Cinecritica: El Monstruo del Mar

EL MONSTRUO DEL MAR (THE BEAST FROM 20,000 FATHOMS, EU, 1953)

Debo admitir que tengo debilidad por las peliculas sobre monstruos "antigüitas", tienen un encanto con el que sueñan las nuevas y además los efectos aunque son obvios nos dan una muestra de como eran artesanales y con mucho cariño, en pocas palabras prefiero mil veces estas cintas sencillas y poco realistas que las nuevas en las que monstruos de miles de metros pelean con heroés en algun vehiculo o a puño limpio, vamos que las peliculas de monstruos ya no son lo que eran, un simple entretenimiento sin aires de grandeza que nos daba lo que ofrecia, un rato de imaginativa aventura, esta pelicula de Eugene Lourié cumple con lo que promete, un monstruo prehistorico que despierta por nuestra causa y empieza a causar destrozos mientras todos lo intentan detener.

 

Tom Nesbitt (Paul Hudschmid) forma parte de un grupo de exploradores cientificos que estan haciendo pruebas atomicas en el artico, claro que como lo que hacen esta mal lo pagan inmediatamente liberando a un monstruo ancestral al que solo Tom queda como testigo, nadie le cree exceptuando la bella cientifica Lee (Paula Raymond) (¿porque será que en estas cintas las cientificas siempre son modelos?) quien le ayuda con la investigación y convenciendo a su protector, el profesor Thurgood (Cecil Kellaway) para que los ayude y a su vez convenza al coronel Jack (Kenneth Tobey), claro que antes de que todos sepan que esta pasando el monstruo llega a norteamerica y comienza a hacer destrozos.

 

Ni la policia ni el ejercito pueden con él, y lo peor es que esta esparciendo un virus prehistorico del que no hay cura, el final tan sencillo y fantasioso como siempre pero cumple. Además como estas cintas son cortas no tenemos tiempo de aburrirnos, ni siquiera de pensar que todo lo que sucede es ridiculo (aunque si del parecido que tiene como Godzilla), simplemente nos divertimos con esa fabula que como todas las de su tiempo llevan implicito un mensaje, esta vez quiza una critica a la bomba atomica, o a la falta de imaginación en la ciencia, o que se yo, lo que si se es que los efectos de Ray Harryhausen son lo mejor de la cinta, esos "monitos" que echaron a volar la imaginación de tantos.

 

Calificación: Vale la Pena

Trailer: Frankenweenie

Trailer de la nueva pelicula de Tim Burton, le he estado perdiendo fe pero me gustan mucho las cintas de stop-motion, una oportunidad de reivindicarse de Burton haciendo un remake de una historia propia:
 

Literatura: Harry Potter y la Piedra Filosofal

DEBE LEERSE - "HARRY POTTER Y LA PIEDRA FILOSOFAL"

Ya se lo que debes estar pensando, que la serie del maguito es una cosa de moda que no aporta nada y que solo es para pubertos, pero nada más lejos de la realidad, la serie escrita por J.K. Rowling es una muestra imaginativa de agil y sencilla prosa que encierra mucho más de lo que aparenta en un principio, además de que invito y puede seguir invitando a muchas más generaciones de avidos lectores, asi que decidi reinagurar esta sección con algo que muchos conocen por otros medios pero que debe ser disfrutado por su nivel más puro, ya habia escrito algo de "Pedro Paramo" de Juan Rulfo y "Desesperación" de Stephen King pero estos libros son más sencillos que el primero de Rulfo y mejores que la regular novela de King, asi que comenzamos por el primer libro, el de menos calidad pero tambien el primero donde se muestra ese mundo creado por Rowling que rebasa ser el simple pastiche de leyendas para convertirse en algo unico y donde los fanaticos de la serie se regocijan por todos los datos y nombres que cobran importancia mucho más adelante.

 

De hecho lo más interesante de este libro es eso justamente, despues de volverlo a leer (lei toda la saga de nuevo) me di cuenta de que todo esta ahi, todo encaja con lo que aparece despues, parece que Rowling nos da guiños en cada pagina, lo que me lleva a preguntarme si ya tenia toda la historia terminada puesto que a veces son datos muy especificos o pequeños. El libro comienza mostrandonos como Harry Potter es dejado con sus tios despues de la tragedia por todos conocida, la parte con los Dursley que es graciosa aunque un poco larga, la introducción al mundo magico y la presentación de muchos personajes, la llegada al castillo con la selección de casas y el hecho de que Harry atrae todas las miradas por ser el niño que sobrevivio a Lord Voldemort y lo debilito al grado de obligarlo a irse, las peleas entre compañeros, hace amigos, vence a un trol, sospecha e investiga sobre la piedra filosofal con sus inseparables compañeros desde entonces, Ron y Hermione.

 

Las partes donde avanza la historia son buenas y el mundo magico es interesante, pero se siente demasiado relleno, lo del quidditch es interesante pero cosas como el dragon francamente solo hacen bulto y Rowling demuestra con su prosa que todavia le faltaba mucho por avanzar, aun asi un libro corto con sorpresas y muchas curiosidades, además es indispensable leerlo para entender los demás.

Cinecritica: La Dama de Negro

LA DAMA DE NEGRO (THE WOMAN IN BLACK, REINO UNIDO - CANADÁ - SUECIA, 2012)

No cabe duda que la mayoria vera esta pelicula por el hecho de ser el primer papel protagonico de Daniel Radcliffe despues de las ocho peliculas de Harry Potter que lo catapultaron como estrella internacional, despues del larguisimo viaje Radcliffe ahora debe luchar para no convertirse en el niño que hizo de Harry Potter, algo muy dificil ya que ese papel lo seguira toda su vida, en cuanto a lo que vi debo admitir que hace bien su chamba y en ningun momento nos recuerda al mago, bien por él y que en un futuro crezca aun más, por otro lado siempre es interesante ver una pelicula de horror a la antigüita de la mano del competente director James Watkins que aqui dirige con una frialdad insospechada que se siente a traves de la pantalla, lo cual hace la cinta todavia más inquietante.

