Cinecritica: El Huésped

EL HUÉSPED ((THE HOST) GWOEMUL, COREA DEL SUR, 2006)

El tranquilo anciano Park Hee-bong (Byun Hee-bong, excelente) y su lento hijo Park Gang-du (Song Kang-ho, perfecto) estan llorando la muerte de la pequeña Park Hyun-seo (Go Ah-sung, sorprendente) cuando llega la tía Park Nam-joo (Bae Doona, magnifica) que se desata a llorar frente la foto de su sobrina y finalmente el tío Park Nam-il (Park Hae-il, impecable) llega tomado para empezar a soltar culpas mientras todos se gritan, forcejean, caen al suelo y son victimas de los rapaces periodistas que los toman como si fueran atracción de circo mientras los cuatro se retuercen en el suelo, esta escena (atacada por todos) es la muestra perfecta del estilo y ritmo de la cinta del talentoso director Bong Joon-ho, drama, comedia, satira, parodia, terror, accion, sin olvidar la ácida critica a la sociedad y el sistema. 

Desde el inicio esto queda muy claro ya que el director no es muy sutil en sus mensajes, lo cual no es un defecto sino una característica, un científico norteamericano le ordena a uno coreano que tire un químico muy peligroso en el rió Han sin darle importancia al asunto, el coreano sabe que afectara su país, su hogar, su gente, pero no es mas que un pelele del gringo y lo hace, dos años despues una extraña criatura parece haberse formado en el rió, cuatro años mas y un suicida distingue el terror que se les viene encima no sin antes soltar un insulto casi como si el mismo director hablara, Gang-du esta durmiendo como acostumbra mientras su padre atiende el local, solo despierta cuando llega su hija a quien intenta tratar como una princesa a pesar de su lentitud, mientras Nam-joo esta compitiendo en tiro con arco y el tio fungiendo como padre en la escuela.

En esas pocas escenas ya sabemos todo de los personajes, el preocupado, estricto y responsable abuelo, el dormilón y tonton padre que haría todo por su hija, la tía que por lentitud o indecisión no dispara la flecha a tiempo, el borrachales tío que sigue viendo al sistema como un problema, y nos encontramos asimilando esto cuando un extraño ser aparece colgado del puente del rio Han, se tira al rio y acerca a la orilla y lo que era curiosidad y emoción de las personas se convierte en horror e histeria cuando el monstruo sale a tierra y empieza a matar a cuantos pueda, Bong Joon-ho graba esto de forma magistral y nos enseña que el heroico militar gringo hace lo mismo o menos que el supuesto retrasado Gang-du, en esta cinta no hay héroes, solo personas, pero un error causa que la pequeña Hyun-seo sea atrapada, todos suponen su muerte y la familia es llevada a resguardo donde se nos muestra la inoperancia, estupidez y soberbia del gobierno siempre mostrada en personajes estúpidos, corruptos y groseros que solo se imponen pero nunca ayudan.

De hecho resultaran ser el principal villano de la cinta, el estorbo y la amenaza mas grande para la familia que a partir de una llamada casi de ultratumba de Hyun-seo saben que la pequeña esta viva, que el monstruo la tiene raptada y que se encuentra en una gran cloaca, poco mas, pero la policía, científicos y burócratas solo tachan esto de locura lo que los obliga a escapar para darle caza a ese monstruo, todo culmina en un punto de inflexión de la cinta donde los miembros se ven obligados a separarse y cada uno por su lado buscar el rescate de la pequeña, mientras uno es traicionado el otro corre incansablemente para verse las caras con la bestia y otro sufre con las acciones de los militares que se descubren no solo estúpidos sino ademas malvados, revanchistas, crueles y lo que se acumule.

En este punto la cinta ha tomado un camino cien por ciento oriental donde cada uno se sacrifica para avanzar un poco en el rescate hasta llegar al climático y emocionante final donde la critica llega a un punto máximo pero también la emoción con los protagonistas haciendo hasta lo imposible por salvar a la pequeña, estas escenas finales son perfectas como también el sarcástico final donde se nos habla del valor de la familia, de los lazos que nunca se pierden, y para llegar a esto hemos pasado por escenas magnificas en todo momento, con la familia y tambien las de la pequeña que nos muestra la terrible naturaleza del monstruo y nos regala escenas de suspenso y terror que estan entre lo mejor del genero, pero el director nunca olvida el humor (negro en su mayoria) y esa puesta en escena que es perfecta, Bong Joon-ho le da muchísima fuerza s sus escenas y usa los efectos especiales de forma muy inteligente, acompañado por una soberbia banda sonora que acentúa lo que sucede, parece salir del relato en lugar de acompañarlo, una maravilla de Lee Byung-woo. En pocas palabras una obra mayor y una de las mejores películas de monstruos de todos los tiempos que entretiene, educa y eleva como en ese clímax final donde el rescate ha dejado paso a una venganza necesaria.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Hambre de Poder

