llevando a una compleja telaraña enredada donde todos los ámbitos parecen estar inmiscuidos pero donde los culpables los estan contragolpeando para desacreditarlos o incluso quitarlos de en medio, hacia el final la cinta se vuelve todavía mas compleja, si la primera mitad es un neo-noir futurista la ultima parte es un delirio audiovisual que sigue la trama y juega con la realidad tanto de los protagonistas como de nosotros mismos.

El laberinto de realidad virtual es magnifico (cada uno con los simbolismos de rigor), las citas celebres aparecen al por mayor siempre como apoyo del inteligente guion, y las partes finales con toda la accion y la aparición de cierto personaje clásico es maravilloso, cuando se descubre el misterio no nos queda mas que quedar tan anonadados como Batou y donde el director se da el lujo de meter mas preguntas y mas debate, la historia es inteligente y trata al espectador de la misma manera, los simbolismos aparecen en cada fotograma y las citas toman mas relevancia cuando se piensan un tiempo, la cinta gana con cada visionado (antes de reseñarla la vi dos veces) y es tan fantástica a nivel visual que uno nunca se cansa de verla, la escena de la casa de música es maravillosa con mayúsculas, y la música que suena con el sonido de caja musical rebotando en las paredes es esplendida y esto es en toda la cinta, desde los sonidos hasta las canciones de Kawai, la escena del desfile es otro deleite donde los detalles llegan a ser enfermizos, y por supuesto que los temas filosóficos existencialistas y religiosos siguen ahi, muchos de la cinta anterior y otros que se unen, los gynoids sexuales, los asesinatos con las reglas de Asimov, ¿que es un ser vivo? ¿en que momento se debe considerar una IA viva? el uso cruel de los corporativos de los seres vivos, el papel que juega en eso la mafia y el gobierno, la perdida de identidad, el peligro de la tecnología y la perdida de humanidad, el valor del alma y un larguísimo etc. que hacen de esta otra obra mayor de Oshii.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Ghost in the Shell

GHOST IN THE SHELL (KOKAKU KIDOTAI, JAPON, 1995)

Tras un primer visionado la obra mayor de Mamoru Oshii se siente pesada pero uno termina con la sensación de que ha visto algo grandioso y días despues sigue rumiando la historia y los temas tan complejos que toca y deja para debate, ademas con cada revisión la cinta va ganando al notar mas sus virtudes y entender mas sus complejos simbolismos, desde el magnifico inicio Oshii nos deja claro el mundo que nos presenta, con la sección 9 encargada de los trabajos sucios y las investigaciones secretas, mostrándonos ese mundo futurista sin espíritu, sucio y con infraestructura avanzada pero sombrío, con unos políticos que se pelean por un científico que ira a intentar su trabajo en otro país, con todo y guaruras con armamento vistoso y por el otro lado unidades entrenadas, en medio de esto la mayor Motoko Kusanagi (voz de Atsuko Tanaka) se desnuda y se tira desde la azotea con un cable invisible y cuando los dos políticos estan discutiendo con la diplomacia ella simplemente se mofa antes de volar en pedazos (literalmente) al tipo extranjero para despues desaparecer enfrente de todos mientras sigue cayendo y juguetea con su camuflaje.

Esta escena mostrada ¿se puede decir filmada? animada de manera perfecta por el director ya nos apunta la calidad de la obra ya que no es gratuita sino que forma parte integra e importante de la compleja historia, pasamos a los créditos donde vemos como se creo a Motoko, la concepción de su cuerpo biomecanico y su mente donde su ser, su "Ghost" esta contenido, por ello Ghost es alma y mente y Shell la coraza física que lo contiene, el cyborg pasa de ser un esqueleto de carne y metal a albergar la mente, y despues tener su piel en un extraño liquido para despues pasar a un segundo liquido y despues mostrar la apariencia humana mientras entra en un liquido en posición fetal y finalmente nace, con esto Oshii nos dice que Motoko nació en su nueva forma de esa manera, inmediatamente Motoko despierta en su departamento, un lugar pequeño y sin decoración en el que ni siquiera prende la luz para vestirse ya que ella ve ese lugar como un espacio donde guardarse no como una casa mostrándonos que ella no se considera un humano o por lo menos no vive como uno.