 

Arthur Kipps (Daniel Radcliffe) todavia tiene alucinaciones donde ve a su mujer quien murio al dar a luz, debido al trabajo Arthur tiene que viajar a la villa Cryphin Gifford para arreglar los papeles de un matrimonio que fallecio, al llegar Arthur se da cuenta de que en el pueblo no lo quieren y que tienen muchas supersticiones, a pesar de la extraña forma de comportarse de los lugareños Arthur se dirige a la casona para no perder su trabajo, como esta en la orilla del oceano cuando la marea sube no hay manera de salir o entrar en el lugar pues el camino queda bloqueado, asi que Arthur se da cuenta que la casa esta embrujada y ve a la Dama de Negro del titulo con lo que empiezan a ocurrir desgracias ya que cada vez que alguien la ve muere un niño del pueblo.

 

Pero Arthur se da cuenta de que quiza solo sea un espiritu atormentado por lo que ha descubierto en los documentos y decide liberarlo antes de que su hijo llegue al pueblo quien ya esta en camino. Una historia que suena familiar con la casa embrujada en el fin del mundo, el fantasma vengativo, las aterradores muertes, los lugareños asustados, el protagonista traumado, y que aun asi no se siente vieja, quiza porque nos remonta a los temores más grandes del ser humano; la perdida de un hijo, las familias destrozadas, el miedo a la oscuridad, a lo desconocido y a la soledad, eso es lo que funciona en la cinta, el ambiente, los cuartos en tinieblas, las sombras, las caras fuera de foco, las apariciones repentinas (la de la ventana vaya que asusta),los ruidos, los objetos que se mueven solos, etc., ahi es donde el director Watkins nos demuestra la calidad que nos regalo en su subvalorada opera prima "Eden Lake", bien por el director que pasa la prueba, por la Hammer que nos trae buenas historias de sustos y por Radcliffe que no quiere quedarse embotellado, aunque lo ayuda bastante un reparto espectacular con Ciarán Hinds como apoyo.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Hasta el Viento Tiene Miedo

HASTA EL VIENTO TIENE MIEDO (IDEM, MÉXICO, 1968)

La segunda pelicula de Carlos Enrique Taboada es la primera en el genero de terror, sin duda el genero por el que se hizo famoso, además esta cinta es tambien la más popular del director, tanto asi que es considerada pelicula de culto y visión obligatoria del cine mexicano, en lo personal no creo que la cosa llegue a tanto, no entiendo porque es tan famosa y aclamada pero estoy de acuerdo en que debe de verse porque el cine mexicano de terror es escaso y las ideas de esta pelicula son muy interesantes ¿porque interesantes si la historia roza todos los cliches? pues porque hay algunas cosas que en la historia apenas se asoman, simbolismos y guiños que haran las delicias de los que quieran pensar de más y mal además.

 

La historia comienza con la pesadilla de Claudia (Alicia Bonet) quien vio a una hermosa joven (Pamela Susan Hall) guiandola por el clausurado campanario donde se colgo, todos piensan que simplemente fue una pesadilla y cuando estos siguen llegan a creer que Claudia esta perdiendo la cordura, algo que no cree la estricta directora Bernarda (Marga Lopez, excelente) ni la sumisa subdirectora Lucia (Maricruz Olivier) quienes saben que la descripción de la aparición es la de una alumna que se suicidio cinco años atras en ese mismo lugar, las alumnas investigan para descubrir la verdad despues de que Kitty (Norma Lazareno) encuentre una fotografia de ella en el escritorio de la directora, pero en medio de esto Claudia camina sonambula y cae de la torre, la creen muerta pero milagrosamente resucita aunque con un caracter totalmente diferente que pone los pelos de punta a todas.

 

El desarrollo de la historia es obvio y cuando Claudia resucita todos sabemos quien es y que quiere, Taboada conciente de que sy historia es demasiado sencilla intenta poner un ambiente tetrico pero real que nos haga creer que en realidad esta pasando, por momentos lo logra pero en otros falla olimpicamente, en especial es de pena ajena aquella escena donde se menciona el nombre de la cinta, la conclusión es satisfactoria aunque esperada y por lo menos pone punto final a la historia (benditos esos años en los que las cintas de terror no buscaban tener miles de secuelas). Apunte arriba que hay algunos aspectos interesantes de la cinta que nada tienen que ver con el horror, las personalidades de la las jovenes son creibles y diferentes, nunca las confundimos, la relación de Bernarda con su ayudante es enfermiza y nunca queda clara, uno podria pensar que hay algo de lesbianismo por ahi pero Taboada lo hace muy bien dejandolo como un misterio, al igual que la relación de la alumna fallecida con las dos figuras de autoridad y finalmente el baile desnudista de Lazareno frente a sus amigas, supongo que por algo casi todos los personajes son mujeres.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Al Filo de la Realidad

AL FILO DE LA REALIDAD (TWILIGHT ZONE: THE MOVIE, EU, 1983)

No estoy seguro si esta cinta puede ser considerada como terror pero debido a los segmentos perturbadores que tiene creo que si, en si la pelicula no es más que una versión aumentada de algunos capitulos de la serie original, dirigidos por directores de talento y exito en ese momento a los que Spielberg conjunto, un experimento interesante que como siempre pasa en este tipo de cintas no tiene equilibrio debido a que los segmentos difieren en calidad, además la cinta  tuvo muchos problemas debido al accidente de helicoptero en el que murieron dos niños vietnamitas y el actor Vic Morrow, le doy una sola calificación como conjunto ya que asi debe de tomarse pero tambien quiero diferenciar los diferentes segmentos porque algunos directores demostraron mucho más tino, para ponerla facil dire que la pelicula va en crescendo, es decir que comienza con el segmento más pobre y va mejorando hasta acabar en el mejor, el prologo y el epilogo se cuecen aparte pero no los dejo fuera.

