Cinecritica: Intensa-Mente

INTENSA-MENTE (INSIDE OUT, EU, 2015)

Pixar lo ha hecho de nuevo, he entregado otra obra mayor, cuando todos pensabamos que la productora ya habia entregado todo y se contentaba con hacer lo que Disney deseaba de ellos, es decir generar mucho dinero, de nueva cuenta rompen paradigmas y nos dan una muestra de imaginacion, nostalgia y cine clasico siempre siendo actual, lo que si es que debo apuntar algo, no es verdad como algunos proclaman y gritan por ahi que la premisa sea totalmente innovadora, lo de mostrar a la mente como una cabina de control central y con las emociones con forma fisica discutiendo sobre el actuar de la persona no es nada nuevo, ni innovador, ya ha sido usado muchisimas veces, pero eso no es malo ya que el director Pete Docter junto a Ronnie del Carmen lo usan de manera maravillosa, con una historia que es en apariencia sencilla, una niña que esta alcanzando la pubertad se muda a San Francisco dejando a amigos y casa detras por lo que decide escapar de casa para volver a su antiguo hogar nuestros talentosos autores en Pixar deciden mostrar como funciona la mente de esa pequeña, la complejidad de la mente y como los recuerdos y nuestras emociones moldan nuestro yo actual.

Al inicio de la cinta vemos como en la mente de Riley (Kaitlyn Dias) empieza a funcionar, aparece Alegria (Amy Poehler) que llena de felicidad a la bebe pero inmediatamente despues aparece Tristeza (Phyllis Smith) quien hace llorar a la niña, despues aparecen Furia (Lewis Black) quien defiende a la pequeña, Desagrado (Mindy Kaling) y Temor (Bill Hader) que cuidan a la pequeña, todos tienen funciones pero para Alegria Tristeza no hace nada que no sea afectar a Riley, los recuerdos mas valiosos se convierten en pensamientos centrales que son la manera en la que funciona la mente de Riley, cada uno crea una isla que hace parte de la personalidad de la niña que al crecer tiene cada vez mas recuerdos que son mandados a la memoria de largo plazo, todo es felicidad en la mente de Riley, Alegria se ocupa de ello en todo momento, pero un dia se mudan a San Francisco dejando atras casa, amigos y escuela, la niña lo esta soportando inclusive con su papa ocupado y el camion de mudanzas con sus cosas perdido.

Pero Tristeza empieza a actuar raro, cambia los recuerdos y los vuelve tristes, se empeña en tocarlos y hasta logra que un pensamiento central sea triste en lugar de feliz como siempre, Alegria no lo soporta y lo tira pero por accidente se van todos junto con ella y Tristeza, ya no estan en control central y las demas emociones no saben como actuar, las cosas se salen de control en tanto Alegria y Tristeza corren para volver a la torre pero las islas se estan destruyendo sin los pensamientos centrales, el tiempo les esta ganando y por el camino se topan con muchos personajes, los encargados de mantenimiento, el amigo imaginario Bing Bong (Richard Kind) que les muestra el camino, asi las emociones conocen imaginacionlandia, el sector abstracto donde las cosas se salen de control, producciones sueños donde en un estudio de cine se hacen los sueños con todo y estrellas y el subconciente donde las peores pesadillas estan recluidas, al final la carrera se sale de control con una Alegria que nunca se da por vencida pero exasperada por Tristeza que solo es una baza y con el tren dando quiza su ultima vuelta. Al final como no podria ser de otra manera las cosas terminan bien (es una cinta familiar) pero el mensaje de la cinta no podria ser mas antidisney y por lo mismo maduro e inteligente, no es hasta que la pareja dispareja Alegria y Tristeza entienden que deben trabajar juntos (una buddy movie como "Toy Story") que pueden salvar el dia, es cuando Alegria comprende que Tristeza es tan importante como ella que las cosas vuelven a su lugar y Riley puede madurar, no es hasta que se conjuntan los dos sentimientos cuando recordamos que en efecto asi es la vida, agridulce y por lo mismo maravillosa, con todos los brochazos de colores que conforman nuestras emociones y que nos hacen tan complejos como hermosos, es decir, la cinta nos dice que pare crecer y ser felices debemos abrazar nuestra tristeza, la tristeza es necesaria y ella nos hace lo que somos, una gran leccion por parte de unos tipos que aun a pesar de su gran destreza tecnica tienen su mayor cualidad en lo cuentan y dicen.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Lava