Un caso mas para la sección nueve, esta vez un hacker esta entrando en los cibercerebros de las personas, les modifica su memoria, su realidad y los manipula para que hagan lo que el desee, el equipo sigue la pista de los hackeos y se topan con dos recogedores de basura, uno esta siendo manipulado por un tipo que se enfrenta a los miembros en una emocionante persecución por un mercado abarrotado y luego una pelea con el agua como ring, es impresionante ver como Oshii en esta escena nos muestra a todos los integrantes del equipo, los conocemos junto a sus características, el duro cyborg Batou (voz de Akio Otsuka), el humano apegado a su revolver Togusa (voz de Koichi Yamadera), el genio informático Ishikawa (voz de Yutaka Nakano) y ademas meternos mas de la personalidad de la mayor, el tipo de la basura estaba accediendo para hackear el cerebro de su mujer ya que quiere volver con ella y ver a su hija pero resulta que todo eso solo existe en su cerebro, el vive solo desde hace diez años y se ha creado una fantasía.

Esto resulta en que Motoko todavía se sienta mas confundida sobre quien es o que hace en el mundo, tiempo despues un cyborg que se armo solo es atropellado y llevado a la sección donde los burócratas de la sección seis llegan con un plan para llevárselo al tiempo que lo que queda del cyborg se presenta como el hacker puppet master y hace sus peticiones, llegando hasta aqui ya he contado de mas la historia pero todavía falta todo el final que viene a partir de aqui, el plan del puppet master, lo que tiene que ver la sección seis y el gobierno en todo el asunto, y el armado del rompecabezas de lo que ha sucedido hasta el momento, pero quedarnos solo ahi es rozar lo grandioso de la cinta, como neo-noir futurista con thriller policíaco es muy bueno pero es la punta del iceberg, la critica a nuestra sociedad y al gobierno es interesante como lo apunta Motoko al decir que pueden renunciar siempre y cuando regresen sus cuerpos prestados, la intervención de los extranjeros, o con las intenciones de todas las instituciones de gobierno menos la sección nueve liderada por el incorruptible jefe Aramaki (voz de Tamio Oki).

Tengo entendido que el manga de Masamune Shirow no es tan profundo pero si complejo en varios aspectos, quizá Oshii lo pulió un poco pero su talento para mostrar imágenes, para contar una historia, es excelso, la animación no ha envejecido ni un apice, el ritmo es perfecto, el tipo sabe como debe verse la escena, en que plano, de que perspectiva, nunca nos perdemos en las escenas de accion y nos emocionamos como en ese maravilloso enfrentamiento final con un tanque, con personajes bien realizados con quienes nos sentimos afines, Motoko Kusanagi es de los mejores personajes del cine, y una banda sonora de Kenji Kawai acompaña y eleva lo grandioso de la cinta con un sonido muy propio. Pero Oshii va mas alla, su protagonista se hace preguntas existencialistas en cada momento, duda de la vida, de sus existencia, del significado, de lo que hay mas alla, se identifica cuando ve los recuerdos implantados de los demas, no reconoce su individualismo y esto queda claro cuando ve a un cuerpo idéntico (el guiño del perro real de Oshii cada vez que algo es ambiguo es genial), el dudar de todo lo que se ve, de la realidad, dudar de su propio yo, el paralelismo de los objetos con la protagonista, las platicas filosóficas de Motoko y Batou, el dilema de que es la vida, si se debe aceptar como forma de vida un ente informático, la finalidad de la humanidad, porque esta obra bien podría ser la verdadera secuela espiritual de "Blade Runner" ya que sigue y amplia las dudas que se ponen en esta, sobretodo con ese final donde queda claro que nunca hemos tenido un yo propio porque es cambiante y por supuesto que la finalidad evolutiva es la procreación como medio infalible de sobrevivencia que no paso a una de las mejores lineas finales que recuerdo en una escena memorable.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Okja

OKJA (IDEM, COREA DEL SUR-EU, 2017)

