Cinecritica: Talentos Ocultos

TALENTOS OCULTOS (HIDDEN FIGURES, EU, 2016)

Cinta biopic demasiado edulcorada, pensada para la temporada de premios y políticamente correcta, los blancos son malos e idiotas y los negros son perfectos; santos, inteligentes, morales, etc. estos clichés son molestos porque se repiten en demasía, por ejemplo la parte donde la protagonista llega y piensan que es la que hará el aseo, lo unico que me preocupa es que en estas cintas las mujeres blancas siempre son arpías pero bueno, supongo que la culpa del pueblo hace que vean estas cintas que son conciliadores y piensen son humor que sus antepasados eran muy idiotas, dejando el tema ese de lado lo que es verdaderamente importante es la historia de las computadoras de color que ayudaron a la nasa en la carrera política espacial, y en especial de esas tres o mejor dicho de Katherine (Taraji P. Henson) cuya ayuda fue vital en el lanzamiento según la cinta.

Esta historia necesitaba una mejor película pero todo se resumió a una historia básica que intenta ser bonita en todo momento, que intenta inspirarnos, y que usa el humor cada que puede aunque se sienta forzado, Katherine es llevada a las oficinas generales donde se hacen los cálculos y demuestra que puede mas que Sheldon racista (Jim Parsons haciendo su personaje de televisión) y su equipo, Dorothy (Octavia Spencer) que con astucia se informa sobre la computadora IBM para seguir siendo indispensable, y Mary (Janelle Monae) que lucha por estudiar para aspirar a ser astronauta, la cinta simplemente transcurre mientras vemos chistes y unas mujeres que no se rinden pero que tampoco batallan mucho hasta que logran su cometido a pesar de un gobierno y sociedad racista.

Con aspectos técnicos que cumplen y artísticos inexistentes la cinta tiene un aire de producto televisivo donde el director Theodore Melfi no se nota, y con una banda sonora que queda por debajo, en cuanto a producción de epoca cumple, lo bueno es que tenemos a un actor como Kevin Costner como Al Harrison que levanta la cinta cada que aparece, que se roba cada escena en la que sale, es decir un actor de la talla y el talento de Costner es capaz de sostener la cinta por si solo aun si no es protagonista, lastima por Kirsten Dunst que saca petroleo de un personaje cliché, a pesar de mis quejas la cinta se deja ver y es simpática por lo que aguanta el palomazo.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Camino a Casa

UN CAMINO A CASA (LION, REINO UNIDO-EU, 2016)

El primer largometraje de ficción de Garth Davis es muy valorado tanto por críticos como por la audiencia general, despues de ver la cinta uno no entiende tanta algarabía pero debo aceptar que es una cinta pensada milimetricamente, no solo para ganar premios sino para ganarse al respetable, es chantajista y consciente de ello, hasta un cínico de mi categoría solté alguna lagrima al final a pesar de saber que es lo que justamente buscaba la cinta, el director logra algunos buenos momentos en fotografía, tiene una gran producción y un reparto de lujo para la historia, todo esto nos lleva a que la mayoria de las personas la sobrevolaren pero eso es algo que se cura con el tiempo, ademas la cinta no me molesta como muchas otras chantajistas porque tiene algunas virtudes.

Entre las virtudes tenemos una primera parte que cumple con buena calidad, en ella vemos al pequeño Saroo (Sunny Pawar, lo mejor de la cinta) que insiste en acompañar a su hermano con quien siempre pasa el tiempo para ganar un poco de dinero en ayuda a su madre o para disfrutar los dulces favoritos, el niño se queda dormido esperando en la estación de trenes que vuelva su hermano, se despierta y lo busca para terminar dormido de nuevo en un tren que lo lleva a kilómetros de distancia, llega a un lugar donde lo busca la mafia de trata, donde una amable mujer le pone una trampa con un disfrazado maleante, y donde llega a un difícil orfanato donde aguanta hasta que es adoptado por una idílica familia australiana que le enseña a otra vida donde se debe comer con cubiertos.

