Cinecritica: Ex Drummer

EX DRUMMER (ÍDEM, BÉLGICA - FRANCIA - ITALIA, 2007)

Un trió de perdedores llegan a pedir la ayuda del famoso escritor Dries (Dries Vanhegen, logrando una versión extrema y mejorada del doctor house), en especifico para que forme parte de su banda de rock punk ya que quieren a alguien famoso, el tipo es un escritor alabado, famoso, rico y con una pareja preciosa (bellisima y detestable Dolores Bouckaert) que no solo lo admira sino que le ofrece una vida sexual activa y hasta le trae a mujeres para que haga trios, por ahí entra en escena la hija de un político, la intelectual Christine (Barbara Callewaert) que también entrara en escena para mostrar lo que a final de cuentas es la finalidad de la cinta, es decir una critica social aguda y descarnada del sistema en el que vivimos donde los privilegiados son queridos y viven cómodamente mientras se ríen de los desafortunados, y si bien esta sinopsis puede sonar fatalista o dramática lo cierto es que la película escrita y dirigida por Koen Mortier no podría estar mas lejos de eso.

Y es que si bien al principio pareciera que estamos de nueva cuenta ante una de esas cintas que victimizan a los pobres y celebran el jodidismo en un afán de auto-complacencia, es decir esas películas que solo parecen hechas para ganar premios y halagos de la critica, lo cierto es que nada que ver con ello, como apunte al inicio pensé que estaba ante ese tipo de cinta y pensé "no de nuevo" pero con el paso del tiempo me di cuenta que estaba muy equivocado, rumiando lo que había visto y lo que seguía viendo era obvio que esta cinta no dejaba títere sin cabeza, se reía de todos y de todo, incluyendo a la misma cinta, y ademas lo hacia de forma estupenda, y aunque es cierto que deliberadamente intenta ser provocadora y causar infulas esto funciona casi siempre de manera brillante, así el trió de perdedores que llega a casa de Dries serán el inicio de una aventura para inspiración/robo/plagio de unas memorias que no son suyas y que hasta manipulo, incluso en esa parte el tiempo se detiene y Lio le inquiere que gana con esos perdedores a lo que el contesta que pueden ser útiles.

Entonces la escena va de adelante hacia atrás con los tipos retrocediendo en su viaje a bicicleta a casa de la estrella, por ahí hay una riña salida de un atropellamiento y vamos dejando a los protagonistas en sus casas mientras conocemos su vida por medio de ingeniosas escenas que no temen ir al extremo, el vocalista, el neo nazi Koen de Geyter (salido Norman Baert) que odia a las mujeres, especialmente a las prostitutas y adora golpearlas y hacerles lo peor como violador compulsivo, ah, y vive de cabeza, totalmente inverso porque su vida es asi, el bajista Jan Verbeck que solo tiene movilidad en una mitad de su cuerpo por una situacion hedonista que de paso dejo calva a su mama y que ademas es gay, y el yunkie Ivan Van Dorpe (Sam Louwyck) que siempre parece perdido, con esposa drogadicta, hija desamparada y guitarrista casi sordo, a ellos se une Dries como un baterista que apenas sabe sostener las baquetas en un viaje que nos hará testigos y participes de la peor escoria de Bélgica, sin importar que no tengan un duro o se ahoguen en plata y privilegios.

Muchísima violencia explicita, un humor negro negrisimo que deja al carbón como algo claro y transparente, un racismo que no teme ser extremo, una misoginia que se jacta de ella misma, una homofobia que se rie sin tapujos de puterias sin igual, todo esto mientras nos reímos de las miserias de los personajes y aunque uno pueda sentirse mal lo cierto es que resulto genuinamente desintoxicante para un servidor, es algo que el cine actual ha perdido casi por completo y esta no es una cinta antigua sino que se anima a agarrar el toro por los cuernos y reírse en la cara de esta nueva generación de cristal y ofendidos que le buscan el pero a todo, acompañamos en el viaje a este cuarteto al que se suman dos homosexuales mas y la mama calva mitotera en lo que somos testigos de las miserias y desgracias de sus vidas, las locuras del violador, el odio del gay hacia su padre y dependencia a su madre, el valemadrismo del sordo, es estatismo de la pareja gay, el desenfreno del otro gay que termina caminando a duras penas al conocer al vocalista de otra banda apodado Big Dick (Jan Hammenecker), todo esto mostrado en una orgía de sexo,, violencia, drogas, insultos, groserías, incorrección política, música buena y alguna otra ridícula, mucho humor y un cinismo critico que alcanza su punto álgido en ese final tan desquiciante como doloroso, y lo peor realista en su punto simbólico.