La mas reciente cinta del director Bong Joon-Ho es una alegoría política-social como algunas de sus otras cintas, donde de nueva cuenta ataca a los gobiernos corruptos pero sobre todo inoperantes y a las empresas que representan ese capitalismo rapaz que se aprovecha de todo y de todos, la corporación Mirando lanza un plan mercadologico donde veintiséis cerdos modificados geneticamente son enviados a diferentes partes del mundo para que años despues elijan el ganador del supercerdo al que lo haya criado mejor, diez años despues Mija (Ahn Seo-hyun, bien) pasa el dia con la cerda Okja, correteando por el monte, jugando hasta con homenaje a Totoro y hasta con la cerda salvándole la vida de la niña, hasta que llega la estrella de televisión tipo animal planet Johnny (Jake Gyllenhaal adecuadamente sobreactuado) para llevársela al concurso y de ahi convertirla en chicharrones.

Por supuesto que la pequeña huérfana no se detendrá ante nada, ni por los ruegos de su abuelo (Byun Hee-bong, el abuelo de "The Host"), ni por la lejanía, ni por la traición de la compañía, lo que da paso a la persecución en Seul que es por mucho la mejor parte del filme y que culmina con un hilarante escape a ritmo de "Annie" de John Denver que nos regala lo mejor del director; accion, humor, critica política-social, humanismo y una dirección perfecta casi coreografiada, de aui la cinta toma varios frentes, por un lado la enojada Mija que es usada por Lucy (Tilda Swinton, bien) para la imagen de la corporación, los activistas defensores de animales liderados por Jay (Paul Dano) que estan recopilando información para afectar a la empresa y preparando el rescate de la cerda y las reuniones de los ejecutivos de Mirando.

Donde Lucy tiene un temor terrible a su hermana gemela Nancy (Tilda Swinton también) que le daban una cara poco agraciada a la empresa en el pasado al igual que su padre, todo esto solo es preparación para el final que aunque esperado se alcanza un nivel formidable, de verdad tememos por la vida de Okja y ese final con una pareja de cerdos salvando a su hijo y todos los demas lamentándose es formidable, un final perfecto. Pero en si la cinta es irregular, comienza muy bien y se diluye un poco antes de llegar a ese final, pareciera que el director le dio mas importancia a sus simbolismos que a la narración de la historia, todo grabado de forma impecable eso si, Okja parece un ser vivo en todo momento al igual que los otros cerdos, y el mundo esta retratado de forma perfecta, y en lo personal no me molestan los simbolismos ni la critica.

No la veo como una cinta vegana, ya que también critica a los activistas que pueden ser tan traiciones, mezquinos, mentirosos y usar todo a su conveniencia, es decir no son tan diferentes a los capitalistas en cierta forma, pero si critica el capitalismo salvaje, la crueldad animal y la ingeniería genética, el abuelo representa a los viejos sudcoreanos que solo agachan la cabeza ante los gringos y Mija a las nuevas generaciones que no de dejan y nunca se rinden por sus ideales, ya explique lo de los activistas que se paran el cuello y son violentos y dejan sufrir a un animal si les ayuda a su finalidad, Lucy son los lideres demócratas que intentan quedar y verse bien pero son tan ambiciosos como los republicanos y quizá mas estúpidos y mas peligrosos por sus "ideales" y Nancy son los republicanos sin escrúpulos que no cuidan su imagen y son igual de ambiciosos que los otros, a final de cuentas son dos caras de la misma moneda, la política, y por supuesto Frank (Giancarlo Esposito) como ese sector (¿judíos, negros, masones?) que manipula a las dos hermanas a su conveniencia pero siempre manteniéndose en el poder, solo por tal valentía la cinta ya merece la revisada y por una persecusion que culmina con un cerdo tirando sus heces a un villano.

Calificación: Bien

Cinecritica: Voraz

VORAZ (GRAVE, FRANCIA-BÉLGICA,2016)

La pequeña y lolita Justine (Garance Marillier, fantastica) es la niña de papas que apenas sabe algo del mundo y no se ha hecho de un carácter propio, ha crecido en una familia de veterinarios y estrictos veganos que la cuidan mucho pero la tienen que dejar partir a la universidad, pero como en típica universidad de primer mundo el lugar es un infierno, los novatos son tratados con desprecio y los veteranos los hacen hacer lo que ellos quieren, a pensar como desean y humillarse en todo momento, las novatadas van desde una fiesta de perdición, bañarlos con sangre de animal y comer una víscera de animal cruda, Justine no tiene nadie en quien apoyarse, ni siquiera su hermana Alexia (Ella Rumpf, muy bien) que tiene constantes cambios en su actitud con ella, lo peor es que sumado al estrés de un nuevo mundo, las presiones, las novatadas, los abusos, el estar lejos de la familia y tener un desvergonzado compañero de cuarto homosexual se le suma una agresiva reacción alergica a la carne.

