Cinecritica: Wendy

WENDY (ÍDEM, EU, 2020)

Al inicio del filme vemos a una pequeñísima niña que no debe pasar de los dos o tres años de edad ayudando a su madre a preparar comida y juntar platos en la cafetería que tienen, es mas un juego para ella pero su abuela lo ve como su futuro inobjetable, lo mismo para sus hermanos y hasta su vecino Thomas (Krzysztof Meyn) que se rehúsa a ser barrendero cuando crezca y escapa en un tren donde se encuentran otros pequeños, solo Wendy es testigo de esto y la perseguirá cuando ya sea una niña de unos once o doce años y sienta que ayudar en la cafetería es una condena que le impide ser niña y que peor aun, es su misero futuro, por lo que se pierde en fantasías y sueña con escapar, su madre Angie (Shay Walker) es un amor y los comprende, ella también tiene sueños frustrados, quería ser jinete de rodeo, pero sabe que la vida no funciona asi, en esos momentos el segundo largometraje de Benh Zeitlin me tenia ganado al parecer una versión de Peter Pan que jugara con el realismo mágico como lo hiciera en "Bestias del Sur Salvaje" pero ahora con la realidad de la américa profunda que parece condenada a ser el tapete de las empresas y el patio trasero de la basura del país, millones de condenados por nacimiento que intentan pelear dando su voto al ahora presidente de los EU.

Pero ¡oh sorpresa y decepción! nada mas lejos de la realidad, en muy poco tiempo el director abandona esta faceta y se decide por una que esta de moda, una historia de inicios u orígenes, así cuando viajan a la tierra de nunca jamas, que es una isla del caribe al parecer, donde como todos sabemos no pueden crecer y Peter Pan (Yashua Mack) difiere en el personaje al no tener carisma y ser un terco sin remedio, todo se mueve hacia la historia de como nació un personaje clave del libro, algo que por desgracia para los que conocemos la historia original se ve venir desde el inicio por pura lógica de nombres, y la película termina siendo una reinvención que nos muestra mas que nada como nació la disputa entre los piratas y Peter Pan, mientras el personaje de Wendy (Devin France, un agradable descubrimiento) se va perdiendo cada vez mas convirtiéndose en testigo de lo que sucede, por supuesto es muchísimo mejor que el personaje de Peter Pan que cae mal y casi no aparece, ademas de tener cambios de humor sin sentido y tener una actitud de mierda, que la tiene en la historia original claro pero por lo menos ahi era carismático.

Con lo que escribí pareciera que no me gusto la cinta y aunque tiene múltiples fallos y nunca pareciera que nunca sabe que va a contar lo cierto es que Zeitlin es un director con muchos recursos, que no huye a la fantasía y lo logra convenciéndonos de que puede suceder en la realidad, su puesta en escena es hermosa, y esas hermosas imágenes casi poéticas, y el final tiene un mensaje valioso que nos habla de la importancia de crecer y madurar, de enfrentar la realidad y disfrutarla porque cada segundo de vida es una experiencia tan maravillosa como viajar a la tierra de nunca jamas, lastima que no logre este nivel en toda la cinta porque estaríamos hablando de una cinta mas que notable.

Calificación: Interesante

Cinecritica: El Precio de la Verdad

EL PRECIO DE LA VERDAD (DARK WATERS, EU, 2019)

El abogado Robert Bilott (Mark Ruffalo, perfecto) se sube a su coche despues de una cansada audiencia de horas contra el villano, un ente sin rostro y mas temible que el peor de los engendros del terror, acaba de pasar un estacionamiento subterráneo vació donde parecen seguirle, se dispone a meter la llave para encenderlo y entonces se detiene, teme lo que pueda sucederle al prender el carro, y aun asi no tiene otra opción, y nosotros como espectadores sentimos lo mismo, tenemos el temor de que explote, nos sentimos ansiosos y enfermos como nuestro protagonista, y peor aun, terminamos justo como él, o aun peor, cuando nos damos cuenta de que lo que mas se le puede hacer a una empresa gigante internacional es pegarle unos pellizcones que lo incomodan pero nunca lo dañan, y concordamos con el obseso Bilott en algo que ya sabíamos de antemano pero que aun así duele recordar y reconocer, el sistema es el que esta corrupto, no sirve, nadie nos ayuda ni auxilia, ni las empresas, ni los científicos, ni el gobierno, estamos solos y solo nos tenemos a nosotros mismos, algo que cualquier mexicano, y en muchas otras partes del mundo supongo, debe ser una verdad irrefutable.