LAVA (IDEM, EU, 2014)

Para que vean que no todo en mi esta reverenciar Pixar aqui esta una obra que no me agrado, el cortometraje que acompaño a la exquisita "Inside Out", la obra de James Ford Murphy esta entre lo mas bajo de Pixar, y no porque la musica sea mala como apuntan algunos, es musica hawaiana y funciona, me gusta, sonido pegajoso, calido, sencillo, con voces en la version original que hacen una buena cancion, no es eso, tampoco es el aspecto tecnico que es impecable, el problema es la historia, una cosa es una historia sencilla y otra una historia simple.

El amor de dos volcanes a traves de miles de años no pareciera una historia simple pero de alguna forma lo es, sabemos que pasara en cada momento y nunca nos asombra, ni nos emociona ni conmueve, ¿de verdad hubo alguien que penso que el volcan no se juntaria con el volcan chica? ahora el diseño de los personajes, el volcan esta muy bien al igual que la mayoria de las cosas, pero el volcan mujer es sencillamente demasiado caricaturezco y rompe con el ambiente de lo demas.

Y aunque soy un romantico empedernido me canso tanto amor de todos con todos y los corazones apareciendo aqui y alla, y si, si lei lo que dijo el director de lo que significa, la boda de su hermana, su amor por Hawaii, sus paisajes y su musica, no es malo pero ya sabemos que el amor de los directores de Pixar no dan buenos resultados en ocasiones, Lasseter nos lo mostro con Cars, los carros son su pasion y nos dio lo peor de la productora, Ford Murphy se une al grupo, puso sus pasiones y gustos por encima del cine, y el resultado es malo.

Calificación: No Vale la Pena

Trailer: Risen

Humor: Al Telefono

“Hola, ¿Conchita?” “No, con Tarzán”.


“¿Hola, habla Dora?” “Habladora, tu madre”.

Cinecritica: Toy Story: Olvidados en el Tiempo

TOY STORY: OLVIDADOS EN EL TIEMPO (TOY STORY THAT TIME FORGOT, EU, 2014)

Otro cortometraje de la saga Toy Story con Steve Purcell (co-director de "Brave") de director, se hizo el año pasado para la temporada navideña y de nueva cuenta funciona muy bien, sin alejarse del espiritu de la saga tenemos una historia diferente, con mucha mas accion pero que al final de nuevo recupera lo que hace grande a Toy Story, acaba de ser navidad y Bonnie va a la casa de un niño, lleva a Woody y compañia pero ahi le regalaron una consola de videojuegos con lo que el niño ya no presta atencion a sus juguetes, Bonnie hace igual y deja a Woody, Buzz, Trixie, Rex y Angel Kitty en el cuarto del niño, ahi los juguetes ven todo lo que le regalaron al pequeño y comienzan a explorar.

Es asi como llegan al reino de los Battlesaurs donde su mayor heroe es Reptillus Maximus (Kevin McKidd), tienen un reino parecido a la Roma antigua donde todo es entrenar y pelear en el coliseo, con armaduras y hasta un sabio que decide la suerte de los demas, juguetes basados en caricaturas que como Buzz en la primera parte no saben que son juguetes y por ende nada de lo que hacen es un juego, Trixie se da cuenta de esto demasiado tarde, cuando sus amigos ya son presos para sacrificar, con Rex siendo un autómata a las ordenes del Clerigo, mucha accion y mucha violencia, algo hasta extraño de parte de Toy Story pero nunca deja de funcionar.

Al final Trixie se juega todo para mostrarle a Reptillus la realidad que este se niega a aceptar aunque al final sus propios deseos lo alcancen y con ello los planes del Clerigo y el mundo basado en mentiras que habia creado se caeran a pedazos, y por supuesto, el tono meloso y nostalgico que Pixar imprime en todos lados, inclusive con algo de romance, y de nueva cuenta el personaje central es femenina (Trixie aceptando a ser feliz con lo que tiene en lugar de lograr su berrinche) siguiendo la estela del Pixar actual, algo aprendido quiza del maestro Miyazaki, por el lado tecnico la cinta como siempre es impecable, una buena cinta para disfrutar en la temporada con todo y ángel invitado.

