Cinecritica: Las Aventuras de Bo Peep

LAS AVENTURAS DE BO PEEP (TOY STORY 4: LAMP LIFE, EU, 2020)

Cuando un cortometraje dura siete minutos y volteas a ver la hora es que algo muy malo esta pasando, el problema con Pixar, y su secuelitis es que solo apelan a la nostalgia de su publico, sean mayores de treinta o cuarenta años o niños que se aventaron su filmografia en pocas semanas o incluso dias, los segundos apenas empezaran a diferenciar entre buen cine y el que no lo es, los primeros estan cegados por la nostalgia, en esto se han basado últimamente, si "Toy Story 4" gano inmerecidamente el oscar a mejor película animada no era porque no supiéramos todo lo que le paso a Bo Peep entre la dos y esta.

Una innecesaria cinta que por desgracia es peor que haberlo dejado a la imaginación, solo vemos a una Bo (voz de Annie Potts) quejándose porque le tocaron dos niñas pesadas y despues porque fue desechada, y finalmente llego a la aburrida tienda de antigüedades, no hay aventura, no hay emoción, vamos que ni siquiera hay historia, y cuando pensamos que quizá su escape sea emocionante la directora Valerie LaPointe sale con una salida tramposa, aburrida y facilona, técnicamente si es buena pero no deberíamos tener que conformarnos, ¿esta mal pedir algo mas?

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Kakurenbo

KAKURENBO (ÍDEM, JAPÓN, 2005)

En el inicio de la cinta una voz en off nos indica que el juego de las escondidas en Japón tiene una versión mas oscura, el Oto-ko-yo, donde los pequeños se atavían con kimonos y mascaras de zorros, los pequeños siguen las pistas y llegan a la entrada de la ciudad prohibida para jugar a las escondas ahi, siete niños y el colado, uno que quizá busca aunque nadie sabe bien a ciencia cierta que hace ahi, cuando los pequeños entran ahi son perseguidos por cuatro demonios que no se detendrán ante nada y que peor aun ¡son indestructibles! el director Shuhei Morita que también escribe el guion entrega una cinta que mas que ser una cinta de terror al uso causa una incomodidad que al final de la cinta entrega su verdadero mensaje.

El problema es que el cell shading por mas hermoso que se vea no parece la decisión correcta, la animación es hermosa y el diseño de personajes es bueno, espectacular por parte de los demonios, pero al ser una cinta del 2005 en Japón se nota que no contaba con la inversión necesaria por lo que la animación es lenta y tosca, no es fluida y eso afecta las escenas que de pronto se notan cortadas o fuera de ritmo, una lastima porque como apunte la historia no deja de ser interesante y mejor aun los diseños de los demonios donde ademas el director tiene los pantalones de cargarse a niños sin problema alguno, eso si, la mayoria de los niños son cliches y sus motivaciones para jugar no pasan de tener una emoción fuerte o demostrar ser valientes.

Lo mejor como ya anote son los demonios, desde ese sádico que carga un garrote para aplastar y los sigue desde el inicio, el poderoso león japones que aparece despues, los dos demonios enanos con carro perruno que son como la peste, y el que tiene muchos brazos y esta cuidando la verdadera ciudad, una que muestra su verdadero funcionamiento en un final escabroso con todo y aparición del quinto demonio, el zorro de nueve colas, y que no es otra cosa que la destrucción de la niñez y las tradiciones ancestrales por la vistosa tecnología, un miedo típico japones pero que debería ser de todo el mundo.

Calificación: Regular 

Cinecritica: Los Inquilinos

LOS INQUILINOS (THE LODGERS, IRLANDA, 2017)

Unos hermanos gemelos no idénticos viven en una casona, la casa real y emblemática Loftus Hall, a la que estan extrañamente cercanos, ya desde el inicio con Rachel (Charlotte Vega, todo un descubrimiento para un servidor) corriendo como alma que lleva el diablo para llegar antes de las doce en su casa pues se quedo dormida leyendo frente al lago sabemos que las cosas no estan bien, o por lo menos que son lo suficientemente extrañas para causarnos una aprehensi real, y esto solo se ve confirmado por el actuar de su hermano gemelo Edward (Bill Milner, bien) que le exige que pida perdón a una trampa en el suelo junto a las escaleras principales, los gemelos no idénticos tienen que cumplir tres reglas si es que quieren vivir con tranquilidad con los inquilinos del titulo, no llegar despues de las 12 de la noche ya que ellos toman la casa para si, no dejar que entren extraños y nunca alejarse el uno del otro, la ultima parece la mas sencilla pero conforme avance la cinta veremos que esconde un significado mucho mas macabro que un amor familiar.