Esto viene a colación despues de que el gigante invencible de la química DuPont se pasa por el arco todos los avances que ha logrado el incansable abogado Bilott que termino metido en un tema que genera incomodidad en todos los ámbitos posibles. Filmada por Todd Haynes con un estilo duro, realista y pesimista ayudado por la fotografía de tonos grises y azulados de Edward Lachman y la melancólica música de Marcelo Zarvos, el director no se entrega al drama fatalista, ni hace que sus personajes se sobreactuen, sino que impregna todo de un pesimismo creciente mas que adecuado con el guion de Mario Correa y Matthew Michael Carnahan que no se cansa de repetir que DuPont es invencible, que si acaso se le pueden arrebatar unos milloncitos de los mil millones que gana por año solo en la venta de teflon, que al ser un ente no puede ser enjuiciado por mas que sea un asesino silencioso y despiadado que actúa vilmente y que no se detiene en seguir dañando el planeta y asesinando a todos los que lo habitan con tal de seguir ganando millonadas.

Robert acaba de hacerse hecho socio en la firma que dirige con mano dura Tom Terp (un maravilloso Tim Robbins) y de inmediato un granjero que dice conocer a su abuela llamado Wilbur Tennant (Bill Camp, sublime) lo contacta para que lo ayude con una demanda, ha esto no se dedica Bilott así que no le da importancia, aunque algo dentro de él lo carcome, esto junto con la insistencia del granjero hacen que vaya a echar un vistazo y encuentre varias anormalidades; rocas decoloradas, vacas desquiciadas que los atacan, órganos gigantes, tumores aquí y alla, y un cementerio descomunal de animales, ademas los habitantes de su pueblo natal Parkersburg en West Virginia tienen los dientes negros y parecen tener una tendencia a desarrollar enfermedades graves como cáncer, lo que comienza como una simple demanda como petición de documentación para poner en paz al granjero termina en una pelea a muerte entre el abogado de DuPont y Bilott, al que dejan solo, apesadumbrado y con una cantidad de trabajo para varias vidas.

Por fortuna el obsesivo abogado no se da por vencido y termina encontrando, catalogando y uniendo las pruebas que la misma empresa otorgo donde el PFOA (acido perfluoroctanoico), un compuesto llamado también C8 por su aleación casi inquebrantable que ha contaminado todo el mundo, y como indica la cinta con terror, contaminado al 99 % de los seres vivos del planeta sin posibilidad de sacarla de nuestro sistema, es así que somos testigos de una serie de pruebas irrefutables que nos escandalizan y encabronan cada vez mas, por parte de una empresa que sabia lo que hacia y lo escondían con malicia, personas que nacen con deformaciones, canceres, colesterol alto, dientes manchados y duros, una empresa que hacia experimentos con sus propios empleados, pero al mismo tiempo es el mayor empleador del lugar, que esconde, miente, compra, corrompe, demora, y termina ganando si o si, ademas con el favor de las personas, y que puede faltar a su palabra mientras se forra con nuestra salud.

Es interesante el tema ademas porque nos muestra los dos lados de estas sucias y corruptas corporaciones, y esa misma ambigüedad en la misma sociedad gringa, vemos una escena donde una vaca enloquece por el agua envenenada y de inmediato vemos los centros comunitarios y la ayuda de la empresa en el pueblo, porque los mismos habitantes se niegan a creer porque les dan empleo, y satanizan al tipo que los ataca dándole la espalda en la misma iglesia, donde la misma secretaria que recibe la demanda hacia la empresa DuPont se mofa deseándoles suerte, donde el socio mas nuevo de la firma solo piensa en dinero, donde la autoridad cinicamente hace dictámenes secretos y cambia leyes para auxilio de los poderosos, es decir no solo el sistema sino la misma sociedad esta del lado de una empresa asesina. Por fortuna nos quedan los cruzados como Bilott que sacrifica trabajo, familia (la pobre esposa toda paciencia encarnada por Anne Hathaway), y salud (esos ataques desesperantes), y esos momentos de éxito moral, donde una llamada exitosa se celebra con un llanto silencioso, donde una esposa defiende el éxito moral de su esposo, cuando alguien derrotado en misa recibe una señal, y donde el obstinado granjero Tennant se niega a darle la mano al corrupto abogado de DuPont porque el siempre supo como funcionaba el sistema aunque no estaba estudiado, porque el sabia que la vida nunca regresa con dinero y solo clama justicia, la misma que deberíamos exigir nosotros porque hasta la fecha se sigue haciendo ese compuesto asesino que nos contamina aunque no lo usemos, y contamina a nuestros bebes, con esa idea en mente hasta miedo da tener hijos.

Calificación: Notable

Cinecritica: Ya No Estoy Aquí

YA NO ESTOY AQUÍ (ÍDEM, MÉXICO - EU, 2019)

Al final de la segunda película del director y guionista Fernando Frías de la Parra el recién llegado Ulises (Juan Daniel Garcia Treviño) ha regresado de su odisea personal, solo para darse cuenta que el lugar al que regreso no es el mismo que dejo atrás, ni el lugar, ni su banda, ni la cultura, ni siquiera el mismo, por lo que su deseo nostálgico de regresar a ese pasado idilico parece haber sido arrancado de golpe por el narcotrafico y la narcocultura que se propago por todo el país en esa mal llamada guerra contra el narco del terrible Felipe Calderon, que ademas amenaza con volver por sus fueros, sus amigos han aceptado la oferta del narco y los adolescentes cargan "cuernos de chivo" para todos lados, las pubertas estan embarazadas, y la cultura abraza al narcotrafico aceptando todo con tal de una bolsita de despensa de 100 pesos como se ve en una cruenta escena, ahi Ulises ya no tiene cabida, pero como buen "Terko" prende su reproductor y comienza a escuchar sus cumbias rebajadas, comienza a bailar y a anclarse en la subcultura "Kolombiana" como lo ha hecho en toda la cinta, pero de prontos se apaga, y volvemos de sopetón a la realidad junto a él, una realidad de patrullas, policías, disparos y ambulancias, una imagen dolorosa y cortante que le enseña que tampoco esta aqui, ni siquiera en su ciudad, en su casa, en su hogar.

