Cinecritica: Donnybrook

DONNYBROOK (ÍDEM, EU-FRANCIA, 2018)

Si en la reseña anterior hablaba de la tremenda entrega de Joe Cole en esa actuación física no queda mas que remarcar lo mismo aqui pero con Jamie Bell que se entrega totalmente físicamente y ademas con la ventaja que le da ser un actor experimentado que con pocas palabras, solo su mirada o incluso de espaldas es tratar de decirnos que siente. Estamos ante una dolorosa cinta que nos habla de la realidad de la américa profunda, esa que voto por Trump y que estan en plena desesperación despues de muchísimos gobiernos que les han dado la espalda, a esos americanos que construyeron el país y que ahora tienen que lidiar con la ignorancia, la pobreza y las drogas, en medio de eso tenemos la historia de Jarhead Earl (Jamie Bell, muy bien) un tipo con hijos y una esposa drogadicta al que no le alcanza para mantenerlos por lo que decide entrar en la competencia del titulo, una pelea donde el ultimo que quede en pie ganara todo.

Pero por ahi también esta el proveedor de la mujer, el psicópata Chainsaw Angus (peligroso y oscuro Frank Grillo) que no dejara que su comprador se escape asi, mucho menos despues de cierto incidente que lo deja contra la pared, y que apoyado por su ninfomana hermana Delia (Margaret Qualley demostrando que si puede actuar y ademas bien) irán tras del tipo y le harán la vida imposible, y no solo a él sino a todos los personajes con los que se topen, un grupo de inadaptados, desalmados y depravados que no extrañaremos, y con cierto policía (James Badge Dale) siguiendo las pistas para tomar una venganza personal hacia el desalmado Angus, que también se da el lujo de maltratar a su hermana al mismo tiempo que tiene una relación incestuosa.

Violencia, sexo y drogas se juntan en este cóctel sórdido que no nos deja respirar y que siempre tiene un tono oscuro de desesperanza llegando a su cumbre en esa parte final donde apenas podemos soportar la mirada al ver dos de las muertes mas dolorosas recientes y emocionarnos con esa batalla final donde los golpes se ven, oyen y escuchan reales y donde la cámara los sigue sin darles oportunidad de descanso, quizá lo mejor que se ve en la cinta de Tim Sutton que de todas formas tiene un aire de pequeña esperanza, o por lo menos eso se vislumbra, que existe incluso despues del dolor nos entrega un respiro que era necesario en esta catastrófica cinta que nos retrata el dolor del norteamericano común, ese que ahora llaman white-trash.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Una Oración Antes del Amanecer

UNA ORACIÓN ANTES DEL AMANECER (A PRAYER BEFORE DAWN, REINO UNIDO-FRANCIA-CHINA-EU, 2017)

Un ingles que practica el boxeo tailandes en Tailandia es encontrado con droga y procesado como camello en una cárcel del país que literalmente es un infierno, mucho mas para él que para los demas reclusos que forman parte de bandas y grupos, tipos totalmente tatuados que torturan hasta la locura a los pobres incautos que desean llegando incluso a la muerte, los suicidios de los pobres diablos despues de violaciones colectivas e incluso amenazar con jeringas con sangre contaminada con sida, para Billy Moore (Joe Cole en una entrega emocional y física formidable, una mas que agradable sorpresa) como apunte es todavía peor al sufrir los racismos de su piel blanca y ser mas vapuleado por los guardias, por supuesto esto es peor al no entender absolutamente nada del idioma, algo que compartimos con él pobre tipo ya que hábilmente el director Jean-Stéphane Sauvaire no traduce por lo que nos sentimos inmersos en la desesperación e infierno del protagonista.