 

La pelicula comienza con un prologo muy bien filmado por parte de John Landis quien nos resgala una historia que en lo personal si me asusto sobre dos tipos viajando por la carretera quienes rememoran viejos programas de televisión hasta llegar al de "La Dimensión Desconocida", el final de la historia lo dejo de tarea, el primer episodio dirigido tambien por Landis que venia de su mejor epoca es el comienzo del declive, su episodio sobre un racista (Vic Morrow) que se ve forzado a sufrir en manos de nazis, soldados en vietnam y el Ku Klux Klan simplemente es morbo tras morbo, pareciera que Landis saco sus demonios y deseos vengativos judios, apuntar que es el unico episodio original. El segundo es de Steven Spielberg, sobre unos viejitos que descubren que la juventud esta en el corazón gracias al juego de patea la lata, peca de sentimentalon y en partes de aburrido, el problema es que siempre sabemos de que va la cosa.

 

En el tercero dirigido por un inspirado Joe Dante (que vaya que estuvo inspirado en los ochenta) la situación mejora muchisimo con la maestra Helen (Kathleen Quinlan, bastante bien) quien ayuda a un niño en un restaurante y despues lo acompaña a su casa para descubrir una familia muy rara y lo que todos ya sabiamos, que el niño es un psicopata potencial con delirios de grandeza y un poder infinito, la dirección de Dante es sorprendente, los efectos exactos, y el final lo suficientemente enfermizo para dar ñañaras, el cuarto episodio es quiza todavia mejor, dirigido por un George Miller que acababa de dirigir las dos primeras entregas de Mad Max, John Valentine (John Lithgow, muy bien) esta muy nervioso en un vuelo nocturno, estan en medio de una tormenta y este cree ver una criatura en el ala del avión, nadie más lo ha visto pero los motores estan fallando y la siniestra criatura es la culpable, John intenta avisar y detenerla  pero es tomado por loco, asi que debe pelear contra los pasajeros del avión y la criatura mientras nosotros no sabemos si esta loco o no, el epilogo simplemente es la macabra terminación de ese episodio, sencilla pero efectiva. La recomiendo, Spielberg sabia como estaba la cosa y por ello puso los episodios asi, el suyo es de bajo nivel tomando en cuenta como estaba filmando por esos años. Lo mejor, el sentimiento de antaño, la adecuada sobreactuación de Lithgow, la tensión del capitulo de Miller, la imaginación del capitulo de Dante y los muchisimos guiños en este a la serie original, como dato interesante Landis metio un chiste sacado de Animal House en su segmento.

 

Calificación: Bien

Musica: Everlong - Foo Fighters

FOO FIGHTERS - EVERLONG

Foo Fighters es una banda de origen estadounidense creada en el año 1994 por Dave Grohl, ex-batería de Nirvana y Scream. Actualmente la banda se encuentra en un receso indefinido.

 

La banda ha conseguido algunos éxitos que le han merecido reconocimiento mundial, tales como "Big Me", "This is a Call", "Everlong", "Monkey Wrench", "Learn to Fly", Wheels, "All My Life", "Times Like These", "Best of You", "D.O.A" "No Way Back", "Rope", "Walk" o "The Pretender" que alcanzó el puesto número uno en los Hot Modern Rock Tracks el sábado 1 de septiembre del 2007 y se mantuvo así durante dieciocho semanas consecutivas.

 

"Everlong" fue el segundo sencillo del segundo álbum The Colour and the Shape, de Foo Fighters. Se editó en formato CD en 1997. Se trata de una canción mid-tempo de amor que muchos fans reconocen como una de las mejores del grupo. Aunque de manera no oficial, se ha vuelto la más peculiar del grupo y tradicionalmente la tocan al final de cada concierto.

Existe una versión acústica que se volvió famosa desde una visita que tuvo el grupo al programa de Howard Stern, en el que Dave Grohl la tocó en solitario.

Durante el corte instrumental de la canción, se pueden escuchar tres pistas de audio indescrifrables murmuradas por Grohl. Se desconocen las palabras exactas, pero se cree que la fuente de estas son un una carta de amor, un manual técnico y una historia sobre el padre de un técnico del estudio. Grohl ha confirmado únicamente el uso del manual técnico.

En cuanto a los listados, logró las siguientes posiciones:

• #45 en la lista "Las 100 canciones de rock más grandes de todos los tiempos" de la revista Kerrang! (1999)
• #39 en la lista "Los 100 sencillos más grandes de todos los tiempos" de la revista Kerrang! (2002) (aunque ha de aclararse que el editor de la revista se quejó sobre esta posición, aclamándola como "la mejor canción jamás impresa en plástico")
• #22 en la lista "Los 100 videos musicales de todos los tiempos" de la revista Stylus (2006)
• #28 en la lista de "Las 100 más grandiosas canciones del Hard Rock" de VH1

Dave Grohl declaró en la edición de mayo de 2005 de la revista Kerrang! que Louise Post, vocalista de Veruca Salt y alguna vez novia suya, fue el tema de inspiración para esta canción, escribiendo acerca de la "...loca, retrasada, apasionada y extraña relación" que llevaban. También dijo haber pensado que era un robo a Sonic Youth.

Video original (gracias a foofightersVEVO)

Live con ambas letras (gracias a xhelo2011) 

Acustico con letra (gracias a sexxedup)

Cinecritica: El Regreso del Monstruo

EL REGRESO DEL MONSTRUO (REVENGE OF THE CREATURE, EU, 1995)

Secuela de "Creature from the Black Lagoon" y quinta pelicula de Jack Arnold, solo un año despues de esa pelicula sobre una bestia marina humanoide que se enamora de una mujer llego la secuela y aunque tiene buen nivel de producción y una dirección que cumple, la historia es la que flaquea y es donde se nota que se hizo apresuradamente, o quiza que ya no se le podia sacar más a un monstruo tan limitado como el pez humanoide que se nos muestra, el filme me desilusiono porque las partes interesantes que tiene ya las habia visto en la primera cinta, la danza simbolica sexual que aqui esta menos lograda y el hecho de aparecer como una victima frente a los crueles humanos, supongo que Arnold nos queria mostrar como seria si llegara a la civilización, un aspecto que todo monstruo clasico tiene que vivir.

