Cinecritica: Las Crónicas de Narnia: El León, La Bruja y El Ropero

CRÓNICAS DE NARNIA. EL LEÓN, LA BRUJA Y EL ROPERO (THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE, EU, 2005)

Quiza sea un placer culpable pero ni modo, me gusta la primera cinta de las cronicas de narnia, por varias razones, aunque estoy de acuerdo en que en ningun momento la cinta llega a ser una muestra de buen cine, la pelicula entretiene bastante  y más si tomamos en cuenta que esta destinada para el publico joven, el cual si se lo pasará muy bien viendo la cinta con todos los personaje y el mundo imaginativo que creo C. S. Lewis, tambien es cierto que la la pelicula funciona como metafora de la religión cristiana, el mundo de Narnia funciona como simbolismo biblico, y eso no esta escondido ni se tiene que adivinar, el mensaje esta ahi en la superficie y de hecho el mismo Lewis lo acepto, en su vida Lewis dejo la religión despues de malas experiencias en su juventud, siendo ateo fue convertido por J.R.R. Tolkien quien hizo el berrinche de su vida porque Lewis se hizo protestante y no catolico como él.

Y de que va? De cualquier forma la obra de Lewis esta mucho más cerca de las enseñanzas catolicas que de cualquier otra, y este primer libro y primera cinta que esta adaptada de forma casi exacta, viene a ser un simbolismo de la pasión de Cristo, la cinta cuenta la historia de los cuatro hermanos Pevensie; Peter (William Moseley), Susan (Anna Popplewell), Edmund (Skandar Keynes) y Lucy (Georgie Henley) quienes son enviados por su madre fuera de Londres mientras pasa la guerra, ahi los niños encuentran un armario que los transporta al mundo magico de Narnia, los nativos del lugar los reciben encantados ya que con ellos comienza la profecia de que finalmente la Bruja Blanca (Tilda Swinton robandose la cinta) será vencida, y que Aslan finalmente aparecerá, por desgracia Edmund cede ante su lado oscuro y ayuda a la bruja con la promesa de ser Rey, es asi como la mayoria de los aliados son capturados, amenazados y destruidos.

Claro esta que la cinta trata sobre la jornada de los niños para finalmente destruir a la bruja blanca y su ejercito en una genuinamente emocionante batalla final, la cosa nunca aburre y a pesar de su abultado metraje solo en algunos momentos se siente el bajon, los efectos cumplen al igual que el reparto (donde tambien esta James McAvoy)la historia es muy sencilla y por ello uno no puede dejar de lado el claro simbolismo de la cinta, el león Aslan (voz de Liam Neeson) es una representación de Jesus con todo y sacrificio por los pecadores y la resurrección, mientras que los niños representan a los seguidores de este, incluso Peter se llama igual que Pedro y Edmund es una clara alusión a Judas y su traición, las niñas son las primeras en ver al Leon despues de su resurrecíón y la Bruja Blanca Jadis representa al mal, quiza a Satanas y por ello mismo uno siente tanto temor de ella, a final de cuentas uno sabe que nadie puede derrotarla a no ser el cristico Aslan, y una tambien sabe que estas son mejores clases que los monotonos recitales que me soltaban de memoria en el catolicismo.

Calificación: 8.0 - Calificación

Cinecritica: Parque Jurásico III

PARQUE JURÁSICO III (JURASSIC PARK III, EU, 2001)

Despues de la lamentable segunda parte el liston no estaba muy alto y quiza por ello la cinta me resulto entretenida, su falta de pretensión y su corto metraje son puntos a su favor despues de que la segunda fuera tan ambiciosa y justo por ello tan fallida, el problema es que la trama es todavia más sencilla que las anteriores, es una simple excusa para meter a los personajes en otra corretiza con dinosaurios revividos por ingenieria genetica, además de que el director Joe Johnston aunque hace un trabajo artesanal nunca alcanza el nivel que Spielberg nos regalo en algunas escenas, ni los debates filosoficos que de todas maneras ya habian cansado en la primer secuela, los efectos como la de las otras dos cintas son muy buenos, y el reparto tambien es bueno, aunque de todas formas la mayoria, como se ha repetido en la saga, son cliches, tanto asi que sabemos quienes van a morir y quienes vivir desde el primer momento.

Y de que va? La isla B de la segunda parte sigue albergando a los dinosaurios, ahora les gusta pasar cerca de ahi a personas que buscan adrenalina, en uno de esos vuelos "extremos" el adolescente Erik (Trevor Morgan) cae en la isla, sus padres desesperados y ante la respuesta del gobierno norteamericano decide tomar en asunto en sus manos, por lo que contratan a unos dizque mercenarios y a Alan Grant (Sam Neill) para que los guie, en un engaño algo tonto y poco creible Alan vuelve a la isla, ahi descubre que en realidad van a buscar al hijo de los Kirby, estan atrapados y los mercenarios van muriendo, ahora ya no solo esta el tiranosaurio y toda una manada? de velocirráptors sino que esta el terrible Spinosaurus que da cuenta del T-rex de manera sencilla lo cual según tengo entendido no puede ser exactamente asi.

Asi que mientras huyen encuentran a Erik y solo deben escapar de la isla pero no resulta facil pues el ayudante de Alan, Billy (Alessandro Nivola) tomo un huevo de velocirraptor por lo que son perseguidos por todos. El nivel de producción esta vez es mayor que en las anteriores y eso se nota, asi que aunque no hay escenas esplendidamente montadas el solo hecho de tener tanta calidad de efectos eleva la cinta, el reparto hece un buen trabajo, además de los mencionados estan los correctos William H. Macy y Téa Leoni, que a pesar de todo saben inyectarle valor a sus planos personajes, de todas maneras la trama tiene algunas fallas que uno no se explica ¿de verdad un niño puede sobrevivir tantas semanas en ese entorno y estar intacto? ¿no tienen seguridad alrededor de la isla? pareciera que cualquiera puede meterse,y el final es demasiado facilon y apresurado, sin apuntar la improbable sobrevivencia de un personaje y el final apunta a una secuela que ahora ya sabemos que saldra en 2012.

