Musica: Everlong - Foo Fighters

FOO FIGHTERS - EVERLONG

Foo Fighters es una banda de origen estadounidense creada en el año 1994 por Dave Grohl, ex-batería de Nirvana y Scream. Actualmente la banda se encuentra en un receso indefinido.

 

La banda ha conseguido algunos éxitos que le han merecido reconocimiento mundial, tales como "Big Me", "This is a Call", "Everlong", "Monkey Wrench", "Learn to Fly", Wheels, "All My Life", "Times Like These", "Best of You", "D.O.A" "No Way Back", "Rope", "Walk" o "The Pretender" que alcanzó el puesto número uno en los Hot Modern Rock Tracks el sábado 1 de septiembre del 2007 y se mantuvo así durante dieciocho semanas consecutivas.

 

"Everlong" fue el segundo sencillo del segundo álbum The Colour and the Shape, de Foo Fighters. Se editó en formato CD en 1997. Se trata de una canción mid-tempo de amor que muchos fans reconocen como una de las mejores del grupo. Aunque de manera no oficial, se ha vuelto la más peculiar del grupo y tradicionalmente la tocan al final de cada concierto.

Existe una versión acústica que se volvió famosa desde una visita que tuvo el grupo al programa de Howard Stern, en el que Dave Grohl la tocó en solitario.

Durante el corte instrumental de la canción, se pueden escuchar tres pistas de audio indescrifrables murmuradas por Grohl. Se desconocen las palabras exactas, pero se cree que la fuente de estas son un una carta de amor, un manual técnico y una historia sobre el padre de un técnico del estudio. Grohl ha confirmado únicamente el uso del manual técnico.

En cuanto a los listados, logró las siguientes posiciones:

• #45 en la lista "Las 100 canciones de rock más grandes de todos los tiempos" de la revista Kerrang! (1999)
• #39 en la lista "Los 100 sencillos más grandes de todos los tiempos" de la revista Kerrang! (2002) (aunque ha de aclararse que el editor de la revista se quejó sobre esta posición, aclamándola como "la mejor canción jamás impresa en plástico")
• #22 en la lista "Los 100 videos musicales de todos los tiempos" de la revista Stylus (2006)
• #28 en la lista de "Las 100 más grandiosas canciones del Hard Rock" de VH1

Dave Grohl declaró en la edición de mayo de 2005 de la revista Kerrang! que Louise Post, vocalista de Veruca Salt y alguna vez novia suya, fue el tema de inspiración para esta canción, escribiendo acerca de la "...loca, retrasada, apasionada y extraña relación" que llevaban. También dijo haber pensado que era un robo a Sonic Youth.

Video original (gracias a foofightersVEVO)

Live con ambas letras (gracias a xhelo2011) 

Acustico con letra (gracias a sexxedup)

Cinecritica: El Regreso del Monstruo

EL REGRESO DEL MONSTRUO (REVENGE OF THE CREATURE, EU, 1995)

Secuela de "Creature from the Black Lagoon" y quinta pelicula de Jack Arnold, solo un año despues de esa pelicula sobre una bestia marina humanoide que se enamora de una mujer llego la secuela y aunque tiene buen nivel de producción y una dirección que cumple, la historia es la que flaquea y es donde se nota que se hizo apresuradamente, o quiza que ya no se le podia sacar más a un monstruo tan limitado como el pez humanoide que se nos muestra, el filme me desilusiono porque las partes interesantes que tiene ya las habia visto en la primera cinta, la danza simbolica sexual que aqui esta menos lograda y el hecho de aparecer como una victima frente a los crueles humanos, supongo que Arnold nos queria mostrar como seria si llegara a la civilización, un aspecto que todo monstruo clasico tiene que vivir.

 

Para empezar la pelicula traiciona el final de la primera donde el monstruo muere acribillado a balazos y todos ven su cuerpo inerte, pero ya sabemos como es el cine asi que por arte de magia un año despues llegan dos aventureros cientificos para capturarlo y llevarlo a la civilización, obviamente lo capturan (de forma harto sencilla diria yo) y lo transportan a un acuario donde es presentado como fenomeno de circo mientras intentan hacerlo aprender trucos para medir su inteligencia, aqui es donde la cinta se pierde y le da más importancia al lio amoroso del Clete (John Agar) y Helen (Lori Nelson) hasta que el monstruo se libera y deambula por la costa asesinando hasta secuestrar a su nueva musa y ser perseguido hasta darle fin.

 

El problema como escribi antes es que todo esto ya lo habiamos visto en la primera cinta, y el final de esta cinta resulta todavia más cortante que el anterior, se termina de golpe y de forma demasiado sencilla, a final de cuentas esta segunda parte no nos sirvio para descubrir más del monstruo lo cual me parece indignante, aunque se mostro más sobre nuestra horrible naturaleza humana, aunque me parece que Arnold no aprovecha esto, no parece tomar partido a diferencia de la otra cinta lo cual hace que esta se sienta fria. Lo mejor es el maquillaje del monstruo y las escenas bajo el agua tan bien logradas, y como dato curioso aqui debuta Clint Eastwood en un papel pequeñito y sin importancia.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: La Muerte le Sienta Bien

LA MUERTE LE SIENTA BIEN (DEATH BECOMES HER, EU, 1992)

Despues de salir de una etapa en la que estaba inspirado y se gano al publico y a la critica Robert Zemeckis tenia que hacer algo que estuviera a la altura, o por lo menos que nos e alejara tanto de la calidad que habia mostrado en la trilogia de "Volver al Futuro" y en "Who Framed Roger Rabbit", lastimosamente su idea fue hacer una satira de humor negro sobre la vanidad, una idea que al escucharla se escucha bien pero que falla en su puesta en escena, lo que intento Zemeckis fue hacer una comedia parecidas a las de Tim Burton pero ni el desarrollo ni el desenlace resultan buenos, eso si, conto con un reparto de tres estrellas que en ese momento estaban en apogeo y unos buenos efectos para esos tiempos, cosa curiosa porque me parece que el excesivo apoyo en los efectos especiales es lo que afecta la cinta.