El problema es que ya que Justine ha probado la carne no podrá dejar de desearla, y mientras mas la pruebe mas la deseara, robando carne, comiendo a medianoche o teniendo su primer acercamiento caníbal en una sorprendente escena, pero las cosas no termina ahi, Justine apenas esta conociendo, reprimiendo sus deseos prohibidos (su deseo de comer carne van en conjunto con los sexuales), asumiendo la culpa cuando descubre algo mucho mas grave y peor, y es entonces cuando entendemos la primer escena del filme que hasta el momento no cuadraba en ningun lado, lo mismo sucederá con la segunda escena cuando llegue ese sorprendente y doloroso final que da miedo, terror, pena y sorpresa al mismo tiempo. 

No se debe revelar mucho de la trama ya que las sorpresas que nos va dando la historia mas alla de una sorpresa inicial van hilvanando una trama que resulta tan dolorosa como terrorífica, y es que el primer largometraje de Julia Ducournau es sorprendente por la fuerza de sus imágenes, tiene la capacidad de transportarnos a lo que sucede en pantalla, si la protagonista come carne cruda la sentimos en la boca, si muere de comezón y se rasca nos da comezón y queremos rascarnos, si algo le duele lo sentimos, la logradisima dirección, la fotografía pesimista pero realista, los sonidos perfectos, la banda sonora de Jim Williams resalta lo que sucede en pantalla, y las actuaciones son fenomenales, especialmente la protagonista pero también los padres que con un par de apariciones nos dibujan sus personajes.

La fuerza de las imágenes de Ducournau es irrebatible y sus mensajes son interesantes, el camino a la madurez de una chica, la lucha y los secretos que siempre ocultan las familias pero la búsqueda de la felicidad entre ellos, del despertar de la sexualidad, de ceder ante la presión de la sociedad, la búsqueda de identidad propia, alguna critica a la nueva sexualidad y aunque muchos vean lo contrario, una critica hacia esa corrección política que ya resulta cansina. Al final tenemos a tres generaciones enfrentando el mismo problema con dos haciéndole frente de diferente manera mientras unas lapidarias palabras dejan abierto el camino del futuro.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Alien: Covenant

ALIEN: COVENANT (IDEM, REINO UNIDO-EU, 2017)

La secuela no oficial de la incomprendida "Prometheus" sufrió el desprecio del respetable que se quejaron de que era igual a las otras cintas de la saga, algo raro ya que la queja sobre la anterior era que no tenia nada que ver, tomando en cuenta que la mayoria de los dizque fanáticos de alíen nunca estarán contentos lo valioso de todo esto es que el director Ridley Scott sigue mostrando la historia que le interesaba, o al menos eso parece, porque en esta cinta como en la anterior los protagonistas no son los zopencos integrantes de la nave, ni los terribles aliens, sino los sintéticos, David (Michael Fassbender, genial) que saboteo la misión del prometheus y el leal Walter (tambien Fassbender igual de genial) que es el nuevo acompañante de la misión Covenant, ya desde la primera escena Scott nos muestra que el tema de la cinta sera el mismo de la cinta anterior, esos debates filosóficos existencialistas que nos remiten mas a la obra maestra "Blade Runner" que a su otra obra maestra "Alien", o es un punto donde convergen.

David acaba de nacer o de comenzar a existir junto a su creador Peter Weyland (Guy Pearce en cameo) que prueba al sintético que elige su nombre y de inmediato comienza a preguntar y hasta recriminar cual es su función en el mundo, para que fue creado, porque el sigue las ordenes de un tipo que no conoce a su creador y que es mortal si el lo tiene enfrente y no morirá, Weyland simplemente le muestra que no puede no seguir sus ordenes, despues de este flashback llegamos a la nave covenant donde todos son parejas y llevan cientos de personas a colonizar un planeta, pero un fallo los despierta y responden a un llamado en un planeta desconocido donde en el mayor fallo del guion bajan sin protección, ahi como es obvio se infectan y comienza lo que mejor maneja Scott, los aliens saliendo de la espalda, el pecho o donde se pueda mientras todos disparan y corren, y aparece el sintético David a guiarlos.