Toda la cinta es contada de esta manera, desde la perspectiva de Billy que ni siquiera duerme cuidándose la espalda, que es cuidado por un travestí que tiempo despues e hará intimo del chico conociendo que las desilusiones no solo llegan de las mujeres, es asi que Billy pelea por su vida, es castigado en un infame hoyo torturador y cuando parece que no tiene otra salida descubre que el mismo boxeo lo puede salvar ya que estos prisioneros tienen privilegios, unos que Billy peleara pero que le costaran muchísimo para finalmente lograr el reconocimiento que merece. La cinta parece convencional en su historia y discurso pero gana dividendos al saber que es una historia real, ademas de que esta muy bien dirigido haciendo que en realidad nos sintamos dentro de ese lugar desesperanzador y peligroso, con un protagonista entregado que nos convence de que esta sufriendo lo peor que puede ocurrirle a alguien y dando una lección mil veces repetida, la inhumanidad de algunos lugares asiáticos y el racismo imperante hacia los blancos por mas que solo se hable del contrario.

Con buenas escenas de lucha, en especial una sin cortes que es estupenda, y un Joe Cole en plena forma solo queda recomendar esta desconocida cinta que merece mas publico y donde al final eleva su nivel, no solo por ese final climático sino por esa decisión de su protagonista de no huir y enfrentarse con responsabilidad a sus errores, una que es retribuida por su padre (interpretado por el mismísimo Billy Moore real) en una mirada y sonrisa que dicen mas que mil palabras, la aceptación de la vida, la toma de decisiones correctas, el valor de la familia y lo que da mas valor, no es darse de golpes, sino enfrentar con responsabilidad nuestras acciones.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Rocketman

ROCKETMAN (ÍDEM, REINO UNIDO - EU, 2019)

Al inicio vemos a un Elton John (entregadisimo Taron Egerton) vestido de diablo con plumas y cuernos caminar a su terapia donde de inmediato se confiesa adicto a las drogas, el sexo, el alcohol, las compras y lo que se junte en la semana, por lo cual le preguntan a que se debe y este empieza a recordar su quebrada vida con padre  (Steven Mackintosh) distante y frió, y una madre zorra y pedante (Bryce Dallas Howard adecuadamente exagerada y pedante) que de todas maneras le ayudo mucho mas que su padre aunque no tanto como su cariñosa abuela (Gemma Jones), en medio de estos recuerdos regresamos a veces con el Elton de la terapia que poco a poco empieza a perder su ropa como representación literal de que se esta desnudando ante la la sala y la cámara misma, estos mismos simbolismos y digresiones se encuentran durante toda la cinta haciéndola mucho mejor que la convencional "Bohemian Rhapsody" y con un protagonista que en realidad canta yt baila metiéndose en la piel del representando en esta biopic musical y no solo copiando tics.

Conocemos a Elton John desde que era el tímido y frágil Reginald Dwight hasta que se convierte en el inseguro y quebrado artista de fama mundial con todo y éxito, caída y renacimiento, pero lo importante aqui es el valor de la cinta que toma riesgos, gracias al director Dexter Fletcher que termino "Bohemian Rhapsody" pero no pudo apagar ese aire cansino, aqui por el contrario teniendo la cinta para el toma muchos mas riesgos, tiene menos concesiones con Elton John mostrando sus aires de diva y sus problemas, incluso los momentos sexuales son mas fuertes y Elton no es victimizado por mas que su manager sanguijuela John Reid (Richard Madden) se aproveche de él y que sea un depredador sexual, por el contrario sabemos de los problemas de un Elton mimado por su fama y fortuna que se porta como un ojete con las personas que lo quieren como su letrista Bernie Taupin (Jamie Bell, bastante bien).