Calificación: Bien

Cinecritica: The Dickson Experimental Sound Film

THE DICKSON EXPERIMENTAL SOUND FILM (EU, 1894)

Otra cinta de William Dickson que no contento con su invento el kinetoscope ahora intentaria con el apoyo de Edison ir un paso mas alla con el kinetophone, un artefacto que graba el sonido, no es que se inventara el cine sonoro ni mucho menos, pero es un intento de lograr una experiencia asi, lo que hizo Dickson fue grabar las imagenes con su camara el kinetoscope y el kinetophone graba el sonido, despues cuando lo presentaron hicieron correr las dos cosas de manera separada pero dando la impresion de que era uno mismo.

El titulo lo dice claramente, el filme experimental de sonido del director, lo que vemos es a un violinista que toca "Song of the Cabin Boy" mientras dos jovenes bailan junto a el y al final una cuarta persona entra en escena para.... para nada al parecer, lo dicho, una cinta experimental pero que funciona en casi todos los sentidos, incluso lo exagerado del asunto es mas que adecuado, lo que si es que es demasiado corto, quiza un poco mas largo y estuvieramos hablando de algo grande, que no es que no los sea ahorita.

Por mucho la mejor pelicula que he visto bajo la produccion de Edison y con Dickson encontrando su lugar como director, despues de todo el monopolio si arrojo algo de luz.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Fred Ott's Sneeze

FRED OTT'S SNEEZE (IDEM, EU, 1894)

Otra pelicula de William K.L. Dickson que solo funciona para mostrar lo que podia hacer la maquina que invento y que le vendio a Edison para que este empezara un imperio que ahora quiere ser copiado por la todopoderosa Disney, y comienzo a divagar porque la cinta es demasiado sencilla inclusive para ser un cortometraje.

Pero lo que vemos es solo el estornudo de Fred Ott quien se obliga a uno con tabaco, apenas cinco segundos por lo que no se puede decir algo malo de la cinta, pero tampoco algo bueno, una sencilla pieza de historia.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Blacksmith Scene

BLACKSMITH SCENE (IDEM, EU, 1893)

Una pelicula del director William K.L. Dickson bajo la compañia del todopoderoso Edison, algo sencillo pero funcional, en la epoca debio haber hecho furor, ahora parece muy poco pero aun asi es tan corto que no resulta incomodo, ver a tres tipos martillar y beber no es tan aburrido como pareceria.

Por lo demas nada mas que decir, una pieza de historia del cine norteamericano y nada mas.

Calificación: Palomera

Trailer: How to be Single

Humor: Tercera Edad

Dice el viejito: “Fui con el doctor, le señalé mis rodillas y le dije que estaban chorreando. Me contestó que no estaba apuntando bien.”

Cinecritica: El Expreso del Miedo

EL EXPRESO DEL MIEDO (SNOWPIERCER, COREA DEL SUR, 2013)

El quinto largometraje del talentoso Bong Joon-ho es una manera perfecta de presentarse en occidente, la critica lo recibio con los brazos abiertos y aplaudio que el director no se dejara censurar, en cambio las masas lo han recibido de mala manera, acostumbrados a un cine de ciencia ficcion descafeinado que hace que apaguemos el cerebro (lo cual no es malo, al fin y al cabo es entretenimiento) no alcanzan a ver la grandeza de un filme que nos invita a pensar, estamos ante una metafora politica/postapocaliptica que resulta totalmente para nuestra actualidad. Estamos en el año 2031 y han pasado 17 años desde que nosotros mismos causamos una era de hielo al tratar de combatir el calentamiento global, solo los que habitan el tren del titulo sobrevivieron ya que fuera las temperaturas son insoportables, en la cola del tren viven la escoria, lo mas bajo del sistema y que solo tienen ahi para que trabajen y cuando ocupen algo mas, como el violinista para entretener o ciertos niños llevados.