Calificación: Notable

Cinecritica: Vivarium

VIVARIUM (ÍDEM, IRLANDA - BÉLGICA - DINAMARCA - EU - REINO UNIDO, 2019)

La cría de Cuco se inmiscuye en el nido de otro pájaro, tira los huevos y a sus hermanos adoptivos a la muerte mientras los ignorantes padres lo alimentan hasta que pueda irse tranquilamente, aunque en la escena inicial pareciera que esta a punto de matar a su padre adoptivo, este parasitismo de puesta nos adelanta lo que veremos en la cinta, pero si ese momento documental ya resulta incomodo lo que despues nos presenta el director Lorcan Finnegan con una historia propia resulta asombrosamente desquiciante, desesperante y enfermizo justamente porque somos testigos de este evento natural de la supervivencia del mas fuerte pero ahora con nosotros como victimas, ademas como buena cinta de ciencia ficción que se precie no solo tenemos la historia principal sino que tenemos una lectura subyacente que critica absolutamente todo nuestro estilo de vida, en especial nuestra forma de vivir actual y a las nuevas generaciones que no saben como vivir con responsabilidades y que no tienen otra motivación que lo superfluo.

Después del doloroso inicio vemos a una dulce maestra llamada Gemma (magnifica Imogen Poots, eligiendo cada vez mejores proyectos) jugando con sus alumnos de preescolar a ser arboles, al salir se topa con su pareja, el divertido jardinero Tom (Jesse Eisenberg) y juntos se disponen a buscar casa para ya no vivir de arrimados, pero como entendimos antes también por una presión social, encuentran un extraño vendedor llamado Martin (impresionante Jonathan Aris) que los lleva a conocer las viviendas de Yonder, en especifico la casa numero nueve, es un suburbio hermoso donde todas las casas son perfectamente exactas y hasta el cielo se mira como pintado, y justo ese es el problema, todo es tan perfecto, exacto e idéntico que aunque se supone hermoso nuestro cerebro hace corto y no lo soporta, como si supiera que no puede ser real, justo esto piensan nuestros protagonistas cuando de pronto Martin desaparece, intentan irse del lugar solitario y sin vida, pero no pueden, es un laberinto, un loop, una pesadilla que apenas va comenzando.

Al poco tiempo se dan cuenta de que estan atrapados y que no hay escape, el lugar no tienen olores, la comida no tiene sabor, el viento no existe, un lugar artificial, el infierno, y cuando parece que las cosas no pueden ponerse peor llega un pequeño niño en una caja con la promesa de que criarlo los liberara, ella toma un carácter maternal en cierta forma, el se desentiende aunque toma un trabajo que no sirve de nada y solo lo llevara a la muerte, mientras el pequeño (desquiciante, en el mejor sentido de la palabra Senan Jennings) aprende, copia, imita, espía, y exige con gritos interminables, chillidos, juegos infantiles aturdidores, y una voz que da pesadillas.

Y en la que ademas de la enfermiza trama principal tenemos símbolos de nuestras vidas vacías, lo antisocial y solitario de nuestro nuevo estilo de vida, la desaparición de la individualidad, el poco compromiso actual con el matrimonio, lo tedioso de la rutina, el temor de la paternidad, lo desagradecido que es el ser humano, el control de nuestras vidas por entes que nunca vemos (como los bancos o empresas), el estúpido agradecimiento a estas, la moda de renegar de Dios, y los temores a los sueños perdidas y vidas sin sentido, todo esto en una ambientación extraordinaria y una estética sobrecogedora que ademas se vuelve alucinante en ese climático final lovecraftiano y deprimente. ¿Incomoda? Claro ¿Perturbadora? Por supuesto ¿recomendable? si te gusta sufrir y el buen cine, mención especial a la escena del juego de imitaciones.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Artemis Fowl: El Mundo Subterraneo

ARTEMIS FOWL: EL MUNDO SUBTERRANEO (ARTEMIS FOWL, EU, 2020)

¿Que demonios le sucedió a Kenneth Branagh? estoy consciente de que en los últimos tiempos el director ya no tiene el genio que tuvo en su juventud con algunas cintas infravaloradas y mucho Shakespeare, también es cierto que ya ha hecho cinta alimenticias pero la mayoria resultaban atractivas en cierta manera; la comedia de la incomprendida "Thor" o la la encantadora "La Cenicienta", aunque debo admitir que "Codigo Sombra: Jack Ryan" es terrible, de nueva cuenta nos entrega algo asi, una película que no cuenta nada y que solo amenaza con mas secuelas, y que como casi toda cinta que aspira a ser una franquicia se preocupa mas por establecer lo que viene que por contar algo en lo que vemos, si, te veo a ti Marvel, por lo que todo se queda en un blandisimo intento de ser un nuevo "Harry Potter".