 

Para empezar la pelicula traiciona el final de la primera donde el monstruo muere acribillado a balazos y todos ven su cuerpo inerte, pero ya sabemos como es el cine asi que por arte de magia un año despues llegan dos aventureros cientificos para capturarlo y llevarlo a la civilización, obviamente lo capturan (de forma harto sencilla diria yo) y lo transportan a un acuario donde es presentado como fenomeno de circo mientras intentan hacerlo aprender trucos para medir su inteligencia, aqui es donde la cinta se pierde y le da más importancia al lio amoroso del Clete (John Agar) y Helen (Lori Nelson) hasta que el monstruo se libera y deambula por la costa asesinando hasta secuestrar a su nueva musa y ser perseguido hasta darle fin.

 

El problema como escribi antes es que todo esto ya lo habiamos visto en la primera cinta, y el final de esta cinta resulta todavia más cortante que el anterior, se termina de golpe y de forma demasiado sencilla, a final de cuentas esta segunda parte no nos sirvio para descubrir más del monstruo lo cual me parece indignante, aunque se mostro más sobre nuestra horrible naturaleza humana, aunque me parece que Arnold no aprovecha esto, no parece tomar partido a diferencia de la otra cinta lo cual hace que esta se sienta fria. Lo mejor es el maquillaje del monstruo y las escenas bajo el agua tan bien logradas, y como dato curioso aqui debuta Clint Eastwood en un papel pequeñito y sin importancia.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: La Muerte le Sienta Bien

LA MUERTE LE SIENTA BIEN (DEATH BECOMES HER, EU, 1992)

Despues de salir de una etapa en la que estaba inspirado y se gano al publico y a la critica Robert Zemeckis tenia que hacer algo que estuviera a la altura, o por lo menos que nos e alejara tanto de la calidad que habia mostrado en la trilogia de "Volver al Futuro" y en "Who Framed Roger Rabbit", lastimosamente su idea fue hacer una satira de humor negro sobre la vanidad, una idea que al escucharla se escucha bien pero que falla en su puesta en escena, lo que intento Zemeckis fue hacer una comedia parecidas a las de Tim Burton pero ni el desarrollo ni el desenlace resultan buenos, eso si, conto con un reparto de tres estrellas que en ese momento estaban en apogeo y unos buenos efectos para esos tiempos, cosa curiosa porque me parece que el excesivo apoyo en los efectos especiales es lo que afecta la cinta.

 

La cinta comienza con buen ritmo mostrandonos a la pesima pero famosa actriz Madeline (Meryl Streep, sobreactuada) quien le roba el novio a su mejor amiga Helen (Goldie Hawn), asi que Helen se deprime y engorda mientras Madeline se casa con el talentoso cirujano Ernest (esforzado Bruce Willis), años despues Ernest y Madeline viven un matrimonio infernal y ahora Ernest prepara cadaveres, pero Helen vuelve a su vida viendose fantastica, delgada y sin que los años hayan pasado por ella, Helen convence a Ernest de matar a Madeline y quedarse con su fortuna, pero Madeline no muere pues acaba de hacer un pacto para mantenerse joven por siempre.

 

Pero como el elixir tambien la hace inmortal Madeline queda ahi con el cuello volteado y los huesos destrozados, lo cual nos lleva a una hilarante pero exagerada escena en el hospital y a descubrir el secreto de Helen en tanto Ernest esta atrapado en esa locura infernal. Un inicio prometedor que poco a poco se va desinflando, a uno le queda la sensación de que hubiera quedado mejor si no se hubiera metido el elemento sobrenatural ya que este se agota muy rapidamente y lo que sigue despues se siente repetitivo y pesado, asi que mientras llega el final nos cansamos y deseamos que ya termine, lo mejor sin duda es Willis es un papel diferente al que nos tiene acostumbrados.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: Schlock - The Banana Monster

SCHLOCK - THE BANANA MONSTER

La opera prima de John Landis es una parodia/homenaje de las peliculas sobre monstruos incomprendidos, donde además homenajea muchas peliculas de terror, principalmente "The Blob" del que se muestran muchas escenas, aunque la cinta no tiene una historia real ya que simplemente se reparte en escenas en las que el monstruo protagonista vive diferentes aventuras, ademas de algunos personajes secundarios, la producción de la cinta es muy baja, claro que eso es lo que significa el nombre de la cinta, algo pobre, de baja calidad, y cabe aclarar que el traje de gorila humanoide que hizo Rick Baker para la cinta resalta sobre lo demás.

 

En un pequeño pueblo aparecen una cantidad exorbitante de cuerpos que despues se descubre son las victimas de un monstruo humanoide que parece el eslabon perdido entre el hombre y el simio, asi que el llamado Banana Monster (el propio director John Landis) se pasea por la ciudad buscando bananas y matando a quien le parezca, lo interesante del asunto es que se topa con personas francamente pesadas por lo que cuando se encarga de ellas solo sentimos un placer culpable; el junior que se pasea a toda velocidad, la mujer con sombrero en el cine, el negro con peinado afro en el mismo lugar, los estupidos policias, adolescentes entrometidos y un periodista que parece trabajar para Azcarraga por la estupidez latente que procesa.

 

Tambien Landis nos muestra aqui su propia versión de los deseos del monstruo pero mientras en la mayoria de estas cintas los monstruos son tranquilos e idolatran puramente a la chica de turno, el de Landis es lo suficientemente mañoso para tocarle los senos a una exuberante pelirroja a la que desea y por la que encuentra su fin, lastima que la cinta no termine de funcionar, la mayoria de los segmentos se siente como relleno pero a pesar de eso es un interesante debut.

 

Calificación: Palomera

Musica: Breaking the Law - Judas Priest

JUDAS PRIEST - BREAKING THE LAW

Breaking the Law es una de las más conocidas canciones de heavy metal del grupo Judas Priest, perteneciente al álbum British Steel.

La letra y concepto de la canción fueron en un principio escritos acerca de la frustración; es lo que subyace a lo largo de toda la canción, debido a que, en las costumbres británicas a las que fueron acostumbrados los miembros del grupo, siempre se vivía una vida planeada: uno crece, sale del ambiente escolar, entra en la universidad y al salir se tiene la sensación de que se le han prometido muchas cosas, pero por más trabajos que se obtengan para progresar, no obtenemos lo suficiente. De aquí sale la idea por la que rompemos " La Ley", es decir empezamos en contra del sistema.