Calificación: 7.1 - Interesante

Trailer: 127 Horas

127 horas de Danny Boyle, no ocupo comentar nada más:

Reseñas Manga: Marmalade Boy # 3

MARMALADE BOY (MAMAREDO BOI # 3)

Miki y Yuu estan solos en casa y su relación avanza pero el asunto es aburrido, mucho tiempo despues la cosa mejora cuando en plena nochebuena aparecen Ginta, Arimi y hasta Tsutomu, la situación de la relación ficticia de Arimi con Ginta pone las cosas muy interesantes y más aun con el ultimatum que le pone Ginta a Miki, por desgracia despues de todo esto la cosa de nuevo se cae, la historia secundaria de Meiko no es mala pero se hace muy larga, además de que la relación de alumna-profesor ya ha sido usada hasta el cansancio y la verdad no aporta nada nuevo.

A final de cuentas esa historia sirve para mostrar el avance en la relación de Meiko y Miki, aparte de ello la presentación de Satoshi Miwa y nada más. Tomo interesante que baja con respecto al anterior, de hecho es el tomo menos bueno, avanza lento y el principio y el final se alargan en demasia, además de que los momentos tan dramaticos no son manejados bien por la autora.

Calificación: 7.1 - Interesante

Cinecritica: Wall Street 2: El Dinero Nunca Duerme

WALL STREET 2: EL DINERO NUNCA DUERME (WALL STREET 2: MONEY NEVER SLEEPS)

Pareciera que a los brillantes distribuidores mexicanos de nuevo olvidaron que como la pelicula anterior de Wall Street se llamo "El Poder y la Avaricia" se deberia llamar asi, obviamente parte 2 y con el subtitulo que les de la gana, es decir que como no existe la pelicula con el nombre de Wall Street aqui, es ridiculo que haya un segunda parte con este nombre, total que ni les importa y mientras la gente siga yendo al cine viendo lo que caiga o lo que vio anunciado en tv no hay problema, pasando a la cinta solo queda decir que es la perfecta muestra del declive que esta viviendo Oliver Stone, ya que en los últimos años no solo la calidad de su cine se ha reducido de sobremanera sino que ha pasado algo mucho peor, Stone al parecer se ha cuadrado con el sistema, ahora quiere quedar bien con todos y eso no lo lleva a nada, por lo menos artisticamente.

Y de que va? Gekko (Michael Douglas) es liberado despues de cumplir un tiempo en prisión, al salir se da cuenta de la peligrosa burbuja financiera que se ha creado y que esta a punto de estallar, escribe un libro y viaja dando conferencias, por otro lado su hija Winnie (Carey Mulligan, decepcionante) es pareja de un joven corredor de bolsa, Jacob (vergonzoso Shia LaBeouf) que no es para nada parecido a Bud, el tal Jacob no solo es un genio de las finanzas que esta más preocupado por reconciliar a su futura mujer y a Gekko sino que no es codicioso ni le interesa hacer dinero, lo que el quiere es conseguir dinero para una forma limpia y renovable de energia, quiere salvar al mundo, faltaba más, por ahi tambien esta Brolin dando pena ajena con un villano terriblemente estupido y Frank Langella que es lo unico rescatable de la cinta, lastima que se suicida a los veinte minutos.

Esta cinta a diferencia de la primera es increiblemente condescendiente con todos sus personajes, desde el bobalicon protagonista que comete cantidad de delitos y estupideces para al final ser premiado, la chillona Winnie perdonando a su novio y padre en una escena de pena ajena, que no se supone que lo que más odia son las mentiras y que no le importa el dinero, entonces ¿porque demonios se contenta cuando le regresan sus 100 millones? y lo más terrible es que ahora resulta que Gekko nos mintio en la cinta anterior, si cree en el amor, y la reconciliación con su niña y su yerno no lo podrian hacer más feliz. Dejemos de lado la sosa dirección de Stone con caras en globitos moviendose por la pantalla y enfoquemonos en que el hecho de querer quedar bien con todos lastima la cinta muchisimo, lo del prota idealista en busqueda de la piedra filosofal y irresponsable mensaje de que la burubuja financiera es parte de la evolución (bah, todo va a estar bien, don't worry) hacen de esta cinta un verdadero churrote.

Calificación: 2.6 - Churrote

Cinecritica: El Poder y la Avaricia

EL PODER Y LA AVARICIA (WALL STREET, EU, 1987)

Por aquellos lejanos años de los ochentas Oliver Stone tendria su mejor epoca como cineasta, a pesar de su buen inicio en los noventa donde finalmente se desinflo, entonces salio Wall Street que inexplicablemente se llama aqui "El Poder y la Avaricia", en donde el cineasta ataca al sistema financiero mundial, especificamente el gringo,  y especialmente a los tiburones que hacen dinero en la bolsa de valores sin aportar nada verdadero al sistema financiero, la pelicula es una critica incesante e inescrupulosa del sistema y de los corredores, de nuestra sociedad consumista en donde lo más importante son las apariencias, mostrando personajes nefastos que solo buscan su crecimiento monetario y si es pasando por encima de otros mejor, de hecho la caida, redención y castigo del protagonista estan bien logrados y nos muestra que en esa época Stone era un realista consumado.

Y de que va? Bud Fox (Charlie Sheen) es un joven corredor de bolsa que quiere comerse el mundo, la mejor manera de hacer eso es tener de cliente a la leyenda viviente Gordon Gekko (Michael Douglas luciendose), un habil manipulador del sistema financiero global, un tiburon que se dedica a devorar personas, empresas y lo que caiga en su camino, cuando Bud por fin logra captar su atención debido a que le suelta información confidencial de la empresa donde trabaja su padre (Martin Sheen, muy bien) entra a un mundo decadente donde el espionaje, la traición, el robo, la destrucción y los excesos es pan de cada dia, asi que Bud cae a lo más bajo en la sombra y protección de  Gekko, pero cuando la empresa de su padre empieza a tener problemas Bud quiere salvarlos é idea un plan para hacerlos competitivos pero obviamente Gekko tiene otra cosa en mente por lo que Bud decide cobrarselas aunque pierda todo.

Aunque la cinta no es impresionante si resulta muy recomendable de ver ya sea por los mensajes que deja, por el incisicivo ataque contra el sistema financiero, el sistema social donde es mucho más importante ganar dinero que hacer algo que realmente valga y por lo debil que es el ser humano, además el personaje interpretado por Douglas no solo esta hecho a su medida sino que es un verdadero canijo que resulta encantador al mismo tiempo que tenebroso, y la cinta tiene algunas escenas que resultan muy buenas, mención especial a la de Charlie gritandole a su padre mientras estan en el elevador, el hecho de que en realidad sean padre e hijo hace la situación más potente, tambien muchas de las escenas donde Gekko suelta sus sermones cinicos, y claro está, la escena final con un Bud que tiene que pagar por sus pecados y su padre diciendole que no puede renegar y que quiza es lo mejor que le podria suceder, aqui Stone le da castigo a su propio protagonista, hizo mal y eso no puede quedar impune, una muy buen mensaje que no se usa mucho en la actualidad.