Si tuviera que explicar la trama seria mas que complicado por lo farragosa que es, un niño genio llamado Artemis (Ferdia Shaw, terrible), que ademas cae mas pesado que tomarse un plato de manteca antes de dormir, ha perdido a su padre (Colin Farrell, correteando la chuleta) de un hada mágica mafiosa, asi que se decide a salvarlo con un ayudante/mayordomo que da pena, la sobrina de este que aparece dos segundo para cumplir la cuota, y una trama ridícula donde el chico se enemista con todas las hadas raptando a la pequeña Holly Short (Lara McDonnell, lo unico medianamente rescatable de la cinta) y pelea a muerte con la comandante Root (Judi Dench) en una trama sin sentido y lleno de subjetividades y casualidades que ademas nos da una narración flashbacks con voz en off que solo estorba.

Un protagonista soso y que cae mal, un villano cliché que hasta grita en cierta parte un nooo de pena ajena, efectos especiales que apenas cumplen, en algunos momentos dan pena ajena, un diseño que tumba los dientes de lo edulcorado que esta, un humor que nunca funciona, y todo para que al final todo quede en nada, es decir pareciera que vimos un prologo, algo que se pudo haber contado en los cinco minutos iniciales para dar comienzo a la trama, por ahí también sale Josh Gad haciendo lo que puede, diseños terribles, malas actuaciones, una dirección floja, efectos especiales a tal punto que habría sido mas sencillo hacerla animada, y lo peor es que uno termina con la sensación de haber sido timado de nueva cuenta por una productora que hace tiempo perdió el rumbo y solo piensa en dinero haciendo películas formulaicas en lugar del arte que antes logro.

Calificación: Churrote

Cinecritica: The Beach House

THE BEACH HOUSE (ÍDEM, EU, 2019)

Una pareja joven llega a la casa de playa del titulo con la esperanza de recomponer su relación, que mas tarde nos enteramos no es para nada estable, Emily (Liana Liberato, bastante bien) es una estudiante universitaria que aspira a ser astrobiologa junto a un tipo inmaduro llamado Randall (Noah Le Gros) al que sencillamente nada le interesa y alega estar en contra del sistema solo porque si, sin tener siquiera una idea de que hacer o como cambiarlo, es decir como la mayoria de la generación millennial y el total de la Z, el tipo desea unas largas vacaciones en casa de su papa despues de abandonar la universidad, y a la propia Emily por algún tiempo, pero Emily encuentra una medicinas y luego loza sucia, y lo que parece que puede ser una invasión o confusión que desencadene en violencia termina en que unos amigos de su padre, Mitch (Jake Weber) y Jane (Maryann Nagel) llegaron a pasar un tiempo ahí también, y con permiso por supuesto.

Aunque parecería que rápidamente hacen migas, la verdad es que la platica que tienen se nota tensa, confusa, incomoda, una cena donde queda claro que ellos admiran en cierta manera el pensar de la madura chica, que de todas formas no se escapa de esa petulancia sabelotodo sin saber nada de las nuevas generaciones, pero desaprueban totalmente el proceder del chico mientras sueltan algunas dosis de sabiduría anunciando que queda poco tiempo para ellos, por supuesto es muy sencillo decir esto desde una generación que tampoco ayudo en nada y justo por ello la situacion funciona mas, ademas el largo monologo de Emily y las formas de vida distintas, es decir no a base de carbono y capaces de sobrevivir en condiciones extremas, tendrá mucha importancia mas adelante cuando el director y guionista Jeffrey A. Brown suelte toda la artillería casi llegando a la hora, y como antes se tomo el tiempo de plantear todo, darnos a conocer a los personajes, e incluso mostrar como la noche anterior lo que parecía un bello espectáculo de la naturaleza era, también, una condena de muerte.