HAMBRE DE PODER (THE FOUNDER, EU, 2016)

Estamos en plena epoca antirepublicana, con todo mundo odiando al presidente de los EU, y la película de John Lee Hancock no pudo llegar en mejor momento, la primer película republicana y que representa el sueño americano a la perfección, la búsqueda de sueños y el como conseguirlos, todo esto con una biopic sobre el fundador de imperio billonario de McDonald's, pero desde el titulo vemos la ambigüedad de toda la historia ya que nos habla del fundador cuando el protagonista no fundo la compañía, conocemos la historia de Ray Kroc (Michael Keaton, notable), un vendedor de malteadoras que ya lo ha intentando con decenas de negocios pero sigue sin lograr exito, cuando le piden una cantidad inusual de malteadoras el tipo decide ir a ver que demonios esta pasando en ese restaurante y se encuentra con un negocio que vende comida rapida en cuestion de segundos, sin meseros, sin platos, y con apenas tres productos en el menu, es practico y exitoso.

Kroc conoce a los hermanos McDonald quienes no guardan su forma de trabajo como un secreto sino que se enorgullecen de ello y lo cuentan, el buenazo de Mac (John Carroll Lynch, bien) y el practico Dick (Nick Offerman, bien) quienes le muestran una cocina perfecta y en la cena le cuentan su historia como antiguos trabajadores de la industria del entretenimiento, el comienzo del restaurante tipo 50 con las chicas en patines y los problemas del modelo, el cambio de ciudad del mismo y como implementaron el nuevo sistema con serios problemas pero logrando finalmente un exito, Kroc se obsesiona con el restaurante y les dice que lo conviertan en franquicia, los hermanos se niegan, lo han intentado antes con malos resultados, pero Kroc los convence y empieza a venderlos a sus amigos con dinero que lo subestiman y que usan mal el nombre.

Kroc decide usar familias que sean unidas y trabajadoras, que manejen su propio restaurante, la franquicia empieza a crecer pero Kroc no ve ganancias, las deudas lo estan ahogando y los bancos ya no le prestan, su leal mujer Ethel (Laura Dern) no aguanta mas y le reclama mientras los hermanos McDonald no aceptan ningún cambio que les presenta y se sienten incómodos con los comentarios que hace a la prensa y algunas actitudes, pero el colmilludo Harry Sonneborn (B.J. Novak) le aconseja hacer trato por medio de las tierras, es asi como Kroc comienza usar los contratos a su beneficio, a dejar a su mujer solo porque si, a robarle la mujer a un cliente, a dejar a los hermano fuera por medios legales y por supuesto terminar de aplastar a toda la competencia.

Es decir Kroc empieza a mostrar su verdadero ser, sale a relucir el monstruo que estaba escondido en ese mediocre vendedor, en el desesperado empresario que es incomprendido y tiene mil problemas, en ese tipo que admiramos por su determinación, por la fuerza a no rendirse, sentimos empatia por él, para al final sentir aversión por este descarado pillo por mas que admiremos su victoria, una victoria inmoral pero victoria al fin y al cabo, y es que Kroc representa el capitalismo en su máxima expresión, en el sueño americano que solo se puede lograr destruyendo el de otros, con esas escenas finales donde vemos a las victimas teniendo que aceptar la palabras de un hombre sin escrúpulos, donde sabemos que Kroc siempre supo eso, y que la calidad no es lo máximo para el, las ganancias si.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Talentos Ocultos

TALENTOS OCULTOS (HIDDEN FIGURES, EU, 2016)

Cinta biopic demasiado edulcorada, pensada para la temporada de premios y políticamente correcta, los blancos son malos e idiotas y los negros son perfectos; santos, inteligentes, morales, etc. estos clichés son molestos porque se repiten en demasía, por ejemplo la parte donde la protagonista llega y piensan que es la que hará el aseo, lo unico que me preocupa es que en estas cintas las mujeres blancas siempre son arpías pero bueno, supongo que la culpa del pueblo hace que vean estas cintas que son conciliadores y piensen son humor que sus antepasados eran muy idiotas, dejando el tema ese de lado lo que es verdaderamente importante es la historia de las computadoras de color que ayudaron a la nasa en la carrera política espacial, y en especial de esas tres o mejor dicho de Katherine (Taraji P. Henson) cuya ayuda fue vital en el lanzamiento según la cinta.

