Cinecritica: The Mauritanian

"THE MAURITANIAN" ("ÍDEM", REINO UNIDO - ESTADOS UNIDOS, 2021) DE KEVIN MACDONALD

Poco tiempo después de los incidentes del 11 de septiembre las autoridades gringas estaban en búsqueda de culpables donde fuera, o mejor dicho, quienes fueran, ávidos de chivos expiatorios para tranquilizar a una sociedad que no se había sentido tan intranquila desde la guerra fría, quizá ni durante esta, las autoridades hicieron lo que fuera necesario, por ello al inicio de la cinta vemos como Mohamedou Ould Slahi (un comprometido Tahar Rahim con muchísimo carisma, el estupendo protagonista de "Un Profeta") es apresado en plena boda familiar con su madre viendo como se lo llevan, años después el tipo está en Guantánamo y la abogada Nancy Hollander (Jodie Foster, adecuadamente huraña) es avisada del caso, se interesa en él, y descubre que al tipo lo tienen han tenido encerrado varios años sin ninguna acusación en su contra, por lo que lo visita, el tipo no confía en nadie, pero poco a poco Nancy lo convence de pelear su causa, principalmente porque el gobierno ha puesto sus ojos en él pobre diablo para demostrar que está logrando avances.

Para ello cuenta con el devoto y patriota fiscal Stuart Couch (Benedict Cumberbatch, bien) que además de ser un profesional implacable, tiene el aliciente de que conocía personalmente a uno de los pilotos de los aviones impactados, de hecho va a misa con su viuda a quien no duda avisar para recibir la petición de que los haga pagar, Slahi es demasiado elusivo con la información que brinda a las abogadas, pero tiene tanto carisma que rápidamente se gana a la joven abogada Teri (Shailene Woodley), en tanto que a Nancy le interesa poco saber si su cliente es culpable o inocente, ella está abogando por las libertades individuales que perdió y los derechos que no obtuvo, lo único que quiere es un juicio legal para el tipo, La oportunidad de defenderse, pero esta frialdad en Nancy desaparece cuando llega la revelación que a todos los que vemos noticias no es nada sorpresivo, pero que igualmente termina impactando por la cantidad y fuerza de esas torturas en una persona a la que ya podemos poner nombre.

No estamos ante un drama judicial ya que todo el juicio se resume solo a la ponencia del acusado, un momento muy meritorio donde pone el dedo sobre la llaga, porque como dice Slahi, en su país es normal que las autoridades sean corruptas, temer a la policía (como en México) pero de Estados Unidos, la tierra de la libertad y el derecho legal, se espera mucho más, algo que Slahi y nosotros ya constatamos que es falso, en todos lados se cuecen habas, y la política y el dominio del poder pasan por encima de cualquier derecho humano, sea en el tercer o el primer mundo, es un drama carcelario donde somos testigos de la vida de Slahi, con sus abogadas, con sus captores, en la tortura, y en su momento de quiebre, Slahi es una persona luminosa, llena de fe y perdón, pero al mismo tiempo tiene algo que nos indica que puede ser manipulador, justo por ello es un personaje interesante, Foster deja que Rahim brille y no cae en la trampa de representar una salvadora blanca, sino por el contrario su personaje es tan profesional que nunca entramos en el drama, y Cumberbatch interpreta a un personaje con una moral intachable, multidimensional que en lugar de ser el villano es una persona compleja capaz de aceptar sus errores, reconocer la verdad y cargar con la penitencia.

Y lo más importante de la película, que no deja títere con cabeza, en lugar del usual patriotismo que impera en este tipo de cintas, y más por cómo se dieron los hechos, aquí tenemos una crítica al sistema carcelario gringo, a su sistema judicial y militar, capaz de los peores crímenes para luego encubrirlos por sistema, y que lo mismo ataca a la administración de Bush y su guerra contra todos, que a la de Obama que hizo, por sus purititos fueros, que Slahi se quedara más del doble del tiempo que ya había pasado en prisión, y a la de Biden que se niega a cerrar la prisión, de que otra manera podrían encubrir y esconder los delitos inhumanos que realizan, ah, es cierto, no es para esconder a las víctimas sino para encubrir a los victimarios como apunta acida y sagazmente la experimentada abogada al buenazo fiscal.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Sonríe

"SONRIE" ("SMILE", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE PARKER FINN

En un momento clave de la ópera prima de Parker Finn, la protagonista Rose (una maravillosa Sosie Bacon) sonríe al espejo, es decir practica una sonrisa falsa antes de ir a la fiesta de cumpleaños de su sobrino, con esto queda claro el subtexto de la película que desde el inicio es anunciado, justo cuando una desesperada chica llamada Laura (Caitlin Stasey) llega obligada a un hospital mental donde la atiene la psicóloga workaholic Rose, Laura dice claramente que la entidad es perseguida por una entidad maligna, y que esta toma la forma de cualquier persona, ya sea conocida o desconocida, con la particularidad de que esta sonriendo permanentemente, pero una sonrisa macabra, impostada, como si trajera puesta una máscara, esto es una clara alegoría a como vivimos nuestras propias vidas, con sonrisas falsas, mostrando que todo está bien, que no tenemos problemas y que somos totalmente felices, porque si trajéramos lo contrario seriamos tachados de pesimistas en el mejor de los casos, o enfermos en el peor posible, y esto como ya anote regresa en la cinta cuando Rose está prácticamente su careta para con la sociedad, una sonrisa que sabemos no tiene nada que ver con sus sentimientos reales que la carcomen desde hace mucho tiempo.

Para ser específicos, desde esa escena inicial donde una infantil Rose está viendo perpleja a su madre desfallecida en el colchón, con múltiples pastillas y frascos llenando la habitación, desde ese momento Rose lidia con un trauma que no ha podido superar, y seguramente nunca lo haga, porque por más que salgamos de la familia esta nunca lo abandona, por esta misma razón Rose trabaja como desquiciada turnos larguísimos, evita ir a su casa, y prácticamente no tiene vida fuera del trabajo, no es que la psicóloga quiera ayudar a los demás como casi comenta de refilón en forma narcisista en una cena con su hermana (Gillian Zinser) y su prometido (Jessi T. Usher, el único punto flaco de la cinta), en realidad lo hace porque es su única forma de escapar del trauma, de la culpa que sabemos la pobre tomo sin deberla ni temerla, aunque esto no es tanto así, como nos daremos cuenta después. Rose es la muestra perfecta de cómo vivir con una careta en el mundo actual, donde además se nos imposta la forma de felicidad, la doctora tiene que sonreír frente a los pacientes en todo momento, aunque sus ojos reflejen tristeza total.