El video muestra a Halford cantar en la parte trasera de un Cadillac que va rumbo a un banco y cuando llega entra junto con Tipton y Downing. En el banco asustan a la gente y Hill entra por una puerta trasera. Halford cuando llega a la caja fuerte rompe los barrotes y saca el disco de oro del álbum de judas priest British Steel y lo muestra a la cámara de seguridad del banco y cuando lo ve el guardia saca una guitarra falsa y empieza a jugar con ella. Cuando el grupo sale del banco se van el cadillac que es conducido por Dave Holland.

Video original (gracias a JudasPriestVEVO)


Ambas letras (gracias a Bulla7x0)

Cinecritica: Llegó del Espacio Exterior

LLEGÓ DEL ESPACIO EXTERIOR (IT CAME FROM OUTER SPACE, EU, 1953)

El director Jack Arnold entrego esta cinta de ciencia ficción que fiel a su filmografia tiene un mensaje de paz y tolerancia aunque no se libra de algunos malentendidos y peleas, y es que lo que he revisado de Arnold siempre tiene un mensaje de tolerancia con seres incomprendidos que llegan junto a nosotros y sufren ataques por el unico hecho de ser diferentes, a pesar de todo la cinta maneja una atmosfera de suspenso y tensión que hace que nos sintamos desesperados junto al protagonista, los efectos me parecen buenos para su tiempo al igual que los diseños, esto lo digo porque ahora se ensañan diciendo que estan muy chafas, supongo que es porque no estan hechos a computadora pero con lo extravagante que soy acepto que prefiero estos.

 

La cinta comienza con John Putnam (Richard Carlson) viendo las estrellas junto a su prometida Ellen Fields (Barbara Rush) quienes ven un objeto muy raro atravesar el cielo y estrellarse, al ir a investigar John ve una nave extraterrestre pero un alud la deja sepultada, John alerta a las autoridades pero obviamente es tomado por loco hasta que empiezan a pasar raros sucesos en el pueblo mientras John sigue su propia linea de investigación junto a su novia sin saber que es lo que pretenden estos extraños alienigenas.

 

Un elemento importante de la trama es que los alienigenas pueden transformarse, tomar cualquier forma, por lo que empiezan a secuestrar humanos para suplantarlos, obviamente nos remite a "Invasion of the Body Snatchers" pero esta es del cincuenta y seis, quiza de aqui tomaron esa idea, lo cual seria lo mejor que habra hecho esta pelicula, sencilla pero que uno debe revisar, y donde Jack Arnold comenzo con el genero que lo inmortalizaria, despues de esto vino "Creature from the Black Lagoon" que ya revise en este blog y su secuela sobre la que escribire en unos dias.

 

Calificación: Regular

Cinecritica: Marcianos al Ataque

¡MARCIANOS AL ATAQUE! (MARS ATTACKS!, EU, 1996)

Exageradisima satira de humor negro que no deja titere sin cabeza, una mofa hacia las peliculas de desastres con mucho presupuesto y reparto de estrellas que llenaron los cines en los noventa, pero donde esas peliculas se tomaban en serio y todos lloraban por sus seres queridos y morian heroicamente por su pais (cosa llevada al ridiculo en "Dia de la Independencia"), en lugar de eso Tim Burton nos muestra un ataque marciano en el que los humanos son tan desagradables como los marcianes y donde se comete una estupidez tras otra, además tenemos un reparto fabuloso que se dedica a reirse de si mismo y hacer el ridiculo, la cosa resulta tan ridicula que es obvio que es un chiste, el intento del gobierno de forjar lazos de amistad, el intento de congraciarse y la mal escondida intención de los marcianos que resultan unos payasos de primera lo suficientemente sadicos para regalarnos algunos chistes graficos que posiblemente ofendan a muchos del respetable.

 

La pelicula comienza con unos creditos que se ven chafas a proposito mientras vemos los nombres del increible reparto, despues se nos muestran los detestables personajes para que podamos reirnos cuando se enfrenten a su destino, asi vemos al elogatra presidente James Dale (Jack Nicholson, bien), su pedante esposa (Glenn Close), su hija adolescente cliche (jovensisima Natalie Portman), el egolatra Art Land (Jack Nicholson de nuevo), su tonta esposa hippie (Annette Bening), el pedante profesor Donald (Pierce Brosnan), un lujurioso secretario (Martin Short), un creido periodista (Michael J. Fox), una estupida conductora (Sarah Jessica Parker), un abogado (Danny DeVito), dos generales totalmente diferentes pero igualmente inutiles y un largo etc.
 

Llegan los marcianos y todos los reciben como heroés, pero las cosas se salen de control y estos hacen una masacre, de manera estupida los humanos siguen buscando hacerlos amigos y estos aprovechan para destruir el senado, uno de las mejores partes del filme, sencillamente hilarante la manera en la que el marciano mata a los burocratas, y de ahi comienza una guerra que los humanos no pueden ganar. Claro que eso importa poco o nada, no interesa el final de la guerra, no estamos de ningun lado, solo queremos divertirnos y vaya que lo hacemos con la cara de Jessica Parker en un chihuahueño, la cabeza separada de Brosnan, la muerte de Fox, el ridiculo discurso del presidente que termina con un asta clavada en el pecho, el ofrecimiento de un abogado a los extraterrestres, los marcianos drogandose con radiación, la intromisión de un sexy marciano (Lisa Marie) en la casa blanca, las tontas ideas del profesor y todos los chistes y apariciones marcianos que por supuesto que se ven chafas, esa es la finalidad del filme, burlarse de las peliculas que se lo toman en serio al mismo tiempo que homenajean a las peliculas de extraterrestres de los cincuenta, y aunque parezca increible esta batalla resulta más interesante que las de catastrofes de los noventa, y tambien sale Tom Jones en un largo cameo que termina conel cantando y festejando mientras los animales lo acompañan, jaja.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Cara Oculta

LA CARA OCULTA (IDEM, COLOMBIA, 2011)

Comenzamo el mes de octubre y por ello me dare a la tarea de reseñas peliculas de terror o por lo menos cintas que toquen este genero, como el suspenso o en el caso de esta pelicula el thriller psicologico, y es que la verdad a mi la cinta si me asusto al ver de lo que es capaz el ser humano, en este caso las mujeres para conseguir lo que quieren, la situación en que nos pone el director Andrés Baiz es desesperante, sufrimos la misma desesperación que sus personajes en un ambiente claustofobico y depresivo que solo puede llevar a la destrucción, eso si, la cinta no esta libre de fallos como algunas acciones ridiculas de los personajes y el nini personaje principal masculino, al final parece que solo esta ahi para desempeñar una función especifica que es la de desatar la trama, o quiza solo sea que el actor que hace el papel es malo, a lo mejor solo soy yo pero me parecio malisimo.