Esta historia necesitaba una mejor película pero todo se resumió a una historia básica que intenta ser bonita en todo momento, que intenta inspirarnos, y que usa el humor cada que puede aunque se sienta forzado, Katherine es llevada a las oficinas generales donde se hacen los cálculos y demuestra que puede mas que Sheldon racista (Jim Parsons haciendo su personaje de televisión) y su equipo, Dorothy (Octavia Spencer) que con astucia se informa sobre la computadora IBM para seguir siendo indispensable, y Mary (Janelle Monae) que lucha por estudiar para aspirar a ser astronauta, la cinta simplemente transcurre mientras vemos chistes y unas mujeres que no se rinden pero que tampoco batallan mucho hasta que logran su cometido a pesar de un gobierno y sociedad racista.

Con aspectos técnicos que cumplen y artísticos inexistentes la cinta tiene un aire de producto televisivo donde el director Theodore Melfi no se nota, y con una banda sonora que queda por debajo, en cuanto a producción de epoca cumple, lo bueno es que tenemos a un actor como Kevin Costner como Al Harrison que levanta la cinta cada que aparece, que se roba cada escena en la que sale, es decir un actor de la talla y el talento de Costner es capaz de sostener la cinta por si solo aun si no es protagonista, lastima por Kirsten Dunst que saca petroleo de un personaje cliché, a pesar de mis quejas la cinta se deja ver y es simpática por lo que aguanta el palomazo.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Camino a Casa

UN CAMINO A CASA (LION, REINO UNIDO-EU, 2016)

El primer largometraje de ficción de Garth Davis es muy valorado tanto por críticos como por la audiencia general, despues de ver la cinta uno no entiende tanta algarabía pero debo aceptar que es una cinta pensada milimetricamente, no solo para ganar premios sino para ganarse al respetable, es chantajista y consciente de ello, hasta un cínico de mi categoría solté alguna lagrima al final a pesar de saber que es lo que justamente buscaba la cinta, el director logra algunos buenos momentos en fotografía, tiene una gran producción y un reparto de lujo para la historia, todo esto nos lleva a que la mayoria de las personas la sobrevolaren pero eso es algo que se cura con el tiempo, ademas la cinta no me molesta como muchas otras chantajistas porque tiene algunas virtudes.

Entre las virtudes tenemos una primera parte que cumple con buena calidad, en ella vemos al pequeño Saroo (Sunny Pawar, lo mejor de la cinta) que insiste en acompañar a su hermano con quien siempre pasa el tiempo para ganar un poco de dinero en ayuda a su madre o para disfrutar los dulces favoritos, el niño se queda dormido esperando en la estación de trenes que vuelva su hermano, se despierta y lo busca para terminar dormido de nuevo en un tren que lo lleva a kilómetros de distancia, llega a un lugar donde lo busca la mafia de trata, donde una amable mujer le pone una trampa con un disfrazado maleante, y donde llega a un difícil orfanato donde aguanta hasta que es adoptado por una idílica familia australiana que le enseña a otra vida donde se debe comer con cubiertos.

Al crecer Saroo (Dev Patel) es un profesionista exitoso con una hermosa novia (Rooney Mara), cuyo unico problema es que su madre (Nicole Kidman) sufre por el otro hijo adoptivo que no pudo abandonar sus demonios que eran mas pesados que los de Saroo, pero al recordar por medio de la comida su pasado en una de las escenas mas logradas Saroo se obsesiona con encontrar su verdadera familia, se aísla e imagina lo peor, a su hermano buscándolo, su madre sufriendo, y finalmente con la ayuda de la tecnología emprende una búsqueda que sabemos como terminara, en un final chantajistamente culpable donde nos enteramos de lo que sucedió con su hermano y con la reunión en los créditos de sus dos familias, es verdad Saroo sufrió mucho pero el destino se lo compenso son dos familias que lo aman asi que tambien por ello resulta regocijante para todos, no es buen cine, es cine que sabe que teclas oprimir.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Fragmentado

FRAGMENTADO (SPLIT, EU, 2016)

Tres adolescentes son secuestradas en un estacionamiento de alguna ciudad norteamericana por un tipo que las lleva a un pequeño cuarto, las chicas no saben para que las tiene ahi, para aprovecharse de ellas quizá, o pedir rescate o simplemente es un demente, al tiempo se dan cuenta que el tipo llamado Kevin (esforzado James McAvoy) sufre de trastorno de identidad disociativo y que varias personalidades habitan en el, 23 para ser mas específicos, la doctora Fletcher (Betty Buckley) tiene la teoria de que la mente es tan poderosa que puede causar muchas personalidades donde el sujeto no solo cambie su modo de pensar y su acento, también puede cambiar su química corporal (una de las personalidades de Kevin es diabetica) y que los limites los impone su propia mente.