 

La cinta comienza con buen ritmo mostrandonos a la pesima pero famosa actriz Madeline (Meryl Streep, sobreactuada) quien le roba el novio a su mejor amiga Helen (Goldie Hawn), asi que Helen se deprime y engorda mientras Madeline se casa con el talentoso cirujano Ernest (esforzado Bruce Willis), años despues Ernest y Madeline viven un matrimonio infernal y ahora Ernest prepara cadaveres, pero Helen vuelve a su vida viendose fantastica, delgada y sin que los años hayan pasado por ella, Helen convence a Ernest de matar a Madeline y quedarse con su fortuna, pero Madeline no muere pues acaba de hacer un pacto para mantenerse joven por siempre.

 

Pero como el elixir tambien la hace inmortal Madeline queda ahi con el cuello volteado y los huesos destrozados, lo cual nos lleva a una hilarante pero exagerada escena en el hospital y a descubrir el secreto de Helen en tanto Ernest esta atrapado en esa locura infernal. Un inicio prometedor que poco a poco se va desinflando, a uno le queda la sensación de que hubiera quedado mejor si no se hubiera metido el elemento sobrenatural ya que este se agota muy rapidamente y lo que sigue despues se siente repetitivo y pesado, asi que mientras llega el final nos cansamos y deseamos que ya termine, lo mejor sin duda es Willis es un papel diferente al que nos tiene acostumbrados.

 

Calificación: Palomera

Cinecritica: Schlock - The Banana Monster

SCHLOCK - THE BANANA MONSTER

La opera prima de John Landis es una parodia/homenaje de las peliculas sobre monstruos incomprendidos, donde además homenajea muchas peliculas de terror, principalmente "The Blob" del que se muestran muchas escenas, aunque la cinta no tiene una historia real ya que simplemente se reparte en escenas en las que el monstruo protagonista vive diferentes aventuras, ademas de algunos personajes secundarios, la producción de la cinta es muy baja, claro que eso es lo que significa el nombre de la cinta, algo pobre, de baja calidad, y cabe aclarar que el traje de gorila humanoide que hizo Rick Baker para la cinta resalta sobre lo demás.

 

En un pequeño pueblo aparecen una cantidad exorbitante de cuerpos que despues se descubre son las victimas de un monstruo humanoide que parece el eslabon perdido entre el hombre y el simio, asi que el llamado Banana Monster (el propio director John Landis) se pasea por la ciudad buscando bananas y matando a quien le parezca, lo interesante del asunto es que se topa con personas francamente pesadas por lo que cuando se encarga de ellas solo sentimos un placer culpable; el junior que se pasea a toda velocidad, la mujer con sombrero en el cine, el negro con peinado afro en el mismo lugar, los estupidos policias, adolescentes entrometidos y un periodista que parece trabajar para Azcarraga por la estupidez latente que procesa.

 

Tambien Landis nos muestra aqui su propia versión de los deseos del monstruo pero mientras en la mayoria de estas cintas los monstruos son tranquilos e idolatran puramente a la chica de turno, el de Landis es lo suficientemente mañoso para tocarle los senos a una exuberante pelirroja a la que desea y por la que encuentra su fin, lastima que la cinta no termine de funcionar, la mayoria de los segmentos se siente como relleno pero a pesar de eso es un interesante debut.

 

Calificación: Palomera

Musica: Breaking the Law - Judas Priest

JUDAS PRIEST - BREAKING THE LAW

Breaking the Law es una de las más conocidas canciones de heavy metal del grupo Judas Priest, perteneciente al álbum British Steel.

La letra y concepto de la canción fueron en un principio escritos acerca de la frustración; es lo que subyace a lo largo de toda la canción, debido a que, en las costumbres británicas a las que fueron acostumbrados los miembros del grupo, siempre se vivía una vida planeada: uno crece, sale del ambiente escolar, entra en la universidad y al salir se tiene la sensación de que se le han prometido muchas cosas, pero por más trabajos que se obtengan para progresar, no obtenemos lo suficiente. De aquí sale la idea por la que rompemos " La Ley", es decir empezamos en contra del sistema.

El video muestra a Halford cantar en la parte trasera de un Cadillac que va rumbo a un banco y cuando llega entra junto con Tipton y Downing. En el banco asustan a la gente y Hill entra por una puerta trasera. Halford cuando llega a la caja fuerte rompe los barrotes y saca el disco de oro del álbum de judas priest British Steel y lo muestra a la cámara de seguridad del banco y cuando lo ve el guardia saca una guitarra falsa y empieza a jugar con ella. Cuando el grupo sale del banco se van el cadillac que es conducido por Dave Holland.

Video original (gracias a JudasPriestVEVO)


Ambas letras (gracias a Bulla7x0)

Cinecritica: Llegó del Espacio Exterior

LLEGÓ DEL ESPACIO EXTERIOR (IT CAME FROM OUTER SPACE, EU, 1953)

El director Jack Arnold entrego esta cinta de ciencia ficción que fiel a su filmografia tiene un mensaje de paz y tolerancia aunque no se libra de algunos malentendidos y peleas, y es que lo que he revisado de Arnold siempre tiene un mensaje de tolerancia con seres incomprendidos que llegan junto a nosotros y sufren ataques por el unico hecho de ser diferentes, a pesar de todo la cinta maneja una atmosfera de suspenso y tensión que hace que nos sintamos desesperados junto al protagonista, los efectos me parecen buenos para su tiempo al igual que los diseños, esto lo digo porque ahora se ensañan diciendo que estan muy chafas, supongo que es porque no estan hechos a computadora pero con lo extravagante que soy acepto que prefiero estos.

 

La cinta comienza con John Putnam (Richard Carlson) viendo las estrellas junto a su prometida Ellen Fields (Barbara Rush) quienes ven un objeto muy raro atravesar el cielo y estrellarse, al ir a investigar John ve una nave extraterrestre pero un alud la deja sepultada, John alerta a las autoridades pero obviamente es tomado por loco hasta que empiezan a pasar raros sucesos en el pueblo mientras John sigue su propia linea de investigación junto a su novia sin saber que es lo que pretenden estos extraños alienigenas.

 

Un elemento importante de la trama es que los alienigenas pueden transformarse, tomar cualquier forma, por lo que empiezan a secuestrar humanos para suplantarlos, obviamente nos remite a "Invasion of the Body Snatchers" pero esta es del cincuenta y seis, quiza de aqui tomaron esa idea, lo cual seria lo mejor que habra hecho esta pelicula, sencilla pero que uno debe revisar, y donde Jack Arnold comenzo con el genero que lo inmortalizaria, despues de esto vino "Creature from the Black Lagoon" que ya revise en este blog y su secuela sobre la que escribire en unos dias.