 

Adrián (Quim Gutierrez deficiente) es un joven director español de orquesta sinfónica que ahora trabaja en Colombia, al parecer esta destrozado y se va a un bar para olvidar sus penas, ahi la guapa Fabiana (guapisima Martina García, muy bien) se siente atraida hacia él y nos descansa hasta que empiezan a salir, se vuelven una pareja formal y viven juntos, pero Fabiana descubre que Belén (Clara Lago, muy bien), la ex novia de Adrián esta desaparecida y que la policia lo considera el principal sospechoso, tampoco ayuda que Adrián haga de cuenta que está nunca existio y que se comporte de forma rara y huraña, y menos aun que Fabiana empiece a oir cosas en la casa, ruidos extraños, golpes, movimientos subitos, el perro nervioso.

 

Asi que mientras Fabiana intenta desenterrar el secreto de la casa comienza a sospechar de Adrián pero la cosa se queda a medias porque de ahi vemos la siguiente mitad de la cinta que es completamente diferente, a pesar de que esta vuelta de tuerca es sorprendente la cinta se siente quebrada pero el director habilmente la salva con la segunda parte que esta muy bien contada y que se vuelve totalmente desesperante y claustrofobica aunque aqui ya no hay misterios, algunos momentos son muy emocionantes y muchas imagenes quedan en la memoria, Fabiana y Belén son personajes profundos y complejos a pesar de las tonterias que cometen, a diferencia de Adrián al que uno no acaba de entender, supongo que solo es un patan mujeriego mal interpretado, el lado flaco de una buena cinta. Recomiendo no ver el trailer, yo lo vi en el dvd y revela todo, un trailer pesimamente pensado, lo mejor, la angustiosa habitación nazi y las dos actrices, por supuesto que Martina García mostrandose sexy.

 

Calificación: Interesante

Musica: Cherry Bomb - The Runaways

THE RUNAWAYS - CHERRY BOMB

The Runaways fue un grupo estadounidense de rock, compuesto exclusivamente por chicas en edad adolescente. Fue lanzado en los primeros años de la década del '70 por el productor Kim Fowley. Algunos de sus temas más populares son "Cherry Bomb", "Queens of Noise", "Neon Angels (On the Road to Ruin)" y "Born to Be Bad". El grupo realizó giras por América y Japón, además del Reino Unido, Suecia, Finlandia, Noruega, Bélgica, Francia, Suiza, y Alemania. Tuvieron una carrera corta (1975-1979), exitosa y tempestuosa. Tras su separación varias de sus integrantes emprendieron carreras en solitario de forma muy exitosa, así Joan Jett continuó desarrollando el rock and roll de las Runaways con un toque más radiable y Lita Ford emprendió su carrera en el heavy metal. Lita quería hacer una banda de punk. Y el proyecto The Blackhearts la banda de Joan Jett continuó como Joan Jett and The Blackhearts.

 

The Runaways se formó en 1975 por la baterista Sandy West y la guitarrista Joan Jett junto con la compositora Kari Krome, quien buscaba chicas para interpretar sus temas. Habían presentado su material por separado y en varias ocasiones al productor Kim Fowley, para exponerle sus ideas acerca de formar un grupo únicamente compuesto por chicas. Fowley, que buscaba siempre la "próxima gran sensación", le dio al número de Joan Jett. Las dos se reunieron para discutir las posibilidades y, tras ensayar juntas, volvieron a presentarse ante Fowley para mostrarle los resultados. Fowley entonces ayudó al grupo a buscar los miembros restantes.

 

Era extendida la idea de que eran un mero producto comercial creado por el productor y compositor Kim Fowley, que pensó que la noción de cuatro chicas vestidas de cuero y lencería tocando rock and roll tendría una gran aceptación. La realidad de los orígenes de la banda es que todas las personas que tomaron parte en ella lo hicieron con la más pura filosofía del rock and roll.

 

El grupo comenzó a girar como un "power-trío" por el circuito de clubs de California, con la bajista Micki (Michael) Steele. Cherie Currie se les unió como cantante y Lita Ford, con sólo 16 años, como guitarrista. Micki Steele dejo el grupo y posteriormente formaría parte de las exitosas The Bangles. Tras algunas pruebas, Jackie Fox, que inicialmente se había presentado al puesto de guitarrista, se incorporó al bajo y la formación se completó.

 

Las componentes de la banda revelaban un alto dominio de sus instrumentos y pronto la industria las empezó a tomar en serio. Su éxito más conocido fue en 1976 con "Cherry Bomb" — Hello daddy, hello mom, I'm your ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb! — que ha sido versionado por multitud de bandas, entre ellas, el grupo de riot grrrls Bratmobile, el trío pop-punk japonés Shonen Knife, la cantante Estadounidense Miley Cyrus y la siguiente banda de Joan Jett, The Blackhearts. "Cherry Bomb" apareció incluida en las B.S.O. de los films Dawn, Portrait of a Teenage Runaway, RV y Dazed and Confused.