Valiente decisión del director M. Night Shyamalan que de ser una gran promesa ha venido a menos durante los últimos años, y aquí no es la excepcion, la idea es interesante si aceptamos que estamos viendo cine y este es fantasía pero se fue demasiado por las ramas, ¿para que explicar tanto científicamente si sabemos que es fantasía? ¿porque tantas personalidades? son demasiadas y por ende solo conocemos algunas, no hay tanto tiempo para desarrollarlas, en la película las tres chicas tratan de escapar de todas las formas posibles aunque solo una esta preparada para un problema asi, la retraída Casey (Anya Taylor-Joy) siempre pensante y deduciendo lo que puede, haciendo planes y finalmente enfrentándose al monstruo de múltiples personalidades que preparan un sacrificio para la personalidad escondida, la llamada Horda.

La cámara siempre claustrofobica, el cuarto pequeño y oscuro, esas tomas bien pensadas, y un McAvoy muy entregado es lo que salva esta cinta que se va volviendo redundante hasta que llegamos al final que ya esperábamos, dicen por ahi que una vuelta de tuerca, la verdad no la vi porque se anuncio toda la cinta, aun asi la señorita Taylor-Joy sigue consolidándose en la industria y junto a McAvoy cargan la cinta, ese enfrentamiento final vale la pena solo por las actuaciones de ambos, lo que si fue sorpresivo fue ese momento final donde aparece David Dunn (Bruce Willis) de la mejor cinta de Shyamalan, la obra mayor "Unbreakable" (2000, M. Night Shyamalan), que con su semblante parece resignarse a enfrentar a la Horda al mismo tiempo que escucha como hablan de Mr. Glass, el mejor momento de la cinta, el mas emocionante porque nos remite al mejor cine del director, pero también el mas penoso porque vemos a un director aferrarse al pasado que ya no volverá.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Mujeres del Siglo XX

MUJERES DEL SIGLO XX (20TH CENTURY WOMEN, EU, 2016)

Casi terminando la década de los setenta tenemos al puberto Jamie (Lucas Jade Zumann) tratando de integrarse a la sociedad, de madurar, de descubrir su sexualidad, de vivir la vida aunque no tenga ni idea de como ni a donde ir, y es que Jamie no tiene un modelo masculino a quien seguir, ni lo necesita, su independiente madre Dorothea (Annette Bening, muy bien) lo ha educado toda la vida sin ayuda y siempre con moral intachable, el problema es que la misma Dorothea siente que esta perdiendo a su hijo, que ella tampoco sabe como guiarlo y educarlo sobre la vida por lo que pide la ayuda a otras dos mujeres, la artistica Abbie (Greta Gerwig) que nació justo en la epoca de los baby boomer, tan diferente a Dorothea quien viene de la guerra y la gran depresión, asi como también es muy diferente la liberal Julie (Elle Fanning) que sube a la habitación del chico para dormir sin tocarse, como dice la canción con todos menos conmigo.

Tenemos al tipo valemadrista hippie (Billy Crudup) que solo arregla cosas y pasa de una mujer a otra, entre todos intentan enseñarle sobre la vida a un Jamie que comienza poco a poco a interesarse en cosas y no solo vivir su vida sin saber que diablos hacer o pensar, desde sexualidad a menstruación, a los derechos, al feminismo, tanto que el chico se plantea seriamente si es un feminista, asi los dos, madre e hijo comienzan a entenderse a pesar de estar obligados a vivir en una misma realidad pero vista desde dos perspectivas totalmente diferentes. La voz en off del mismo adolescente nos lleva de la mano y explica todo lo que sucede mientras nos suelta algunas verdades que a veces indigestan de lo ácidas.

También tenemos la narración en off de Dorothea, que explica su vida, que se pregunta igual que el chamaco, y que como este nos dice hasta su futuro, todo esto en un guion del director Mike Mills que entrega una cinta feminista sin caer en las provocaciones y tonterías del feminismo "new age", usando a tres mujeres de diferentes épocas con diferentes pensamientos y diferente relación al protagonista que pudiera uno imaginarse es el mismo, ademas la cinta esta bien filmada, con buena recreación de epoca y con un soundtrack buenísimo, la mayor critica a ella es que alterna escenas muy buenas y su tono decae mucho en otras, es decir no lleva el ritmo normal de una cinta en in crescendo, pero esto es obvio ya que la cinta es como la vida misma, asi la quiso contar Mills y es una característica mas que un defecto.