Con una dirección pulcra de Brian O'Malley, un diseño de producción bellisimo de Joe Fallove, una fotografía hermosa de Richard Kendrick y la música (¡ese macabro tema principal!) del guionista David Turpin que también logra una buena historia, por mas que no sea innovadora es dolorosa y macabra, con algunos simbolismos que causan mas incomodidad que el típico susto fácil, los hermanos estan recluidos en la vieja casona, atrapados, prácticamente son sus rehenes, o por lo menos Rachel que sueña con ser libre a diferencia de su hermano que acata todas las ordenes vehementemente, quizá en parte por la cuestión de consumación que sucederá tarde o temprano, los chicos son unos apestados para el pueblo por la forma en la que viven y porque entendemos, mas de alguno intuye o sabe el oscuro secreto de la familia, es asi como los ignorantes pueblerinos son un peligro mas.

Y cada vez estan mas solos, no tienen dinero, ya no les fían y su abogado (David Bradley) los visita porque estan quebrados, en todo esto un militar mutilado regresa de la guerra (Eugene Simon) y Rachel siente una curiosidad nada sana por él que solo lograra la desesperación de su gemelo y la ira de los habitantes de la trampa donde el agua fluye hacia arriba, es cierto que gran parte de la cinta se construye un ambiente gótico melodramático que funciona, por desgracia el romance un poco soso baja el nivel de la cinta, uno que ya no recupera en su final surrealista, porque lo mas poderoso ya había sucedido, el clímax no era el terror de los inquilinos sino el secreto que intuíamos, ese que le da fuerza a la cinta porque nos recuerda que el mal habita en lo cercano a nosotros, la misma familia.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Historias de Fantasmas

HISTORIAS DE FANTASMAS (GHOST STORIES, INDIA, 2020)

Antología de terror conformada por cuatro historias de diferentes directores, con el plus de que son de una cultura muy diferente y nos entregan otra mirada, eso si, quizá para algunos represente lo contrario por el choque de culturas y les parezcan mas cansinas que otras antologías, para los que se animaron a verla lo que sigue es una cinta que aunque no es buena tampoco es totalmente desechable, la primera es de la directora Zoya Akhtar que nos presenta una típica historia de fantasmas al uso donde una enfermera (entregada Janhvi Kapoor) llega a cuidar a una enferma que apenas y se mueve, se ve obligada a limpiar sus desechos, bañarla y alimentarla mientras espera que su amado, un hombre casado que obviamente solo la usa para sexo, ni siquiera quiere visitarla, menos tener algo seria con ella, el ambiente esta bien cuidado y el final es lo sorpresivo que se espera, el problema es que toda la historia secundaria de ser la amante de un tipo no aporta nada y solo sirve para alargar.

La segunda historia de Anurag Kashyap es la mejor de la antología, una historia sobre una mujer embarazada (sorprendente Sobhita Dhulipala) que espera ansiosa a su primer bebe, pero debe cuidar a su sobrino (Zachary Braz), el hijo de su hermana que nos daremos cuenta pronto no solo quiere que ella funja como su mama ya que su padre dice que se parece mucho a la misma, sino que le tiene unos celos enfermizos al bebe por nacer, el pequeño diablillo parece tener poderes y esto en conjunto con los temores de la madre, la aborrecion de su marido hacia el sobrino y un extraño trauma/creencia la llevan a una espiral de temor y alucinaciones donde un demoníaco pájaro nos hará las delicias a los amantes del terror, la tercera de Dibakar Banerjee es la mas convencional de todas, una historia sobre un pobre diablo que llega a una aldea para ver porque los niños reprueban tanto y encontrarse con dos pequeños sobrevivientes de una calamidad.