Al crecer Saroo (Dev Patel) es un profesionista exitoso con una hermosa novia (Rooney Mara), cuyo unico problema es que su madre (Nicole Kidman) sufre por el otro hijo adoptivo que no pudo abandonar sus demonios que eran mas pesados que los de Saroo, pero al recordar por medio de la comida su pasado en una de las escenas mas logradas Saroo se obsesiona con encontrar su verdadera familia, se aísla e imagina lo peor, a su hermano buscándolo, su madre sufriendo, y finalmente con la ayuda de la tecnología emprende una búsqueda que sabemos como terminara, en un final chantajistamente culpable donde nos enteramos de lo que sucedió con su hermano y con la reunión en los créditos de sus dos familias, es verdad Saroo sufrió mucho pero el destino se lo compenso son dos familias que lo aman asi que tambien por ello resulta regocijante para todos, no es buen cine, es cine que sabe que teclas oprimir.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Fragmentado

FRAGMENTADO (SPLIT, EU, 2016)

Tres adolescentes son secuestradas en un estacionamiento de alguna ciudad norteamericana por un tipo que las lleva a un pequeño cuarto, las chicas no saben para que las tiene ahi, para aprovecharse de ellas quizá, o pedir rescate o simplemente es un demente, al tiempo se dan cuenta que el tipo llamado Kevin (esforzado James McAvoy) sufre de trastorno de identidad disociativo y que varias personalidades habitan en el, 23 para ser mas específicos, la doctora Fletcher (Betty Buckley) tiene la teoria de que la mente es tan poderosa que puede causar muchas personalidades donde el sujeto no solo cambie su modo de pensar y su acento, también puede cambiar su química corporal (una de las personalidades de Kevin es diabetica) y que los limites los impone su propia mente.

Valiente decisión del director M. Night Shyamalan que de ser una gran promesa ha venido a menos durante los últimos años, y aquí no es la excepcion, la idea es interesante si aceptamos que estamos viendo cine y este es fantasía pero se fue demasiado por las ramas, ¿para que explicar tanto científicamente si sabemos que es fantasía? ¿porque tantas personalidades? son demasiadas y por ende solo conocemos algunas, no hay tanto tiempo para desarrollarlas, en la película las tres chicas tratan de escapar de todas las formas posibles aunque solo una esta preparada para un problema asi, la retraída Casey (Anya Taylor-Joy) siempre pensante y deduciendo lo que puede, haciendo planes y finalmente enfrentándose al monstruo de múltiples personalidades que preparan un sacrificio para la personalidad escondida, la llamada Horda.

La cámara siempre claustrofobica, el cuarto pequeño y oscuro, esas tomas bien pensadas, y un McAvoy muy entregado es lo que salva esta cinta que se va volviendo redundante hasta que llegamos al final que ya esperábamos, dicen por ahi que una vuelta de tuerca, la verdad no la vi porque se anuncio toda la cinta, aun asi la señorita Taylor-Joy sigue consolidándose en la industria y junto a McAvoy cargan la cinta, ese enfrentamiento final vale la pena solo por las actuaciones de ambos, lo que si fue sorpresivo fue ese momento final donde aparece David Dunn (Bruce Willis) de la mejor cinta de Shyamalan, la obra mayor "Unbreakable" (2000, M. Night Shyamalan), que con su semblante parece resignarse a enfrentar a la Horda al mismo tiempo que escucha como hablan de Mr. Glass, el mejor momento de la cinta, el mas emocionante porque nos remite al mejor cine del director, pero también el mas penoso porque vemos a un director aferrarse al pasado que ya no volverá.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Mujeres del Siglo XX

MUJERES DEL SIGLO XX (20TH CENTURY WOMEN, EU, 2016)

Casi terminando la década de los setenta tenemos al puberto Jamie (Lucas Jade Zumann) tratando de integrarse a la sociedad, de madurar, de descubrir su sexualidad, de vivir la vida aunque no tenga ni idea de como ni a donde ir, y es que Jamie no tiene un modelo masculino a quien seguir, ni lo necesita, su independiente madre Dorothea (Annette Bening, muy bien) lo ha educado toda la vida sin ayuda y siempre con moral intachable, el problema es que la misma Dorothea siente que esta perdiendo a su hijo, que ella tampoco sabe como guiarlo y educarlo sobre la vida por lo que pide la ayuda a otras dos mujeres, la artistica Abbie (Greta Gerwig) que nació justo en la epoca de los baby boomer, tan diferente a Dorothea quien viene de la guerra y la gran depresión, asi como también es muy diferente la liberal Julie (Elle Fanning) que sube a la habitación del chico para dormir sin tocarse, como dice la canción con todos menos conmigo.