Calificación: Interesante

Cinecritica: La La Land: Una Historia de Amor

LA LA LAND: UNA HISTORIA DE AMOR (LA LA LAND, EU, 2016)

Estamos en un terrible embotellamiento en los Angeles, todos estan tocando sus bocinas y escuchando su música favorita, en medio de este desastre una chica sale de su carro y comienza a cantar "Another Day of Sun" sobre un amor perdido y la búsqueda de un sueño, otros tipos salen y le acompañan, se van sumando poco a poco mas hasta que todos los que estan en el trafico ya estan fuera cantando y bailando, se abre el paso a una banda que ameniza todavía mas y de pronto la cámara nos muestra todo el lugar repleto de carros y a todos bailando encima de ellos, todo esto en un prodigioso plano secuencia que parece nunca terminara y donde a un servidor ya le había ganado la partida, solo por esta formidable escena la película ya valía la pena, y es que el plano no corta hasta que nos muestra a Sebastian Wilder (Ryan Gosling, bien) y Mia Dolan (Emma Stone, perfecta) y nos dice a que se dedican y como son, Sebastian con su búsqueda de perfección en la música jazz y Mia en su inseguridad como actriz.

Mia trabaja en el café de los estudios Warner donde conoce a muchas estrellas mientras sueña ser una de ellas, pero en sus audiciones falla una y otra vez, la chica se desploma pero eso no evita que sus compañeras le levanten (o intenten) el animo invitándola a una fiesta donde conocerá a todos los clichés de hollywood pero quizá conozca a ese alguien especial "Someone in the Crowd", por supuesto para Mia esta vida de lujos y grandeza falsos no le interesan y de vuelta a su casa escucha una música de un club, al entrar ve al culpable de tan bella pieza, y como lo despide su jefe Bill (J.K. Simmons casi en cameo extendido), pasamos a ver la vida de Sebastian donde el tipo conduce a través de toda la ciudad para torturarse porque en un antiguo club de jazz ahora venden tapas y bailan samba, vive como un zombie ermitaño que se aferra a su sueño de abrir un club de jazz donde se toque el verdadero jazz.

Y que por necesidad toca en el club de Bill, donde este le avisa firmemente que no cambie la lista para tocar jazz libre, algo que obviamente Sebastian no resistira, al ser despedido el tipo manda al demonio a Mia, tiempo despues Mia se topa con Sebastian en una fiesta donde este toca para una banda de peticiones, Mia en venganza pide "Ran" y se mofa de el en su cara, Sebastian la busca y le pide disculpas al mismo tiempo que tambien la pica, a terminar la fiesta Mia le pide a Sebastian que la salve y los dos buscan su carro siempre peleando a pesar de la quimica entre ellos, lo que culmina con la exquisitamente divertida "A Lovely Night" y vemos a los dos bailando tap con una vista perfecta. Sebastian va a buscarla a su trabajo donde esta le cuenta sus sueños y como inicio todo con si tia, el la anima y le cuenta sobre los suyos, cuando Mia suelta el odio el jazz la lleva a conocer el mundo de este lo que la lleva a interesarse, finalmente quedan en ir al cine a ver "Un Rebelde sin Causa".

Ese día Mia falla nuevamente en una audición pero espera con felicidad la noche olvidando que ya había quedado con su novio en una cena, pero Mia al escuchar jazz en los altavoces deja plantado a su novio y va con Sebastian donde comienza una hermosa historia de amor, con miradas, las manos buscando, los dedos jugando, el beso negado, y la ida al observatorio termina en una maravilloso bailable en el cielo nocturno (Planetarium) y en un beso que sella su amor, comienzan a vivir una idílica historia de amor disfrutando al máximo cada momento, Mia se arriesga con su sueño en un unipersonal, pero Sebastian se siente presionado a ganar dinero y dejar su sueño en pausa, por lo que acepta la oferta de Keith (John Legend) quien lo contrata para una banda de jazz actual que parece todo menos eso y donde todo es electrónico, Sebastian odia esa música pero le da dinero y fama, le gusta a las personas y le da seguridad aunque halla olvidado su sueño, algo que le recuerda Mia con amargura y que los lleva a pelear.

Atrás han quedado los días en que cantaban junto al piano "City of Stars", cada quien esta por su lado buscando su sueño aunque al final los dos se necesiten para poder conseguirlos, hasta este momento llevamos hora y media de una película muy buena, super recomendable y muy hermosa, con una fotografía magnifica, una banda sonora esplendida de Justin Hurwitz, una dirección prodigiosa de Damien Chazelle, un guion inteligente y pensado, unas actuaciones excelentes y un mensaje que es tan bello como necesario, pero entonces vemos el final donde Mia abre su corazón y canta "Audition (The Fools Who Dream)" donde Emma Stone nos rompe el corazón y nos muestra que es una actriz soberbia, ella sola, con un telon obscuro de fondo y una tenue luz para que la veamos nos cuenta cantando la historia de su tía, su historia, el sentir del director y nos gana y conmueve hasta las lagrimas desgarrando nuestro corazón y por si esto fuera poco Chazelle se da el lujo de todavía regalarnos una parte final majestuosa donde la historia de Mia y Sebastian se vuelve nostálgica, desgarradora, hermosa, conmovedora pero al mismo tiempo madura y conciliadora.