Sumado a ello tenemos algunos momentos de musical teatral y otros muy innovadores que logran una sensación cinematográfica estupenda, ya sean la familia cantando cada quien por su lado la dolorosa "I Want Love", ese estupendo bailable sin cortes de "Saturday Night's Alright" que nos lleva a un bar, a una feria y todo ello mostrando de manera rápida los cambios y la madurez de Elton que descubre también su sexualidad (ya desde este momento sabia que la cinta era mucho mejor que la de Freddy Mercury), y por supuesto el despertar del éxito con esa maravillosa escena de "Crocodile Rock" donde Elton levita y el publico con él, y nosotros también, para que entendamos lo que sintió el publico en ese momento incluso mostrando a los personajes para que entendamos su pensar, o ese intento de suicidio tan imaginativo como bello en la piscina, es decir estamos ante un musical ante todo, contándonos una biopic sobre uno de los mas grandes artistas de la década de los 60 a los 80, aprovechando su estupenda música para sentirnos inmersos, usando la letra para mostrar los sentimientos de los personajes, canciones como momentos especiales y claves del personaje y finalmente solo para hacernos volar e invitarnos a bailar, ¿y no es eso para lo que sirven los musicales?

Calificación: Bien

Cinecritica: En los 90

EN LOS 90 (MID90S, EU, 2018)

Stevie (Sunny Suljic) es un chamaco de doce años que pasa los días aburrido, golpeado por su hermano mayor (Lucas Hedges) y conviviendo con su madre (Katherine Waterston), hasta que descubre un mundo "cool" con patinadores y mucha información que el no conocía, es asi como el pequeño observa a la distancia y por fin entra como la mascota de un grupo de perdedores que eran considerados lo máximo en esa extraña epoca que fueron los noventa, el soñador Ray (Na-Kel Smith), el desastroso Fuckshit (Olan Prenatt), el bobalicón Fourth grade (Ryder McLaughlin) y el chicano Ruben (Gio Galicia) que es quien lo integra al equipo y el que despues le tiene rencor por haberlo desplazado despues de que el pequeño Stevie se animara a intentar un salto imposible para romperse la mandarina en gajos, algo que le da cierto valor en ese mundo.

Es asi como el pequeño en vacaciones comienza a aprender sobre la vida, la amistad, los vicios, se fuma su primer cigarro, se empina una cerveza y hasta se manosea con alguna chica mayor que él en la escena mas arriesgada e incomoda de la cinta. El director y guionista Jonah Hill nos muestra una faceta que parece conocer bien, los Angeles de los años noventa, de hecho el tipo tenia la edad de su protagonista a mediados de la década por lo que uno pudiera pensar que esta cinta casi seria autobiográfica, y aunque uno termina suponiendo que no resulta obvio que Hill conoció muy bien la epoca y los personajes que la habitaron y por ello filma y escribe con tanta naturalidad sobre ella, justamente esa naturalidad es de lo mejor que tiene el filme, con un aire indie filmada ad-oc a la epoca y con una buena selección musical la cinta siempre entretiene y como dura tan poco apenas nos damos cuenta de sus limitaciones cuando termina.

En un final abrupto que nos indica que solo asistimos a una pequeña parte de la vida de una persona que maduro un poco y con ello aprendió y vivió cosas buenas y malas, como la vida misma. Una cinta indie que nos regala una visión tranquila y serena de una epoca que se recuerda mucho a pesar de no tener tantos elementos representativos, que marco fuertemente a muchas generaciones, y que no tiene la ambición de muchas cintas similares, esto es tanto malo como bueno, ya que la cinta funciona bien como un recuento de vivencias y poco mas, con un director que le saca jugo a su reparto, un buen debut para un tipo que poco a poco a mostrado que es mas de lo que aparentaba en un inicio.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Midsommar: El Terror no Espera la Noche

MIDSOMMAR: EL TERROR NO ESPERA LA NOCHE (MIDSOMMAR, SUECIA-EU, 2019)