Los de la ciudad devoran a los de la aldea, si los de la aldea aceptan devorar los consideran de los suyos, una obvia critica social al sistema indio de desaparecer las aldeas que antaño conformaban al país, la mas convencional y sencilla, aunque he de admitir que los monstruos estan bien diseñados y representados y el humor socarrero funciona, la ultima de Karan Johar es una extraña historia fantasmal a la usanza de los cuentos que van de boca en boca, sobre una mujer (bellisima Mrunal Thakur) que acepta casarse con un junior, viven en su casa y tuvieron una linda boda, el problema es que el tipo esta obsesionado con hablar con su abuela muerta, y todos en la familia ven esto normal, a tal grado que las decisiones de su matrimonio deben pasar por ella, frente a esto Ira no se queda tranquila pero quizá no todo sea imaginado o inventado, un corto muy sencillo con ambientación típica de Bollywood pero que mejora en su maquiavelico final, sobretodo en una epoca donde los ricos son vistos como bichos muy extraños. Como todas las antologías mantiene una calidad irregular en sus cortos, siendo el segundo el mejor y el tercero el mas flojo, aun asi no carecen de interés y todos tienen algunas virtudes, una oportunidad de ampliar nuestra cultura cinefila.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Fangio: El Hombre que Domaba las Maquinas

FANGIO: EL HOMBRE QUE DOMABA LAS MAQUINAS (ÍDEM, ARGENTINA, 2020)

En cierta entrevista presentada en la cinta Juan Manuel Fangio dice que se debe "intentar ser el mejor, pero nunca creerse el mejor", creo que esto representa lo que el legendario piloto logro en la historia de la Formula 1, de la conducción, y del mismo deporte, un tipo con clase y bien educado que nunca dejaba los modales de lado por mas que los que tuviera a su lado fueran rivales acérrimos, de hecho la mayoria son amigos, algo que es trasladado a las palabras de otros legendarios competidores como Sir Jackie Steward, Alain Prost, Mika Hakkinen y hasta el fallecido Ayrton Senna, un doloroso representante de lo peligroso que es este deporte y que lo era mucho mas en los años cincuenta cuando corrió Fangio, con una seguridad casi nula y unos circuitos que desafiaban la vida, en pocas palabras era mucho mas peligroso, menos técnico, con menos tecnología y seguridad pero corrido casi a la misma velocidad que en la actualidad.

El director Francisco Macri logra un documental muy ameno y siempre interesante donde se nos sueltan muchos datos pero con la suficiente carga emotiva para no cansarnos, de pronto se dice alguna anécdota, una linea de aprendizaje por la experiencia, o simplemente se sufre o se goza, todo esto montado con algunas entrevistas de archivo de Fangio que son de muy distintos años y epocas, las entrevistas a sus compañeros, mecánicos, equipo, rivales, amigos y hasta los admiradores que despues se convirtieron en pilotos, junto a esto una crónica ricamente documentada de su vida profesional, ya que la personal no se toca, desde que empezó como mecánico autodidacta hasta ser corredor de la formula uno y ganar cinco campeonatos con cuatro escuderias diferentes, Alfa Romeo, Maserati, Mercedes-Benz y Ferrari, algo impensable ya que la escuderia es mas importante que el piloto en este deporte.

Con muchas imágenes, vídeos y audios de archivos de las carreras y hasta de algunos accidentes, Fangio tuvo dos muy fuertes y dolorosos en su vida, todo esto se nos relata ademas de los incidentes y desavenencias que tuvo como las veces que corrió sin dormir o cuando en un viaje internacional llego tarde a la carrera y corrió de ultimo, ademas se muestran algunos datos del estudio de la universidad Sheffield donde por medio de algoritmos descubrieron que Fangio ha sido el mejor piloto existente, un buen documental, con muchísima información bien mostrada, con un ritmo fascinante y algunas entrevistas de gran valor, no merece menos un hombre humilde que sigue siendo el mejor de todos los tiempos.

Calificación: Interesante 

Cinecritica: Errementari: El Herrero y el Diablo

ERREMENTARI: EL HERRERO Y EL DIABLO (IDEM, ESPAÑA - FRANCIA, 2017)

Película a modo de fabula basada en un cuento vasco y en idioma Euskera lo que le suma mucho al ser el idioma original del cuento y aportar a esa atmósfera bien construida, con una historia y presentación a "The Storyteller" del legendario Jim Henson, y con un humor socarrón y mala leche que se mofa incluso de los que viven usando el nombre de Dios a su conveniencia, un tono tomado de Alex de la Iglesia, productor y padrino del director y guionista Paul Urkijo Alijo, tomando como base el antiguo cuento titulado de la misma manera Urkijo le da una una vuelta y lo hace mas grande, su ambición es mas grande pero es bien compensada en una narrativa muy ingeniosa, si bien el cuento original nos cuenta como el herrero engaña al diablo y hasta al mismo cielo esta película toma un tono mucho mas maduro y adulto y le sienta de maravilla.