Traducida (gracias a xxflorr)


Lyrics (gracias a xMyMusicsLyrics)


Live (gracias a MaZrock)

Lo Mejor del Mes: Septiembre 2012

Mes prolifero en reseñas con dos de Gibson, la sobrevalorada opera prima de Costner, la saga "Mad Max", la saga "The Thing", una muy buena cinta para televisión, Nolan, un famoso musical, Takashi Miike, stop motion, peliculas mexicanas y sudamericanas, una joyita de los Coen y lo mejor que ha hecho Guy Ritchie:

 

Lo mejor..... "Barton Fink" de Ethan y Joel Coen, esta obra profunda y minimalista de los Coen es esplendida, un verdadero viaje a los infiernos de la mente totalmente surrealista con muchos simbolismos y que no puede dejar indiferente, o la amas o la odias.

 

Mención Honorifica..... "Braveheart" de Mel Gibson, de acuerdo, me rendi ante Gibson y su intento de filme de época ¿que puedo decir? me entretiene mucho y las batallas son buenas, y como de costumbre Gibson queda perfecto como heroé.

 

Segunda Mención Honorifica..... "Snatch" de Guy Ritchie, supongo que me gusta más que la de Gibson pero no puedo sacarme de la mente que quiza su relajiento desmadre se haga viejo muy pronto, aun asi notable.

 

Tercera Mención Honorifica..... "Mad Max 2, The Roar Warrior" de George Miller, supongo que me gusta más que las dos anteriores, a pesar de solo ser una versión de vaqueros post-apocaliptica, cine en estado puro.

 

Cuarta Mención Honorifica..... "El Crimen del Padre Amaro" de Carlos Carrera, más alla del escandalo que desencadeno, la pelicula es buena y el crimen del joven sacerdote es muy diferente a como se nos quizo pintar.

 

Lo Peor.... "Safe", la nueva pelicula de Statham es tonterias y más tonterias sin sentido, supongo que sus fans lo disfrutaran.

Cinecritica: El Dictador

EL DICTADOR (THE DICTATOR, EU, 2012)

De nuevo el director Larry Charles y su actor/guionista Sacha Baron Cohen hacen una comedia politicamente incorrecta que ataca directamente a los Estados Unidos y a toda su población y sociedad, a manera de gags y chistes que siguen una sencilla historia Baron Cohen se da vuelo y se ensaña de sobremanera sobre el pueblo norteamericano, algunos chistes son sucios y ofenden en demasia, ni hablar de los politicamente correctos que abarcan toda la cinta, por lo que si uno tiene mucha sensibilidad no la recomiendo, asi como tampoco si usted admira a los gringos o su sistema, contando tambien por supuesto su actual gobierno, en pocas palabras esta cinta no va a convencer a nadie de que Estados Unidos es un gobierno fallido, que la democracia son solo palabras, que tiene doble moral y que lo politicamente correcto llego a niveles estupidos.

 

Aladeen (Sacha Baron Cohen, bien) es un dictador que se armo con armas nucleares por lo que Obama (y con ello la ONU claro) piden su cabeza, pero Aladeen nunca dejara que le quiten su amada dictadura, pero su tio Tamir (Ben Kinsgley) tiene otros planes y aprovecha la ida a norteamerica para quitar de en medio a su sobrino y manejar a su doble, Aladeen sin su barba no es reconocido y sobrevive gracias a la desesperante idealista Zoey (Anna Faris) con quien comienza a trabajar para poder entrar en el hotel y recuperar su puesto, para ello contará con la ayuda del fisico nuclear Nadal (Jason Mantzoukas, bien) quien decide ayudarlo debido a que en America tiene un trabajo degradante solo por su raza.

 

La historia se siente como una simple excusa para poner chistes y situaciones ridiculas, lo cual se nota más al ver como se resuelve todo, lo demás son puras vueltas pero en lo personal el viaje si me gusto, los chistes politicamente incorrectos, como el de Megan Fox con Aladeen y su pared llena de trofeos o la hilarante del helicoptero con los dos gringos asustados, además muchos actores hacen cameos y apariciones en las que se rien de si mismos y finalmente el discurso de la cinta es muy importante aunque este mostrado de esta manera, al final Aladeen nos muestra que EU no es diferente de una dictadura, por lo menos él lo acepta y por ello estamos de su lado en el final politicamente incorrecto pero quiza demasiado facilon.

 

Calificación: Regular

Cinecritica: Tarahumara

TARAHUMARA (CADA VEZ MÁS LEJOS) (IDEM, MÉXICO, 1965)

Si algo me gusto bastante de la cinta de Luis Alcoriza es el estilo documental en el que esta grabada, pareciera que en realidad vemos un documental de la vida tarahumara y que lo que se cuenta pudiera haber pasado en realidad (de hecho es muy posible que este tipo de historias pasaran seguido en el regimen priista), algunos momentos del filme simplemente retratan costumbres y momentos reales de los tarahumara lo cual resulta muy interesante y ayuda que comprendamos de mejor manera al pueblo. El guión escrito por el mismo director es minimalista pero toca muchisimos temas y rasgos de los tarahumara y de los mismos mexicanos mestizos que se aprovechan de ellos un dia si y el otro tambien, además el reparto es excelente, encabezados por Ignacio López Tarso quien se aleja de papeles de indigena para ahora convertirse en su protector/redentor.

 

El escritor Raul (Ignacio López Tarso, muy bien) llega a la sierra para hacer un articulo sobre el pueblo tarahumara, no le resulta muy facil ya que son celosos y no se relacionan con los "mestizos", pero logra entablar relación con Corachi (extraordinario Jaime Fernández) quien le enseña muchas cosas sobre los tarahumaras al mismo tiempo que Raul le enseña cosas que le podrian ayudar a él y a su pueblo, asi que Raúl poco a poco se va convirtiendo en uno de ellos, los admira por su valentia, por su lealtad, por su deber, pero al mismo tiempo no comprende y lo enoja sus tradiciones, su ignoracia que no quieren dejar atras, asi lo demuestra en una indignante juicio de violación en la que no solo no se castiga al culpable sino que se le ayuda, en la que los tarahumaras siguen con sus tradiciones inhumanas, donde no importa mucho la supervivencia de un niño o la fidelidad de una mujer, o que los hagan tontos cada dos por tres.