En la ultima media hora hay infectados, raros especímenes que salen del mal, gusanos que gustan de hacer hoyos en los pies, luces, niebla, caos, es decir justo lo que existía antes de la fragilidad de nuestra forma de vida y para los que buscan explicación ahí esta la radio y el dichoso monologo, lineas que dejan clara la postura del director hacia la naturaleza, la vida, el calentamiento global y el agujero que solo parece llenarse con espiritualidad, y si esto se acompaña con un buen guión simbólico, una ambición que no resulta presuntuosa, algunas dosis de gore, un terror que no juega a los sustos fáciles sino a la incomodidad de una impotencia y debilidad terribles, y claro esta, a ese mas que logrado plano final donde todo queda patente, solo, no hay que tener miedo de lo inevitable.

Calificación: Bien

Cinecritica: Palm Springs

PALM SPRINGS (ÍDEM, EU - HONG KONG, 2020)

El desechurado Nyles (Andy Samberg, bastante bien) se despierta para pasar tiempo de calidad con su novia Misty (Meredith Hagner), tomar cerveza, pasar tiempo en la piscina, asistir a la boda de la que su novia es dama tomando cerveza vistiendo camisa hawaiana y shorts, y finalmente emborracharse en la boda de la bondadosa Tala (Camila Mendes), para estos momentos el tipo ya me parecía insoportable pero existía algo de seguridad en él que le brindaba cierta atracción, parece saber todo de las situaciones y de todo, algo que se multiplica cuando le salva el pellejo a la dama de honor, la hermana de la novia Sarah (extraordinaria Cristin Milioti), con un magnifico brindis que impresiona a todos, a raíz de ello Sarah queda prendada y acepta sus ridículos avances con todo y el baile que parece predecir el futuro, pero como tiene novia la cosa no es tan sencilla, hasta que Nyles le demuestre que a final de cuentas su novia lo engaña con el galán local, cuando parece que van a enrollarse Nyles la convence de irse de ahi mientras mira con desconfianza a su alrededor.

En el desierto aparece un tipo que comienza a cazarlo con flechas, Roy (el siempre confiable J. K. Simmons) intenta matarlo y despues de una situacion rarisima ambos se meten en una cueva mientras Nyles advierte a la chica no entrar, escuchamos el mismo susurro del inicio y somos testigos del secreto de Nyles, al razón por la que sabe y conoce todo de antemano, el tipo esta atrapado en un bucle como en la insuperable "Hechizo del Tiempo" y la mas reciente, y mas que disfrutable, "Feliz Dia de tu Muerte", aquí tenemos se cumplen todas las reglas y aun mas, Nyles no tiene ahí atrapado una semana o algunos meses sino miles de días como suelta lacónico en cierto momento, ya ha intentado de todo y por ello ya solo intenta vivir con el menor esfuerzo posible, sin importarle nada, el detalle es que Sarah lo siguió y ahora también se encuentra atrapada y absolutamente desesperada.

Entendemos que todo lo que ella intenta y vive es algo que el valemadrista Nyles ya paso y por lo tanto no le interesa, así esta pareja de personas a la que no les importa nada ni nadie terminan haciendo y llevando su castigo eterno de las mejores y peores formas posibles, destruyendo la fiesta, burlándose de los tipos del bar, haciéndose fiestas, escapando de un sádico que persigue a Nyles, si hasta este momento la cinta ya había dado una vuelta y se había convertido en algo diferente todavía falta un giro mas brusco aun por parte del director Max Barbakow que nunca renuncia al humor, a una fotografía colorida, a una banda sonora exquisita, pero que cada vez entra en una historia mas compleja y profunda con todo y revelación que

vuela la cabeza, en una cinta llena de humor hilarante y situaciones surrealistas que al final nos deja un mensaje que se siente mas pertinente que nunca, mucho mas en estos tiempos de pandemia, la fecha en la que vivimos es la idónea para visualizar la cinta ya que nos sentimos tan atrapados como los protagonistas, en los que no esta de mas recordar que en efecto, la vida es una mierda, pero que quizá lo sea un poco menos si no la padecemos solos.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: In The Trap

IN THE TRAP (ÍDEM, ITALIA, 2019)

Un pequeño (Jude Forsey) teme que le suceda algo en su cuarto, esta seguro de que algo esta bajo sus sabanas y su comprensiva madre (Paola Bontempi) lo reconforta dándole un rosario, algo que no evita que momentos despues seamos testigos de una horrible tragedia, con este inicio convencional es como inicia la cinta del director italiano Alessio Liguori pero ya desde este se nota el cuidado puesto en la cinta de bajisimo presupuesto, con una dirección bien lograda, una fotografía cuidada de Luca Santagostino y una banda sonora de Masssimiliano Mechelli que va desde el piano a las cuerdas estruendosas para resaltar lo que vemos en pantalla, y por el valor de comenzar con algo directo claro esta, despues de esto vemos la infancia de Philip que transcurre entre rezos, tarjetas de santos y ángeles y mucha devoción de su madre y el sacerdote Andrew (David Bailie), en la adultez Philip (Jamie Paul) se ha quedado solo tras el fallecimiento de su madre, y el ente que lo aterrorizaba de pequeño regresa tras verlo sin defensas.