Volviendo al prologo, Laura confiesa lo que le sucede, y una incrédula Rose le escupe - como cualquier médico que existe - que eso no es posible, que tiene alucinaciones, que si ha vivido algún trauma, es decir, desestima a la pobre chica que justo en ese momento grita desesperada que ahí está el ente - ¿en el mismo rostro de Rose? - para inmediatamente después aparecer de pie, con esa sonrisa tétrica que ella misma describió y cortarse la garganta de oreja a oreja, dejando además, una mancha de sonrisa en la manta como cruel broma de humor negro, a partir de ese momento Rose empieza a ver personas que le sonríen de tanto en tanto, primero en la oscuridad de su casa, luego a lo lejos por una ventana, después en un paciente depresivo para pasar directamente a vivirlo como una invitada en la fiesta de su sobrino, en el rostro volteado de su hermana en una escena casi calcada a otra de esa obra mayor que es "Aterrados", en una visita inesperada, etc. que además de mofarse de ella le avisa que cada vez está más cerca su muerte.

Por supuesto nadie le cree, pero cuando descubre que esta maldición se transmite viendo el suicido del perseguido, busca la manera de librarse de ella, lo que nos lleva a la típica investigación popularizada por "Ringu", siempre suicidios hechos con la misma sonrisa en el rostro, y algo que casi nadie comenta y que podría revisarse en una hipotética secuela, el que antes de ese suicidio las victimas ya tuvieran otra experiencia similar anterior, todo esto con un montaje que cambia súbitamente para siempre tener el mal rollo en el ambiente (nunca sabemos que esperar cuando la cámara cambie), una dirección que se anima a entregar planos cenitales, mundos volteados y encuadres mal cuadrados a propósito para mostrar el estado mental de los personajes que vemos, estas dos cosas apoyan a que los varios jump scares sean muy efectivos, y que nunca sean idénticos, a lo que ayuda la inquietante música de Cristobal Tapia de Veer, y unos efectos especiales que se usan solo para lo indispensable, sumados a efectos prácticos como ese final en la casa de la infancia, donde Rose enfrenta sus traumas/complejos pero sin dejar de ser la terrible persona que es (usa a los pacientes para evitarse, reclamos a su hermana porque si, indolencia en los daños que causa, condenación del ex) y donde en un tramo final formidable, salido de una pesadilla todo termina como suponíamos, pero no por ello el impacto fue menor, los monstruos habitan en nuestra mente y por ello no podemos huir de los mismos, por más que sonriamos la verdad nos alcanza.

Calificación: Notable

Cinecritica: Tótem

"TÓTEM" ("IDEM", MEXICO - FRANCIA - DINAMARCA - PAISES BAJOS, 2023) DE LILA AVILÉS

En un momento clave al inicio de la cinta escrita y dirigida por Avilés, la tierna niña Sol (Naíma Sentíes, un gran descubrimiento y mejor debut) que esta obsesionada con datos interesantes sobre animales pide un deseo después de cierto rito compartido con su mamá (Iazua Larios) - "que mi papá no se muera" - y con esto queda claro que la juguetona pequeña a la que le da pena orinar en un baño publico, y que juguetea en todo momento, es capaz de tener clara la realidad que esta viviendo, una donde su padre esta desahuciado, le queda poco tiempo de vida, e inevitablemente lo perderá, por lo que esta siendo obligada a madurar por la situación, algo que queda más que claro cuando pregunta al celular cuando se va a acabar el mundo, una declaración de intenciones sobre la depresión, y es que más allá del pensamiento común de que los niños no entienden ni comprenden las situaciones "adultas" lo cierto es que siempre saben que sucede y si no lo intuyen, basta hacer un ejercicio de memoria de cuando eramos pequeños para rescatar momentos donde se nos negaba y ocultaba información pero aun así eramos conscientes de los problemas.

Sol esta en el complicado proceso de aceptar que su padre "Tona" (famélico Mateo García Elizondo) esta en proceso de morir por un cáncer que lo esta consumiendo tan rápidamente que no puede sostenerse en pie, ni controlar el hacer sus necesidades, pero que gracias al devoto cuidado de su enfermera (Teresa Sánchez) toma fuerzas para atender a su amada hija, a su mujer, su mandona hermana mayor Alejandra (Marisol Gasé), su empática y sentimental hermana Nuria (Montserrat Marañon) y todo el sequito de familiares y amigos que llegan a la inoportuna fiesta que le organizan sus hermanos. Sol vive esta reunión familiar desde la visión de un niña pequeña, que ademas es la más afectada por la situación, apartada de los demás, viendo como todos están apurados, desesperados, enojados, y haciendo reverendas tonterías como meter una bruja timadora - ¿hay de otras? - a la casa en una de las escenas mas hilarantes y surrealistas de la cinta, tomando para aguantar la depre, gritoneando porque si y peleando por usar el baño.