 

Calificación: Regular

Cinecritica: Marcianos al Ataque

¡MARCIANOS AL ATAQUE! (MARS ATTACKS!, EU, 1996)

Exageradisima satira de humor negro que no deja titere sin cabeza, una mofa hacia las peliculas de desastres con mucho presupuesto y reparto de estrellas que llenaron los cines en los noventa, pero donde esas peliculas se tomaban en serio y todos lloraban por sus seres queridos y morian heroicamente por su pais (cosa llevada al ridiculo en "Dia de la Independencia"), en lugar de eso Tim Burton nos muestra un ataque marciano en el que los humanos son tan desagradables como los marcianes y donde se comete una estupidez tras otra, además tenemos un reparto fabuloso que se dedica a reirse de si mismo y hacer el ridiculo, la cosa resulta tan ridicula que es obvio que es un chiste, el intento del gobierno de forjar lazos de amistad, el intento de congraciarse y la mal escondida intención de los marcianos que resultan unos payasos de primera lo suficientemente sadicos para regalarnos algunos chistes graficos que posiblemente ofendan a muchos del respetable.

 

La pelicula comienza con unos creditos que se ven chafas a proposito mientras vemos los nombres del increible reparto, despues se nos muestran los detestables personajes para que podamos reirnos cuando se enfrenten a su destino, asi vemos al elogatra presidente James Dale (Jack Nicholson, bien), su pedante esposa (Glenn Close), su hija adolescente cliche (jovensisima Natalie Portman), el egolatra Art Land (Jack Nicholson de nuevo), su tonta esposa hippie (Annette Bening), el pedante profesor Donald (Pierce Brosnan), un lujurioso secretario (Martin Short), un creido periodista (Michael J. Fox), una estupida conductora (Sarah Jessica Parker), un abogado (Danny DeVito), dos generales totalmente diferentes pero igualmente inutiles y un largo etc.
 

Llegan los marcianos y todos los reciben como heroés, pero las cosas se salen de control y estos hacen una masacre, de manera estupida los humanos siguen buscando hacerlos amigos y estos aprovechan para destruir el senado, uno de las mejores partes del filme, sencillamente hilarante la manera en la que el marciano mata a los burocratas, y de ahi comienza una guerra que los humanos no pueden ganar. Claro que eso importa poco o nada, no interesa el final de la guerra, no estamos de ningun lado, solo queremos divertirnos y vaya que lo hacemos con la cara de Jessica Parker en un chihuahueño, la cabeza separada de Brosnan, la muerte de Fox, el ridiculo discurso del presidente que termina con un asta clavada en el pecho, el ofrecimiento de un abogado a los extraterrestres, los marcianos drogandose con radiación, la intromisión de un sexy marciano (Lisa Marie) en la casa blanca, las tontas ideas del profesor y todos los chistes y apariciones marcianos que por supuesto que se ven chafas, esa es la finalidad del filme, burlarse de las peliculas que se lo toman en serio al mismo tiempo que homenajean a las peliculas de extraterrestres de los cincuenta, y aunque parezca increible esta batalla resulta más interesante que las de catastrofes de los noventa, y tambien sale Tom Jones en un largo cameo que termina conel cantando y festejando mientras los animales lo acompañan, jaja.

Calificación: Bien

Cinecritica: La Cara Oculta

LA CARA OCULTA (IDEM, COLOMBIA, 2011)

Comenzamo el mes de octubre y por ello me dare a la tarea de reseñas peliculas de terror o por lo menos cintas que toquen este genero, como el suspenso o en el caso de esta pelicula el thriller psicologico, y es que la verdad a mi la cinta si me asusto al ver de lo que es capaz el ser humano, en este caso las mujeres para conseguir lo que quieren, la situación en que nos pone el director Andrés Baiz es desesperante, sufrimos la misma desesperación que sus personajes en un ambiente claustofobico y depresivo que solo puede llevar a la destrucción, eso si, la cinta no esta libre de fallos como algunas acciones ridiculas de los personajes y el nini personaje principal masculino, al final parece que solo esta ahi para desempeñar una función especifica que es la de desatar la trama, o quiza solo sea que el actor que hace el papel es malo, a lo mejor solo soy yo pero me parecio malisimo.

 

Adrián (Quim Gutierrez deficiente) es un joven director español de orquesta sinfónica que ahora trabaja en Colombia, al parecer esta destrozado y se va a un bar para olvidar sus penas, ahi la guapa Fabiana (guapisima Martina García, muy bien) se siente atraida hacia él y nos descansa hasta que empiezan a salir, se vuelven una pareja formal y viven juntos, pero Fabiana descubre que Belén (Clara Lago, muy bien), la ex novia de Adrián esta desaparecida y que la policia lo considera el principal sospechoso, tampoco ayuda que Adrián haga de cuenta que está nunca existio y que se comporte de forma rara y huraña, y menos aun que Fabiana empiece a oir cosas en la casa, ruidos extraños, golpes, movimientos subitos, el perro nervioso.

 

Asi que mientras Fabiana intenta desenterrar el secreto de la casa comienza a sospechar de Adrián pero la cosa se queda a medias porque de ahi vemos la siguiente mitad de la cinta que es completamente diferente, a pesar de que esta vuelta de tuerca es sorprendente la cinta se siente quebrada pero el director habilmente la salva con la segunda parte que esta muy bien contada y que se vuelve totalmente desesperante y claustrofobica aunque aqui ya no hay misterios, algunos momentos son muy emocionantes y muchas imagenes quedan en la memoria, Fabiana y Belén son personajes profundos y complejos a pesar de las tonterias que cometen, a diferencia de Adrián al que uno no acaba de entender, supongo que solo es un patan mujeriego mal interpretado, el lado flaco de una buena cinta. Recomiendo no ver el trailer, yo lo vi en el dvd y revela todo, un trailer pesimamente pensado, lo mejor, la angustiosa habitación nazi y las dos actrices, por supuesto que Martina García mostrandose sexy.