Calificación: 7.8 - Bien

Musica: Tales of Brave Ulysses - Cream

CREAM - TALES OF BRAVE ULYSSES

Cream fue una banda de rock británica de los años 60. Fue uno de los primeros y más célebres power trios y supergrupos de la década. Estaba formada por Eric Clapton en la guitarra, Jack Bruce en el bajo y como vocalista y Ginger Baker en la batería.

Esta formación dio lugar a una de las más vitales y efectistas bandas entre 1966 y 1968. Su sonido combinaba el blues de la guitarra de Clapton con la potente voz y las intensas líneas de bajo de Bruce y la batería con influencias del jazz de Ginger Baker.

Cream es considerada una banda adelantada a su época y de una influencia inconmensurable. Supuso el adiós del pop por la vía del blues y la búsqueda de mayor amplitud conceptual para el rock en un estilo denominado entonces música underground. Junto con The Jimi Hendrix Experience, causó un gran impacto sobre la música popular de la época, ofreciendo un sonido potente aunque cargado de virtuosismo, que hizo sombra al nacimiento de bandas como Led Zeppelin, Deep Purple o The Jeff Beck Group a finales de los 60. Las actuaciones en vivo de la banda influenciaron a grupos de rock progresivo como Rush, jam bands como The Allman Brothers Band, Grateful Dead o Phish, o bandas de heavy metal como Black Sabbath.

En la discografía de Cream aparecen temas de blues tradicional como "Crossroads" y "Spoonful", y de blues moderno como "Born Under a Bad Sign", así como temas más exóticos como "Strange Brew", "Tales of Brave Ulysses" o "Toad". Entre sus mayores éxitos aparecen "I Feel Free", "Sunshine of Your Love", "White Room", "Crossroads" y "Badge".

Los cuentos del valiente Ulises" es un ejemplo muy claro del sonido del trío, una muestra de lo que aportaba cada quien y de la conjunción casi mágica que se dió entre estos rockers célebres, la voz de Bruce es el elemento que en principio resalta, no era una voz espectacular, no le llegaba ni a los talones a Plant o a Daltrey, por ejemplo, pero era la voz ad hoc, para la alucinante música de Cream, tanto virtuosísmo instrumental, necesitaba de una voz discreta. Es una obra maestra que cuenta con: la conjunción perfecta del bajo de Bruce y la guitarra de Clapton, el primero, vibrante y contundente, la segunda, virtuosa e hiriente, con esas notas de una agudeza extraordinaria y sus ráfagas de sonido, esto es ya, extraordinario pero no todo, lo mejor está en donde menos se imagina, donde menos suele estar, en la batería que en el caso presente, es la batería de Ginger Baker que no era de este mundo.

Gracias a letrasdelmonton, SqueezeMyLemonBaby, LadylnCream, y connected365

En Vivo

En el 2005



La letra
You thought the leaden winter would bring you down forever,
But you rode upon a steamer to the violence of the sun.


And the colors of the sea blind your eyes with trembling mermaids,
And you touch the distant beaches with tales of brave Ulysses:
How his naked ears were tortured by the sirens sweetly singing,
For the sparkling waves are calling you to kiss their white laced lips.


And you see a girl's brown body dancing through the turquoise,
And her footprints make you follow where the sky loves the sea.
And when your fingers find her, she drowns you in her body,
Carving deep blue ripples in the tissues of your mind.


The tiny purple fishes run laughing through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.


Her name is Aphrodite and she rides a crimson shell,
And you know you cannot leave her for you touched the distant sands
With tales of brave Ulysses; how his naked ears were tortured
By the sirens sweetly singing.


The tiny purple fishes run lauging through your fingers,
And you want to take her with you to the hard land of the winter.

Cinecritica: El Peleador

EL PELEADOR (THE FIGHTER, EU, 2010)

Una de las pelicula nominadas al oscar es de esas que le encantan a la academia, una pelicula sobre un boxeador que se redime no solo en el cuadrilatero sino en su vida, con buenos actores y una dirección artesanal, con todo eso pensé que la cinta no seria más que una sucesión de cliches con una historia que ha sido contada una y otra vez, y la verdad no estaba equivocado, en realidad la trama de la cinta no guarda sorpresas y desde el principio adivinamos como terminará la historia, pero tambien debo decir que en ningun momento me aburrio ni nada por el estilo, la historia es interesante y los actores hacen un trabajo tan bueno que levantan la cinta mucho más de lo que verdaderamente vale por si sola, el reparto es impecable, no solo la actuación de la ganadora Melissa Leo y del camaleonico Christian Bale como un boxeador drogadicto, sino que tambien Wahlberg en el papel principal y la cambiante Adams que puede hacer un papel totalmente rosa para luego pasar a este.

Y de que va? Micky Ward (Mark Wahlberg, bastante bien) es un boxeador peldaño, manejado por su madre Alice (Melissa Leo, muy bien) y entrenado por su hermano Dicky Eklund (Christian Bale con una increible cantidad de kilos menos, muy bien), un boxeador acabado y drogadicto, Micky se encuentra a punto de regresar a lo grande, se ha preparado mucho para su pelea, por desgracia HBO le juega chueco y a ultima hora le cambia el contrincante por uno que no esta en su peso, despues de perder, Micky decide que su madre y su hermano no lo estan ayudando y los deja por consejo de su novia Charlene Fleming (Amy Adams, guapa y bastante bien), Dicky va a la carcel mientras Micky empieza a ganar peleas, pero en la más complicada Micky toma el consejo que le da Dicky desde la carcel, por lo que al salir esté Micky lo quiere en su equipo.

Despues de los problemas que esto causa, el nuevo Dicky recuperado de su adicción se encarga de calmar los animos con la novia de su hermano, con su familia, con el otro entrenador, etc. con lo que van con todo por el campeonato,la pelea de su vida que al mismo tiempo representa lo que sucede en ella. Como dije antes el final es muy predecible pero el camino que se sigue para llegar a este resulta interesante, por la dirección artesanal, por las excelentes actuaciones, y el estilo de la cinta, se agradece que no mete discursos a la fuerza y sobretodo que no tiene el estilo lacrimogeno y chantajista que acostumbran este tipo de cintas, sino que al contrario no duda en meter momentos comicos en partes serias, Dicky tirandose por la ventana para que su mama no sepa que se droga, todas las partes donde salen las metiches hermanas gallinas de Micky incluida una pelea entre el viejerio dijera el jefe diego, en conclusión la cinta entretiene y esta hecha con mucho oficio, lo que queria Wahlberg recupero el cuerpo que tenia de joven.