Y es que la película técnicamente es perfecta, esos planos secuencia larguísimos, las tomas perfectas, las escenas largas dejando que los actores y las locaciones hagan su trabajo, con un guion magnifico porque bebe de los clásicos del genero musical, como lo hace también el diseño artístico y el estilo, con referencias a cada minuto que son una delicia para los cinefilos, porque la historia nos remite a esos clásicos pero al mismo tiempo es actual, Chazelle escribe un guion que sirve al mismo tiempo como homenaje y actualización, porque la historia tiene algo del cinismo actual pero nunca abandona el estilo clásico, porque esta misma contradicción esta en la cinta como tema central, Sebastian ama el jazz y no quiere que se cambie su esencia pero los que tienen éxito actualmente le recriminan que el jazz es revolucionario, él no lo es, es decir Chazelle es un romántico empedernido como sus protagonistas pero al mismo tiempo no se cierra a que las cosas pueden y deben cambiar pero siempre sin perder su esencia.

Artisticamente la cinta es hermosa, los sueños, el incluir los sueños dentro de la vida común, se ve casi etéreo, con una belleza fenomenal y natural de Stone que ocupa que la empujen a lograr su sueño, de un Sebastian que abandona por un momento el suyo a causa de seguridad en su vida, ellos representan al mismo Chazelle que vio truncada su vida como baterista de jazz pero que encuentra una segunda oportunidad como cineasta y ha demostrado mucho talento, su anterior cinta "Whiplash" es una obra mayor, esta no queda lejos, tenemos aquí el amor del director por el jazz, por el cine, por los musicales, por el romanticismo, por los tiempos de antaño, por la fabrica de sueños que es L.A. a quien le dedica la cinta y hasta una canción en especifico, en parte parece material y superficial pero en el fondo la ciudad es el lugar donde nacen las estrellas, ademas la majestuosa historia de amor de Mia y Sebastian son suficientes para ver la cinta, es hermosa y nostálgica, preciosa y desgarradora, juguetona y sentimental, divertida y sufrida, y por supuesto ese final de lo que pudo pero no fue es hermoso, uno no puede mas que rendirse y llorar si es que no lo ha hecho antes y por cierto quizá sea lo mismo que piensa Chazelle del cine, tenia que haber tomado otro camino pero no por ello esta perdido, todavía se puede encontrar y pelear por la belleza y el arte en el cine y él es la muestra perfecta de ello.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Día del Atentado

DÍA DEL ATENTADO (PATRIOTS DAY, EU, 2016)

El profesional sargento Tommy Saunders (Mark Wahlberg) esta condenado a fungir como transito el día del atentado de la maratón de Boston del 2013 por haber golpeado a un compañero policía, el tipo tiene una vida perfecta, le gusta su trabajo, y tiene una esposa perfecta en la abnegada Carol (Michelle Monaghan) pero por otro lado su profesionalidad le lleva no ser tan popular como debería, este personaje serio, hosco, entregado a su trabajo, país y sociedad forman parte integral del cine del director Peter Berg que de nueva cuenta nos entrega un relato sobre Estados Unidos, sobre sus héroes que no son superheroes sino que son el clásico héroe hawksiano que hace su trabajo de forma profesional con mucha ética. Y con este ficticio personaje se nos conduce a través de muchos otros hilos, conocemos a todos los demas personajes que nos son presentados casi de forma documental.

Los hermanos Tsarnaev preparando el ataque en la maratón, el policía Jeffrey (J.K. Simmons) que sigue su rutina, el comisionado Ed (John Goodman) que es tan duro como entregado, los políticos, cierto estudiante chino, un cursi policía que intenta conquistar a una estudiante nerd, la mujer de uno de los atacantes, y un largo etcétera, todos ellos nos son presentados de manera ágil por el director que casi de inmediato nos lleva al suspenso con el que vivimos el atentado, y de ahi a sufrir la falta de empatia de un gobierno que no sabe como actuar, pero aun asi los héroes entran en accion, un dedicado agente del FBI (Kevin Bacon) que junto a los policías antes mencionados investigan el incidente, recopilan pruebas, recorren el lugar de la explosión, entrevistan a los que pueden, consiguen los vídeos de todos los lugares y finalmente dan con los tipos que ya han comenzado la segunda parte del plan.