Dani (Florence Pugh, magnifica) esta preocupada y desconcertada por unos extraños mensajes que le dejo su hermana que ahora no le contesta, los mensajes son hasta cierto punto "normales" por los problemas mentales y la depresión que sufre esta y por lo visto muy frecuentes por la conversación que tiene la alterada chica con su novio papanatas Christian (Jack Reynor) que a las primeras de cambio sabemos que solo sigue por la chica por costumbre o incluso lastima, tampoco ayudan mucho sus amigos que la critican y le exigen salir de tan asfixiante y demandante relación, apenas conocemos a los personajes y nos sentimos maravillados por la naturalidad y el virtuosismo del director y guionista Ari Aster en la cámara cuando una nueva llamada nos destruye los tímpanos y nos pone la piel china ya que suponemos lo inevitable, que nos sera mostrado en un plano secuencia que da muchísimo terror en apenas el prologo de la cinta.

Después de esta situacion entendemos rápidamente a la chica y su dependencia de un tipejo que ni la quiere ni la valora, sobretodo en estos momentos, y por casualidad es invitada a Suecia donde los chicos pasaran su verano en un extraño ritual de solsticio, al llegar ahi todo parece felicidad y luminosidad, los lugareños son amables y esplendidos, los envuelven velozmente como si fueran conocidos y los chicos de manera inmediata se drogan para ponerse ad-oc con un lugar donde nunca se oculta el sol, claro que muy pronto se darán cuenta que estan en un lugar con una cultura muy distinta y que ese ritual que se hace cada noventa años les parece tan extraño como sórdido, lo que no le gusta para nada a Dani pero si a su novio y amigos que ven como pueden aprovechar la situacion para la tesis de doctorado, para encamarse con alguna pelirroja sueca, o de plano solo para ver que pueden tomar, meterse o tirarse.

Mientras el ritual de va volviendo mas extremo parece que ya no hay vuelta atrás y que cualquier intento por escapar o defenderse sera inoperante, y donde nosotros y los pobres incautos reconocemos una peligrosidad que antes apenas se sugería, para finalmente y como en su extraordinaria cinta anterior "Hereditary" al final todo explote para literalmente volarnos la cabeza mientras la incomodidad llega a niveles insufribles, donde todo se vuelve incluso exagerado y donde tenemos una escena final que nos deja confusos, solo a sabiendas de que es una liberación, un descanso, una revancha, una declaración de principios feminista, y sobre todo el cierre de un ciclo al tiempo que encuentra lo que se buscaba desde un inicio. Como en su opera prima Aster nos llena de simbolismos, ambigüedades y múltiples lecturas, desde la disposición de los detalles en el departamento del inicio hasta esas detalladas pinturas que nos indican lo que sucede y lo que se viene, y por supuesto esa lectura de que la luz, la religión y la comunidad es lo mas peligroso y por ende lo que mas terror causa.

En esas múltiples lecturas la mas evidente es la fractura y desintegración de una pareja, una relación toxica que se siente tan antigua como actual, por un lado tenemos a una mujer que apenas piensa en divertirse y que esta persistentemente en estado de depresión y problemas, por el otro un tipo que no hace nada con su vida aunque sera un exitoso doctor por mas que solo se la pase de fiesta y viendo que cacha, es obvio que Christian no quiere a Dani, cuando mucho siente un ligero apego a ella pero hasta ahi, mientras la joven lo sigue aceptando las consecuencias, tomando decisiones que no desea e intentando no ser una carga para poder recuperar su amor, uno que estando en ese idílico lugar sueco pareciera poder regresar pero que se derrumba al ver que el joven rápidamente le regresa los coqueteos a una lugareña, que se toma el agua de calzón a sabiendas, y que finalmente engaña a Dani en ese inquietante e incomodo ritual de apareamiento donde el tipo es todo lujuria y deseo mientras la joven baila alegremente por su lado sin importarle donde esta el tipo solo para despues destrozarse en un dolor donde ¡por fin! es acompañada por alguien.