Pero al mismo tiempo teniendo momentos de total humanidad con ese pastel que no puede terminar de hacerse porque ¿como podría ser tan perfecto como para demostrar un sentimiento de amor? una pintura para inmortalizarse en la memoria de una hija con el "a veces hay cosas que quieres mucho que no vas a poder ver", un bonsái que se ha cuidado y arreglado por años para ser regalado toscamente, todo esto mostrado con una naturalidad totalmente creíble por parte de la directora, que captura a la perfección la vida familiar de los mexicanos, tan increíble como pintoresco, me recordó a los momentos de mi niñez en casa de mis abuelos maternos, en una gran casona con tantos familiares cercanos que ahorita seria impensable por la disminución de la tasa de natalidad, y que siempre escondían secretos y situaciones que ahora uno recuerda con nostalgia, y es que regresando a la situación que vive la familia de Sol ¿que puede hacerse ante un casi así? solo respetar los deseos de la persona, convivir en familia, tomar, cantar, celebrar, disfrutar su compañía, por la mejor manera de aceptar la muerte es celebrar la vida, Sol deberá aprenderlo de la forma más difícil, y la directora nos lo muestra con respeto y tacto, sin olvidar el humor que siempre esta presente, por lo que reímos y lloramos, como la vida misma.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Secretos de un Escandalo

"SECRETOS DE UN ESCANDALO" ("MAY DECEMBER", ESTADOS UNIDOS, 2023) DE TODD HAYNES

Al inicio de esta cinta vemos a una familia que parece presumir una bella dinámica familiar con vecinos que los estiman incluso admiran, pero la impresión dura poco ya que Gracie (una fascinante Julianne Moore) le recuerda a su marido Joe (Charles Melton, esplendido) cuantas cervezas lleva - "ya llevas 2" -  con ese inconfundible tono de voz y mirada que uno esperaría de una madre, para luego pasar a un close up que se siente ridículo con la madura mujer casi sesentona soltando dramáticamente que no le alcanzaran las salchichas para la reunión, algo que se nos enfatiza cuando vemos que están asando muchísimas, está claro que la vida idílica, casi utópica de Gracie necesita algo de sal, un poco de drama, que para esta mujer viene recetada en dosis de ridiculeces de ese estilo, algo que se repite cuando le cancelan un pedido de pastel que aunque vaya a ser pagado se tirara a la basura, a lo que el dedicado marido treintañero debe consolarla y de paso comerse el pastel para que no se desperdicie haciendo gestos y diciendo palabras de aprobación para la enfermiza Gracie.

Mucho antes de esta escena ya quedo claro (por lo menos a un servidor) que Gracie es un monstruo manipulador, controlador y enfermizo, de tal forma que toda su vida tiene que ser justo como ella dice, a sus tiempos y con sus decisiones como única palabra, sin que le importen los sentimientos, gustos, y daños que pueda causar a las personas a su alrededor, pero la persona que se está mimetizando con ella no canta mal las rancheras, de hecho la pedante actriz Elizabeth (Natalie Portman, majestuosa) no es solo que copie los manierismos, gestos, movimientos, dicción y maquillaje de la elusiva Gracie, sino que ella misma en si es una especie diferente de arpía, pero cortadas con la misma tijera, mujeres necesitadas de atención, ambiciosas, que necesitan ser el centro de todo y con tal de lograrlo son capaces de hacer lo que sea, ya que la moralidad no tiene cabida en su mundo donde sus metas y deseos es lo único que importa.

Volvamos al inicio, después de que hemos conocido el mundo idílico pero dramáticamente ridículo de Gracie y a su invisible marido vemos llegar a la actriz Elizabeth, que recoge un paquete para luego entregarlo a los dueños de la casa, quienes de inmediato, debido a la experiencia y un sexto sentido mencionado por Gracie, sospechan que dentro del mismo hay mierda, algo que no les alarma, ni les incomoda, ni le sorprende, todo lo contrario, cada vez llegan menos de estos comentan mientras le restan importancia, después ve como esta pareja con 23 años de diferencia parece vivir un matrimonio perfecto, romántico, hermoso, despilfarrando miel y cariño, una vecina le advierte a la actriz que no los dañe porque son muy buenas personas, en tanto Elizabeth no puede entender como pueden estar juntas estas dos personas cuando claramente es una historia de abuso y manipulación.

Elizabeth quiere, necesita entender la psique de Gracie y por ello cual si fuera un investigador la interroga, le hace preguntas a su marido, vive la vida de la superficial mujer, conoce a sus distantes hijos (de ambos matrimonios), platica con su ex esposo, conversa con sus vecinos, con el abogado, y hasta con el espantado dueño de tienda donde los cacharon y que dio comienzo a esta locura, una tienda de mascotas donde la narcisista Elizabeth no duda en tratar de sentir el morbo, la adrenalina y el éxtasis que vivió la propia Gracie hace tantos años, en cada uno de estos encuentros y en cada escena se muestra más de la faceta de los tres protagonistas y los secundarios que se ven afectados por esta dinámica familiar que se ha vuelto más enfermiza desde que la copia de Gracie entro en la familia y el pueblo.

Esto Haynes lo muestra de manera extraña o por lo menos extravagante, con un estilo casi de telefilme dramático con todo y fotografía sencilla, casi granulada, que deja descansar la presión de todo en el reparto, con esas tomas largas, pero no por ello sencilla, sino que Haynes logra clase y muchas imágenes interesantes, como ese momento del espejo donde podríamos entender que la mimetización ha concluido, o la escena también con espejos de la tienda donde la hija esta escogiendo vestido de graduación, y la manipula de la peor manera posible, con halagos que resaltan sus defectos al tiempo que la imagen ya solo deja ver la cara de Elizabeth pasando de la estupefacción al más puro terror con un poco de asco, y es que la veta manipuladora y controladora de Gracie se deja ver durante toda la película, pero se hace sutilmente, con una mujer que trata a su marido como un niño dándole ordenes e indicaciones en todo momento.

Que no meta tal cosa al cuarto, que se ha tomado tantas cervezas, que huele a carbón pero en realidad es humo al acostarse en la cama llegando al grado de llorar por ello, que si se tardó mucho caminando con la actriz, lo mismo ocurre con los demás integrantes de la familia, que si el chamaco tiene déficit de calcio y debe beber leche con la comida, que si la muchacha quiere comprar un vestido que ella no eligió, que si les regala a sus hijas una báscula por su graduación porque es una costumbre familiar, y muchos detalles más que solo se pueden ver si uno presta atención, pero que incluso sin notarlos la película no pierde fuerza, eso sí, gana dividendos porque son sutiles pero con una carga poderosa, el hecho de que en un restaurante caro los dos hombres, padre e hijo, coman hamburguesa, demostrando que Joe nunca maduro, la extraña relación de Joe con sus hijos cual si fuera un hermano mayor algo ñoño, la dicción aniñada de Gracie que es mal copiada por Elizabeth demostrando que no es tan buena actriz como piensa, el largo monologo enfermizo que nos muestra la psique de ambas mujeres perturbadas.