Tenemos al tipo valemadrista hippie (Billy Crudup) que solo arregla cosas y pasa de una mujer a otra, entre todos intentan enseñarle sobre la vida a un Jamie que comienza poco a poco a interesarse en cosas y no solo vivir su vida sin saber que diablos hacer o pensar, desde sexualidad a menstruación, a los derechos, al feminismo, tanto que el chico se plantea seriamente si es un feminista, asi los dos, madre e hijo comienzan a entenderse a pesar de estar obligados a vivir en una misma realidad pero vista desde dos perspectivas totalmente diferentes. La voz en off del mismo adolescente nos lleva de la mano y explica todo lo que sucede mientras nos suelta algunas verdades que a veces indigestan de lo ácidas.

También tenemos la narración en off de Dorothea, que explica su vida, que se pregunta igual que el chamaco, y que como este nos dice hasta su futuro, todo esto en un guion del director Mike Mills que entrega una cinta feminista sin caer en las provocaciones y tonterías del feminismo "new age", usando a tres mujeres de diferentes épocas con diferentes pensamientos y diferente relación al protagonista que pudiera uno imaginarse es el mismo, ademas la cinta esta bien filmada, con buena recreación de epoca y con un soundtrack buenísimo, la mayor critica a ella es que alterna escenas muy buenas y su tono decae mucho en otras, es decir no lleva el ritmo normal de una cinta en in crescendo, pero esto es obvio ya que la cinta es como la vida misma, asi la quiso contar Mills y es una característica mas que un defecto.

Calificación: Interesante

Cinecritica: La La Land: Una Historia de Amor

LA LA LAND: UNA HISTORIA DE AMOR (LA LA LAND, EU, 2016)

Estamos en un terrible embotellamiento en los Angeles, todos estan tocando sus bocinas y escuchando su música favorita, en medio de este desastre una chica sale de su carro y comienza a cantar "Another Day of Sun" sobre un amor perdido y la búsqueda de un sueño, otros tipos salen y le acompañan, se van sumando poco a poco mas hasta que todos los que estan en el trafico ya estan fuera cantando y bailando, se abre el paso a una banda que ameniza todavía mas y de pronto la cámara nos muestra todo el lugar repleto de carros y a todos bailando encima de ellos, todo esto en un prodigioso plano secuencia que parece nunca terminara y donde a un servidor ya le había ganado la partida, solo por esta formidable escena la película ya valía la pena, y es que el plano no corta hasta que nos muestra a Sebastian Wilder (Ryan Gosling, bien) y Mia Dolan (Emma Stone, perfecta) y nos dice a que se dedican y como son, Sebastian con su búsqueda de perfección en la música jazz y Mia en su inseguridad como actriz.

Mia trabaja en el café de los estudios Warner donde conoce a muchas estrellas mientras sueña ser una de ellas, pero en sus audiciones falla una y otra vez, la chica se desploma pero eso no evita que sus compañeras le levanten (o intenten) el animo invitándola a una fiesta donde conocerá a todos los clichés de hollywood pero quizá conozca a ese alguien especial "Someone in the Crowd", por supuesto para Mia esta vida de lujos y grandeza falsos no le interesan y de vuelta a su casa escucha una música de un club, al entrar ve al culpable de tan bella pieza, y como lo despide su jefe Bill (J.K. Simmons casi en cameo extendido), pasamos a ver la vida de Sebastian donde el tipo conduce a través de toda la ciudad para torturarse porque en un antiguo club de jazz ahora venden tapas y bailan samba, vive como un zombie ermitaño que se aferra a su sueño de abrir un club de jazz donde se toque el verdadero jazz.

Y que por necesidad toca en el club de Bill, donde este le avisa firmemente que no cambie la lista para tocar jazz libre, algo que obviamente Sebastian no resistira, al ser despedido el tipo manda al demonio a Mia, tiempo despues Mia se topa con Sebastian en una fiesta donde este toca para una banda de peticiones, Mia en venganza pide "Ran" y se mofa de el en su cara, Sebastian la busca y le pide disculpas al mismo tiempo que tambien la pica, a terminar la fiesta Mia le pide a Sebastian que la salve y los dos buscan su carro siempre peleando a pesar de la quimica entre ellos, lo que culmina con la exquisitamente divertida "A Lovely Night" y vemos a los dos bailando tap con una vista perfecta. Sebastian va a buscarla a su trabajo donde esta le cuenta sus sueños y como inicio todo con si tia, el la anima y le cuenta sobre los suyos, cuando Mia suelta el odio el jazz la lleva a conocer el mundo de este lo que la lleva a interesarse, finalmente quedan en ir al cine a ver "Un Rebelde sin Causa".