Justo esto es el otro simbolismo principal de la cinta, los problemas de Dani con su familia real y una tragedia reciente, la búsqueda de la chica por un poco de empatia en los patanes amigos de su novio, en este mismo que no solo no la entiende ni la consuela sino que no sabe cuanto tienen de novios y olvida su cumpleaños, por ello cuando por fin encuentra a una familia que la acepta, entiende, comprende y sufre con ella no podre rechazarla, y ese estudio de los numerosos rituales y creencias paganas que existen por el mundo y que a los ojos de los extranjeros son barbaricas, muchas veces no estan lejos de nosotros, se esconden ahi mismo junto a nosotros, forman parte de nosotros y del mundo entero, se ocultan detrás de religiones, de creencias ancestrales, que muchas veces son mas peligrosas que cualquier civilización moderna perdida.

Y por supuesto esa mala leche que nos regala momentos incómodos, que revuelven el estomago, que nos invitan a retirar la mirada, pero que al mismo tiempo juega con un humor negro, absurdo, incomodo, y ese sentimiento de que nada de lo que sucede y vemos debería de existir, y con ese inquietante soundtrack de Bobby Krlic, la luminosa y hermosa fotografía de Pawel Pogorzelski, ese detalladisimo diseño de producción y esas etéreas tomas aéreas, cámaras volteadas, largas tomas abiertas, demenciales planos secuencias o simplemente la cámara fija en el lugar correcto hacen de esta cinta un deleite en todo momento, es hermosa, y al mismo tiempo depravada, es una deliciosa incongruencia que nos deja incómodos, con un sentimiento agridulce y confuso donde miss Pugh nos gana en todo momento y junto a Aster nos entrega un final, y en especial una imagen final tan terrorífica como bella, autentica felicidad en el mas grande horror... gran cine en estado puro.

Calificación: Excelente

Cinecritica: High Life

HIGH LIFE (ÍDEM, FRANCIA-ALEMANIA-REINO UNIDO-POLONIA-EU, 2018)

Monte (esforzado Robert Pattinson) se encuentra en una nave espacial arreglando algo mientras escucha y le habla a una pequeña bebe que tiempo despues sabemos que es su hija, de todas maneras no importaba si no lo fuera de forma sanguínea ya que el tipo la trata como un padre a su hija, la cuida con cariño, le enseña sobre el mundo, la apoya para caminar, comparte con ella, y notoriamente la ama, tanto asi que es capaz de desprenderse de múltiples cuerpos para ahorrar energía y darles mas tiempo de vida a él y la pequeña, los cuerpos flotando en la inmensidad del espacio dan entrada al titulo de la película de la directora Claire Denis que también escribió el guión y que como acostumbra nos regala un ensayo sobre la naturaleza humana, la sexualidad y la familia de manera cruda, poética, ambigua y con esos saltos temporales que sacan de quicio al espectador casual.

Estamos en un futuro donde presenciamos 3 lineas temporales, el mencionado con Monte dedicado a la pequeña y capaz de hacer lo que sea por su bien, una notable muestra de amor paterno, otra donde vemos como un grupo de delincuentes habito la nave junto a Monte, un grupo de presos condenados a cadena perpetua o ejecución aceptan ir en un viaje experimental hacia un agujero negro con tal de no tener ese futuro, sin saber que en realidad también ahi estan condenados, despues de todo el agujero negro no parece hacer otra cosa mas que absorber todo lo que toca sin que algo nos haga creer que simplemente no lo trague y destruya, no solo eso sino que la villanesca doctora Dibs (esplendida Juliette Binoche) los tiene sedados y dormidos mucho tiempo del trayecto mientras hace experimentos de reproducción comprando el semen de los hombres y poniéndolo en las mujeres para saber si la reproducción es posible en el espacio.