Por supuesto tiene al padre Andrew pero los rezos de su madre eran lo que mantenía al demonio alejado, aun así Philip intenta rehacer su vida, esta vez con una su novia Catherine (Sonya Cullinford) e incluso reniega de las evidencias que le indican que el demonio quiere regresar, como resultado la cinta pasa de ser una cinta de terror a una de exorcismos y finalmente en una historia de terror psicológico con todo y adorable y sabrosa vecina de arriba (hermosa Miriam Galanti) que despierta deseo en él al mismo tiempo que vive recluido voluntariamente por años en ese maldito lugar, hacia el final de la cinta el guionista Daniele Cosci va cambiando el camino de la cinta y aunque podemos adivinar hacia donde vamos sigue funcionando, y mas aun con esa vuelta de tuerca/revelación que nos cambia todo lo que hemos visto y que no conforme con ello deja una ambigüedad terrible en esa ultima escena.

Es decir que estamos ante una cinta valiente que toma ciertos riesgos y que esta bien actuada y mejor producida, su director cambia el ambiente de la cinta y logra algunos buenos sustos, ademas lo que logra con la economía de medios es encomiable, el hecho de que toque la religión de una manera tan directa la hace diferente y siempre tiene ese ambiente terrorífico al que nunca renuncia, en una casa que parece salida del infierno o del purgatorio por lo menos, ademas como apunte antes al final tenemos un ambigüedad que funciona en la cinta,en una historia que nos ha tenido jugando por ambos lados es una

decisión inteligente dejarlo al espectador, al final no queda claro si todo lo que vimos es una critica al fanatismo religioso, de los peligros de las enfermedades mentales, una advertencia del proceder del diablo "El mejor truco que el diablo invento fue convencer al mundo de que no existía" o una bella reflexión religiosa, y que bueno que es así.

Calificación: Bien

Cinecritica: The Outpost

THE OUTPOST (ÍDEM, EU - BULGARIA, 2020)

El circunspecto sargento Clint Romesha (el hijo del maestro Clint Eastwood, Scott Eastwood en la mejor interpretación que la logrado) le muestra a su nuevo líder las diferentes zonas del lugar tranquilamente y a los soldados que las han defendido con sus vidas en lo que de pronto comienzan los disparos y deben defenderse de un nuevo ataque de los terroristas talibanes en esa base en un valle rodeado por montañas que mas bien parece una sentencia de muerte, y eso mismo hablan los soldados todos los días conscientes de que seguramente terminen muertos, esto no evita que tomen, jueguen, hagan, luchas, se confiesen y den carrilla masculina, ahora mal llamada masculinidad toxica, a sabiendas de que el peligro acecha en cada momento, y de hecho lo hace, los agarra fumando, conversando, hablando con un hijo por teléfono y hasta bañándose, ahí no hay descanso y cada tanto los talibanes llegan disparando desde arriba hasta que los morteros los hacen huir, como dejando claro que siguen ahi y estan en su país por mas que el capitán Benjamin D. Keating (Orlando Bloom, bien) se esfuerce a cada momento por mantener la paz, por mas que él mismo sea que solo es ficticia y en realidad se trate de ganar tiempo.

Por desgracia las cosas no son tan sencillas y siendo una cinta basada en hechos reales mucho menos, el director Rod Lurie presenta la historia en un estilo documental que le va perfecto y que hace muy realista lo que vemos en pantalla, desde la fotografía documental de Lorenzo Senatore que siempre intenta entregarnos plano secuencias que logran tenernos inmersos en la cinta, donde el polvo y el sol es el pan de cada día y donde nos sentimos tan desesperados y desamparados como los soldados, como apunte antes Lurie con el guión de Eric Johnson y Paul Tamasy que a su vez se basan en el reportaje de Jake Tapper sobre la cruenta batalla de Kamdesh no decide irse por el camino dramático o de la acción emocionante, en lugar de eso nos entrega una cinta que funciona como bitácora de guerra de la situacion que vivieron los soldados, y presenta los hechos de tal manera que parece imposible que no estén apegados a la realidad, en lugar de héroes invencibles tenemos a un grupo de personas desesperadas y estresadas que solo piensan en sobrevivir y logra dotar de complejidad emocional a sus personajes con solo algunos destellos y costumbres.