Esta imagen final es perfecta para terminar el metraje porque deja claro que Ulises ya no puede escapar mas, que su sueño no existe, que el pasado nunca regresara, y queda abierto porque no sabe adonde ir ya que todo el tiempo se ha negado a aceptar la destrucción de su pequeño universo, y también deja claro que Ulises se ha negado a cambiar, a evolucionar, y uno lo admira por eso pero somos conscientes de que en este mundo, y en un país que sigue secuestrado por el narco, solo ver lo que sucedió en Culiacán en ese jueves negro, no es posible. La cinta de Frías se mueve en dos diferentes tiempos, por un lado nos cuenta el pasado de Ulises donde disfrutaba de las fiestas, cuando era el rey del baile, en los tiempos que cuidaba a su pandilla "Los Terkos", a los que se les hace una mención especial al final de la cinta, porque queda claro que el director siente realmente admiración, cariño y respeto por los "cholombianos", esa mezcla entre ropa de cholo, baile colombiano y corte de pelo azteca, pero volviendo al pasado, Ulises era respetado y querido pero entonces un aviso por la radio nos informa de la falsa guerra contra el narco, y una mala decisión, un juego, un malentendido, causa que Ulises quede entre la espada y la pared y tenga que huir.

En tanto en el tiempo presente somos testigos de las dificultades de Ulises para acoplarse a la vida de mojado, no sabe ingles ni le interesa aprender, sus compañeros se burlan de él por ser diferente, lo atacan, le dan carrilla, y el sigue anclado a su forma de vida y cultura lo que le causa múltiples problemas, principalmente causadas por él como se ve en esa escena donde escapa del policía que quería ayudarlo, o esa ayuda que nunca acepta del todo de esa adolescente china Lin (Xueming Angelina Chen) que amablemente lo apoya, pero Ulises es una causa perdida y no se siente agusto ahi porque ni siquiera lo intenta por lo que queda irremediablemente condenado a volver de donde escapo, por ahi he escuchado que Ulises es terco y obstinado, que esta cerrado y cae mal, pero no lo veo asi, como apunte antes existe algo de admiración por mi parte hacia alguien que no cambia sus creencias y culturas, que desprecia a los que no tienen las suyas, ese comentario que escupe a los pochos de "no te queda creerte negro" por lo de escuchar hip hop, y ese orgullo con que viste y ama su música.

Ademas ¿no existe algo de morbosidad malsana en Lin? pareciera que lo ve como un objeto o cosa rara, aun mucho mas de lo que ella pudo ser en cualquier momento, y por otro lado, ¿no tiene razón Ulises de estar molesto y no cambiar? despues de todo le arrebataron su estilo de vida, su música, su cultura, lo que amaba, todo antes de tiempo sin razón alguna, por lo menos en mi si causa tanta indignación como enojo, y es que aunque pertenecemos a culturas diferentes todos sufrimos los mismos estragos, y todos tenemos algo de terquedad, al final ninguno pertenece a ningún lugar, y que esto nos lo diga Frías con una dirección notable, dándole preferencia en esas tomas fijas a los bailes y con esa particular música que ni sabia que me gustaba hace que el viaje sea mas placentero, no menos doloroso pero por lo menos mas disfrutable.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Monos

MONOS (ÍDEM, COLOMBIA -ARGENTINA - PAÍSES BAJOS - ALEMANIA - SUECIA - URUGUAY - EU - SUIZA - DINAMARCA - FRANCIA, 2019)

Un grupo de chicos juega una especie de fútbol a ciegas en lo alto de una montaña, hace frió y los muchachos estan armados, cuidan a una prisionera de guerra (Julianne Nicholson, excelsa), pero apenas entendemos como un grupo de adolescentes tienen esa misión y porque se les otorga tanta confianza, mucho menos sabemos porque pelean ni en donde estan, no nos preocupemos, el director y guionista Alejandro Landes jamas nos quitara estas incógnitas de en medio, y ni siquiera se necesita, cuando menos lo pensemos estaremos tan inmersos en el relato que apenas nos haremos preguntas, y las que tendremos solo serán sobre el fatídico o maravilloso siguiente fotograma que llega de manera tan esperada y sin avisar como la vida misma. Y es que Landes logro hacer un retrato universal sobre la violencia, la conducta humana, y la estupidez de la guerra, todo como un mismo contexto porque a final de cuentas es lo mismo, asi mismo nos plantea muchas preguntas, y solo podemos quedarnos al final con que ninguna de las forma de gobierno parece ser la indicada, mucho menos una donde la condición humana someta todo lo demas, el problema es que por desgracia parecen ser todas.