Ahi esta el valeroso Curtis (Chris Evans, bastante bien) que impulsado por el sabio Gilliam (John Hurt, bien) planea una revolucion, apenas tenemos tiempo de ver como viven los tipos tratados como basura, como herramientas, que a las primeras de cambio son castigados quitandoles una extremidad por la inquisidora ministro Mason (Tilda Swinton, excelente), cuando comienza la revolucion y los rebeldes van avanzando vagon por vagon con la mision de llegar hasta el vagon de enfrente donde el todopoderoso Wilford (Ed Harris, excelente) habita, ninguna revolucion lo ha logrado y el camino es imposible, a partir de aqui no solo tenemos el planteamiento politico/social que funciona como alegoria de nuestra realidad sino que vemos una pelicula de accion con un ritmo sin descanso en el que apenas podemos respirar y donde el director nos maravilla una y otra y otra vez con las sorpresas, la tension, la emocion, las soberbias actuaciones, el maravilloso diseño de arte, los esplendidos efectos especiales, la exquisita banda sonora, donde cada vagon es diferente y nos muestra una parte de la vida autosustentable de este tren indetenible de movimiento perpetuo.

En cuanto comienza la revolucion van por el experto Namgoong (Song Kang-ho, esplendido) y su hija Yona (Go Ah-sung, bastante bien) para que les abra las puertas de los vagones, el tipo acepta con la condicion de que le den cierta droga muy popular en el lugar cada que abra una, de aqui los tipos avanzan sin cesar, por el vagon que hace las barras proteinicas que comen ellos, por algun otro militar, hasta llegar a los vagones con ventanas donde por fin ven fuera (algunos por primera vez en su vida) y donde comienza una trepidante batalla cien por ciento oriental donde celebramos año nuevo, pasamos unas curvas de miedo y hasta apagan las luces al pasar cierto tunel con los enemigos con vision nocturna y un contraataque de antorchas que nos emociona como niños, solo para cada vez ser mas formidable, los vagones donde se sirve el sushi, el vagon acuario, el botanico, educativo con una maestra embarazada (Alison Pill, delirante) que les lava el cerebro a los niños sobre la grandeza de Wilford con todo y cancion.

Lo que sigue de aqui son los vagones de la clase media, los dentistas, los estilistas, despues los de las personas acomodadas, el restaurante de lujo, el baño sauna, el antro de la perdicion, el lugar para drogarse hasta finalmente llegar a la nariz, el mismisimo vagon de Wilford donde si no fuera suficiente haber visto personajes y situaciones al por mayor Ed Harris en bata de seda y cocinando se suelta un monologo donde le dice a Curtis que papel juega el, que papel juegan los revolucionarios, los rebeldes, los martires como su amigo Edgar (Jamie Bell, con mucha convicción), en el sistema, ahi la cinta da una nueva sorpresa, una vuelta de tuerca que muestra al todopoderoso Wilford no como un megalomaniaco que desprecia a las masas y esta corrompido de poder sino a un tipo mucho peor, a un cinico que esta convencido de que la realidad es asi porque asi debe serlo, a un darwinista que siente que esta ahi porque lo merece y que todo debe hacerse y cuidarse para que siempre se conserve igual

Asi es como Curtis se va derrotando, inclusive despues de haberse confesado con Nam y por si fuera poco emocionandonos porque el coreano junto con su hija se estan enfrentando a una horda de tipos de alta sociedad que intentan impedir la revolucion, y ademas con el resucitado asesino invencible que no puede rendirse hasta que cobre venganza por su pareja asesinada en la batalla y de nueva cuenta tenemos unas cuentas sorpresas y vueltas de tuerca mas que dan paso a ese esperanzador/desesperanzador final donde Bong Joon-ho no es pesimista sino que nos da el mensaje de levantarnos, de nunca dejarnos, de no ser conformistas, de no permitir que los que manejan todo lo sigan haciendo, un llamado a dejar de ser titeres de los poderosos porque a final de cuentas obviamente el tren y su premisa son un simbolismo, el tren es la misma humanidad y los vagones las diferencias sociales, es decir nosotros estamos en ese tren que viaja por donde mismo una y otra vez y donde somos usados como queremos por los que habitan en el frente, un llamado a la anarquia que justamente es la actualidad es mas pertinente que nunca y que es algo que llevan las peliculas de autor del director.

Calificación: Excelente