Calificación: 8.0 - Bastante Bien

Reseñas Manga: Marmalade Boy # 2

MARMALADE BOY # 2 (MAMAREDO BOI # 2)

El segundo tomo es mejor que el primero, no solo porque ya conocemos a los personajes y las introducciones terminaron sino porque es mucho más divertido, desde el comienzo con Ginta declarandosele a Miki, a partir de esto comienza un triangulo amoroso que da pie a mal entendidos, enojos, y muchas situaciones comicas, al estilo japones, además tenemos a Yuu y Ginta haciendo pareja en un partido de tenis en el que Arimi decide poner en marcha un plan para separar a Yuu y Miki haciendo que tenga celos de Ginta saliendo con él, además llega el primo de Ginta, Tsutomu, un egocentrico hablador que es el rival del partido de tenis y que esta enamorado de Arimi.

Por otro lado se revela la relación de Meiko con su profesor en lo que supongo que es una trama secundaria, se ha usado hasta el cansancio asi que no espero mucho de ella, en el final del tomo los padres de Miki y Yuu los dejan solos en vacaciones de invierno, en Miki cada vez esta más confundida. En conclusión un buen tomo, que mejora la historia y le da un tono más ligero que es manejado mejor por la autora, aunque no me desagrada tanto el estilo de dibujo si cansa el estilo tan shojo con hombres perfectos como en el caso de Yuu.

Calificación: 7.5 - Bien

Cinecritica: Presunto Culpable

PRESUNTO CULPABLE (MEXICO, 2009)

Dejando del lado todo el hype que ha causado el asunto de la demanda contra la cinta y su posible salida, ahora dizque la van a cortar o censurar, uno debe apreciar la cinta como lo que es, una muestra de cine, y aunque su discurso es muy pertinente e importante en el México de ahora, en el de ayer, y sospecho que en el del futuro, la cinta vale por si sola, quiero decir que si la historia fuera ficticia la manera en que la pelicula esta hecha, con una excelente dirección, con una dirección formidable, con el avance de la historia, y con los momentos genuinamente climaticos y emocionantes, con la galeria de personajes, con las canciones hechas y cantadas por el propio protagonista a  modo de soundtrack, ya valdria muchisimo, aunque claro que el hecho de que la historia sea verdadera hace que valoremos más la historia, ya que la denuncia contra el sistema judicial y carcelario de México queda evidenciada totalmente y nadie puede alegar que no es cierto.

Y de que va? Antonio Zuñiga esta en la carcel acusado de un homicidio que no cometio, la cinta comienza mostrandonos a Toño bailando break dance, con su propia musica mientras nos cuenta que el mismo le pidio a Dios que lo matará, o de perdis lo metiera en la carcel, esto debido a problemas personales que tenia, quiza se le concedio y por ello se encuentra ahi, le dieron 20 años, lo cual es la condena minima de homicidio (supongo que en el DF), pero el juicio y la investigación estan llenos de tantas irregularidades, absurdos y desvarios que si no fuera un caso real nadie lo creeria, como el abogado que "defendio" a Toño es "patito" el juicio se puede volver a realizar, los abogados Roberto Hernandez (co-director de la cinta) y Layda Negrete contactan a Rafael Heredia, un experto en cuestiones penales que se hace cargo del juicio, asi que entre la destreza del abogado, los consejos de Hernandez y Negrete y el valor/desesperación de Toño que aprovecha los careos de manera formidable pareciera no hay manera de que no salga libre.

Por desgracia la situación resulta tan desesperante que cualquier persona, por menos que conozca el sistema judicial y por menos letrado que sea entiende por puro sentido común que en el juicio y la investigación hay tantas ridiculeces y estupideces que no hay manera de que el juez no se de cuenta, asi que mientras aguantamos la cara de tontos de la fiscal, del juez, del supuesto testigo que a todas luces esta mintiendo, de los corruptos judiciales que se portan de manera increiblemente despota, los directores Smith y Hernandez nos regalan una serie de imagenes excelentes, con una edición exacta y una camara que esta donde debe, tanto asi que aunque uno sabe como va a terminar todo en verdad se emociona, se mortifica, se enfurece, a final de cuentas en los creditos nos damos cuenta de que nada va a cambiar, de que todo seguirá igual, de que la estupidez se premia en nuestro México lindo y querido, y de que la demanda contra la cinta no es otra cosa que una bola de abogados codiciosos y corruptos que quieren dinero y usan a una oveja, por lo menos esta cinta me enseño que no todos son asi. Debo apuntar que la cinta no esta exenta de fallos, por algunos momentos la edición de sonido no me gusto, y el final se siente apresurado, no me hubiera importando ver todo el proceso, y el final resulta un poco chantajista con Toño cargando a su hija al salir de prisión, pero por todo lo que paso se le perdona eso y más.

Calificación: 9.1 - Excelente

Trailer: El Discurso del Rey

El trailer de la pelicula ganadora del oscar, se ve interesante y el reparto es extraordinario, a ver cuando llega a culichilandia:

Cinecritica: Resident Evil 2: Apocalipsis

RESIDENT EVIL 2: APOCALIPSIS (RESIDENT EVIL 2: APOCALYPSE, ALEMANIA - FRANCIA - REINO UNIDO, 2004)

La segunda parte de la adaptación del videojuego resident evil me parece, a diferencia de la mayoria de las personas, menos peor que la primera, es cierto que esta tiene aun menos del espiritu del juego pero la anterior rescataba tan poco que eso ni siquiera tiene sentido, además si lo unico rescatable de la mediocre cinta anterior era Milla Jovovich y sus desnudos gratuitos y el eyecandy de andar con un vestido que mostraba mucho, pues esta vez vamos por el mismo camino, solo que ahora tambien tenemos a Sienna Guillory mostrando pierna como Jill Valentine, ahora si un personaje del juego pero fuera de esto no hay nada más.... ya se que sale Nemesis pero con una historia ridicula detras.