 

Calificación: Interesante

Musica: Cherry Bomb - The Runaways

THE RUNAWAYS - CHERRY BOMB

The Runaways fue un grupo estadounidense de rock, compuesto exclusivamente por chicas en edad adolescente. Fue lanzado en los primeros años de la década del '70 por el productor Kim Fowley. Algunos de sus temas más populares son "Cherry Bomb", "Queens of Noise", "Neon Angels (On the Road to Ruin)" y "Born to Be Bad". El grupo realizó giras por América y Japón, además del Reino Unido, Suecia, Finlandia, Noruega, Bélgica, Francia, Suiza, y Alemania. Tuvieron una carrera corta (1975-1979), exitosa y tempestuosa. Tras su separación varias de sus integrantes emprendieron carreras en solitario de forma muy exitosa, así Joan Jett continuó desarrollando el rock and roll de las Runaways con un toque más radiable y Lita Ford emprendió su carrera en el heavy metal. Lita quería hacer una banda de punk. Y el proyecto The Blackhearts la banda de Joan Jett continuó como Joan Jett and The Blackhearts.

 

The Runaways se formó en 1975 por la baterista Sandy West y la guitarrista Joan Jett junto con la compositora Kari Krome, quien buscaba chicas para interpretar sus temas. Habían presentado su material por separado y en varias ocasiones al productor Kim Fowley, para exponerle sus ideas acerca de formar un grupo únicamente compuesto por chicas. Fowley, que buscaba siempre la "próxima gran sensación", le dio al número de Joan Jett. Las dos se reunieron para discutir las posibilidades y, tras ensayar juntas, volvieron a presentarse ante Fowley para mostrarle los resultados. Fowley entonces ayudó al grupo a buscar los miembros restantes.

 

Era extendida la idea de que eran un mero producto comercial creado por el productor y compositor Kim Fowley, que pensó que la noción de cuatro chicas vestidas de cuero y lencería tocando rock and roll tendría una gran aceptación. La realidad de los orígenes de la banda es que todas las personas que tomaron parte en ella lo hicieron con la más pura filosofía del rock and roll.

 

El grupo comenzó a girar como un "power-trío" por el circuito de clubs de California, con la bajista Micki (Michael) Steele. Cherie Currie se les unió como cantante y Lita Ford, con sólo 16 años, como guitarrista. Micki Steele dejo el grupo y posteriormente formaría parte de las exitosas The Bangles. Tras algunas pruebas, Jackie Fox, que inicialmente se había presentado al puesto de guitarrista, se incorporó al bajo y la formación se completó.

 

Las componentes de la banda revelaban un alto dominio de sus instrumentos y pronto la industria las empezó a tomar en serio. Su éxito más conocido fue en 1976 con "Cherry Bomb" — Hello daddy, hello mom, I'm your ch-ch-ch-ch-ch-ch-cherry bomb! — que ha sido versionado por multitud de bandas, entre ellas, el grupo de riot grrrls Bratmobile, el trío pop-punk japonés Shonen Knife, la cantante Estadounidense Miley Cyrus y la siguiente banda de Joan Jett, The Blackhearts. "Cherry Bomb" apareció incluida en las B.S.O. de los films Dawn, Portrait of a Teenage Runaway, RV y Dazed and Confused.

Traducida (gracias a xxflorr)


Lyrics (gracias a xMyMusicsLyrics)


Live (gracias a MaZrock)

Lo Mejor del Mes: Septiembre 2012

Mes prolifero en reseñas con dos de Gibson, la sobrevalorada opera prima de Costner, la saga "Mad Max", la saga "The Thing", una muy buena cinta para televisión, Nolan, un famoso musical, Takashi Miike, stop motion, peliculas mexicanas y sudamericanas, una joyita de los Coen y lo mejor que ha hecho Guy Ritchie:

 

Lo mejor..... "Barton Fink" de Ethan y Joel Coen, esta obra profunda y minimalista de los Coen es esplendida, un verdadero viaje a los infiernos de la mente totalmente surrealista con muchos simbolismos y que no puede dejar indiferente, o la amas o la odias.

 

Mención Honorifica..... "Braveheart" de Mel Gibson, de acuerdo, me rendi ante Gibson y su intento de filme de época ¿que puedo decir? me entretiene mucho y las batallas son buenas, y como de costumbre Gibson queda perfecto como heroé.

 

Segunda Mención Honorifica..... "Snatch" de Guy Ritchie, supongo que me gusta más que la de Gibson pero no puedo sacarme de la mente que quiza su relajiento desmadre se haga viejo muy pronto, aun asi notable.

 

Tercera Mención Honorifica..... "Mad Max 2, The Roar Warrior" de George Miller, supongo que me gusta más que las dos anteriores, a pesar de solo ser una versión de vaqueros post-apocaliptica, cine en estado puro.

 

Cuarta Mención Honorifica..... "El Crimen del Padre Amaro" de Carlos Carrera, más alla del escandalo que desencadeno, la pelicula es buena y el crimen del joven sacerdote es muy diferente a como se nos quizo pintar.

 

Lo Peor.... "Safe", la nueva pelicula de Statham es tonterias y más tonterias sin sentido, supongo que sus fans lo disfrutaran.

Cinecritica: El Dictador

EL DICTADOR (THE DICTATOR, EU, 2012)

De nuevo el director Larry Charles y su actor/guionista Sacha Baron Cohen hacen una comedia politicamente incorrecta que ataca directamente a los Estados Unidos y a toda su población y sociedad, a manera de gags y chistes que siguen una sencilla historia Baron Cohen se da vuelo y se ensaña de sobremanera sobre el pueblo norteamericano, algunos chistes son sucios y ofenden en demasia, ni hablar de los politicamente correctos que abarcan toda la cinta, por lo que si uno tiene mucha sensibilidad no la recomiendo, asi como tampoco si usted admira a los gringos o su sistema, contando tambien por supuesto su actual gobierno, en pocas palabras esta cinta no va a convencer a nadie de que Estados Unidos es un gobierno fallido, que la democracia son solo palabras, que tiene doble moral y que lo politicamente correcto llego a niveles estupidos.