Ese día Mia falla nuevamente en una audición pero espera con felicidad la noche olvidando que ya había quedado con su novio en una cena, pero Mia al escuchar jazz en los altavoces deja plantado a su novio y va con Sebastian donde comienza una hermosa historia de amor, con miradas, las manos buscando, los dedos jugando, el beso negado, y la ida al observatorio termina en una maravilloso bailable en el cielo nocturno (Planetarium) y en un beso que sella su amor, comienzan a vivir una idílica historia de amor disfrutando al máximo cada momento, Mia se arriesga con su sueño en un unipersonal, pero Sebastian se siente presionado a ganar dinero y dejar su sueño en pausa, por lo que acepta la oferta de Keith (John Legend) quien lo contrata para una banda de jazz actual que parece todo menos eso y donde todo es electrónico, Sebastian odia esa música pero le da dinero y fama, le gusta a las personas y le da seguridad aunque halla olvidado su sueño, algo que le recuerda Mia con amargura y que los lleva a pelear.

Atrás han quedado los días en que cantaban junto al piano "City of Stars", cada quien esta por su lado buscando su sueño aunque al final los dos se necesiten para poder conseguirlos, hasta este momento llevamos hora y media de una película muy buena, super recomendable y muy hermosa, con una fotografía magnifica, una banda sonora esplendida de Justin Hurwitz, una dirección prodigiosa de Damien Chazelle, un guion inteligente y pensado, unas actuaciones excelentes y un mensaje que es tan bello como necesario, pero entonces vemos el final donde Mia abre su corazón y canta "Audition (The Fools Who Dream)" donde Emma Stone nos rompe el corazón y nos muestra que es una actriz soberbia, ella sola, con un telon obscuro de fondo y una tenue luz para que la veamos nos cuenta cantando la historia de su tía, su historia, el sentir del director y nos gana y conmueve hasta las lagrimas desgarrando nuestro corazón y por si esto fuera poco Chazelle se da el lujo de todavía regalarnos una parte final majestuosa donde la historia de Mia y Sebastian se vuelve nostálgica, desgarradora, hermosa, conmovedora pero al mismo tiempo madura y conciliadora.

Y es que la película técnicamente es perfecta, esos planos secuencia larguísimos, las tomas perfectas, las escenas largas dejando que los actores y las locaciones hagan su trabajo, con un guion magnifico porque bebe de los clásicos del genero musical, como lo hace también el diseño artístico y el estilo, con referencias a cada minuto que son una delicia para los cinefilos, porque la historia nos remite a esos clásicos pero al mismo tiempo es actual, Chazelle escribe un guion que sirve al mismo tiempo como homenaje y actualización, porque la historia tiene algo del cinismo actual pero nunca abandona el estilo clásico, porque esta misma contradicción esta en la cinta como tema central, Sebastian ama el jazz y no quiere que se cambie su esencia pero los que tienen éxito actualmente le recriminan que el jazz es revolucionario, él no lo es, es decir Chazelle es un romántico empedernido como sus protagonistas pero al mismo tiempo no se cierra a que las cosas pueden y deben cambiar pero siempre sin perder su esencia.

Artisticamente la cinta es hermosa, los sueños, el incluir los sueños dentro de la vida común, se ve casi etéreo, con una belleza fenomenal y natural de Stone que ocupa que la empujen a lograr su sueño, de un Sebastian que abandona por un momento el suyo a causa de seguridad en su vida, ellos representan al mismo Chazelle que vio truncada su vida como baterista de jazz pero que encuentra una segunda oportunidad como cineasta y ha demostrado mucho talento, su anterior cinta "Whiplash" es una obra mayor, esta no queda lejos, tenemos aquí el amor del director por el jazz, por el cine, por los musicales, por el romanticismo, por los tiempos de antaño, por la fabrica de sueños que es L.A. a quien le dedica la cinta y hasta una canción en especifico, en parte parece material y superficial pero en el fondo la ciudad es el lugar donde nacen las estrellas, ademas la majestuosa historia de amor de Mia y Sebastian son suficientes para ver la cinta, es hermosa y nostálgica, preciosa y desgarradora, juguetona y sentimental, divertida y sufrida, y por supuesto ese final de lo que pudo pero no fue es hermoso, uno no puede mas que rendirse y llorar si es que no lo ha hecho antes y por cierto quizá sea lo mismo que piensa Chazelle del cine, tenia que haber tomado otro camino pero no por ello esta perdido, todavía se puede encontrar y pelear por la belleza y el arte en el cine y él es la muestra perfecta de ello.

Calificación: Excelente