Y de que va? Comienza justamente donde se quedo la primera con un virus que se propago por toda la ciudad convirtiendola en un lugar desolado habitado por zombies o infectados, ahi Alice (guapisima Milla Jovovich) se enfrenta a los zombies con mucha seguridad, ahora que tiene nuevas habilidades la cosa es sencilla para ella, se junta con unos sobrevivientes entre los que se encuentra Jill (guapa Sienna Guillory), Carlos (Oded Fehr), la niña Angie (Sophie Vavasseur) y otros que son carne de cañon, el papa de la niña (Jared Harris) les dice que si cuidan a la niña les mandara un helicoptero, pero Nemesis los persigue y para colmo es el amigo de Alice por lo que al final cambia de bando, cuando los villanos cliches de Umbrella lleguen.

La trama es simple en demasia, y tiene muchos huecos, irregularidades, cosas que no van a ningun lado, y relaciones sin sentido entre los personajes, pero no me aburrio tanto como la primera, aunque si me eche mis bostezos y al final queria que se acabara ya. La cinta no es gran cosa y aunque el principio no es tan malo la pelicula se va cayendo poco a poco hasta que en la parte final da pena ajena, es increible que el videojuego Resident Evil que por su forma (camara al estilo de una cinta) y su nacimiento como homenaje a las cintas de Romero se haya convertido en esto, aqui no hay nada que de miedo, no hay historia, ni suspenso, ni denuncia social, vaya ni siquiera el gore y la violencia de este.

Calificación: 5.2 - No Vale la Pena

Cinecritica: El Mundo Perdido: Parque Jurásico II

EL MUNDO PERDIDO: PARQUE JURÁSICO II (JURASSIC PARK: THE LOST WORLD, EU, 1997)

Las personas tienen la mala creencia que se ha transmitido a los directores y estudios, o quiza al reves, de que las segundas partes, entiendase la secuela, debe tener más de lo que funciono en la primera, más de todo, y que por ello automaticamente la cinta será mejor, o quiza esperan apantallar al publico y que no le tomen importancia a la historia, uno esperaria que eso le suceda a la mayoria de los directores pero no a alguien como Steven Spielberg, el legendario director se comporto como un novato en esta cinta, dejo de lado la trama que tiene muchisimos huecos, mete y saca personajes de manera grosera, actores desaprovechados y escenas calcadas de la cinta anterior, es cierto que Spielberg logra algunas escenas muy buenas pero en su mayoria son unas que van de mediocres para abajo, y de pena ajena como la chica gimnasta que mata de una patada a un velocirráptor, en serio que me sonroje cuando vi eso.

Y de que va? Ian Malcolm (Jeff Goldblum) es llamado por Hammond (Richard Attenborough) para que vaya a otra isla que tambien tiene dinosaurios, la isla B, Ian no quiere ir pero como su impulsiva novia Sarah (Julianne Moore) ya esta alla se ve obligado, Ian llega a la isla con Nick Van Owen (Vince Vaughn), un ecologista pedante, el ingeniero Richard y Kelly (Vanessa Lee Chester), la hija de Ian que se metio a escondidas¿? estos llegan a la isla para investigar, al contrario del equipo que lleva Peter (Arliss Howard), sobrino de Hammod, quien lleva a unos cazadores para atrapar dinosaurios y llevarlos a la ciudad donde se abrira el parque jurásico definitivo, obviamente esta idea es aun peor que la de su tio, asi que el grupo de Ian muy a pesar de esté sabotean a los cazadores, quienes son variopintos, desde el astuto Roland (Pete Postlethwaite, bien), el sadico Dieter (Peter Stormare) que tiene la muerte que según el libro le correspondia a Hammond, hasta el leal Ajay (Harvey Jason).

En este estira y afloja las cosas se salen de control y ahora todos son cazados por dinosaurios, aqui basicamente regresa a la premisa de la cinta anterior, solo que mucho más fantaseoso en cuanto a la supervivencia de los personajes, hacen cosas imposibles para salvarse, Roland captura un Tiranosaurio y a su cria, los llevan a San Diego donde al estilo de King Kong escapa para destruir todo, solo busca a su cria por lo que Ian y Sarah lo guian hacia el barco que lo llevará de nuevo a la isla. Como dije antes Spielberg logra algunas buenas escenas, como la llegada del barco a la ciudad, pero otras son muy fallidas, y se sienten huecos en la pelicula, por ejemplo de la isla aparecemos inmediatamente en la ciudad con la llegada del barco, personajes que aparentemente tienen relevancia pero siempre no, y cosas por el estilo, además de que Ian Malcolm tiene su mismo sarcasmo y acidez que en la primera entrega, pero ahora lo hacen todos y eso hace que se pierda el estilo, además un heroe no anda haciendo comentarios graciosos todo el tiempo, en conclusión una pelicula fallida de Spielberg.

Calificación: 6.7 - Vale la Pena

Cinecritica: El Turista

EL TURISTA (THE TOURIST, EU, 2010)

El director Florian Henckel von Donnersmarck gano reconocimiento y respeto en todo el mundo con esa obra maestra que es "La Vida de los Otros", con esa joyita me gano como admirador y de seguro a muchisimos más, por ello Hollywood se fijo en él y lo recluto, pero es bien sabido que cuando un esto sucede la calidad de su filmografia siempre baja (aunque hay honrosas excepciones), pero este caso es extremo, de su obra anterior a esta hay un abismo de calidad, uno se pregunta ¿que puede fallar con un buen director y dos excelentes actores? la respuesta es casi todo por increible que parezca, no pienso que la pelicula sea tan mala como dicen pero como uno va con expectativas de ver por lo menos algo pasable el rato se vuelve muy pesado, y eso que ya sabia que no estaba buena, solo esperaba algo que me entretuviera, y por desgracia la mayor parte del tiempo estuve aburrido.

Y de que va? La premisa es sencilla, de hecho no es mala, recuerda a las tramas de antaño, se podria decir que es un guión que Hitchcock pensaria, una mujer esta siendo perseguida por la policia de Inglaterra ya que es la unica pista que tienen sobre un delincuente (despues descubrimos que lo buscan por evadir impuestos), esté le dice a su novia Elise (Angelina Jolie luciendo vestidos) que busque a alguien que tenga parecido con él para despistar a la policia, el pobre diablo escogido es Frank Tupelo (blando Johnny Depp) un maestro de matematicas americano que es confundido y perseguido por la policia, y peor aun, por un mafioso al que le robo el perseguido, asi que la historia nos trae a un pobre diablo que atrapado por las circunstancias se ve inmiscuido en un asunto internacional, se oye bien, pero por desgracia durante una hora la cinta no va a ninguna parte, Depp y Jolie estan muy blandos, Depp hasta parece invocar a Sparrow por momentos.