Casi de inmediato a la cima de la montaña llega el mensajero (el ex-guerrillero de la FARC, Wilson Salazar que ademas fungió como consultor) que los pone a entrenar, los pone en forma, los lleva a un estilo militar mientras toma vídeo de la prisionera a la que todo mundo llama sencillamente doctora, da permiso de que se case alguna parejita dizque enamorada por ahi, y les encarga a "Shakira", una vaca lechera que no es un regalo sino un préstamo para la organización y por ende, deben regresarla, incluso es mas valiosa que la misma doctora, pero en cuanto se va de nuevo las hormonas adolescentes vuelven a florecer, los juegos, las pedas, el descubrimiento de la sexualidad, el desmadre, la violencia desatada como en la cintariza que le ponen a cierto personaje en su décimo quinto cumpleaños, y cuando uno apenas quiere comenzar a entender a estos pubertos liberales, calenturientos y valemadristas pasa lo inevitable justo despues de la desmadrosa boda, uno vestido de travesti comete un error que a partir de ese momento desatara un infierno que nunca se detendrá, ni siquiera despues de culminar en ese doloroso plano final.

Así somos testigos del viaje a la locura de Lobo, Rambo, Patagrande, Leidy, Sueca, Pitufo, Boom Boom y Perro, los llamados "Monos", desde la poca responsabilidad, la falta de empatia (ese cinismo del destino de la vaca mientras el líder sufre a morir), el temor, la arrogancia, los deseos ocultos, las ansias de poder, las mentiras, los secretos, las uniones por conveniencia (maravilloso cuando un personaje tacha de zorra convenenciera a otra), las intrigas, la traición, al rebelión, la sublevación, y la violencia interminable que va escalando cada vez mas, con unos chicos que siguen siendo adolescentes pero con armas, y que ¡aun peor! nunca podrán dejar de ser seres humanos, con reminiscencias a "El Señor de las moscas" estamos ante una reinvención que aunque nunca reniega de lo que la inspiro toma derroteros diferentes, con una fotografía bellisima de Jasper Wolf que nos entrega postales hermosas al tiempo que vemos una cosa cruda o escuchamos una infamia a lo lejos,

esa dualidad hace que la cinta sea tan hermosa como incomoda, el diseño sonoro es maravilloso, se escucha cada gota que cae y cada mosquito que sobrevuela, es impresionante y te trasladan a la montaña, a la jungla o al rió con una realidad que asusta, si le sumamos una banda sonora impresionante de Mica Levi solo queda decir que estamos ante una gran cinta de Landes que nos mantiene pegados al asiento, donde nunca sabemos que seguirá y donde la violencia no estalla sino que va escalando haciéndonos sentir incómodos en todo momento, en especial, lo repito, en ese fascinante plano final.

Calificación: Notable

Cinecritica: Rimas y Alcohol

RIMAS Y ALCOHOL (THE BEACH BUM, SUIZA - REINO UNIDO . FRANCIA - EU, 2019)

Solo he revisado "Spring Breakers" del divisorio director y guionista Harmony Korine, dicho sea de paso me pareció una cinta fallida que mas alla de algunos fotogramas bonitos y mucho eyecandy no ofrecía nada mas, por ello mi sorpresa al verme autenticamente interesado al inicio de esta cinta siguiendo la vida del simpático y desquiciante perdedor Moondog (un ¿fumado? Matthew McConaughey cargando la película), un poeta famoso que tiene años que no hace nada, a no ser claro tomar cantidades ridículas de cerveza, estar siempre drogado, y meterse con todas las mujeres que pueda, despues de todo esta en Cayo West y ese lugar solo existe para eso como el mismo apunta, como escribí claramente puse al inicio, pero aunque Korine parecía perderme en ciertos momentos tomando decisiones que parece nos llevaran a una convencional cinta de rehabilitación la verdad es que nunca traiciona la esencia de su personaje y eso hace esta cinta quizá no cien por ciento original pero si tan diferente como para separarse de las demas, y aunque en cierta forma la misma formula se repite una y otra vez nunca me molesto, quizá por el mismo desenfado de la cinta.

Y es que si Moondog es un poeta ¿como tiene dinero para vivir enfiestado y aplaudido por todos mientras gasta en ellos y él mismo sin cesar? la respuesta es muy sencilla, la del dinero es su bella mujer Minnie (Isla Fisher) que lo deja ser libre solo para llamarlo cuando lo necesita, como en la boda de su hija Heather (Stefania LaVie Owen) y aprovecha para una buena sesión de sexo oral de una vez, pero cuando no esta mantiene una relación mas estable con el amigo rapero de Moondog, Lingerie (Snoop Dogg), con todo este desmadre parece que la cinta puede caer en el drama excesivo, o la comedia caricaturesca, y aunque no reniega de esta ultima siempre se mantiene en esa temática que Moondog abraza, donde nada le interesa, todo se le resbala, en pocas palabras todo le vale. Es asi que asistimos a múltiples ocasiones en que Moondog puede rehacer o reconducir su vida y pasa olimpicamente de todas ellas, lo que hace que Korine nos entregue una cinta episodica, que se siente ajena e inconexa, y aun asi genuinamente disfrutable.