 

Aladeen (Sacha Baron Cohen, bien) es un dictador que se armo con armas nucleares por lo que Obama (y con ello la ONU claro) piden su cabeza, pero Aladeen nunca dejara que le quiten su amada dictadura, pero su tio Tamir (Ben Kinsgley) tiene otros planes y aprovecha la ida a norteamerica para quitar de en medio a su sobrino y manejar a su doble, Aladeen sin su barba no es reconocido y sobrevive gracias a la desesperante idealista Zoey (Anna Faris) con quien comienza a trabajar para poder entrar en el hotel y recuperar su puesto, para ello contará con la ayuda del fisico nuclear Nadal (Jason Mantzoukas, bien) quien decide ayudarlo debido a que en America tiene un trabajo degradante solo por su raza.

 

La historia se siente como una simple excusa para poner chistes y situaciones ridiculas, lo cual se nota más al ver como se resuelve todo, lo demás son puras vueltas pero en lo personal el viaje si me gusto, los chistes politicamente incorrectos, como el de Megan Fox con Aladeen y su pared llena de trofeos o la hilarante del helicoptero con los dos gringos asustados, además muchos actores hacen cameos y apariciones en las que se rien de si mismos y finalmente el discurso de la cinta es muy importante aunque este mostrado de esta manera, al final Aladeen nos muestra que EU no es diferente de una dictadura, por lo menos él lo acepta y por ello estamos de su lado en el final politicamente incorrecto pero quiza demasiado facilon.

 

Calificación: Regular

Cinecritica: Tarahumara

TARAHUMARA (CADA VEZ MÁS LEJOS) (IDEM, MÉXICO, 1965)

Si algo me gusto bastante de la cinta de Luis Alcoriza es el estilo documental en el que esta grabada, pareciera que en realidad vemos un documental de la vida tarahumara y que lo que se cuenta pudiera haber pasado en realidad (de hecho es muy posible que este tipo de historias pasaran seguido en el regimen priista), algunos momentos del filme simplemente retratan costumbres y momentos reales de los tarahumara lo cual resulta muy interesante y ayuda que comprendamos de mejor manera al pueblo. El guión escrito por el mismo director es minimalista pero toca muchisimos temas y rasgos de los tarahumara y de los mismos mexicanos mestizos que se aprovechan de ellos un dia si y el otro tambien, además el reparto es excelente, encabezados por Ignacio López Tarso quien se aleja de papeles de indigena para ahora convertirse en su protector/redentor.

 

El escritor Raul (Ignacio López Tarso, muy bien) llega a la sierra para hacer un articulo sobre el pueblo tarahumara, no le resulta muy facil ya que son celosos y no se relacionan con los "mestizos", pero logra entablar relación con Corachi (extraordinario Jaime Fernández) quien le enseña muchas cosas sobre los tarahumaras al mismo tiempo que Raul le enseña cosas que le podrian ayudar a él y a su pueblo, asi que Raúl poco a poco se va convirtiendo en uno de ellos, los admira por su valentia, por su lealtad, por su deber, pero al mismo tiempo no comprende y lo enoja sus tradiciones, su ignoracia que no quieren dejar atras, asi lo demuestra en una indignante juicio de violación en la que no solo no se castiga al culpable sino que se le ayuda, en la que los tarahumaras siguen con sus tradiciones inhumanas, donde no importa mucho la supervivencia de un niño o la fidelidad de una mujer, o que los hagan tontos cada dos por tres.

 

Pero Raúl no va a quedarse asi y pelea por ellos y con ellos para que se hagan mejores, aunque eso significaria y nosotros tambien lo entendemos bien, que dejen de ser tarahumaras para convertirse en unos más de nosotros, aunque lo mejor del filme sin duda es el ataque contra el gobierno y los empresarios, obviamente el pri y los empresarios ayudados por esté, al final la critica prevalece y el resultado de tanta corrupción enfurece, asi al final se convierte en una encabronadora critica del gobierno y de nosotros mismos hacia los pueblos indigenas del pais, al igual que los muestra a ellos como ignorantes y demasiado inocentes sin dejar de mostrarnos sus virtudes, asi mismo el Raúl de López Tarso no es un santo inocente como lo demuestra en su casi caida en la lujuria con una tarahumara que es una niña y con el engaño al meterse con la esposa de Corachi, al igual que pelea de la misma manera contra los priistas, la unica manera de hacerlo creo yo, al final la cinta resulta en una critica bien documentada y realizada con un inmenso valor cultural e historico más que como muestra de cine.

 

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Gallo de Oro

EL GALLO DE ORO (IDEM, MÉXICO, 1964)

Pelicula basada en una historia corta de Juan Rulfo que cuenta con los nombres de Carlos Fuentes, Gabriel Garcia Marquez y el mismo director Roberto Gavaldón, con estos nombres uno pensaria que la historia seria extraordinaria pero la verdad es que no pasa de ser una interesante fabula, ahi es donde veo el error, el alargar la fabula hasta el cansancio, hasta niveles a los que Gavaldón y sus impresionantes guionistas no debieron llevarlo, asi que en lugar de lugar una fabula mexicana bien contada con actores de primer nivel y una dirección artesanal que debiera durar poco vemos como al final se alarga la historia cuando ya todos sabemos que va a pasar y como el director le da muchisimo tiempo a Lucha Villa en los minutos finales y en las canciones que son tantas que uno pierde la cuenta.

 

No me malentiendan, me gusta cada vez que sale Lucha Villa cantando pero al final uno se da cuenta de que canta en demasia ¡hasta repite canciones! sin duda Gavaldón sentia una gran inclinación por ella, en fin. Dionisio (Ignacio López Tarso, muy bien) grita anuncios y peleas de gallos por lo que vive con lo minimo, ni siquiera le alcanza para enterrar dignamente a su pobre madre que acaba de fallecer, en una de las peleas un gallo es derrotado y Dionisio lo pide para no sacrificarlo, despues de mucho esfuerzo logra revivirlo y lo entrena para pelearlo, con tan buena fortuna que su gallo gana y de ahi comienza una rivalidad/sociedad con el "empresario" Lorenzo (Narciso Busquets) y con "La Caponera" Bernarda (Lucha Villa) de quien esta enamorado y ella solo se aprovecha.

 

Lo que sigue ahi es la clasica critica del mexicano, los empresarios corruptos y matones que se aprovechan de todos, el indito del que se aprovechan todos por su ignorancia e inocencia, la mujer fatal que solo quiere ser libre y que es usada como herramienta por el patan, además del desmadre que se arma en las fiesta mexicanas, al final el indigena se corrompe y vuelve con lo justo, lo que a final de cuentas era su meta en un principio, y debo añadir que no lo tratan nada mal, al fina regresa a donde mismo pero con algunas buenas vivencias, aunque el mensaje es claro y desesperanzador, eso si, las escenas de gallos estan montadas con brio y el reparto en general lo hace bien.