Lo unico agradable son las vistas de Paris y Venecia, pero obviamente estas tambien se agotan, despues de la insufrible hora entramos en el terreno del thriller que tampoco levanta mucho, nunca hay emoción, nunca nos compenetramos con los personajes, los secundarios son de lujo pero se sienten igual que los protagonistas, y lo peor de todo es que el dizque sorpresivo final no es ni sorpresivo ni funciona, no encaja, se siente fuera de lugar y si uno se replantea la cinta se da cuenta de que efectivamente asi es, la banda sonora es de lo mejorcito, y acepto que el director logra dos buenas escenas, la mejor es la de los agentes esperando la llegada del tren, ahi si se nota el talento del director, la otra es una entretenida corretiza por las azoteas de Venecia, el unico momento donde Depp encaja, ojala la cinta tuviera más momentos asi.

Calificación: 5.6 - Palomera

Musica: There is a Light that Never Goes Out - The Smiths

THE SMITHS - THERE IS A LIGHT THAT NEVER GOES OUT
The Smiths fue una banda de rock alternativo formada en Mánchester, Inglaterra en 1982. Fue formada por Morrissey (vocalista) y Johnny Marr (guitarra), posteriormente se unió Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería). Los críticos la han llamado la banda más importante de rock alternativo que surgió de la escena británica de música independiente en la década de 1980.

La banda firmó con el sello discográfico independiente Rough Trade Records, con el cual lanzaron cuatro álbumes de estudio y varias recopilaciones, así como numerosos sencillos. A pesar de que consiguieron un notable éxito comercial fuera del Reino Unido cuando aún estaban juntos, nunca se lanzó un sencillo que tuviera un éxito trascendente en su país de origen. The Smiths siguieron ganando un éxito cada vez mayor, y se convirtieron en una de las bandas más comerciales de la década. La banda se separó en 1987 en medio de desacuerdos entre Morrissey y Marr y desde entonces han rechazado varias ofertas para reunirse de nuevo.

"There Is a Light That Never Goes Out" es una canción de la banda inglesa The Smiths, escrita por Morrissey y Johnny Marr. Fue lanzada originalmente como el penúltimo tema de The Queen Is Dead, álbum de estudio de 1986, pero a pesar de su popularidad, no fue lanzada como sencillo hasta 1992, después de la separación de la banda. Esto se debería a que, si bien originalmente estaba planeado el lanzamiento de esta canción como sencillo en 1986, el jefe de Rough Trade, Geoff Travis, la reemplazó por "Bigmouth Strikes Again". Es por eso que hubo un video dirigido por Derek Jarman, que fue filmado en 1986, a pesar de que hasta ese momento la canción no había sido editada como sencillo. Esta versión de la historia se contradice con las declaraciones de Johnny Marr para Uncut Magazine: "No fue lanzada como sencillo en 1986 porque por largo tiempo trabajé en la idea de que siempre teníamos que tener una canción en cada álbum que la gente dijera 'Ese debería ser un sencillo'. Pero en realidad no lo fuera. "Reel Around the Fountain" fue eso para el primer disco y "There is A Light..." lo fue para The Queen Is Dead. Pensé que sería un signo de que era un gran álbum, el hecho de que había una canción que todos querían lanzar como sencillo, pero el álbum tenía canciones más fuertes para lanzar".

En 2005, Morrissey lanzó una versión en vivo de esta canción en un sencillo con dos lados A, siendo la otra canción, su versión de Patti Smith "Redondo Beach", y alcanzó el número 11 de la lista británica.

Esta canción es considerada como una de las canciones de amor trágico más profundas jamás escritas, y una de las piezas poéticas más importantes de la música popular contemporánea, tanto que han sido grabadas más de 20 versiones en varios idiomas.

La letra de la canción es una narración en primera persona que implica deseo, ansiedad y romance. Morrissey asume el rol de una persona que, según se infiere por la letra, ha sido echada de su casa, entonces busca compañía en la persona a la que se refiere la canción; el conductor del auto. Según el libro Songs That Saved Your Life de Simon Goddard, la historia que es narrada en la canción es similar a la de la película Rebelde sin causa, en la cual el protagonista interpretado por James Dean, quien era un ídolo de Morrissey, deja su casa, y es pasajero de una potencial compañía romántica. Este punto de vista sería plausible, dado que en sus letras previas Morrissey solía tomar prestados temas y argumentos de la literatura y el cine. Se ha dicho también que la canción podría estar inspirada en Johnny Marr, a lo que Morrissey respondió en una entrevista con la revista GQ: "No es sobre él y nunca lo fue".

La canción, que originalmente se iba a llamar "There is a light in your eyes that never goes out", básicamente relata la experiencia de un amor no correspondido, por parte de quien sufre la posición desde su timidez de no poder confesar su amor al otro, y el deseo de que algún hecho externo, y posiblemente trágico, termine con sus vidas y al fin los vincule para siempre.

Gracias a pablitoh10, zero0kiriyu y hackum1 por los videos:

 

Video con letra y traducción

Video con traducción


En Vivo

Cinecritica: Dejame Entrar

DEJAME ENTRAR (LET ME IN, EU, 2010)

No estoy en contra de los remakes, y se supone que esta cinta no es un remake, pero no entiendo porque se hace un remake de una cinta de hace un par de años, y además no se le agrega nada, las escenas parecen calcadas de la cinta Sueca, es por ello que no entiendo como el director Matt Reeves no acepte que es un remake y se empeñe en alegar que es su propia versión del libro, y por más que no trate de pensar en aquella es imposible cuando algunas escenas estan vistas desde el mismo angulo, con los mismos movimientos, etc., y lo peor de todo es que ni siquiera en su saqueo la cinta se mantiene a la altura, por un lado Reeves logra algunas escenas interesantes, que son practicamente iguales a la primer versión, pero por otro lado falla estrepitosamente al tratar de emularlas en otras, de cualquier manera la cinta cumple, se mantiene interesante pero hasta ahi.

Y de que va? Para los que vieron la muy superior original la historia es practicamente igual, los que no ¿que esperan? es mucho mejor que esta versión, pero bueno, Owen (Kodi Smith-McPhee) es un adolescente que sufre de abusos por parte de sus compañeros, sus padres estan separados, su madre religiosa es alcoholica y esta en el Estados Unidos de los ochentas, en la época moralista y religiosa, Owen conoce a la misteriosa ¿niña? Abby (Chloë Grace Moretz) quien no va a la escuela y solo se aparece de noche, poco a poco se van haciendo amigos y Owen va descubriendo más cosas raras en Abby, la extraña relación con el hombre con quien vive, los asesinatos ocurridos en las cercanias, el extraño olor, el hecho de que nunca sale de dia, etc., es obvio que Abby es vampiro y cuando Owen se da cuenta no le importa, con tal de estar junto a ella, sin importar lo que tenga que hacer.