Los simbolismos de las mariposas monarcas como esas ansias de libertad en la esclavitud inconsciente que vive el pobre diablo inmaduro de Joe, el simbolismo de la serpiente como representación directa de esas dos mujeres capaces de hacer lo que sea con tal de lograr sus fines, y por supuesto, esa larga explicación de las escenas sexuales que muestran que el narcisismo de Elizabeth la hacen no solo un espejo de la depredadora Gracie, sino un ser humano demasiado parecido a ella pero en diferentes circunstancias, con diferentes cualidades y virtudes, por ello cuando las palabras finales de Gracie destrozan el poco entendimiento que tenía Elizabeth de ella, con esa música dramática de Marcelo Zarvos,  no sabe cómo reaccionar, aunque para nosotros está claro, Gracie es mucho mejor actriz que la propia Elizabeth, y en medio de ellas el pobre diablo enjaulado de Joe que es manipulado y controlado por ambas sin que tenga la fuerza para escapar, porque desde pequeño le arrebataron el control de su vida, y ahora no se anima a hacerlo solo, nadie le ayudara como él hace con sus mariposas, y a diferencia de estas Joe no se anima a hacerlo, el temor a que le arranquen las alas es demasiado, en su defensa ¿quién no le temería a la cabrona que tiene por esposa/madre?

Calificación: Excelente

Cinecritica: El Niño y la Garza

"EL NIÑO Y LA GARZA" ("KIMITACHI WA DO IKIRU KA", JAPON, 2023) DE HAYAO MIYAZAKI

Mahito (voz de Soma Santoki) es despertado por el bullicio de la casa y de una sirena que se escucha a lo lejos, su padre sale corriendo y él no se queda atrás, poco a poco mientras corre va descubriendo la verdad detrás del alboroto, y la animación es majestuosa, fascinante, con unas lineas que se mueven tanto que no parecen reales, con unos trazos gruesos que no dan mucho detalle a lo que vemos pasar por los ojos de Mahito, pero que si dan una impresión de movimiento casi surrealista, al final un fuego sera combustible de pesadillas para el pequeño Mahito que tiene la desgracia de vivir en plena segunda guerra mundial, y de perder a su ser más amado en esta frente a sus ojos en unas llamas danzantes que parecen venir del mismísimo infierno, tiempo después Mahito se muda junto a su padre (voz de Takuya Kimura) a una zona mas profunda del país, alejándose así del peligroso Tokio, en el lugar ya lo espera su madre adoptiva que ya esta embarazada y que no es otra que su tía (voz de Yoshino Kimura), hermana menor de su madre fallecida, esto junto a estar en una casona llena de criadas ancianas, y el bullying sufrido en la escuela por causa del dinero de su padre - que sale de la guerra - hacen que la vida de Mahito sea insoportable.

Algo que se hara mucho peor cuando empiece a escuchar a su madre pidiendo auxilio, y una garza lo acose sin cesar reclamándole el no ir a salvar a su madre quien todavía esta viva, la garza va cambiando su apariencia haciéndose antropomórfica, con unos dientes y lengua que la hacen aparentar salir de la peor pesadilla posible, el chico no hará caso y se enfrentara a esta consciente de que es un engaño, pero al mismo tiempo sera llamado por una misteriosa torre construida alrededor de un meteorito y que obsesiono en su momento a un tio abuelo muy lejano, al grado de desaparecer un día presumiblemente dentro de ella, incluso su madre de pequeña desapareció un año entero, dentro de la torre, sin ninguna señal de que hubiera pasado un tiempo fuera de casa, el cada vez más lacónico Mahito se hace más huraño y hosco, llegando al grado de lastimarse el mismo y negando cualquier interacción con su nueva madre, pero cuando esta desaparezca yendo hacia el bosque el chico sentirá la responsabilidad de rescatarla, aun cuando la entrada tenga la misma inscripción de la del infierno de Dante.

En ese mundo de fantasía tendrá que enfrentarse con unos periquitos idénticos que siempre tienen hambre, con unos pelicanos hambrientos que no dudan en devorarlo, con la mismísima Garza capaz de presentar un espejismo muy doloroso, con una profesional trabajadora Kiriko (voz de Ko Shibasaki) que se encarga de que los Wara Wara (unos seres blancos como pelotitas con extremidades apenas apreciables) puedan madurar para convertirse en almas humanas, la pesadilla de ver a los pelicanos devorar a los estos y a Himi (voz de Aimyon) salvarlos quemando a varios de por medio, la desgarradora escena del parto y ese alegato final, donde el tio abuelo (voz de Shohei Hino) desaparecido le confiesa que él es el creador de este mundo, y que necesita un sucesor que continúe su legado, todo esto con una animación majestuosa, basta ver a la pesadillezca garza, su transformación, los espíritus de los muertos en ese mar, la dolorosa escena inicial, el parto, las ranas, o la destrucción del mundo para quedar perplejos, todo acompañado por una bellísima música de Joe Hisaishi, y aunque es la más digresiva de las películas de Miyazaki, y la mas simbólica, lo cierto es que uno no puede dejar de admirarla, como una suma de todas las ideas y obsesiones que han habitado su mente.

Lo que a todos queda claro es que es una analogía de la etapa de duelo, el como Mahito lo vive dentro de su mente, o incluso como el mundo entero le ayuda a lidiar y aceptarlo, tenemos los mensajes de madurez, los siempre bienvenidos mensajes antibélicos y ecológicos que nunca faltan en las cintas de Miyazaki, y hasta una aceptación a esas costumbres japonesas que ahora se ven casi como barbáricas, pero dentro de todo este dolor que tiene nuestro protagonista - que incluso se lastima a si mismo como muestra de como todos cargamos con traumas y recuerdos que nos marcan para siempre - también tenemos momentos de reconciliación y amor, la conciliación con el fuego ahora mostrado como algo bueno, el simbolismo de lo difícil, doloroso y aleatorio de la vida en esa festín macabro, y la ambigüedad de cada persona cuando el pelicano moribundo se confiesa, la reconciliación con su presente en forma de madre y hermano, la aceptación de lo inevitable con esa niña que sabe su futuro.