 

Calificación: Vale la Pena

Musica: I Wanna Rock - Twisted Sister

TWISTED SISTER - I WANNA ROCK

Twisted Sister es un grupo estadounidense de Glam Metal formado en la ciudad de Nueva York. Su trabajo fusiona las tácticas impactantes de Alice Cooper, el humor rebelde de la nueva ola del metal británico (NWOBHM), el estilo de New York Dolls y el extravagante maquillaje de KISS. El grupo tiene una imagen glam, aderezada con un punto deliberadamente chabacano; su sonido se podría comparar en ocasiones las clásicas bandas de heavy metal como Judas Priest y Motörhead, mientras que otras muchas se puede acercar a bandas hard rock como Alice Cooper o Kiss, ya que cuenta con un fuerte componente de rock and roll, de manera similar a bandas como Poison o Ratt. Dee Snider, el vocalista del grupo, dijo en una entrevista:

Yo no pienso que Twisted Sister es "Glam", porque eso implica glamour, y nosotros no somos glamorosos. Deberíamos ser llamados "Hor" ("Hid"), por que somos horrendos (hideous).

Aunque la banda fue formada por el guitarrista Jay Jay French en 1973, todas sus canciones fueron escritas por el vocalista, Dee Snider. Los éxitos del grupo incluyen "We're Not Gonna Take It" y "I Wanna Rock", ambos popularizados por la continua aparición en MTV en los años 80s. Muchas de las canciones de la banda exploran los conflictos de padres contra hijos y critican el sistema de educación.

I Wanna Rock es un sencillo de la banda de Heavy metal Twisted Sister, publicado por primera vez en 1984 en el álbum Stay Hungry por el sello discográfico Atlantic Records.

La clave de su éxito puede encontrarse en su estribillo simple y pegadizo o la naturaleza cómica de su video clip. La letra no habla de nada en particular, es más que nada una exclamación de querer salir adelante con el rock 'n' roll.

A pesar de su contenido hilarante, el video fue acusado y criticado por contener retratos de violencia contra maestros, convirtiéndose a sí en una de las canciones más incomprendidas del género y uno de los factores que más problemas les trajo a Twisted Sister, atrayendo críticas de organizaciones conservadoras.

Fue editado como single por primera vez en 1984 junto a una versión en vivo del tema "Burn In Hell" y luego una versión del tema con la introducción del video incluida y el tema "Leader Of The Pack" del álbum "Come Out And Play", en 1985. Al igual que "We're Not Gonna Take It", "I Wanna Rock" es uno de los clásicos inmortales de Twisted Sister y fue nombrada en el programa de VH1 Las 40 Canciones Más Grandiosas del Metal, llegando al puesto 21.

Video traducido (gracias a vikingoh)


Lyrics (gracias a BlackDawn626) }

Live (gracias a andrethethrashe)

Cinecritica: Corazón Valiente

CORAZÓN VALIENTE (BRAVEHEART, EU - IRLANDA, 1995)

La segunda pelicula de Mel Gibson es la que lo consagro y donde comienza su critica/fantasia politicamente incorrecta, nadie la considera asi porque ataca a los ingleses pero despues el director empezaria a arremangar con todos, una cinta que dura tres horas en las que nunca baja el ritmo y nos emociona de principio a fin, donde Gibson recupera el filme de epoca que se creia perdido (y que ahora se vuelve a creer perdido por más que copias y copias del "Señor de los Anillos" llenen los cines), mostrandonos la vida de un heroé escocés que por supuesto que existio y que fue parte fundamental en la independencia de los escoceses, contada con brio e ineligencia la historia inmediatamente nos pone del lado de Wallace, nos preocupamos por él, sufrimos por él, peleamos con él, nos emocionamos con él, este es el Wallace de Gibson, un luchador incansable que pelea por los derechos de su gente pero que como motor principal lucha por la venganza de la mujer que ama, ahi es donde uno se da cuenta de que la pelicula tiene mucho de Gibson, con las traiciones que acaban con el mesias y su sacrificio y pelea final.

 

Los ingleses son amos y señores de escocia pero hay una rebelión que lucha por sus derechos, a ella pertenece el padre de Wallace pero facilmente son derrotados, asi que el pequeño William Wallace (James Robinson) es llevado por su tio al extranjero donde lo educa y le enseña a luchar, ya adulto Wallace (Mel Gibson, excelente) regresa a Escocia para encontrarlo todavia peor debido a la tirania de Eduardo I (Patrick McGoohan, muy bien) quien decide destruir la sangre escocesa con una insultante ley, pero a Wallace nada de eso le importa, solo quiere vivir tranquilo y enamorar a Maroon (Catherine McCormack), casarse en secreto y ser feliz, pero las cosas no salen como el piensa, un ingles sospecha y quiere reclamar sus derechos, Maroon se defiende y Wallace pelea pero al final Maroon es ejecutada lo que causa la ira de Wallace quien se une a la rebelión, se convierte en su lider y los lleva mucho más lejos de lo que jamas pensaron.

 

Longshanks no sabe como apagar esta rebelión y ve impavido como Wallace va ganado terreno y batallas mientras más personas se le unen, su hijo Eduardo (Peter Hanly) es un bueno para nada y homosexual por lo que debe acabar con Wallace antes de que deje el trono, casa a la Princesa Isabelle (bellisima Sophie Marceau) con su hijo para ganar aliados y empieza a confabular contra Wallace ya que no puede derrotarlo en batalla. La trama completa es mucho más compleja e interesante, a pesar del ritmo pausado nunca dejan de pasar cosas y uno no puede despegarse de la pantalla, el romance esta bien logrado y con un tiempo justo ¿para que perder tres cuartos de la pelicula en él? (aprende Cameron), el personaje principal se gana nuestra simpatia y empatia porque resulta muy humano, no es un heroé inmaculado sino un hombre que quiere venganza y que sabe que al lograrla sacara algo bueno para su pueblo, las batallas son epicas y demuestran que Gibson es un muy buen director, y su cine posterior y sus manias ya se muestran desde aqui; su heroé invencible que solo es derrotado cuando lo traicionan sus seguidores, sus hombres vengativos, hasta su discurso cristiano cuando al final Wallace es torturado sin quebrarse frente a sus discipulos mientras estos solo ven con lagrimas en los ojos. Lo mejor son todas las escenas de batallas, la venganza de Wallace, la escena de tortura con el grito, la confesión de Isabelle a Longshanks y mi favorita, la cara de Gibson cuando se da cuenta de que lo traicionaron ¡las dos ocasiones son memorables! Y finalmente comentar que en la cinta hay muchisimos errores, hasta sus siguientes filmes Gibson se volveria exageradamente perfeccionista.