Y todavía mas con esos encuadres bien logrados y esa fotografía en tonos pastel que nos hace disfrutar los atardeceres y el mar de Miami como si estuviéramos ahi, y mientras los vemos divertirnos con un Moondog que fácilmente pasa el trago de la infidelidad, al que no le importa mucho lo que piense su hija, al que un trágico accidente no cambia nada, que escapa de la rehabilitación con un tipo tan loco como él (Zac Efron), que acompaña a un desquiciado capitán enamorado con los delfines  (Martin Lawrence) en viajes turísticos llenos de humor negro, que lleva una horda de alcohólicos y homeless desquiciados a destruir su casa, que vive un sueño idílico con todo y viaje en avioneta surrealista, y que nos regala un final tan poco creíble como la inacabable filosofía de Moondog donde un espectáculo, un disfrute, una diversión, valen mas que todo el dinero del mundo, ojala todo el mundo pensáramos asi pero supongo que no se puede, digo, aun con lo que disfrute el final me sigue doliendo lo que se quema, auch.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Mujercitas

MUJERCITAS (LITTLE WOMEN, EU, 2019)

El problema de revisar muchas versiones de la misma historia es que siempre alguna desmerece frente a la otra, la mayoria de las veces no tanto, pero en esta ocasión la diferencia para un servidor fue grandisima y por lo mismo fatal, no tenia ni media hora revisando la versión de Greta Gerwig de la historia de Louisa May Alcott cuando ya no podía mas, me parece que desmerece enormidades y mientras mas avanzaba mas lo notaba, lo primero que se nota es esa edición que nos presenta una película que no esta acomodada cronológicamente sino que opta por saltos en el tiempo que tienen mas que ver con mostrar si esto sucede en el futuro/presente es porque esto ocurrió en el pasado y se nos presenta porque alguien fue bateado o porque se decidió ser escritora, el problema de esto es que al inicio de la cinta ya sabemos el final por lo que no existe la sorpresa y se pierde el interés, pensé en que Gerwig quizá lo hizo asi pensando en que todos sus espectadores ya habrían visto alguna de las versiones anteriores y leído el libro asi que para hacerlo original y mas vistoso.

El problema con ese pensamiento es que la edición es pésima, incluso yo conociendo la historia y con la versión anterior, y muy superior "Little Women" de 1994, fresca en la memoria me perdía, tampoco ayuda que las protagonistas se vean iguales, y menos aun que Amy (Florence Pugh haciendo lo que puede) solo sea interpretada por una persona, y entramos aqui en otro error, el casting, Pugh es una de las actrices con mas talento pero querer hacernos creer que es una pequeña niña cuando notoriamente es una adulta es de pena ajena, ni siquiera ella puede lograr que unos berrinches de niña se vean bien en una mujer adulta, parece infantil y tonta, y de pronto ya es madura cuando la vemos igual, Emma Watson como Meg queda opacada por las demas, la Beth de Eliza Scanlen literalmente no existe, y Saoirse Ronan como Jo esta bien aunque por momentos se muestra demasiado feminista y moderna, Laura Dern tiene mucho mas tiempo que Sarandon y casi ni me acordaba de ella, y Meryl Streep se ha convertido en un chiste viviente, la parodia de ella misma.

A Timothée Chalamet lo sigo considerando un actor soso y no mejorara hasta que alguien se anime a decirle sus fallas, y los demas varones solo estan ahi, a excepcion de Tracy Letts que tiene el mejor personaje masculino, y podría seguir todo el día; la escena del cabello quemado palidece y se ve falsa, el baile rockero de Laurie y Jo es de pena ajena ¿vieron el futuro? los movimientos de la cámara son demasiado rápidos, todas deben explicar lo que desean porque en la narrativa Gerwig no supo explicarlo, una narrativa limitada de la directora con una diseño de producción hermoso que romantiliza la epoca innecesariamente ya que termina criticándola, y ya explique lo de Amy, Pugh rodeada de niñas que la engañan y despues verla llorando en la ventana de Laurie parece un sketch malo de SNL, aunque no todo es malo, hacia el final Ronan y Letts como un editor y Jo funcionan, ella vende su libro, se muestra inteligente y astuta, y el final de su libro queda como el final obligado por el editor, un juego metafísico que funciona con ese final simbólico maternal, por ese sentimiento final la cinta se ha valorado mejor de lo que es, ¿vale la pena ver dos horas de cine mediocre por cinco minutos buenos? en este caso creo que no.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Mujercitas