Como apunte antes la puesta en escena es muy parecida a la cinta de Tomas Alfredson pero por alguna razón nunca alcanza el nivel de aquellas, quiza sea porque la fotografia es demasiado oscura, tengo que admitir que se hizo un buen trabajo con la adaptación de la historia a los Estados Unidos, pero tambien eso lleva a algunas fallas como la innecesaria y facilona platica de Owen con su padre sobre el mal, además de la simplona escena del niño viendo una escena sexual, y como habia anotado antes a pesar del parecido de la mayoria de las escenas algunas quedan muy lejos de la primer versión, la escena de la piscina no es ni un esbozo de aquella grandiosa escena, y algunas escenas de los ataques de Abby son de pena ajena, con la niña retorciendose como si fuera una araña o un bicho sacado de una pelicula de terror barata, por otro lado los niños hacen un buen trabajo aunque Kodi lloriquea demasiado. Pareceria que la cinta no me ha gustado pero en realidad es una interesante (pero no necesaria) adaptación al entorno norteamericano y se agradece que se respete el espiritu de la obra al no convertirla en un clon de "Twilight" o alguna otra cosa hecha para pubertos, la cinta vale la pena y obedece al hecho de que a los gringos no les gustan los filmes subtitulados, lo unico malo es que ahora la otra pasará todavia más desapercibida.

Calificación: 7.15 - Interesante

Reseñas Manga: Marmalade Boy

MARMALADE BOY  # 1 (MAMAREDO BOI # 1)

El manga de Wataru Yoshizumi es una comedia romantica al más puro estilo japones, malentendidos romanticos, personajes extraños, una premisa rara y ese constante sentimiento de que hay algo mal, aparte de lo politicamente incorrecto ese dejo de perdida de moralidad, esta serie no se queda atras, por lo menos la premisa es lo suficientemente jalada como para hacer que varios moralistas se echen para atras, la historia comienza con la protagonista Miki Koishikawa escuchando que sus padres van a divorciarse, pero no en malos terminos, sino que por el contrario van a seguir siendo amigos, es solo que se enamoraron de otra pareja, es decir que van a intercambiar parejas, pero además han decidido vivir juntos para que no les afecte a Miki y a Matsuura Yuu, hijo de la otra pareja.

A Miki no le agrada esto y se opone, asi que los seis comienzan a vivir juntos, Miki y Yuu comienzan a vivir juntos, y van a la misma escuela, Yuu siempre molesta a Miki pero esta no puede impedir sentir algo por él a pesar de que siempre lo niega, incluso a si misma, por otro lado esta Suou Ginta el mejor amigo de Miki quien empieza a sentir celos, pero esté la desprecio hace algunos años, aunque las cosas no pasaron exactamente asi, además aparece una rival de Miki, la bella Suzuki Arimi quien le declara la guerra, hacia el final del tomo Ginta se le declara a Miki y le cuenta lo que en realidad sucedio en aquel tiempo. Una comedia romantica de malentendidos, al más puro estilo japones, la historia es light, no hay drama, aunque no deja de ser un poco enfermizo lo del intercambio de parejas y el romance entre hermanastros, por otro lado la historia del enojo de los padres para convencer a Miki se siente obligada y no funciona, rompe el ritmo pues.

Calificación: 7.2 - Interesante

Cinecritica: Hostal

HOSTAL (HOSTEL, EU, 2005)

La segunda pelicula de Eli Roth funciona como pelicula de terror, y no tanto por su extremo gore sino mas bien por su paranoia, en pocas palabras esta cinta demuestra la paranoia, el miedo, el terror, ¿la xenofobia? que sienten los norteamericanos todavia el dia de hoy, eso se muestra en una escena clave de la cinta, una imagen que pasa casi de refilon, de manera rapida, como si Roth no quisiera que formara parte integral de la cinta, pero que en algunos dialogos se nota, la imagen donde esta la tarjeta del club de asesinos y escrito con pluma vienen los precios; 25,000 dolares por americanos, 10,000 por los europeos, y 5,000 por los asiaticos, aunque al mismo tiempo se contradice porque al final uno paga 50 por una japonesa, y ciertamente esta es la tematica de la cinta, algunos buenos momentos por otros de muy poca calidad.

Y de que va? Los antipaticos y pedantes norteamericanos Paxton (Jay Hernandez) y Josh (Derek Richardson) viajan de mochileros a traves de Europa para cumplir sus más grandes fantasias, las cuales son tener sexo con chicas hermosas y drogarse, en su viaje conocen al simplon Oli (Eythor Gudjonsson) y en medio de su "viaje" un extraño les dice que si lo que buscan son mujeres hermosas deben ir a Eslovaquia, les da la dirección de un hostal y al llegar ahi conocen a bellas chicas con las cuales se encaman facilmente, pero todo esto se complica cuando no aparece Oli, los dos empiezan a sospechar que algo extraño le sucedio a su amigo pero ni asi dejan la fiesta, las chicas ponen drogas en sus bebidas y ahi comienza el infierno, primero para Josh, despues para Paxton, quien se encuentra con una organización que se dedica a ofrecer victimas para que millonarios poderosos puedan sentir la adrenalina y la realización de asesinar!?

El chico se salva, no por habilidad o inteligencia sino por un golpe de suerte, asi que despues de que su torpisimo verdugo se mate tiene la oportunidad de escapar, de nuevo con mucha suerte puesto que la chica que salva es su carta de salida al final, además de ser facilon el final peca de "justo" ya que le da oportunidad de venganza al norteamericano, por más fantasiosa que esta parezca. Eli Roth sabe dirigir, de eso no me cabe duda, pero un gran director no es, tecnicamente la secuencia en la que Paxton escapa es buena, con tensión y emoción, además de que las secuecias de gore estan filmadas de tal manera que son fuertes pero dejan a la imaginación, bien por Roth, por otro lado el guión es demasiado endeble, tiene huecos, errores y lagunas, y el comienzo del filme es francamente de bostezo, supongo que a los pubertos se les hará genial ver muchas mujeres desnudas, y hasta a Roth haciendo un cameo (bastante bobo por cierto), pero en lo personal me aburri de lo lindo, hasta que los comienzan a torturar me despabile pero al final la cinta se cae de tal manera que pensé, ayy no ma....