 

Calificación: Notable

Cinecritica: La Pantera Rosa

LA PANTERA ROSA (THE PINK PANTHER, REINO UNIDO - EU, 1963)

Algunos diran que es un clasico pero la verdad es que no le vi nada maravilloso a esta pelicula, cierto que la actuación Peter Sellers la eleva sobre todas aquellas de tematica parecida pero lo mismo hizo el legendario actor en muchas otras, aunque he de admitir que me parecio divertida y solte la carcajada por momentos lo cual quiere decir que para pasar el rato es una pelicula extraordinaria, aunque tengo la sensación de que su humor es demasiado blanco e inteligente para los estandares actuales, además de que tiene mucha comedia fisica, de pastelazo como se dice, que por fortuna esta realizada en su mayoria por Sellers que sabe medir los tiempos de manera perfecta, su inspector Clouseau le pertenece totalmente, en ningun momento parece que esta actuando, pareciera que en realidad él como persona es tan torpe y todo lo sale mal.

 

El diamante llamado la Pantera Rosa le pertenece a una princesa (bellisima Claudia Cardinale) pero esta en peligro de ser robado por el ladron de cuello blanco "El Fantasma" por lo que el inspector Jacques Clouseau (Peter Sellers robandose cada imagen en la que aparece) es encargado de cuidarla, Clouseau sospecha acertadamente de Sir Charles Lytton (David Niven) pero lo que no imagina es que su mujer Simone (Capucine) es su amante y socia, los dos ladrones ponen en marcha un plan para engañar a la princesa pero el sobrino de Charles, George (Robert Wagner), llega y tambien oculta sus propios secretos ¿podra Clouseau atraparlos? ¿robarán la pantera rosa? ¿Clouseau pasara un cuarto sin tirar algo, tropezarse o golpear a alguien?

 

Comedia de enredos que encuentra sus mejores momentos cuando Sellers esta en escena, al final uno termina del lado de inoperante inspector quien parece hacer todo mal, buen ritmo, dirección artesanal, buenas actuaciones y hasta una canción con baile incluido hacen que valga la pena verla. Lo mejor la naturalidad con la que a Sellers se le derrama un vaso de leche, rompe una perilla o estropea un violin, la hilarante escena del cuarto y la ridicula persecusión en carros del final.

 

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Mi Pie Izquierdo

MI PIE IZQUIERDO (MY LEFT FOOT, IRLANDA, 1989)

Para los que piensan que los actores no son impotantes en el cine uno debiera pedirles la opinion cuando se encuentra con cinta como esta en la que más alla de la exacta dirección y un guión inteligente se elevan principalmente por interpretaciones magnificas, en esta caso uno nunca podria olvidar la perfecta actuación que entrega Daniel Day-Lewis como el perseverante Christy Brown, un artista con capacidades diferentes, pero no seria justo darle a Day-Lewis todo el credito, todos los demás actores hacen un trabajo extraordinario, pareciera que estamos viendo una obra de teatro, la escuela britanica se muestra en todo su potencial, no hay aspavientos, nadie quiere sobresalir, son contenidas, serias, exactas... y la dirección del debutante Jim Sheridan se muestra inteligente y virtuosa, Sheridan tiene el suficiente talento para saber cuando hacerse un lado y dejar que los actores hagan su trabajo y tambien sabe mover la camara, encuentra planos vistozos, maneja tiempos exactos y nos regala sendas postales.

 

La pelicula es una biopic sobre el mencionado Christy Brown (magnifico Daniel Day-Lewis) que nacio sin movilidad en sus miembros, a excepción de su pierna izquierda, pero Christy no puede hablar, se limita a hacer ruidos y vivir, siempre siendo ayudado por su familia, pero no es retrasado a pesar de que todo el mundo lo crea como se nos muestra en el accidente que tiene su madre (Brenda Fricker, excelente), asi que Christy se esfuerza lo más que puede y con la confianza de su madre quiere aprender, cuando al fin puede escribir su primera palabra (Mother) su padre (Ray McAnally) por fin no se siente avergonzado de él, asi que la cinta muestra a Christy que va creciendo y como se convierte en un pintor, como lo ayuda la Dr. Eileen Cole (Fiona Shaw) para que pueda hablar normalmente y sus amores y desamores, sus demonios y temores, sus furias y sobresaltos, sus depresiones y alegrias, hasta finalmente escribir el libro que nos esta siendo contado por la enfermera que cuida a Christy.

 

Decir sobre que trata toda la cinta es casi imposible, siendo una biopic es obvio que pasa por todas las etapas de la vida del artista, siendo aun más interesante por el hecho de la situación especial del personaje principal, he de decir que admiro a Sheridan y tambien al Christy Brown real por no ponerse como un santo sino una persona de carne y hueso con todas las debilidades del mundo, asi Christy es mostrado como un borracho pesimista y depresivo que sufre ataques de celos y paranoia a la menor provocación, que en algún momento explota diciendo que matara a su padre para despues armar una pelea en un bar por honrar su memoria, uno termina de ver la pelicula con un buen sabor de boca y pensado que Sheridan no nos tomo el pelo, hizo una biopic sin caer en el chantaje ni el sensacionalismo con un tema en el que era muy facil hacerlo. Aplausos tambien para Hugh O'Conor que interpreta a Christy de joven y a todo el elenco, eso es la mejor de la cinta, la actuación de Day-Lewis quedo en mi mente, algunos momentos son de aplaudirle.