Por supuesto la doctora tiene un secreto oscuro que nos dice un motivo diferente para lo que hace y también es una manera de alargar el experimento obligando a una nueva generación a sufrir el mismo terrible destino como si debieran cargar los pecados de sus padres, es aquí donde la cinta toma un sentido diferente, los mensajes que tiene, la ambigüedad que maneja, y algunas escenas majestuosas que son marca de la directora, por un lado tenemos la búsqueda del conocimiento yu la conquista del espacio cuando en realidad estar en el mismo es la mejor manera de estar presos por decisión propia en un lugar en el que no podemos vivir, algo obvio cuando vemos la desesperación y vivencias de los reclusos que salieron de una cárcel para entrar a otra, por otro lado la interacción de los personajes, sexuales, filosóficas, de poder, demuestran que los humanos siempre somos despiadados y voraces sin importar donde estemos.

Y nos entrega algunas escenas esplendidas como la Binoche en la fuckbox contoneándose sexualmente con un artefacto sacado de la mente mas sucia, o el depravado que al querer abusar de la rebelde Boyse (hipnotica Mia Goth) termina en un acto de violencia que roza la depravación, esa cruda vision de la entrada a un despiadado agujero negro, y por supuesto ese futuro con la hija adolescente Willow (Jessie Ross) donde vemos a un torpe Monte  (el unico personaje que no se entrego al placer terrenal sino que busco el espiritual) intentando ser un padre decente sin tener ni idea de como, reforzando la idea de la cinta, y la directora, de que los humanos siempre tenemos ansia de tener descendencia, de criar a alguien, sin importar nuestro pasado y nuestro futuro, Monte sabe que no puede ofrecer nada a Willow pero no puede permitir que muera o no criarla correctamente, primero con la esperanza de un futuro, despues a sabiendas que lo mas seguro es que no exista un futuro para ella, pero siempre luchando por ella, este halo de esperanza de la cinta es devastador porque duele y porque muestra que por mas voces que se levanten sobre no tener descendencia para salvar al planeta, nuestro instinto y naturaleza nos dictan que debemos/tenemos/deseamos tener hijos, sin importar las consecuencias o su futuro, un mensaje tan pesimista como alentador que es condensado de manera esplendida en ese final enigmático.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Spider-Man: Lejos de Casa

SPIDER-MAN: LEJOS DE CASA (SPIDER-MAN: FAR FROM HOME, EU, 2019)

Después de los eventos de "Avengers: Endgame" Peter Parker (Tom Holland) se siente deprimido por la muerte de su mentor Iron Man, ademas todo el mundo le dice que Spider-Man es el obvio sucesor del hombre de acero, cosa que le pesa mucho al adolescente, pero la verdad es que no piensa mucho en eso ya que su prioridad es conquistar a la nueva MJ morena (Zendaya) y para eso traza un plan que llevara a cabo en su viaje por Europa, el detalle es que ahi sera atacado por los elementales y salvado por Misterio (Jake Gyllenhaal correteando la chuleta) y finalmente obligado por Nick Fury (Samuel L. Jackson) a salvar al mundo por mas que el hormonal adolescente solo desee conquistar a su chica, mas aun cuando tiene un rival de amores mas popular, por lo menos en el inicio porque Tony Stark le dejo un cachivache a Peter haciéndolo su heredero y unos lentes que le dan control total sobre toda una peligrosa tecnología global que el chico usa para quitarse de encima al rival de amores.

Hacia la mitad de la cinta sucede una revelación que cambia la cinta aunque esta se deja ver desde el inicio de la misma y el final solo es un compendio de escenas de accion confusas, muchos efectos especiales que van de lo bueno a lo penoso, y un final alargado que termina cansando hasta que podemos medio respirar en las ya tradicionales escenas postcreditos, la cinta de Jon Watts es de nueva cuenta una comedia estudiantil, y de nueva cuenta no sucede en la escuela, los chicos en vacaciones perpetuas siguen visitando lugares como para distraer al respetable, pero tiene todavía mas problemas que la anterior, fuera de la ñoñez de los dos chicos enamorados, miradas y tonterías de por medio, la cinta no ofrece nada, tenemos a un villano terrible que de nueva cuenta es creado por Stark dejando al mundo de Spider-man como un apéndice, y por mas que Gyllenhaal muestre su amplio registro el personaje peca de ridículo.