Por supuesto que lo que se oculta en el planeta, lo que sucedió antes con los ingenieros y con David viviendo tantos años solo nos indica que lo que viene es mucho peor, y vaya que lo es porque cuando David empiece su sinfonía no queda mas que rendirse a los aliens saliendo de la oscuridad, los facehugger brincando de los huevos a la cara de las personas y corriendo por ahi, y hasta los monstruos copiando los movimientos o aceptando a su creador como ¿madre? por ello la tripulación no podría interesarme menos, Daniels (Katherine Waterston), Tennessee (Danny McBride), el capitán Oram (Bily Crudup) y un largo etc. son desechables necesarios en el plan del sintético David, la evolución de los aliens y el futuro de la franquicia de Scott que junto a Fassbender nos ha regalados dos de los mas interesantes personajes de la saga, el dedicado y sacrificado Walter y el megalómano David.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Momia

LA MOMIA (THE MUMMY, EU, 2017)

Vapuleada por la critica y el publico no me parece que la actualización de la momia por parte de la universal sea tan mala, es fallida eso si y principalmente por ese intento de hacer un inicio del cacareado "Dark Universe" de la universal que quiere su tajada en esto de los universos cinematográficos compartidos, y la verdad esto es lo que lastra la cinta porque tenemos un inicio que apuesta mas por la aventura y la accion que por el terror pero lo hace de manera palomera, Nick (Tom Cruise) y Chris (Jake Johnson) trabajan para el gobierno pero en realidad se dedican a robar antigüedades, en un enfrentamiento descubren una tumba egipcia, algo inaudito estando en Irak, la arqueóloga Jenny (Annabelle Wallis) esta investigando el lugar cuando Nick despierta a la momia y en pleno vuelo usa sus poderes para escapar en la mejor escena de la cinta.

Nick debería estar muerto pero sigue aqui, su compañero le habla de ultratumba para darle un toque de humor negro y por otro lado la momia Ahmanet (Sofia Boutella) esta recuperando las energías en la única parte de la cinta que es de terror, inmediatamente despues busca a Nick y la cinta recupera la accion pero desgraciadamente son capturados por la organización Prodigium dirigidos por el Dr. Henry Jekyll (Russell Crowe) y aquí la situacion pierde el ritmo totalmente, ya no es una película sobre la momia sino sobre el dark universe, la presentación de Jekyll, la organización que se dedica a pelear con entes oscuros, por ahi un cráneo de vampiro, algún documento que nos remite a otro monstruo, una pintura, y sabemos que la cinta solo nos esta preparando para las secuelas.

Por ello cuando el director Alex Kurtzman intenta volver a la cinta ya estamos perdidos y nos interesa poco lo que sucede con los protagonistas, y por desgracia tampoco lo que les ocurra en las pensadas secuelas que quizá ya no sucedan, una idea interesante pero mal ejecutada, tampoco es que los otros universos lo hagan bien pero este en lo personal es el que mas prometía ya que me importan poco o nada los cómics.

Calificación: Palomera

Cinecritica: 45 Años

45 AÑOS (45 YEARS, REINO UNIDO, 2015)

La cámara nos muestra una extensa toma de una hermosa campiña inglesa. despues vemos a una guapa mujer llamada Kate (Charlotte Rampling, majestuosa y perfecta) con su perro llegar a su casa donde su marido Geoff (Tom Courtenay, excelente) la espera para el desayuno pero este queda demasiado impresionado por las noticias de una carta que viene de suiza donde se le informa que hallaron el cuerpo de una mujer, de Katya, "mi" Katya dice el ante la mira estupefacta de Kate, su serena mujer que guarda la compostura en todo momento y que no le da mas importancia a eso que a una noticia curiosa o interesante, despues de todo solo es el cuerpo de una ex novia de su marido, una mujer que murió congelada en un viaje que tuvo con Geoff hace muchísimos años, pero desde estas primeras tomas se nos deja todo muy claro, vemos primero a Kate y esta escena sin cortes del desayuno la seguimos siempre a ella, conocemos su reacción cuando Geoff le da la noticia aunque no conocemos la de él, una temática que se repetirá toda la cinta y donde ella es la principal protagonista.