Nunca dejando de ser imaginativo, con una atmósfera mas que lograda y una producción que aunque escasa en recursos es muy inteligente en como plantear los escenarios, los efectos especiales estan logrados por mas que algunos chirrían hay que decirlo, y por supuesto donde brilla es en el maquillaje que nos entrega personajes bien caracterizados y unos demonios que se sienten muy realistas y que nunca brincan a la vista, desde el prologo a modo de narración de abuelos que con una animación nos cuenta sobre este herrero que es mas malo que los demonios, y de inmediato brincamos a la guerra Carlista donde un tipo parece inmortal y asesina a sus verdugos acompañado de una extraña sombra, diez años despues este es un herrero ermitaño (Kandido Uranga, muy bien) al que todo mundo teme y sobre el que sobrevuelan varias tenebrosas leyendas, que si mato a su mujer, que hizo que se ahorcara porque la golpeaba, que es un asesino, que hizo un pacto con el mismo diablo, o que esconde un tesoro invaluable.

Todos estos chismes y habladurías no solo representan el pérfido estado de la sociedad sino que tendrán peso en la trama en su momento, el ultimo mencionado es el que pone todo a moverse, un pomposo enviado del gobierno, Ortiz (un maquiavelico Ortzi Acosta) busca el tesoro perdido en la guerra y moviliza a todo el pueblo, en tanto la detestada niña huérfana Usue (Uma Bracaglia, bien) termina en la casa del Herrero Patxi donde descubre a un niño enjaulado y torturado que no es lo que parece, en una historia oscura y critica a la sociedad, incluso al espíritu humano, como ese doloroso momento donde el sacerdote muestra su verdadero yo mucho peor que el del mediocre demonio Sartael (hilarante Eneko Sagardoy), y es que con tantas vueltas de tuerca y sorpresas, y una buena narrativa de personajes que los hace crecer y evolucionar no queda mas que rendirse, y ademas nos recuerda al mejor Alex de la Iglesia, a ese de "El Dia de la Bestia", cine en estado puro hecho con amor y que nos remite e a los cuentos de antaño que eran mas sencillos y mejor contados, y llenos de una valentía tremenda que abraza la cinta y tanta falta hace en el cine actual.

Calificación: Bien

Cinecritica: Guerra en el Aserradero

GUERRA EN EL ASERRADERO (LA TERRE ET LE SANG, FRANCIA - BÉLGICA, 2020)

Efectivo filme francés que va del thriller criminal hacia la accion mas pura y sucia, y por ende mas creíble y fuerte, del especialista en cine de accion Julien Lecrercq con guion del mismo y otras seis manos mas, aunque terminando de verla parecen demasiados guionistas para una historia mas bien sencilla pero no por ello simple, estamos ante la típica historia de mafiosos contra un padre de familia que por no perder lo unico que tiene otorga todo de si. Un grupo de maleantes ataca la comisaria de policía para recuperar la cocaína de su jefe, aunque lo cierto es que la quieren para ellos mismos, dinero rápido y fácil si nadie se entera, por supuesto esto es imposible porque no solo es una noticia que se propaga rápidamente sino que el hecho de matar a dos policías y las cámaras hacen que para el jefe de la mafia (Eriq Ebouaney adecuadamente temible) todo sea claro, y mas aun cuando alguien le cante lo que ocurrió.

Para estos momentos ya sabemos que el perpetrador le ha dado el carro con la droga a su hermano, un delincuente de poca monta que lo esconde en el aserradero de su jefe, el estoico Saïd (el actor fetiche del director Sami Bouajila) que descubre que sus días estan contados por una enfermedad y decide vender el negocio con tal de otorgarle un futuro a su hija sordomuda Sarah (Sofia Lesaffre, bien), por suerte en la venta Saïd descubre el vehículo y  aunque no le de oportunidad de hacer algo los delincuentes no lo pillan totalmente por sorpresa por lo que da batalla, en una parte final que brilla por lo bien filmada que esta y que recuerda mas a un western que al típico filme de accion.