MUJERCITAS (LITTLE WOMEN, EU - CANADÁ, 1994)

Cuando termino la cinta de Gillian Armstrong basada en el celebre libro de Louise May Alcott tenia húmedos los ojos y quiza se deslizaba una que otra mejilla por mi rostro, y yo como buen macho mexicano no podía creerlo ¿era acaso ese idílico final que me había ganado? no, no lo era, era un conjunto de todo, de la difícil vida que afrontaron las mujercitas del titulo, de la amabilidad cristiana de ellas y su madre, de su tierna relación fraternal que traspasa la pantalla, de su naturalidad que les hizo ganarse el amor y respeto hasta de personas que las denostaban, de su incansable lucha por sus sueños, individuales y a final de cuentas

conjuntos, de tener que sobrevivir a una epoca donde las mujeres estaban ancladas

a facetas muy especificas, por una madre imbatible, por el doloroso destino de una de ellas, por el avance inclemente del tiempo, y por supuesto por ese final que le ha dado a tantas generaciones de mujeres la fuerza y la inspiración para seguir sus sueños, ya sea de escritora o de cualquier otro tipo, y ¿porque no? de buscar y perseguir el amor que es tan diferente como los diferentes sueños de nuestras protagonistas.

Pareciera que escribo todo esto de manera subjetiva pero nada esta mas alejado de la realidad, la cinta esta impecablemente realizada, a una producción y diseño de epoca majestuoso que no teme mostrar un pasado sucio o poco pomposo, con una banda sonora adecuada, y un vestuario maravilloso, ademas de contar con una dirección inteligente y pulcra que por momentos tiene algunos arrebatos de autentica genialidad, y por supuesto lo mejor de todo, un reparto que no tiene fallos y que posiblemente es el mejor que ha tenido una adaptación de la novela, a la luchona Josephine "Jo" (Winona Ryder, perfecta) feminista de primera ola que antepone sobretodo el amor por los que ama y que aun asi no deja de ser irrespetuosa e incansable, una mujer luchona que no se detiene hasta ser escritora, la dulce Meg (bella y edulcorada Trini Alvarado) que deja su sueño atrás tras encontrar el amor, la frágil Beth (Claire Danes, muy bien) que sirve como enlace de su familia y la caprichosa y boquifloja Amy (Kirsten Dunst, maravillosa e hilarante), ese "Jooo tu unico encanto" es de antologia, que solo busca un marido rico que la despose mientras se preocupa por su nariz chata.

Sumamos a la versión adulta de Amy (una bella Samantha Mathis), Christian Bale como el adorable Laurie que se roba cada escena en la que aparece, Susan Sarandon como un halo de luz y amor como la madre "Marmee", Gabriel Byrne como el soso e insípido profesor Friedrich Bhaer, la amigable torpeza que logra Eric Stoltz, y secundarios de la talla de Mary Wickes o John Neville, todos impecables y dirigidos de manera formidable ya que no tienen falla en ningún momento. Armstrong nos cuenta la historia de las cuatro hermana de manera que siempre estamos interesados, ya sea por las obras de Jo, por el inocente romance de Meg, por los pataleos de la ingobernable Amy, y hasta por los sacrificios de Beth, ademas de que no se deja de lado esa critica ácida y burla a la sociedad burguesa de la epoca, esos bailes con miles de reglas, el que dirán presente en todo momento, las lineas insidiosas de Jo hacia esto y hasta sus constantes quejas que son zanjadas por su madre tan dulce como directamente con su "porque son hombres".

La cinta nunca deja de lado el humor, de pronto uno ríe a franca carcajadas, despues sufre con un dramatismo muy logrado, sonríe cómplice con las ocurrencias de las hermanas March y termina queriéndolas, preocupándose por ellas, festejando sus victorias, sufriendo sus derrotas, llorando sus tristezas, y deseando que logren un final feliz, por mas que la vida no sea nunca de esta manera, o por lo menos no de la manera en la que nosotros quisiéramos, y aun asi, siempre existe una salida a la felicidad, incluso de alguien tan obstinada y necia como nuestra querida Jo.

Calificación: Notable

Cinecritica: ¡Scooby!

¡SCOOBY! (SCOOB!, EU - CANADÁ, 2020)

Las referencias a la cultura pop no son malas pero no pueden ser lo unico en lo que se base una cinta, este es uno de los grandes problemas de las cintas de animacion para toda la familia, y que logran que en cinco años se sientan caducas, viejas e incomprensibles, esto le sucedió a todas las secuelas de "Shrek" por ejemplo ya que solo la primera no basa la película en esto, escribo todo este largo prologo porque justo ese es uno de los problemas principales de este reboot/actualización de Scooby Doo, que tiene todo menos ser Scooby Doo, aqui no hay misterio ni terror sino una historia de superheroes para salvar el mundo de un ente diabólico real donde el crossover se inclina mas hacia el lado de la formula que volvió a Marvel amos y señores del dinero, y que como esta ni siquiera se preocupa por hacer una cinta decente, asi lo que parece ser el universo de Hanna-Barbera se convierte en un festival de fanservice de ver quien capta mas referencias.