La critica al nuestro sistema, a la misma sociedad, con esos periquitos que a pesar de tener diferentes colores, piensan y reaccionan de la misma forma, sin identidad propia y solo buscando satisfacer sus necesidades y glotonería, es decir, los pericos somos nosotros mismos, que actuamos sin pensar e incapaces de apreciar el arte y lo que le da valor a la vida y alimenta el alma, y por supuesto el simbolismo del arte del maestro Miyazaki, que sabe que su tiempo se esta agotando, que no tiene nadie que continúe su legado, y que acepta con resiliencia su destino, cada quien es libre de hacer lo que desee, y solo queda esperar que el maestro tenga el tiempo y la resistencia suficientes para seguir apilando piedras y crear mundos capaces de motivar nuestra imaginación, iniciar el dialogo y alimentar nuestro espíritu como lo ha hecho durante tanto tiempo.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Planeta de los Simios: Nuevo Reino

"EL PLANETA DE LOS SIMIOS: NUEVO REINO" ("KINGDOM OF THE PLANET OF THE APES", ESTADOS UNIDOS - AUSTRALIA, 2024) DE WES BALL

Lo primero que vemos es el funeral de Cesar, ese chimpancé que lidero la rebelión de los simios contra los humanos, pero que siempre guardo amor y respeto para los mismos, ya que sabía perfectamente que no todos eran malos, es así como comienza esta nueva trilogía de la innagotable saga del planeta de los simios, que siendo sincero, es de las que mejor han aguantado el tiempo y los cambios de época, quizá en gran parte debido a que se presta para mostrar subtextos, metáforas y alegorías sobre los tiempos y la naturaleza humana, es decir, se presta para tener buenas películas de ciencia ficción al mismo tiempo que son un espectáculo en si mismas, después de la muerte de Cesar han pasado muchas generaciones y conocemos al clan del águila, donde el buenazo de Noa (Owen Teague) está buscando junto a sus inseparables amigos - Soona (Lydia Peckham) y Anaya (Travis Jeffery) - huevos de águila, ya que solo cuidándolos y entrenando a las águilas que nazcan de ellos es como podrán madurar a ojos de la aldea, pero en el viaje encuentran algo raro, y regresando a la aldea los lideres se escandalizan al notar el aroma de ecos en sus prendas.

No pasa mucho para que Noa se tope con una que le rompe el huevo al escapar obligándolo a buscar otro, esto causa que descubra que un grupo de simios se dirigen a atacar su aldea, sin poder hacer nada, salvándose de milagro y después de enterrar el cuerpo de su padre se dirige a rescatarlos, como una promesa a su padre fallecido, en el camino se topa con orangután sabio llamado Raka (Peter Macon) y una intrigante humana (Freya Allan) que resulta toda una embaucadora, y el personaje más interesante de la película, junto a estos se dirigen a rescatar a sus amigos, solo para toparse con el reino del título erigido por el bonobo Proximus Caesar (un desatado Kevin Durand) a orillas del mar, y con la obsesión de abrir cierta puerta que le dará los tesoros que guardaron los humanos hace siglos, estamos ante una cinta de aventuras que cumple con todos los tópicos y reglas del viaje del héroe, y por ello es normal que sepamos que ocurrirá a continuación, pero no puede negarse que siempre resulta interesante, y el final es genuinamente emocionante y espectacular en esa inundación tan bien lograda - por algo el protagonista se llama Noa -

Es cierto que la cinta no tiene la fuerza de ninguna de las tres cintas que componen la trilogía anterior, pero en todo momento respeta el espíritu de la saga, tiene efectos especiales que quitan el aliento, uno olvida que está viendo simios y casi se convence de que son de verdad, y nos entrega ideas tan interesantes que no pueden dejarse de lado, por un lado el hecho de que la palabra de Cesar este tan tergiversada por parte de los nuevos simios, de tal forma que parece ser solo una excusa para aprovechar su nombre y legado haciendo lo que les plazca, el hecho de que el líder este obsesionado con la cultura romana mostrando que al final los simios estén destinados a repetir los patrones y errores de los humanos, esa epifanía de Noa donde descubre que la ley no está bien por ser  la ley cual grito de cualquier humano pensante, y finalmente la continuación de la lucha con los humanos porque estos no quieren ceder el control del planeta a los nuevos dueños - "era de nosotros antes" - dice la chica en un momento clave, es decir, de nueva cuenta esta saga hace una alegoría a nuestra vida, con dos diferentes reinos incapaces de coexistir ni aceptar la valía del otro, causando que solo uno prevalezca por más romántico que se escuchen los deseos del mesías, solo queda esperar la secuela que casi se anuncia en ese final abierto.

Calificación: Bien

Cinecritica: MaXXXine

"MAXXXINE" ("ÍDEM", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO - NUEVA ZELANDA, 2024) DE TI WEST

En una escena clave del cierre de la trilogía X de Ti West la protagonista Maxine Minx (Mia Goth, excelente) está caminando por las calles oscuras y turbias de Los Angeles de los años ochenta, mientras vemos que pasa por una tienda donde las televisiones muestran un noticiero que nos recuerda que el asesino serial llamado "Acosador nocturno" sigue cobrando víctimas, siguen a la chica, que de pronto se topa en un callejón sin salida al tiempo que un estrafalario sujeto llega con una navaja para amenazarla, pero es aquí donde llega la vuelta de tuerca que West ha usado en su trilogía, Maxine contrario a lo que puede pensarse, saca una pistola, amenaza al tipo, hace que se desnude y después le aplica un cascanueces para que se deje de sandeces, una escena visceral que deja claro que Maxine no es una víctima, no lo fue en la película anterior de "X", mucho menos lo es ahora, por más que la sucia y depravada ciudad engulla victimas cual si fueran palomitas en una sala de cine.