La película pierde un poco de fuerza aquí ya que comienza el interrogatorio con todo y tortura de la mujer del atacante, y lo demas es una corretiza que termina en una balacera muy bien filmada por Berg pero que tiene un final de los tipos muy anticlimatico, ademas ese discurso que se avienta el protagonista es totalmente innecesario, todos entendíamos y perdonábamos que la cinta fuera patriótica pero el hecho de la falta de tacto del director hecha por la borda gran parte de lo que había construido, aun asi la fuerza esta bien filmada y tiene tanta fuerza que no siempre nos mantiene atentos, le sumamos gran destreza técnica y un gran reparto y es una cinta que no deja insatisfecho.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Hasta el Ultimo Hombre

HASTA EL ULTIMO HOMBRE (HACKSAW RIDGE, AUSTRALIA-EU, 2016)

Desde el inicio Mel Gibson nos deja claro como sera su cinta, con su protagonista Desmond Doss (Andrew Garfield, excelente) diciéndonos que Dios es todopoderoso y que los que lo siguen no sufrirán gracias a Él, con unas escenas de guerra formidables donde Gibson no rehuye a las escenas sangrientas, las escenas de accion estan tan bien grabadas que uno queda estupefacto, son tan épicas que nos pone la piel de gallina, pero al mismo tiempo son tan violentas que a uno le dan ganas de apartar la vista, de cerrar los ojos, pero no podemos, lo que vemos es tan grandioso como terrible y Gibson lo graba con tal convicción y fuerza que nos vemos obligados a ser testigos de lo terrible de la guerra, pasado el prologo nos regresamos hasta la niñez de Desmond Doss donde con su hermano pasan mucho tiempo en la naturaleza, con un padre (extraordinario Hugo Weaving) veterano de la primer guerra que sufre un severo alcoholismo y que por lo mismo ejerce siempre la violencia con su familia.

El pequeño Desmond pelea con su hermano y casi lo mata con una piedra, a partir de este momento cuando el niño se acerca a Dios es cuando su fe se convierte en algo muy fuerte en su vida, ya de joven el chico pasa mucho tiempo con su familia y en la iglesia, cierto día le salva la vida a un joven y al llevarlo al hospital conoce al amor de su vida, la preciosa enfermera Dorothy (preciosa Teresa Palmer), a la que no ceja de conquistar hasta que logra su cometido en una hermosa muestra de cine de conquista que ademas es graciosa cuando debe, muy bien Gibson mostrando que puede grabar lo que sea, al tiempo Desmond decide unirse al ejercito, todos lo hacen y su hermano ya esta alla, el chico se enrola y asi conocemos a un grupo variopinto de soldados que con la llegada del sargento Howell (hilarante Vince Vaughn) nos entregan algunas escenas desternillantes.

Pero este tono dura poco, aunque Gibson nunca deja fuera el humor sin importar la situacion, cuando Doss se rehúsa a tomar un arma, el capitán Glover (Sam Worthington) intenta darlo de baja por locura, al no poder hacerlo lo presionan para que se vaya solo, despues ponen en contra a sus compañeros de artillería quienes lo dejan como santo cristo, y finalmente es llevado a corte marcial donde nadie puede hacer que cambie de decisión, al final a Doss le permiten ir a la guerra gracias a algunas salvadoras ayudas, y asi llega a Hacksaw Ridge con un ejercito norteamericano derrotado y cientos de muertos llevados como sacos de basura, el ataque inicia y con esto el infierno de la guerra, balas por doquier, explosiones en todo momento, desmembramientos por aquí y por alla, gritos, lanzallamas, misiles, ametralladoras, sacrificios, cobardías y finalmente un bombardeo sin piedad cuando los norteamericanos de nueva cuenta son vencidos.

Todo esto contado de manera excelsa por Gibson que tiene la inteligencia y la fortaleza de contar la historia de la manera correcta, de forma violenta, sin retirar ni maquillar nada, mostrando los horrores de la guerra y echándonos en cara esa violencia que deseábamos ver y de la que ahora rehuimos, con mucho gore y hasta humor negro, ese momento donde el soldado usa el la mitad de un cadáver para cubrirse las balas, y en medio de todo ese desorden, de toda esa muerte, tenemos a nuestro protagonista queriendo salvar la mayor cantidad de vidas que pueda, mas aun cuando todos se retiren Doss se queda y le pide a Dios que le diga que quiere que haga para solo escuchar los gritos de auxilio pidiendo medico de los soldados heridos, no necesita mas, a partir de este momento de forma infatigable y llevando al limite su cuerpo y mente Doss salvara a los heridos que encuentre metiéndose en la misma boca del lobo, bajándolos de uno por uno mientras con las manos destrozadas y el cuerpo agotado le implora a Dios que le ayude a salvar a uno mas.