Kate esta demasiado ocupada preparando el aniversario de boda numero cuarenta y cinco, un numero peculiar al que tuvieron que recurrir ya que en su aniversario cuarenta Geoff estaba enfermo, el problema es que pareciera que su marido esta obsesionado por la noticia del cuerpo de Katya que le ha traído a la mente todos esos recuerdos que estaban enterrados en su mente, o quizá no estaban enterrados como ira descubriendo poco a poco Kate mientras la sombra de esa mujer se va alargando para cubrir el pasado y hasta el futuro de una relación que aparentaba ser perfecta como si de un sombrío cuento gótico se tratara, el director Andrew Haigh divide la cinta en días de la semana, desde el lunes hasta el día de la fiesta, el sábado mientras todo se va poniendo mas denso y pesado, pasa a Kate de una sensación de felicidad y seguridad a desesperación y decepción de forma natural y creíble, con una Charlotte Rampling maravillosa que con solo una mirada, un gesto, un ademan, un movimiento, los cambios de tono en su voz, los movimientos corporales en una clase magistral de actuación.

Haigh deja que los actores hagan su trabajo y estos se lo recompensan de manera extraordinaria, y el director sabe aprovecharlos, Rampling y Courtenay se nos muestran de espaldas, fuera de cámara y aun asi siempre nos transmiten lo que sucede en escena, lo que sienten y piensan, sobre todo de una Kate que se va desmoronando por mas que intente ser fuerte y aferrarse a los cuarenta y cinco años de matrimonio con el amor de su vida, algo que su marido no facilita, siempre hablando de Katya, de su viaje, de un pasado que rememora con añoranza, primero queriendo ir a Suiza a identificar el cuerpo que queda como mera anécdota, para despues comprar libros sobre el calentamiento global, preguntar por los boletos del viaje, pasar la noches en el ático con sus recuerdos y contarle a Kate todo lo que vivio con ella en ese viaje, cuanto la amaba, como se encelaba, sus anhelos y deseos a futuro con ella y el fatídico accidente que se la arrebato mientras Kate primero lo escucha con curiosidad, luego con obligación y finalmente con desesperación.

La vida de Kate se va convirtiendo en un infierno, su idílica vida se desbarata, el pintoresco pueblo parece un infierno, y la campiña donde esta su casita perfecta parece un desierto, y nosotros lo sentimos junto con ella, nos desesperamos y sufrimos con la fuerte mujer mientras vemos como lo que al principio era una pequeña duda se va convirtiendo en dolorosa certidumbre, para ella mucho mas que para nosotros aunque también nos sentimos indecisos sobre Geoff y lo que el siente y piensa, por mas que al final el tipo se quiebre cuando de su sentido discurso que nos emociona casi tanto como a él pero despues se nos quebra el corazón cuando la pareja baila el primer baile al ritmo de "Smoke Get In Your Eyes" de The Platters y el baile se va convirtiendo en algo mas hasta que la cámara queda tomando a Kate sola con la canción de fondo en un final desgarrador y extraordinario.

Un ejemplo de Haigh sobre como contar una historia, con muchísima clase, un ritmo perfecto, una fotografía preciosa, las tomas impresionantes, con un sentido de narrativa perfecto, un reparto secundario esplendido, y unos protagonistas que estan soberbios, en especial Rampling que da cátedra en cada escena, en cada segundo que aparece en pantalla donde con apenas una mirada nos trasmite todo lo que siente y piensa, ¡hasta a oscuras! con cada fotograma cuidado esta cuidado de forma enfermiza y mostrada de manera exquisita, con una banda sonora excelente y donde la música forma parte de la narrativa y no solo para nosotros, mostrando el animo de los personajes, para muestra cuando Kate quita la radio o ese doloroso final de una obra mayor.

Calificación: Excelente