No es que sea algo completamente novedoso, de hecho el cine que homenajea West con esta cinta trata justamente de eso, mujeres duras que se defienden, pero casi siempre después de alguna situación que las lleve a ese límite, aquí Maxine ya paso por esa situación, pero más bien su fuerza viene de una predisposición que gano en la niñez, como vemos en la escena inicial, donde desde pequeña, con apenas ocho años de edad, ya repetía ese mantra que le conocimos en la película de "X", así que Maxine con esa máxima de "no aceptare una vida que no merezco" es capaz de todo con tal de lograr conseguir esa vida, que en su caso es ser una estrella de cine, por ello en la audición inicial, después de lucirse, les avisa que si no la contratan cometerían un error, y saliendo les echa en cara a las chicas que no tiene caso que pierdan su tiempo, estuvo fabulosa y el papel es suyo, Maxine no es un personaje lindo o bonachón, pero es innegable que es admirable su manera de perseguir sus metas, y esto engalanado por ese magnetismo que tiene Goth logran que su personaje sea lo mejor de la película.

La trama principal de la cinta es esto, ¿de qué es capaz Maxine con tal de lograr sus sueños? y para ello la vemos envuelta en una trama con un asesino serial que nos recuerda a esos sucios años ochenta, tanto en su cinematografía, su puesta en escena, el diseño de producción, el montaje, la recreación de época, el soundtrack y la banda sonora, y con cierto regusto a giallo en cuanto al uso de colores y el estilo del villano completamente tapado y engomado, algo que ya sabemos que West es capaz de lograr, homenajes que intenten entregar algo diferente a lo que homenajean, en eso quizá esta es la cinta que menos lo logre, ya que sigue tanto la narrativa de las películas que homenajea - que además vienen de un abanico más amplio -  que no se diferencia tanto de estas como si lo logro en las dos contas anteriores, mucho más en "Pearl" por supuesto.

Aun así la historia es buena, cumple de tal manera que incluso podría verse como cinta individual sin verse afectada, pero el impacto es mucho más grande cuando se han visto las anteriores, debido a que de esta forma comprendemos mejor el mundo y el personaje que West y Goth nos regalan, con todo y frase icónica de Bette Davis iniciando la película, Maxine gana el papel para una cinta de terror serie B con más presupuesto del normal, "La Puritana II", mientras sigue con su trabajos eróticos e intenta dejar atrás el mundo pornográfico que la hizo famosa después de los eventos sangrientos en la granja que todos conocemos, al tiempo que intenta entregarse de forma completa a la filmación con una directora (Elizabeth Debicki) tan ambiciosa como estricta, es perseguida por un detective (Kevin Bacon regodeándose en su personaje) que parece salido de "Chinatown" y chantajeada por un pez gordo que tiene pruebas de su escabroso pasado, por supuesto la chamaca no se deja, asi que junto a su manager mafioso (Giancarlo Esposito) se enfrentan al asunto, con todo e icónica escena de un ateo orgulloso convertido en creyente cobarde mientras es compactado.

Todo el asunto es muy interesante, tenemos personajes divertidos como los dos detectives ochenteros representados por un gracioso Bobby Cannavale y una seria Michelle Monaghan, los típicos que son carne de cañón, y un villano poderoso que parece dirige una secta, justo como las que dicen los parones de mojigatos con pancartas que manejan la industria, el tan famoso pánico satánico de aquellos años, es cierto que la cinta no es perfecta, hacia el final ocurren algunas situaciones que parecen conveniencias de guion, y el final pierde fuelle para entregarnos algo tan cliché y convencional que no parece que vaya con la trilogía, pero aun así, con tantos desmembramientos, ese estilo, y una Mia Goth que incluso en ese final luce como un monstruo en la pantalla, queda claro que West logro su cometido con la trilogía, homenajear el género de terror en diferentes épocas, y construir una protagonista fuerte que tiene que convertirse en monstruo para enfrentarse a los que la persiguen, después de todo, Maxine ya no quiere dejar lo ganado, es una obsesión que me agradaría ver como continua en una posible continuación, a ver que época vemos homenajeada esa vez.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Pearl

"PEARL" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE TI WEST

Texas 1918, estamos en la misma granja que vimos en la depravada y sangrienta "X" pero 61 años antes, y conocemos a una jovencísima Pearl (Mia Goth en estado de gracia) que sueña con salir de ese lugar, como sea, por ello se casó con Howard pero este se alisto a la guerra por puro deseo patriótico, dejando a la pobre Pearl ayudando a su estricta madre alemana Ruth (Tandi Wright, bien) con la granja familiar y apoyando a regañadientes con el cuidado de su padre parapléjico (Matthew Sunderland), al inicio vemos a la muchacha trabajando en un mundo tan colorido que parece salido directamente de la época del Technicolor, con unos ojos ingenuos y una sonrisa inocente, la chica baila, casi se suelta cantando y habla con los animales, cual princesa disney, de hecho tiene nombres para estos y no escatima en platicar con ellos aunque no le puedan contentar, les cuenta sus deseos y sueños, y los toma como público de sus fantasías, pero desde el inicio los guionistas - West y la mismísima Goth -. dejan claro cuál es la verdadera naturaleza de la chamaca, que cuando ve llegar al pato graznando, toma esto como crítica y se deshace de el sin dudarlo, para darlo de comer a su mascota cocodrilo Thelma, mientras los créditos con estilo y música de los años cincuenta se hacen presentes haciendo un extraño pastiche que nos descuadra.

Esto se repite durante toda la cinta, que esta grabada al estilo de una película de antaño, con mucho color, dando bastante importancia al estilo, con transiciones clásicas, y una trama que no se sobre explica, incluso como ya anote antes, con música que nos remite a mediados del siglo pasado, pero esto no se queda en un simple homenaje o una parodia, sino que sirve para mostrar la psique de su protagonista que ve el mundo de forma muy diferente, como si habitara un mundo de ensueño que está alejado de la realidad, esto puede notarse en la magnífica escena del casting, una escena de baile donde Pearl/Goth se luce como bailarina de la época pero que sigue siendo incomoda de ver por la perturbadora sonrisa incomoda que se repite como mueca propia del personaje, ahí  la vemos perderse en su mundo, está bailando en un escenario pero ella se siente/ve acompañada por bailarines a los lados y una escenografía que hace alusión a la gran guerra que está sufriendo el país desde este lado del charco, para inmediatamente después pasar a vivir una pesadilla viendo como la juzgan severamente sus seres más allegados.