De hecho esto es lo mejor de la cinta, estas escenas de accion que vienen precedidas por unas muy tensionantes de suspenso, la accion sucede inteligentemente, pausadamente, sin prisas, nadie sale como loco a disparar matando a diestra y siniestra, existe un sentimiento de estrategia que nos hace creer que lo vemos es real, y que cualquiera puede morir en cualquier momento, un detalle que nunca se traiciona, ni siquiera en bien logrado final. Una recomendable cinta que como mayor virtud tiene el abrazar los estereotipos para que nos resulte todo mas familiar y creíble (el jefe valorando mas a su raza que a los musulmanes franceses) y que tiene un clímax muy bien logrado, ya quisiéramos que la mitad de las cintas de hollywood le otorgaran esta profesionalidad y narrativa a sus escenas de accion y clímax, y ademas en un paquete de menos de hora y media.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: La Cacería

LA CACERÍA (THE HUNT, EU, 2020)

Una muy agradable sorpresa en tono de sátira política y social con un humor mas negro que el carbón y que no deja títere con cabeza, no sabia nada de la cinta a pesar de la polémica que causo y por eso me sorprendió a cada momento, desde el inicio con esos mensajes de texto que aparentan algo muy turbio a pasar por un avión lleno de millonarios élite que toman champaña de millones y el caviar les parece poca cosa, con un tipo que despierta y tiene que terminar muerto por este grupo de indolentes privilegiados liderados por la implacable Athena (Hilary Swank riendose de ella misma) que no duda en sacarle un ojo y dejarlo sufriendo, despues de todo son la clase "pobre", la baja, la ignorante, la retrograda, la que no vale nada pero que entendemos realizan el trabajo por el que esta gente vive mejor que reyes, cuando llegan la cámara sigue al unico personaje que vimos despues en el avión, a una bobalicona chica (Emma Roberts tan bien como de costumbre) que descubre junto a los demas que estan en medio de nada con una caja gigante en medio de un campo donde hay multiples armas.

En este momento parece que estamos ante una versión actualizada de "El Juego mas Peligroso" de Richard Connell, y si es asi, por lo menos en la premisa, solo que ahora desde el punto de vista de los Social Justice Warriors contra los "deplorables" como llama la detestable Hillary Clinton a los que se oponen a sus ideas "progresistas de izquierda", pero la cinta de Craig Zobel va mucho mas alla, o mejor dicho toma el planteamiento pero la ejecución es diferente debido a la idea y mensaje que se quiere dar, desde el inicio Zobel juega con nosotros, lo hará durante todo el metraje, poniéndonos posibles protagonistas que despues dejaran de serlo para dar paso al siguiente, cada uno mas de extrema derecha que el anterior hasta llegar a una protagonista que puede volverse un icono, la desquiciada Crystal Creasey (Betty Gilpin, excelente) que evita caer en las múltiples trampas de los cazadores y convierte todo en una batalla sin cuartel donde al final de cuentas como ella misma relata de la fabula "La Tortuga y la Liebre", la liebre siempre, pero siempre ganara al final sin importar que.

Lo mejor de la cinta es el humor que como apunte ataca a todos, desde los de extrema derecha que piensan que los demas manipulan absolutamente todo, hasta el sabor del taco que se comen en la esquina, hasta los izquierdistas que se sienten superiores moralmente a los demas aunque solo salgan estupideces de su boca, la sátira funciona la mayoria del tiempo, y la parodia con personajes exagerados siempre logra su cometido, vamos que lo mejor de la cinta junto a la violenta accion realista bien lograda y el gore son esas lineas de los ineptos progresistas, que van desde no poder poner como victima a un negro, no poder decir la palabra N, pensar que una bebida es veneno, "ayudar" en Haití solo para embarazar haitianas, o simplemente ser unos desquiciados que alocan cuando alguien no comparte su opinión o cuando son afectados de alguna manera, despues de todo son perfectos y quien no este de acuerdo no merece menos que morir sadicamente ¿o no? por lo que resulta un gusto totalmente culposo ver a estos morir sangrientamente y aun seguir esas ideologías que no tienen sentido aunque de ellas dependa vivir, una bien lograda sátira a esos "progresistas" blancos privilegiados que ya habían sido atacados en "Get Out" pero que aqui nos regalan un mejor final con esa champaña y el caviar disfrutados por quien jamas deberían hacerlo como se indica al inicio de la cinta.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Llamada de lo Salvaje

LA LLAMADA DE LO SALVAJE (THE CALL OF THE WILD, EU - CANADA, 2020)

Primero lo primero, y la respuesta es si, los efectos especiales distraen y evitan que hagas una comunión perfecta con el protagonista, y no es que sean malos como apuntan algunos, simplemente la mente de uno ve las imágenes y sabe que no es un perro de verdad, que esta generado a computadora y eso crea una aprenhension difícil de explicar que nos evita conectar, mas que nada porque una cinta que nos quiere enseñar la importancia de la naturaleza y el instinto nos lo trata de decir con efectos computarizados y eso se siente como una contradicción, aunque en mi opinión esto no es lo peor de la cinta, lo que si considero malo es la traición a la historia escrita por el legendario Jack London que es cruel, realista y con unas decisiones narrativas que logran darle mas fuerza a su mensaje, aqui el director Chris Sanders, experto en cine animado, opta por darle un toque mas familiar.