 

Calificación: Bastante Bien

Musica: Black Hole Sun - Soundgarden

SOUNDGARDEN - BLACK HOLE SUN

Soundgarden es una banda de rock estadounidense formada en Seattle, Washington en 1984 por Chris Cornell, al que posteriormente se le unirían Kim Thayil y Matt Cameron. Soundgarden es una de las bandas pioneras del grunge, género musical derivado del rock que también englobaba a bandas importantes, como Nirvana, Pearl Jam o Alice in Chains. El disco Superunknown fue su mayor éxito y el que les dio fama mundial en el año 1994 al contener los sencillos "Black Hole Sun" y "Spoonman", ambos ganadores de un premio Grammy. El grupo se separó en 1997 debido a diferencias internas acerca del sentido que debía tomar la música de la banda. En el año 2010 se anunció su reagrupación.

 

Black Hole Sun (en español: "Agujero Negro en el Sol") es una canción del grupo grunge Soundgarden. Originalmente apareció en su álbum de 1994 Superunknown y fue el segundo sencillo sacado de él (el primero fue "Spoonman"). Aparecería más tarde en el álbum de la banda de Grandes Éxitos. En muchos aspectos es la canción más reconocible de la banda, y fue la canción más popular de estilo grunge en 1994. En 1995 ganó el Grammy Award for "Best Hard Rock Performance" ("Mejor Interpretación de Rock Duro").

 

El video musical que acompañaba a la canción contenía escenas que posiblemente hacen referencia a la serie británica de TV Doctor Who. Otros aseguran que algunas escenas hacen referencia a las películas de David Lynch. De cualquier manera, el video tuvo una buena acogida en la MTV.

Después de los ataques del 11 de septiembre de 2001, Clear Channel (una empresa estadounidense que posee numerosas emisoras de radio a través de todo el país) la puso en una lista de canciones posiblemente inapropiadas.

 

Black Hole Sun ha sido versionada por Judith Owen, Paul Anka, Mimi Goese, Incubus, Jande, Steeve Lawrecen y Eydie Gormé, Cibo Matto, Braad Mehldau, Alanis Morissette, Copeland, Peter Frampton, Handsome Hank And His Lonesome Boys y también por el frontman de Soungarden Chris Cornell en su gira Euphoria Morning y por la ex-banda de Cornell, Audioslave, en sus presentaciones en vivo.

 

El video musical surrealista y apocalíptico de "Black Hole Sun" fue dirigido por Howard Greenhalgh y producido por Megan Hollister. El vídeo transcurre en un barrio suburbano y sus habitantes, que son finalmente absorbidos por un agujero negro, mientras que la banda interpreta la canción en algún lugar de un campo abierto. En el video, se puede ver a Cornell que llevaba un collar de tenedor, el cual le dio Shannon Hoon de Blind Melon. En un chat en línea, la banda declaró que el video "fue por completo la idea del director". Thayil dijo que el video fue uno de los pocos videos de la banda Soundgarden estaba satisfecho con el.

 

El video fue lanzado en junio de 1994. Después de varias semanas de airplay en MTV, una segunda versión del video fue sustituido que contiene los efectos visuales más elaborados que el original, incluyendo la adición de un agujero negro generado por computadora. El video musical de "Black Hole Sun" se convirtió en un éxito en MTV y recibió el premio a la Mejor Metal / Hard Rock Video en el 1994 MTV Video Music Awards. En 1995, recibió el premio Clio por la alternativa Music Video. El video está disponible en el vivo de CD-ROM en el Superunknown.

 

Video renovado (gracias a SoundgardenVEVO)

Ambas letras (gracias a Felipe NIN)

Live (gracias a Ruslanow)

Cinecritica: Danza con Lobos

DANZA CON LOBOS (DANCES WITH WOLVES, EU, 1990)

Opera prima del actor/director/productor Kevin Costner que es con la que más exito ha tenido en sus tres facetas, lo catapulto como estrella, lo consolido como director y le dio gran exito economico, se volvio el hit del año y en los premios oscars arraso con todo, en lo personal no me parece que la pelicula sea cosa de otro mundo, ni siquiera son del tipo de western que me gustan pero he de admitir que la cinta cumple y bastante bien, tiene gracia y entretiene a pesar de su largo metraje y de que su historia no es muy original que digamos, es la tipica historia de un hombre que llega a un lugar desconocido para él para finalmente aprender y amar las costumbres de los lugareños y al último termina ayudandoles, eso si, Costner dirige de manera artesanal y logra escenas y momentos interesantes al mismo tiempo que le echa muchas ganas a su actuación, lastima que quiza resulte demasiado pausada para las nuevas generaciones.

 

Para el que ya vio "Avatar" pues esa es la historia de "Danza con Lobos", solo que con menos fuegos artificiales y una profundidad que a como lo veo va a perdurar mucho más que los pitufos con hormonas de crecimiento, John J. Dunbar (Kevin Costner esforzandose mucho y se le agradece porque termina convenciendo) esta a punto de que le amputen la pierna en la guerra civil norteamericana, temiendo esto prefiere aventarse locamente al campo de batalla para que lo maten, pero no lo logra y su proeza causa un gran impacto emocional por lo que es premiado y lo mandan a territorio indio a que espere la llegada de las tropas, ahi John completamente solo comienza a relacionarse con los indios hasta el grado de que se convierte en uno de ellos, los ayuda, vive con ellos, festeja con ellos, caza junto a ellos y por supuesto se enamora de una de ellas.

 

Lamentablemente la chica es una blanca (Mary McDowell) criada por los indios, me queda la impresión de que de haber sido de otra manera se hubiera sentido más profundo, o algo asi, eso si, al final las tropas norteamericanas llegan a quitarle el terreno a los indios y John se cambia de bando, pero solo los ayuda a escapar porque obviamente no pueden pelear contra ellos, en un epilogo muy pesimista, algo mucho más real que la cinta de Cameron. Las relaciones en la pelicula estan bien cuidadas y uno las cree, la escena de la caza de bisontes es buenisima al igual que las dos batallas, una entre los indios y otra salvando a John, al igual que la "danza con el lobo" que le da su sobrenombre al personaje de Costner. Lo mejor es su mencionada relación con el lobo que termina de forma lamentable,la escena inicial, y las tres escenas mencionadas atras, pero que quede claro que no la considero una pelicula inconmensurable como tampoco lo es "Avatar" pero seguramente a esta la tratara mejor el tiempo, ya empezo a hacerlo.

 

Calificación: Bastante Bien