Pearl quiere escapar de la granja de su familia como sea, escapar de la misma realidad, anhela un mundo que no existe pero es incapaz de concebir que no sea así, para acabarla de amolar su madre no la deja salir mucho porque la gripe aviar es una pandemia que puede acabar con sus vidas, así que solo de vez en cuando viaja la ciudad y aprovecha para ver una película que la ayude a fantasear con otro mundo, ahí un proyectista bohemio (David Corenswet) le muestra un mundo que no sabía que existía mientras la corteja con falsas promesas, por supuesto la rebeldía cada vez más notoria en la joven causa que su madre la enfrente, lo que causara el inicio del descenso a los infiernos de Pearl, ya que al sacar a la superficie su verdadero yo ya no podrá detenerse, y es justamente aquí donde la película explota, dejamos atrás las fantasías con todo y fetiches sexuales con espantapájaros, el cuidado de un cubrebocas en plena pandemia como espejo de la realidad más de cien años después, y la falsa amabilidad con ese acento texano, para pasar a la terrible realidad donde Pearl exige lo que cree que le corresponde al sentirse mejor que los demás.

Además del mencionado paralelismo de la pandemia, tenemos esa crítica a como trataron los norteamericanos a los alemanes que vivian en ese país durante la guerra, como si tuvieran la culpa de lo sucedía en otros lares, pero en general, más allá de las referencias y ese cuidado en la producción con una dirección que homenajea de forma perfecta esa época como hiciera con los setenta en "X", lo cierto es que la cinta descansa y depende en su totalidad de la interpretación de Goth, que es capaz de

pasar de la dulzura y la ingenuidad soñadora a la malicia y ansia de sangre con una facilidad pasmosa, muestra de igual manera esos ojos tristes con una sonrisa perdida como un enojo iracundo con gritos de histeria, lo que da paso a grandes escenas en la cinta, la primera explosión de Pearl, el mencionado casting soñador, el arranque de ira cuando se desilusiona del galán, y por supuesto ese monologo donde se luce en todo momento con cambios de tono con una naturalidad majestuosa, que dan paso a un ataque fascinante con hacha y una pantalla partida que da pie a un homenaje con todo y sonrisa incómodamente fascinante llenando la pantalla hasta doler.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: X

"X" ("IDEM", ESTADOS UNIDOS, 2022) DE TI WEST

En cierto momento de la cinta de West, el anteojudo pretencioso director RJ (Owen Campbell) le comenta a su mojigata novia y sonidista Lorraine (Jenna Ortega antes de popularizarse pero mostrando su futuro como scream queen) que accedió a realizar esa película pornográfica "porque se puede hacer una buena película sucia", es como si el mismo director y guionista hablaran a través del personaje, pero solo en ese momento, porque a diferencia del soberbio RJ y sus platicas de ola francesa, lo cierto es que West sabe que es lo que esta filmado, es consciente y por más cuidado que le ponga la cinta, sabe que lo queremos ver los amantes del terror, que deberían ser los amantes del cine en general, son cuchillazos, sangre, vísceras, violencia, y muchas muertes, y si en el proceso podemos ver algunos cuerpos esculturales, pues mucho mejor, y si nos sentimos incomodos con la historia y las acciones de los villanos, aun mejor, y si le sumamos muchas referencias que uno disfruta con una sonrisa en la cara, no queda más que aceptar que West sabe lo que hace, hace cine de buena calidad, y que puede ser disfrutado por los conocedores o quien ve su primer película de esta índole.

Maxine (una magnética Mia Goth) se repite un mantra sin cesar que dirige su vida - "no aceptare una vida que no merezco" - sin importar que para lograrlo necesite meterse cocaína y lidiar con un grupo de pintorescos personajes, el grupo sale a una granja de la América profunda en Texas donde han rentado una cabaña vacía, obviamente sin avisar a los dos ancianos dueños del lugar que van a filmar una cinta cochinota, pero ya desde el inicio vemos que más cosas no saldrán como quieren estos aspirantes al estrellato, una toma que nos remonta al clásico de culto "La Masacre de Texas" y la viejita Pearl (también Mia Goth con kilos de maquillaje) mirando de lejos siempre a la atrapante Maxine sirven para mantener el ambiente de suspenso que maneja la película, sumado al estilo malsano que emana de los propios protagonistas, el grupo de "buenos" que solo pasan por ahí para grabar una cinta porno que seguramente tendrá la clasificación X que le da nombre a la cinta.

El equipo comienza a grabar "La Hija del Granjero" y la mismísima Pearl aparece por ahí de manera voyerista, como nosotros mismos, pero apenas acaba el día la masacre comenzara, ya sea por el desaire de Maxine a la anciana, porque esta no soporta ver lo que pudo ser y nunca fue, o porque simplemente es una psicópata ayudada por su marido en las matanzas, así que el ambicioso novio de Maxine y productor Wayne (Martin Henderson en modo parodia) pasea desnudo buscando al perdido RJ, Lorraine suelta chico gritote cuando ve colgado a un pobre extraño, el dotado Jackson (Kid Cudi) ayuda al anciano Howard (Stephen Ure) a buscar a su esposa, y la simple Bobby-Lynne (desinhibida Brittany Snow) intenta ser buena con una anciana que no dudara en reclamar lo que desea, así que la primera parte casi erótica y con mucho humor autorreferencial se convierte en un slasher hecho y derecho que no escatima en sangre, vísceras, muertes, cuchillazos, aplastamientos, disparos de escopeta que sacan volando a las personas, y hasta un cocodrilo dándose festín.