Tenemos al que se rehúsa a llamar a casa porque esta convencido de que morirá, el que cree que en los marines no se vería nada así, el que jamas traicionaría a su superior, el que no quiere soltar el teléfono al hablar con su hijo y un largo etc., ademas de jamas casarse con un personaje por mas interesante que sea, asi las muertes pueden llegar de forma anticlimatica como en un accidente en un camión o caminando en un puente colgante, en tanto la cinta avanza por los carteles de los múltiples lideres que van cambiando por diferentes circunstancias, el diplomático, el guerrero, el cobarde, etc., hasta que llegamos a la climática batalla final donde cientos de talibanes que han estudiado meses el lugar atacan con todo un arsenal de ultima tecnología a unos norteamericanos que ya solo pensaban en irse a días de ello. 

Una batalla impactante que casi nunca corta y cuando lo hace solo es para mostrar con un montaje brillante lo que esta sucediendo en una locura de balas, explosiones, muertos y sacrificios, toda esta es una maravilla, trepidante, tensa, realista, cruda y dura casi la mitad de la cinta, la sangre brinca hacia la cámara, el polvo no nos deja ver, la pólvora casi se huele y tenemos escenas maravillosas como la ofensiva de Romesha o ese sacrificio desesperante del antes repudiado especialista Ty Michael Carter (Caleb Landry Jones, brillante), el momento en que las inacabables legiones talibanes bajan por las montañas, ese vergonzoso intento de escape a lo Álamos o las inagotables corretizas del afgano que dice que siempre viene el lobo. Y el final que nos muestra el porque sobrevivieron, nos deja claro como se ganan las guerras, un cinismo grandioso en una cinta patriota aunque nunca patriotera y es que al final uno no puede mas que rendirse con Carter quebrándose en cámara por su fracaso y los créditos donde las personas reales nos cuentan lo que vivieron mientras los vemos junto a su versión cinematográfica, ojala todo el cine patriota fuera así de bueno, así hasta ganas dan de echar porras a estos pobres diablos que son obligados a jugarse la vida, pero que por alguna razon lo desean, y eso merece respeto sin importar que.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Vieja Guardia

LA VIEJA GUARDIA (THE OLD GUARD, EU, 2020)

Un grupo de mercenarios toma un trabajo que le huele mal a la líder Andromaca de Escitia, un nombre que muestra la ideología cansante que impregna la cinta, pero sus compás le dicen Andy (Charlize Theron haciendo lo que puede), son traicionados y descubren que son inmortales, algo que quiere usar un blandengue villano (Chiwetel Ejiofor) que despues se hara bueno porque es parte de la ideología vendida, este trabaja para el malo malote que no tiene nada de personalidad ni cerebro pero es dueño de una farmacéutica (Harry Melling), en tanto una nueva inmortal (Kiki Layne con poker face) aparece y la sueñan hasta que se juntan y ahora deben derrotar al malo malote, y esa es toda la trama, es cierto que el guion de Greg Rucka basado en su propio cómic intenta profundizar y hacer a los personajes miserables y cansados para intentar vender una complejidad que no existe pero nada de esto funciona.

En lugar de ello las largas platicas existencialistas no aportan nada, son bobas y enfadosas, todos se sobre-explican en todo momento, y los diálogos parecen hechos por un niño, aunque viendo el nivel de la dirección de Gina Prince-Bythewood, en especial en las escenas de accion, supongo que el tener mas accion no habría ayudado nada, entre un guion cansino, una dirección mala y unos actores que parecen trabajar con hueva no hay nada que rescatar en esta mercadotecnia de la nueva ideología mundial; la líder es lesbiana, hay dos personajes que lucharon en las cruzadas y ahora son amantes gays, la chica nueva y mas inteligente es negra y el inmortal blanco y heterosexual los traiciona, y la verdad no siento que sea spoiler porque se ve venir desde las primeras secuencias.

Y por supuesto el villano megalomaniaco es blanco y rico, es decir privilegiado, pero es que uno no se quejaría de esto si la cinta no fuera tan aburrida y estúpida, "Highlander" esta a años luz de esta cinta y no es que sea una buena película, pero todo carece de sentido y las reglas se traicionan porque si, han vivido milenios y siguen comportándose como quinceañeros estúpidos, no han amasado riquezas ni conocimiento, Booker (Matthias Schoenaerts correteando la chuleta) los traiciona sin sentido y termina también torturado y luego se vuelve bueno de la nada de nuevo, conveniencias de guión solamente, lo mismo la inmortalidad, nadie intenta matarlos cortandoles la cabeza o explotándolos o tirándolos en un ácido, es decir no sabemos que pasaría porque nadie lo intenta y eso de perder la inmortalidad porque si, entiendo todo eso de que Dios los hace para proteger la humanidad pero es que ciertamente es ridículo porque se pierde la inmortalidad porque si y porque en realidad no parecen estar haciendo mucho bien, ahora si que no hay nada que salvar en esta cochinada que amenaza con continuar.