Pero que quede claro, la novela de London por supuesto que es para todas las edades, de hecho creo que casi todo el mundo la disfruto de pequeño, por lo menos en la epoca donde todavía no se leia y los niños no pasaban el dia en redes sociales, por otro lado no es correcto valorar una historia por su fidelidad a la obra en la que se basa por lo que debo aceptar que como entretenida cinta de crecimiento personal con muchas aventuras es mas que correcta, es divertida, entretenida, sentimental, y logra emocionar genuinamente cuando uno se empieza a acostumbrar al perro caricaturizado en mundo de humanos, algo que al inicio se complica demasiado. Buck es un mimado perro de un juez de california que lo mismo roba comida, corretea conejos y destruye fiestas día a día, un día es castigado quedándose fuera y robado golpeándolo como entrenamiento.

Tiempo despues es vendido a un cartero (Omar Sy) que lo convierte en perro de trineo, se enfrenta con el líder y encuentra su lugar en el mundo, por lo menos hasta que es desechado y vendido a un miserable junior (Dan Stevens) que es el villano de la función y lo peor de la película, un villano caricaturizado que reaparece al final porque no se animaron a poner a los antagonistas finales del libro, un tipo que grita, es histrionico y que carece de sentido, desarrollo o planteamiento, un desastre que baja la calidad de la cinta, y que ademas como apunte desaparece pronto en la cinta para darle paso al ultimo dueño de Buck, el conflictuado John Tornton (Harrison Ford que si actúa frente a algo físico haciendo de Buck por mas que digan que actuo a la nada) que perdió a su hijo y ahora vaga borracho con el mundo,la ultima aventura de este sera el inicio de una nueva vida para Buck donde por lo menos se respeta, en cierta manera, el espiritu original de la novela en una descafeinada pero entretenida cinta de matinee, como las que existían antes y que ahora extraño tanto.

Calificación: Palomera

Cinecritica: Los Elefantes

LOS ELEFANTES (ELEPHANT, EU, 2020)

Amable y bonito documental del experimentado Mark Linfield y la novata Vanessa Berlowitz, en algunos lugares, pocos, dice que también el veterano Alastair Fothergill apoyo en esta, esta cintas sigue el periplo de un año de una familia de elefantes liderados por Gaia, una longeva elefanta que gracias a su experiencia saca las papas del fuego a cada momento, asi comenzamos el documental viendo como los elefantes disfrutan de un oasis causado por la epoca de lluvia y un rió que llega hasta el corazón del continente alimentado a los múltiples animales africanos, ahi nos son presentados la lider Gaia, su hermana Shani y el hijo de esta, el juguetón Jomo, para despues pasar por largas caminatas hasta pequeñas charcas que no sirven para tomar, largas salinas que esconden oasis en el centro y un largo viaje hasta la cima de una cascada donde podrán sobrevivir hasta que el oasis vuelva a nacer.

Todo esto presentado de forma amena y amistosa con algunas tomas formidables que nos dejan con la boca abierta y donde comprendemos la profesionalidad y entrega que tiene alguien como Linfield, siempre sin entrometerse en el camino de los elefantes para no destrozar el documental, de esta forma se siente mucho mas sincero y real, sobretodo cuando la cascada se seca y se ven forzado a viajar al oasis por la tierra de los leones que le entrega una dura lección a Jomo y obliga a su madre a tomar un liderazgo que esta solventado en generaciones de experiencias. Todo es presentado como un ciclo y lo entendemos perfectamente, para nada me parecio cansino como apuntan algunos ver como estos desesperados elefantes buscan agua, despues de todo siempre estan al filo de la vida y la muerte y cualquier decisión es vital.

El unico problema es la narración, no tanto el guion que es un poco infantil, que si afecta en ciertos momentos porque nos aleja de la tensión existente, sino por la voz de la polémica esposa del príncipe Harry que es demasiado exagerada y expresiva en sus comentarios, pero quitando eso es un muy buen documental, una lastima que no pueda exista la opción de quitar sus voz y solo escuchar la banda sonora, por lo demas bastante disfrutable, eso si, lo mejor es la broma que le hace el director a la directora novata con mierda incluida, hilarante.

Calificación: Competente