Todo esto con una fotografía que nos remite a la época en la que se sitúa la historia, a finales de los setenta, con un estilo granulado y una paleta de colores ad hoc, además de un soundtrack muy adecuado, y con las múltiples referencias que harán las delicias de los cinéfilos más empedernidos, incluso tenemos un auto hundido como en la obra maestra "Psicosis" junto a algunos otros guiños. la fotografía está muy cuidada - juegos meta como la imagen de inicio con un falso 4:3 que se va abriendo - , los efectos prácticos son espectaculares, y desde esta butaca celebro que sean justamente así, de ser por computadora habrían arruinado la experiencia, y la trama, aunque clásica de un slasher cumple su función, con todo y ambición de la protagonista, esa final girl luchona, y de los villanos que

representan los sueños no cumplidos, y la envidia de la juventud y belleza, al mismo tiempo que no están de acuerdo con la nueva época de forma también envidiosa. Hacia la mitad de la cinta alguno de los personajes alega que no puede cambiarse la película a la mitad, West demuestra, como muchos antes, que esto no es verdad, cambia de su parodia al cine porno de los setenta al de terror de esos años con mucha naturalidad, regalando escenas tan magnificas como la vaca atropellada, el plano cenital con cocodrilo acercándose, el sexo de dos ancianos al tiempo que Maxine escapa de forma hilarante, 3 muertes majestuosas y un atropellamiento de desquiciante que da el golpe final al desarrollo de una heroína, o antiheroica que no se detendrá hasta cumplir su mantra.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Guerra Civil

"GUERRA CIVIL" ("CIVIL WAR", ESTADOS UNIDOS - REINO UNIDO, 2024) DE ALEX GARLAND

En el mejor momento de la más reciente cinta de Garland un tipo psicópata con uniforme de soldado y lentes rojos (Jesse Plemons robandose la cinta) les pregunta a nuestro grupo de protagonistas viajantes - "¿qué clase de americanos son?" - siempre con un rostro casi inexpresivo pero el rifle preparado para lo peor, y con esta tensión sucede lo que el ambiente enrarecido nos está invitando a creer, que a la primera provocación, excusa o antojo el tipo puede echarse a quien sea nomas porque si, es decir, por el puro hecho de que puede, la guerra en la que está inmerso el país se lo permite, y esto es justamente uno de los mensajes primordiales en la cinta, que la guerra, el caos y la violencia permiten - casi obligan - a este tipo de personas a salir de su trinchera y desatar esas ansias desquiciadas que tienen de imponer sus ideas, sus deseos, en pocas palabras... su poder, porque de eso se trata la guerra, no de que gane el que tiene razón, el que tierne mejores ideas o lo merece moralmente, simplemente gana el más fuerte, y eso es tan terrible como natural.

Pero la cinta también tiene otras ideas poderosas, la segunda y que está casi a la par con la mencionada es que la guerra no tiene bandos en las líneas, desde el inicio notamos que esta guerra civil es caótica, con un grupo de estados separatistas que no están atando de forma organizada, cada quien lo hace por su lado, algo entendible cuando vemos que uno es quizá el más conservador y el otro de los más progresistas, todos están en contra de un presidente que se quiere perpetuar en el poder y con cuyo gobierno no están de acuerdo, un grupo de periodistas deciden ir a la mismísima casa blanca para tener la exclusiva de una última entrevista del presidente (Nick Offerman) antes de su inminente derrota, así que la aclamada fotógrafa de guerra Lee (Kirsten Dunst), el aventado Joel (Wagner Moura) y dos infiltrados, el viejo Sammy (Stephen McKinley) y la jovencita Jessie (Cailee Spaeny) se dirigen a Wahington pasando por un Estados Unidos destruido y con violencia en todos los rincones, es decir, estamos ante una road movie donde nuestros protagonistas pasaran por muchos lugares y vivirán distintas aventuras mientras descubren el nuevo mundo que tienen ante sí.

Pasan por una gasolinera que pide permisos y que tiene colgados, así nomás a la ligera a unos tipos disque porque son saqueadores, se jactan de ello, y hasta preguntan que si los deben matar, uno de los colgados escupe que iba con el que quiere matarlo en la escuela, luego ven fuegos artificiales por la noche, que casi les parecen bellos aunque sepan lo que se esconde detrás, están en primera línea en un enfrentamiento de bandos que culmina con viles asesinatos, un refugio en lo que antes era un estadio donde parecen converger todos los pobres diablos, una ciudad que aparentemente esta ajena al conflicto porque "no quieren meterse", pero que está siendo cuidada por algún bando, y un par de francotiradores en un duelo con otro francotirador en una casa, ahí el periodista se cansa de preguntarles a los soldados de que bando son mientras estos solo se burlan, y es que los tipos lo tienen claro, eso no  importa, tampoco saben a qué bando pertenece al tipo al que se enfrentan, bien podría ser un aliado, pero lo único que importa es sobrevivir si te disparan y para eso se tiene que disparar.

Es decir, en una guerra solo importa sobrevivir, defenderte, si te disparan hacer lo mismo, y siempre bajar la cabeza, no importa a quien te lleves entre las patas, la violencia en la guerra no distingue bandos, junto a estas dos importantes ideas tenemos otras como la crítica a la naturaleza humana, la ineficiencia de la política, y la radicalización de los Estados Unidos que parecen no tener esta guerra tan lejana, especialmente después de que el candidato Donald Trump sufriera un intento de asesinato, y finalmente una crítica valiente y acida de Garland que inteligentemente no toma partido político y deja mucha ambigüedad en la cinta, lo que causa que se preste a debate, el también guionista pone sobre la mesa el tema de la verdadera razón de existir del periodismo de guerra, a final de cuentas no toman bando como el mismo lo hace, pero estos no buscan hacer pensar a la gente sino solo tomar la mejor foto, la mejor imagen, la que te dé más fama y renombre, sin que importe que por ello deban sufrir y morir las personas necesarias, y es que como Lee anota, por más fuerte que sea la imagen las personas nunca aprenden, y por el otro lado Jessie va perdiendo su humanidad conforme se vuelve más profesional, al grado de ver morir un ídolo y simplemente correr por la foto primordial, y todas estas ideas Garland las muestra en escenas de acción fascinantes, una gran fotografía, un diseño de sonido impresionante y una construcción  del ambiente de tensión que rebasa la pantalla, ojala todas las cintas fueran así de pensantes y emocionantes, y tan horrorosas en su realismo casi palpable en la actualidad.

Calificación: Muy Bien