Calificación: Churrote

Cinecritica: Festival de la Canción de Eurovisión: La Historia de Fire Saga

FESTIVAL DE LA CANCIÓN DE EUROVISIÓN: LA HISTORIA DE FIRE SAGA (EUROVISION SONG CONTEST: THE STORY OF FIRE SAGA, EU, 2020)

En cierta parte de la cinta el protagonista, el infantil, obsesivo y soñador Lars (Will Ferrell todavía con carisma) le grita al niño baterista de su banda que se olvide de sus sueños infantiles ahora que todavía es pequeño, entendemos que de esa manera el gigantón Islandés Lars le quiere decir al pequeño que no tiene caso luchar por sueños y fantasías imposibles ya que a él le costaron el tiempo y una vida perdida, es decir un chascarrillo mala leche que nos hace reír de forma agridulce, no solo porque lo vemos derrotado sino porque parece que la vida en realidad es así, pero por fortuna para nosotros, Ferrell que también escribió el guion parece decirnos al final que esa linea no era depresiva u obscura sino que quizá, y solo quizá, sea porque madurar a veces significa dejar atrás los sueños infantiles para tener, desear y alcanzar otros que son muchísimo mas importantes, es decir sueños pensantes, que nos darán una satisfacción que no solo es momentánea o emifera sino humana y perdurable.

De hecho la cinta me gano principalmente por ello, esa bonita historia sobre una pareja de músicos islandeses fracasados que al final logran su sueño de manera poco ortodoxa y peculiar, es decir no todo son los premios y la fama, es mas importante el arte, los corazones, el cariño de las personas y por supuesto cantar con el alma, y si todo esto lo hacen desde la perspectiva de los islandeses que son tan imponentes como nobles de corazón no queda mas que rendirse ante esta cinta que ademas homenajea mas que parodiar el certamen Eurovision con esa dulce historia de amor sobre dos personas que obviamente se aman pero se resisten a estar juntas, recuperando al personaje de la mujer enamorada con una actriz que parece nacida para estos papeles, que homenaje al tiempo que se burla de la cultura islandés, el parentesco de todos, los elfos que cumplen deseos, las ballenas en el mar, la cultura sencilla y noble, y el grandioso orgullo vikingo, que no deja de lado la política y la corrupción de estos concursos y hasta de los países involucrados y que tiene unas canciones estupendas acompañadas por una soundtrack maravilloso de la talla de Sigur Ros.

Lars desde pequeño decidió que ganaría el festival Eurovision para que nadie mas riera de él, años después su amiga de toda la infancia Sigrit (encantadora Rachel McAdams) lo acompaña en el grupo Fire Saga que no ha renunciado al sueño, con la hilarante "Volcano Man" se nos presenta a estos dos músicos que se supone son pateticos pero que me ganaron desde esta canción, para después entrar por pura suerte en la final Islandesa y por mas suerte, o mala suerte, terminan dentro del concurso con "Double

Trouble" donde los malentendidos, un antiheroe delirante como el patán Alexander (Dan Stevens divirtiéndose de lo lindo) y su "Lion of love", y múltiples cameos que harán la delicia de los aficionados al concurso real, sumemosle una hábil forma de burlarse de los americanos por el mismo Ferrell que es americano, esos insultos siempre son desternillantes, la subtrama de los elfos es tan surrealista que funciona, lo del padre (Pierce Brosnan, bien) avergonzado es la base de la cinta. 

La historia romántica funciona como las de antes, malentendidos, amor platónico, cariño en la amistad, y llega a su punto cumbre con esa madurez que alcanzan también en su música con el himno "Husavik", ese maravilloso final que nos recuerda la belleza de Islandia y lleva la cinta a otro nivel. Quizá se esperaba mas humor pero el que esta funciona para que la cinta avance amenamente, algunos chistes no funcionan como el de Demi Lovato, pero otros como el running gag de la cálida canción "Jaja Ding Dong" y el tipo de la barba siempre causan la carcajada, eso si quizá el amor y cariño de Ferrel y el director David Dobkin a Eurovision causa que se vayan mas por el homenaje que la parodia y esto no sea del gusto de todos. Pero insisto, ese final, el ángel y luz de Rachel McAdams, la fabulosa música, la voz de Molly Sandén, las ridículas presentaciones del grupo, la incorrección política por momentos, el vestuario inspirado en la legendaria cantante Bjork y esa luz de cine musical me ganaron por completo, y ¿ya mencione a Rachel McAdams?