Las convicciones de Gibson aquí estan, su fe y manera de ver la vida, no es que sea un fanático religioso que piensa que los demas estan mal como he leído por ahi, de hecho la escena de la muerte honorable de los japoneses es una muestra de su respeto hacia ellos, pero si es verdad que Gibson piensa que solo su protagonista tiene la verdad total, que es el mas digno del rebaño, que Dios esta ahi para protegerlo y ayudarle porque de esta manera le recompensa su fe, como buen católico ve el sacrificio como un modo correcto de vivir la vida y la religión, también su catolicismo explica su violencia, ¿que puede ser mas violento que criarse en un ambiente católico donde la violencia forma parte integra de la religión? y a diferencia de "Silence" del maestro Scorsese donde este vive la fe con la duda en todo momento pero siempre creyente, el cine de Gibson es como su fe, no tiene concesiones, su fe no admite dudas, Dios siempre escucha y recompensa, asi lo demuestra incluso cuando da a entender bautizo y ascensión de su personaje, cuando esta sufriendo la injusticia y la luz del sol le da una claridad etérea. Gibson filma de manera perfecta, todo es esplendido, todo es maravilloso, todo es desgarrados, todo es horrible, con una fotografía monstruosa en el buen sentido, con una banda sonora exquisita y un elenco soberbio. Algunos apuntaran que hay contradicciones, como la terquedad de Doss de ir a la guerra sin empuñar un arma, con el tipo pareciendo a veces un imbécil que no comprende la situacion, con un ejercito empeñado a destruir sus creencias, con una cinta antibelica que es sangrienta y gore y parece regodearse de ello, pero es a partir de aqui que Gibson nos regala su mejor cine, porque este es asi, porque asi es su vida y sus creencias con irrebatibles aunque le cuesten diez años de castigo sin poder dirigir, porque el también vino a sufrir a este valle de lagrimas como lo hizo Jesús por nosotros.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Luz de Luna

LUZ DE LUNA (MOONLIGHT, EU, 2016)

Por fin me doy tiempo de revisar la que para la academia es la mejor cinta del año, es casi imposible no tener muchas expectativas en una cinta que gano tantos premios importantes y que absolutamente todos los críticos catalogan como la mejor, pero algo ya no me estaba gustando desde esas criticas, muchas dicen que es lo mejor del año pero nunca dan razones de porque, o las razones se reducen a cualidades técnicas, y la otra gran característica de la cinta según la critica es que es "necesaria", vamos que pocas veces he leído criticas tan presuntuosas, algo parecido a lo que ocurrió cuando gano "Crash" de la cual ya nadie se acuerda y me incluyo entre estos, en pocas palabras me parece que gano la corrección política por encima del buen cine y eso siempre son malas noticias para el arte, aun sin haberla visto esperaba que ganara, una cinta dramática que habla sobre homosexualidad, drogas y racismo es una apuesta segura.

La cinta esta dividida en tres partes, la primera nos cuenta la niñez de Chiron (Alex Hibbert) que todavía no sabe que es pero sufre las golpizas de los que ya lo saben, que lidia con una madre drogadicta (Naomie Harris) y que solo encuentra consuelo en Juan (Mahershala Ali ganador injustamente del oscar) y Teresa (guapa Janelle Monae), el chico ni habla pero aprende y madura bajo la tutela de Juan, la segunda parte nos muestra la adolescencia de Chiron (Ashton Sanders) que ya esta descubriendo su sexualidad y que por supuesto esta enamorado de su mejor amigo que se la pasa presumiendo sus conquistas, el chico sufre un bullying mas acusado pero esta vez se defiende cuando se siente traicionado por el amigo que se habia descubierto como su primer amor al practicarle una ayuda manual en la playa.

La tercera parte y supuestamente la mas poética es con un Chiron (Trevante Rhodes) adulto, musculoso, en apariencia rudo, y que se dedica a vender drogas, el tipo esconde su verdadero ser detrás de esta fachada pero todo cambia cuando su antiguo amor le habla por teléfono y de nuevo surgen los sentimientos de antaño. Todo esto con una fotografía hermosa, una banda sonora que cumple, tomas largas y bien hechas donde se nota el hacer del director Barry Jenkins y poco mas, es cierto que nos ofrece otra manera de ver al macho alfa negro que es delincuente, pueden ser sentimentales y homosexuales, y haber sufrido mucho, pero el guion de Jenkins nunca termino de convencerme, y aunque técnicamente es buena por momentos hasta me aburría ligeramente, y tengo la sensación que decir algo malo de ella lo llevara a uno a ser criticado a su persona y no a sus gustos, pero como resulta obvio, la cinta no me gusto en lo personal, es una critica subjetiva, y quiza solo soy yo el que no disfruta una cinta que se quiere poética y que aunque tiene momentos la mayoria del tiempo me quedo a deber.

Calificación: Regular