Calificación: Regular

Trailer: Presunto Culpable

Con todo el despapaye que se ha armado esta cinta esta recibiendo mucha atención, ha ganado premios y el documental mexicano esta en buen momento, de acuerdo a las promesas de Cinepolis se va a estrenar en todo el pais a partir de mañana, quiza llegue a Culiacan o quiza no quieran quitarle salas a tantas comedias rancias que tienen en cartelera, mañana se sabrá:

Cinecritica: Parque Jurásico

PARQUE JURASICO (JURASSIC PARK, EU, 1993)

No cabe duda de que esta cinta popularizo los graficos por computadora, no fue la primera en usarlos pero lo hizo muy bien como parte integral de la historia, ya no se ve eso en estos dias, además de que hizo una franquicia, desperto la dinomania y recaudo raudales de dinero la cinta es una competente cinta de aventuras que no esta exenta de defectos, no es de los mejores trabajos de Spielberg pero cumple su función de entretener, el problema viene a ser el guión que aunque interesante pierde con unos personajes cliches que algunas veces rayan en lo ridiculo, en cuanto a los dinosaurios no puede haber queja, aunque los graficos por computadora han envejecido siguen teniendo fuerza y los animatronics siguen viendose tan actuales, potentes y amenazadores como el dia de su estreno, el ataque de los diferentes carnivoros sobre los pobres diablos que de una u otra manera tienen culpa de... resulta deliciiosamente culpable.

Y de que va?  El multimillonario John Hammond (Richard Attenborough) ha clonado dinosaurios a partir del adn que se encontro dentro de un mosquito que quedo atrapado en ambar hace millones de años, con ellos hace un parque de diversiones donde las personas puedan apreciar todos estos fabulosos animales antes extintos, pero como los inversionistas ven mucho riesgo se hace una expedición para constatar que todo esta bien, asi que el paleontologo Alan Grant (Sam Neill, bien) con su compañera/novia Ellie Sattler (correcta Laura Dern), el matematico pesimista y realista Ian Malcolm (Jeff Goldblum divirtiendose en grande), el abogado de los inversionistas Donnald Genaro (Martin Ferrero), y los nietos de Hammond, Lex (Ariana Richards) y Tim Murphy (Joseph Mazzello), al principio todos estan maravillados por lo que se logro pero los paleontólogos y Malcolm principalmente se oponen a  esto, dando diversas razones, aunque por puro sentido común se sabe que es una idea estupida.

Cuando se encuentran en medio del paseo el sistema es hackeado por Dennis Nedry (adecuado Wayne Knight) para robar embriones, sin el sistema electrico los dinosaurios escapan y el ingeniero "genio" decide reiniciar el sistema dizque para ayudar al grupo pero deja escapar a los velocirráptors, es aqui cuando la cinta gana brios, con los dinosaurios correteando a todos, primero con el amenazante Tiranosaurio y despues con los inteligentes velocirráptors, con una producción de primer nivel, una memorable banda sonora, y la inteligente dirección de Spielberg la cinta logra entretener en gran medida, manteniendo la tensión y la emoción, Spielberg logra algunas escenas excelentes aunque tambien tiene algunas escenas de pena ajena, la escena del hackeo es malisima, y aunque el final resulta facilón, de todas maneras no se puede negar que la pelicula cumple, además tiene un mucho humor, especialmente en los sarcasticos y acidos comentarios de Malcolm y la aversión que tiene Alan con los niños, el miedo al compromiso pues , y la cinta popularizo los graficos computarizados para bien y para mal.

Calificación: 8.5 - Muy Bien

Cinecritica: El Ocaso de un Asesino

EL OCASO DE UN ASESINO (THE AMERICAN, EU, 2010)

El segundo largometraje de Anton Corbijn resulto una muy grata sorpresa para mi, la verdad ya habia leido que era un thriller a la antigua, pero creo que va más alla, cierto que su realización es artesanal y que en estos tiempos tan agitados que corren estas propuestas escasean y estan en extinción, pero tambien la cinta tiene algo de western, pero no del de indios contra vaqueros que se uso tanto en el cine norteamericano de hace tanto tiempo atras, sino del de Sergio Leone, esos spaguetti western que apelaban más por el personaje, por la identidad de este, por su yo interno, y que lo llevabán a una busqueda para ser mejores, encontrarse a si mismos, y la felicidad que nunca conseguian, esas figuras solitarias que estaban solas en el mundo, pues justamente algo de eso tiene la cinta, trasladado a la época moderna y aderezado con un thriller en el que la tensión y el suspenso no paran.

Y de que va? Jack (sobrio George Clooney) es un asesino que esta siendo perseguido por unos suecos, su jefe lo manda a refugiarse a un pequeño pueblo de Italia donde debe desaparecer, pero sin dejar de hacer su siguiente encargo, el cual viene siendo su verdadera profesión, su vocación, hacer armas de manera artesanal, asi que mientras confecciona el rifle que le encargaron Jack empieza muy a su pesar a tener relación con gente del pueblo, el padre Benedetto (Paolo Bonacelli, bien) quien inmediatamente se da cuenta de lo que es Jack pero en lugar de enjuiciarlo intenta ayudarle, la relación primero de negociones, luego de amistad y finalmente de amor con la prostituta Clara (bellisima Violante Plácido) quien lo hace ver otra parte de la vida que ya habia olvidado, asi que entre las platicas filosoficas del padre, y la relación carnal con Clara, Jack empieza a cambiar, por más que la profesional asesina Mathilde (hermosa Thekla Reuten) lo regrese a la realidad con sus visitas de trabajo.

Asi que la cinta se mueve entre el crecimiento de Jack como persona, el cambio que sucede paulativamente en su persona, y un thriller porque Jack sabe que lo buscan y por ello se cuida de todo, cualquier sonido lo alarma, vive con miedo, con paranoia, y eso nos lo transmite Clooney con una actuación contenida, además del director maneja con sobriedad las escenas de acción, que aunque no son muchas desbordan calidad, lo unico malo de la cinta es que no será del gusto de todos, las personas ya no están acostumbradas a este ritmo, y tampoco a pensar, por lo que el hecho de que la mayoria de la cinta se descubra por los gestos y las situaciones resulta un poco dificil para el cinefilo acostumbrado a que le expliquen todo, muchas personas la odiaron, y por supuesto que tampoco es el tipico final de felicidad, pero los que busquen una cinta al estilo de antaño no deben perderse esta cinta, por mi parte revisar la opera prima de Corbijn, se lo gano a pulso.

Calificación: 7.6 - Bien