No todo es malo, la cinta comienza bastante bien con una versión ligera y cariñosa de como se conocieron Shaggy y Scooby, que mas alla de algunos diseños malos y escenarios planos funciona mas que bien, el problema es que ya de adultos no asistimos ni somos participes de nada de lo que hiciera popular a la serie, no hay misterios, no hay agentes inmobiliarios corruptos, no hay tecnología sin sentido, ni monstruos y fantasmas, en lugar de eso referencias pop, un villano que sale de otra serie como Pierre Nodoyuna (voz de Jason Isaacs), un héroe que sale de otra serie mas como Halcon Azul (voz de Mark Whalberg) y Dinamita (voz de Ken Jeong), y algunos cameos mas que anuncian el universo extendido deseado pero que nunca embonan organicamente, y es que el problema es como ya apunte que es una cinta de superheroes, enfocándose en los problemas del nuevo Halcon Azul y su compañero e incluso funciona mejor la relacion odio de Pierre y Patan que la de estos.

Y aunque se le da mucha participación a Shaggy (voz de Will Forte) y Scooby (voz de un bienvenido Frank Welker) la verdad es que se sienten como algo secundario por mas que a mi me ganen las interacciones entre ambos, en especial esas que hacen referencia y homenajean la serie original; ellos huyendo del villano en esas hilarantes transiciones, los brincos asustadizos y escapes, los disfraces tomando el pelo, y esa intro casi copiada del original, por desgracia los demas personajes de Scooby son dejados de lado y casi no aparecen ni tienen peso, ademas cambian la forma de ser de ellos, Fred (voz de Zaz Efron) sigue siendo valiente pero ahora también es bobalicón y nada tranquilo, Daphne (voz de Amanda Seyfried) ha cambiado su forma de ser, pero la peor es Velma (voz de Gina Rodriguez) que paso de ser la inteligente y pensante del grupo a una pedante sarcástica, A pesar de una trama inconexa y que nunca nos interesa la verdad el fanservice nostálgico gustara a los conocedores de la serie original aunque dudo que la mantengamos en la memoria, casi tanto como dudo que las nuevas generaciones se interesen por algo que nunca fue pensado para ellos.

Calificación: Mediocre

Cinecritica: Krisha

KRISHA (ÍDEM, EU, 2015)

Vemos un plano cerrado con la cara de Krisha (impresionante Krisha Fairchild, tia real del director) que tiene una cara indescifrable pero llena de dolor y ansiedad, y este fotograma es con el mismo que se cerrara la opera prima de Trey Edward Shults, una película incomoda, irritante, molesta y claustrofobia, y todo esto en el mejor sentido de la palabra ya que la cinta de Shults es un alucinante viaje donde las tomas son impresionantes y siempre van de acuerdo a lo que siente la protagonista, desde largos planos secuencia donde vemos a Krisha llegar a casa con un notable nerviosismo y curiosidad, una cámara casi fija cuando la familia se saluda, abraza y besa en ese ritual familiar de accion de gracias que todos conocemos ya que nos remonta a cualquier reunión familiar, con esos close-up a una Krisha que esta sublime, esos juegos con los espejos y los planos, y el uso de colores que siempre va de acuerdo a lo que se nos quiere decir.

El uso de la música es buenísima, mención especial a esa escena con los aplausos que rompe la cuarta pared respetando la congruencia en todo momento, y es que para ese momento ya somos victimas de Shults que hace con nosotros lo que desea sin que entendamos totalmente lo que sucede en un drama familiar que nunca es chantajista ni tiende a la miseria, estamos simplemente ante una de las millones de historias del día a día, tan cotidianas que duelen porque se sienten cercanas, y es que si la cámara y lo precioso de las tomas, que buscan una perfección, nos remiten a Malick lo cierto es que la pesadilla surrealista en la que cae la protagonista parece mas cercana a la mente de Lynch. Desde el inicio con Krisha preocupada y una obvia incomodidad de algunos miembros de la familia, casi todos increíblemente familia real del director, no solo eso sino que Krisha se siente ajena a la familia y se comporta de forma sospechosa, se enfoca en preparar la cena sin pedir ayuda, solo mira a los demas desde lejos, nunca entabla conversaciones y sus contestaciones son secas.