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Shaun, el Cordero - La Pelicula: Granjaguedón

SHAUN, EL CORDERO - LA PELÍCULA: GRANJAGUEDÓN (A SHAUN THE SHEEP MOVIE: FARMAGEDDON, REINO UNIDO - FRANCIA - BÉLGICA - EU -CHINA, 2019)

Tiempo despues de los sucesos de la maravillosa "Shaun, el Cordero", Shaun (voz de Justin Fletcher) y la pandilla sigue haciendo de las suyas, es decir hacen un desmadre un dia si y el otro mas, para pesadilla del estricto pero de buen corazón, perro pastor Bitzer (voz de John Sparkes), las desmadrosas ovejas se la pasan diviertiendose de las formas menos ortodoxas posibles y por mas que Bitzer les prohíba lo que hacen terminan encontrando alguna otra locura por realizar, en tanto el granjero John (voz de Chris Morrell) sigue siendo tan buenas tardes como siempre, desde estas primeras secuencias podemos notar algunas cosas, la primera es que la animación de plastilina en stop motion que ha logrado la casa Aardman es de un esplendor maravilloso, en cada cuatro, en cada fotograma, el uso de la plastilina, los diseños, el uso de luces y sombras, los escenarios y hasta el uso de la cámara ha llegado a niveles sin precedentes superándose a si mismo como siempre, lo segundo es que el humor relajiento, sencillo, surrealista y desquiciado de la productora sigue presente y no ha perdido ni un ápice de ingenio.

Como si se tratara de una cinta de humor a lo Chaplin o Buster las ovejas consiguen un slapstick que hace reír a carcajadas y del que resulta imposible contener una risa inmediata, los running gags funcionan a la perfección y el humor con aire clásico y la marca de casa inglesa funciona de manera cabal, el unico pero que le pondría es al abuso de las canciones que rompen un poco con ese encanto de un cine sin diálogos pero no silente, los chiflidos, gritos y ruidos guturales abundan en la cinta, y la historia aunque sencilla funciona puntualmente, estamos en la granja con el ya conocido desorden, pero ya al inicio de la cinta vimos una nave espacial y la sombra de quien lo pilotaba, la bonita y adorable extraterrestre llega a la granja y Shaun de inmediato se hace su amigo y decide ayudarla a regresar a casa ya que en realidad no es mas que una niña perdida, para esto contara con la ayuda de la pandilla en tanto se enfrenta a una organización secreta que hará hasta lo imposible por capturarla.

En tanto el granjero planea sacar partido a la reciente fiebre por los ovnis que impera en la ciudad, armando un patético espectáculo que obviamente terminara siendo mucho mas de lo que se esperaba con todo y ese final que nos recuerda la importancia de la familia y el amor paternal al tiempo que nos empuja a buscar nuevas experiencias y amigos, una lección valiosa para los pequeños y que no estorba a los adultos, que ademas pueden morir de risa con los chistes y la comedia que desborda la cinta, descubrir los detalles cambiantes en cada fotograma que nos invitan a verla una y otra vez, sumado a esos guiños a series y películas clásicas, desde la mas obvia que viene desde la historia como "E.T. El Extraterrestre", a otras de Spielberg como "Tiburón", "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo", a otros como "Gravedad", "2001: Odisea del Espacio", "Tiempos Modernos", "Wall-E" con ese robot pariente del protagonista, y la emblemática serie "Expedientes Secretos X", un festín de guiños en el que los directores Richard Phelan y Will Becher nos demuestran que pueden usar la animación mas clásica posible para una historia de un genero que se ha caracterizado por ser el que usa tecnología mas avanzada y que aun así todo esta en el corazón de la historia, en los personajes que creo Nick Park y que nos da otra lección invaluable, nadie es totalmente malo, quizá solo estamos dañados, golpeados, derrotados, apesadumbrados, pero siempre existe la opción de rectificar y ser felices con los detalles mas sencillos, es decir su cine nos invita a dejar de ser los adultos frívolos para recuperar la inocencia e ingenuidad aunque sea por unos momentos.

Calificación: Muy Bien