El amor de Parker por MJ no esta nada justificado, y tenemos el problema que despues de que la mitad de la población desapareció cinco años no parece haber pasado nada en el mundo, tanto que los chicos que no desaparecieron no siguieron estudiando para seguir en el mismo salón de Peter, trampas por todos lados, problemas de ritmo, un Peter que fue reseteado para volveeeer a aprender a ser responsable, un spider-man demasiado tecnológico, multitud de secundarios con talento desperdiciados, ¿que estan haciendo con Angourice Rice? ¿que falta de respeto hacen con la tía May de Marisa Tomei y ese insulso romance? ¿porque de nueva cuenta Happy (Jon Favreau) tiene un papel alargado? y lo peor, marvel es tan consciente de lo malo de su guión que dizque sirve de puente que se agarra de glorias pasadas como el J.J. Jameson (J.K. Simmons) que hace cameo al final recordándonos que hubo un tiempo que Spiderman tuvo buenas cintas en esa trilogía de Sam Raimi.

Calificación: Churrito

Lo Mejor del Mes: Septiembre 2019

Cinecritica: La Vida de Calabacín

LA VIDA DE CALABACÍN (MA VIE DE COURGETTE, FRANCIA-SUIZA, 2016)

Calabacín (voz de Gaspard Schlatter) es un solitario niño que todo el día escucha a su borracha mama abandonada ver la tele y quejarse, y por supuesto darle sendas zurras, en uno de esos momentos el pequeño niño hace escándalo al jugar y todo termina en un extraño accidente que lleva a Calabacín a quedar sin padres, este momento oscuro y catastrófico parece indicar que estamos ante un drama que no dará concesiones pero la verdad es muy diferente, la cinta de Claude Barras con guión de él mismo y tres personas mas basado en el libro de Gilles Paris es una cinta tan oscuro como luminoso, tan pesimista como optimista, tan desolador como esperanzador, y lo logra con una precisión quirúrgica, con un balance tan perfecto que muy pocas veces se ve en el cine. 

Esto aunado a la animación por técnica stop motion nos entrega una cinta artesanal con muchísimo encanto y alma, el diseño de los personajes y el mundo esta logrado como el dibujo de un niño y esto mismo ayuda a la expresión de los personajes y a sentirnos inmersos en el devastador pero esperanzador mundo. Después del accidente Calabacín llega con un amable policía al que le deja claro que quiere que lo llamen por su sobrenombre que le otorgo su madre y no su nombre Icaro, lo lleva a  un orfanato donde el solitario niño batalla para adaptarse ya que se niega a aceptar la realidad y a los constantes maltratos del enojado Simon (voz de Paulin Jaccound) que los demas niños siguen como un líder, pero poco a poco Calabacín se ira ganando la amistad de los pequeños, unos que estan tan o más quebrados que él, desde el mencionado pelirrojo Simon con padres drogadictos, un extraño niño que tiene una madre desquiciada, una pequeña abusada por su padre, una niña que fue separada de su madre y un pequeño que orina la cama con padre delincuente.

Al tiempo llega la valerosa e independiente Camille (voz de Sixtine Murat) que guarda un oscuro secreto que tiene que ver con sus padres pero que le llega a dar luz a la vida del orfanato, mientras que todos se vuelven amigos y son cuidados por los adultos del lugar, el dedicado maestro, la dulce educadora, la profesional directora y la visita del amable policía que le tomo un cariño especial al protagonista, es decir por un lado tenemos a unos pequeños quebrados, con pasados traumatizantes y presentes difíciles que luchan por tener una vida normal aunque se sepan parias de una sociedad a la que no pertenecen, que tienen los problemas que tienen debido a la irresponsabilidad y problemas de los adultos que los debían cuidar y proteger, pero por otro lado también tenemos a un valeroso grupo de pequeños que no se rinden y que intentan vivir su vida con optimismo y siendo felices, siempre buscando lo mejor de la vida, conociendo las cosas con inocencia y encontrando la amistad, la familia y el amor incluso en los adultos que ahora estan con ellos.