 

Pero Raúl no va a quedarse asi y pelea por ellos y con ellos para que se hagan mejores, aunque eso significaria y nosotros tambien lo entendemos bien, que dejen de ser tarahumaras para convertirse en unos más de nosotros, aunque lo mejor del filme sin duda es el ataque contra el gobierno y los empresarios, obviamente el pri y los empresarios ayudados por esté, al final la critica prevalece y el resultado de tanta corrupción enfurece, asi al final se convierte en una encabronadora critica del gobierno y de nosotros mismos hacia los pueblos indigenas del pais, al igual que los muestra a ellos como ignorantes y demasiado inocentes sin dejar de mostrarnos sus virtudes, asi mismo el Raúl de López Tarso no es un santo inocente como lo demuestra en su casi caida en la lujuria con una tarahumara que es una niña y con el engaño al meterse con la esposa de Corachi, al igual que pelea de la misma manera contra los priistas, la unica manera de hacerlo creo yo, al final la cinta resulta en una critica bien documentada y realizada con un inmenso valor cultural e historico más que como muestra de cine.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Gallo de Oro

EL GALLO DE ORO (IDEM, MÉXICO, 1964)

Pelicula basada en una historia corta de Juan Rulfo que cuenta con los nombres de Carlos Fuentes, Gabriel Garcia Marquez y el mismo director Roberto Gavaldón, con estos nombres uno pensaria que la historia seria extraordinaria pero la verdad es que no pasa de ser una interesante fabula, ahi es donde veo el error, el alargar la fabula hasta el cansancio, hasta niveles a los que Gavaldón y sus impresionantes guionistas no debieron llevarlo, asi que en lugar de lugar una fabula mexicana bien contada con actores de primer nivel y una dirección artesanal que debiera durar poco vemos como al final se alarga la historia cuando ya todos sabemos que va a pasar y como el director le da muchisimo tiempo a Lucha Villa en los minutos finales y en las canciones que son tantas que uno pierde la cuenta.

 

No me malentiendan, me gusta cada vez que sale Lucha Villa cantando pero al final uno se da cuenta de que canta en demasia ¡hasta repite canciones! sin duda Gavaldón sentia una gran inclinación por ella, en fin. Dionisio (Ignacio López Tarso, muy bien) grita anuncios y peleas de gallos por lo que vive con lo minimo, ni siquiera le alcanza para enterrar dignamente a su pobre madre que acaba de fallecer, en una de las peleas un gallo es derrotado y Dionisio lo pide para no sacrificarlo, despues de mucho esfuerzo logra revivirlo y lo entrena para pelearlo, con tan buena fortuna que su gallo gana y de ahi comienza una rivalidad/sociedad con el "empresario" Lorenzo (Narciso Busquets) y con "La Caponera" Bernarda (Lucha Villa) de quien esta enamorado y ella solo se aprovecha.

 

Lo que sigue ahi es la clasica critica del mexicano, los empresarios corruptos y matones que se aprovechan de todos, el indito del que se aprovechan todos por su ignorancia e inocencia, la mujer fatal que solo quiere ser libre y que es usada como herramienta por el patan, además del desmadre que se arma en las fiesta mexicanas, al final el indigena se corrompe y vuelve con lo justo, lo que a final de cuentas era su meta en un principio, y debo añadir que no lo tratan nada mal, al fina regresa a donde mismo pero con algunas buenas vivencias, aunque el mensaje es claro y desesperanzador, eso si, las escenas de gallos estan montadas con brio y el reparto en general lo hace bien.

 

Calificación: Vale la Pena

Musica: I Wanna Rock - Twisted Sister

TWISTED SISTER - I WANNA ROCK

Twisted Sister es un grupo estadounidense de Glam Metal formado en la ciudad de Nueva York. Su trabajo fusiona las tácticas impactantes de Alice Cooper, el humor rebelde de la nueva ola del metal británico (NWOBHM), el estilo de New York Dolls y el extravagante maquillaje de KISS. El grupo tiene una imagen glam, aderezada con un punto deliberadamente chabacano; su sonido se podría comparar en ocasiones las clásicas bandas de heavy metal como Judas Priest y Motörhead, mientras que otras muchas se puede acercar a bandas hard rock como Alice Cooper o Kiss, ya que cuenta con un fuerte componente de rock and roll, de manera similar a bandas como Poison o Ratt. Dee Snider, el vocalista del grupo, dijo en una entrevista:

Yo no pienso que Twisted Sister es "Glam", porque eso implica glamour, y nosotros no somos glamorosos. Deberíamos ser llamados "Hor" ("Hid"), por que somos horrendos (hideous).

Aunque la banda fue formada por el guitarrista Jay Jay French en 1973, todas sus canciones fueron escritas por el vocalista, Dee Snider. Los éxitos del grupo incluyen "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", ambos popularizados por la continua aparición en MTV en los años 80s. Muchas de las canciones de la banda exploran los conflictos de padres contra hijos y critican el sistema de educación.

I Wanna Rock es un sencillo de la banda de Heavy metal Twisted Sister, publicado por primera vez en 1984 en el álbum Stay Hungry por el sello discográfico Atlantic Records.

La clave de su éxito puede encontrarse en su estribillo simple y pegadizo o la naturaleza cómica de su video clip. La letra no habla de nada en particular, es más que nada una exclamación de querer salir adelante con el rock 'n' roll.

A pesar de su contenido hilarante, el video fue acusado y criticado por contener retratos de violencia contra maestros, convirtiéndose a sí en una de las canciones más incomprendidas del género y uno de los factores que más problemas les trajo a Twisted Sister, atrayendo críticas de organizaciones conservadoras.

Fue editado como single por primera vez en 1984 junto a una versión en vivo del tema "Burn In Hell" y luego una versión del tema con la introducción del video incluida y el tema "Leader Of The Pack" del álbum "Come Out And Play", en 1985. Al igual que "We're Not Gonna Take It", "I Wanna Rock" es uno de los clásicos inmortales de Twisted Sister y fue nombrada en el programa de VH1 Las 40 Canciones Más Grandiosas del Metal, llegando al puesto 21.

Video traducido (gracias a vikingoh)


Lyrics (gracias a BlackDawn626) }

Live (gracias a andrethethrashe)