Mientras los chicos juegan vencidas como adolescentes inmaduros Krisha cada vez esta mas sola y alejada, por ahi tiene una conversación hilarantemente divertida con el payaso de la familia que también le suelta un discurso casi reclamándole su pasado, intenta acercarse a Trey (el mismo director) aconsejando que siga su sueño de director en una obvia referencia a una realidad ¿alterna? y asi deducimos que Krisha tuvo una vida de fiestas y excesos que la alejaron de la familia, asi poco a poco la tia cae mas al infierno, con nadie hablándole, todos reclamando, juzgándola aqui y alla, personas incomodas, ella espiando y mirando como si quisiera ser invisible, la caída en los excesos y los ladridos imparables de los perros donde se remata de manera magnifica un guion que nos habla del drama familiar cotidiano, normal, y no por ello menos doloroso mientras miramos nuevamente el doloroso rostro de Krisha y por fin la entendemos del todo.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Las Olas

LAS OLAS (WAVES, EU, 2019)

Hacia la mitad de la cinta del guionista y director Trey Edward Shults los eventos se han vuelto tremendistas y catastróficos, la cámara deambula de aqui para alla temblando como si supiera lo que va a suceder, y nosotros también lo sabemos, el montaje es frenético, el movimiento de la cámara es rápido, los sucesos pasan velozmente, los colores son fuertes e intensos, nos encontramos en la relación de aspecto de 2.35:1 a la que entramos desde esa dolorosa escena en la bañera, nos sentimos presionados como el personaje principal, sentimos el peligro de lo inevitable, y finalmente sucede, lo intuíamos, lo sentíamos, pero el director Shults usa de manera perfecta los recursos narrativos que tiene para que no solo seamos espectadores sino que seamos participes de un drama muy fuerte y doloroso que en ningún momento se vuelve chantajista sino que por el contrario conforme mas avanza es cada vez mas humano.

Dividida en dos partes muy notorias la verdad es que no estamos ante dos cintas como se puede llegar a pensar sino a dos pedazos totalmente diferentes en ejecución pero que se complementan por tener la misma alma, y es que uno no se comprendería a cabalidad sin el otro, Al inicio seguimos al obstinado Tyler (Kelvin Harrilson Jr. quien ya trabajo con el director con "It Comes at Night") que tiene una vida privilegiada, pertenece a un estrato social media superior o alta, va a una escuela privada, es un ídolo deportivo en la lucha greco-romana, es novio de la diosa de la escuela, la sexy Alexis (Alexa Demie), y obtendrá una beca estudiantil por el deporte, pero todo esto tiene un precio, su padre, el perfeccionista Ronald (Sterling K. Brown, muy bien) lo presiona en todo momento, entrena con él, le revisa las tareas, cuida sus horarios, y esta pendiente de el en misa, a final de cuentas no empatizamos con ninguna de los dos, o parece difícil, el chico tiene muchas oportunidades y por momentos se pierde en fiestas, pero tampoco compartimos la presión excesiva y enferma de un padre que le reitera una y otra vez esas oportunidades.

Esto lo vemos en pantalla ancha, con colores vivos y un montaje exacto y tomas que rozan la perfección, al del carro, la lucha, etc., pero cuando Tyler se entera de una desgracia que puede destruir su futuro el formato cambia, los colores se vuelven mas intensos, llenan la pantalla, poco a poco no impiden discernir perfectamente todo, estamos en el mundo de Tyler, uno que se esta derrumbando, donde puede perder la beca, donde su cuerpo puede sufrir un daño irreversible, donde su novia le suelta que esta embarazada, y ¡oh castigo de Dios! decide tenerlo, Tyler explota, no quiere un niño, su vida de esta yendo por el caño, sus sueños, sus logros, todo esta perdido y su personalidad y carácter hacen que empeore todo de tal manera que toma decisiones erróneas una y otra vez, no soporta la presión, es tan egocéntrico como cualquier adolescente o adulto de 18 años, y esto termina pasandole factura en esas escenas que describí en el inicio donde ya no hay vuelta atrás, y de inmediato la cámara cambia de aspecto a un claustrofobico 4:3, la vida se ha terminado, el drama ha llegado a su punto cúspide, y no podemos imaginar que mas puede suceder.

Es entonces cuando Schults cambia de protagonista súbitamente, la hermana de Tyler, la tímida y callada Emily (dulce Taylor Russell) es ahora a quien seguimos, Shults deja el aspecto pero cambia los colores y el ritmo, la vida de Emily es un infierno en redes sociales, en la escuela, y en casa donde solo escucha pelear a sus padres sin que nadie hable con ella, entonces llega a su vida Luke (Lucas Hedges en otra buena actuación), un chico bonachón y buena gente que ayudara a curar las heridas de Emily y a conseguir una redención que llega a su clímax cuando esta y su padre hablan, y donde el mismo Luke conseguirá una redención/personal familiar que desencadenara la de Emily, intentando hablar con su madrastra (Renée Elise Goldsberry) y haciendo las pases con su padre en la búsqueda del amor, el perdon, la redención y la familia, dándole amor y protección a quien lo merece y a quien no también, porque nadie es un monstruo, solo somos seres humanos, todo ello con un soundtrack maravilloso que siempre nos mete en lo que vemos, con una fotografía preciosa que hacia el final cambia su aspecto para dejarnos respirar, con encuadres bellos y hermosos que nos remiten a Malick, despues de todo es el maestro de Shults, y con ese ir y venir de la vida porque el titulo es mas que perfecto, la cinta nos golpea con la fuerza de una ola y nos jala hacia una tranquilidad divina que irremediablemente golpeara de nuevo.

Calificación: Notable