Estamos ante una cinta que nos muestra los gris de la vida, que nos regala ambos lados de la moneda, la luz y la oscuridad, porque la vida esta formada de ambos, la cinta es agridulce como la vida misma, con momentos amargos y otros dulces, dolorosos y maravillosos, que no teme en ser cursi y encantadora pero siempre de forma inteligente, que no duda en poner sobre la mesa temas como el sexo, la muerte, el abandono, la depresión, la soledad y el abuso de manera inteligente, respetando la inteligencia de los pequeños y del respetable, y es que todo lo vemos desde la inocente y encantadora visión de los pequeños que lo toman con ligeresa y respeto en todo momento, y por supuesto también tenemos un villano en la forma de una abusona tia que busca el dinero por encima del bienestar de la niñez y con un final que nos recuerda que la vida es inesperada y que a pesar de todo puede ser hermosa.

En pocas palabras estamos ante una joyita casi desconocida que apenas rebasa la hora de duración y que al final nos deja con una alegre depresión, con una sensación de haber presenciado una etapa en la vida de unos pequeños que han aprendido mucho sobre la vida y que nos arranca sonrisas al mismo tiempo que soltamos las lagrimas porque al final de cuentas ¿no es la vida asi? como dice el mismo protagonista al final, también se puede llorar de felicidad justo como el estado de animo en que terminamos viendo esta pesimista pero desesperanzadora cinta animada.

Calificación: Excelente                        

Cinecritica: Toy Story 4

TOY STORY 4 (ÍDEM, EU, 2019)

Lo mas importante era saber si esta cinta estaba a la altura de sus tres predecesoras, una de las trilogías mas fuertes y con mayor calidad en la historia donde ninguna desentonaba, se miraba con recelo, pero lo mismo había ocurrido con la secuela "Toy Story 2" y tiempo despues con la tardía continuación "Toy Story 3", y en ambas ocasiones los magos de Pixar nos habían demostrado que siempre debemos tenerles confianza, por ello existía, a pesar del grandioso y perfecto final de la serie en la 3, y la verdad sea dicha, esta de nueva cuenta tardía secuela se queda lejos de la trilogía anterior, no es una mala cinta, de hecho es buena, pero la sombra de la original "Toy Story" y sus dos continuaciones es demasiado alargada, simplemente esta desmerece y parece destinada a desaparecer de la mente, cosa que no ocurrirá totalmente gracias a que en realidad estimamos y amamos a sus personajes, hablando de ello la realidad es aquí la cinta es de Woody (voz de Tom Hanks) que entra en una crisis existencial fuerte y los demas quedan como simples secundarios.

Abandonamos el reparto coral y nos enfocamos en el vaquero, sus tristezas, sus ansias, sus depresiones, sus fantasmas, y quizá por ello esta es la cinta mas melancólica y deprimente de la saga a pesar de que en todo momento nos saca carcajadas. Bonnie (voz de Madeleine McGraw) juega con sus juguetes y todos son felices, por desgracia Woody ya no es tomado en cuenta por la pequeña y su anterior liderazgo ha sido ocupado por un nuevo juguete, sintiéndose prescindible Woody se arriesga a acompañar a Bonnie a la escuela y le ayuda en la concepción de una cuchara que toma vida, a partir de ese momento ese esperpento de Forky (grandiosa voz de Tony Hale) se convertirá en el juguete favorito de la pequeña, pero al nacer de basura tiene un conflicto existencial por volver a ella que Woody combatirá sin que nadie lo entienda, hasta que Forky se pierda y Woody deba ir en sus búsqueda por el bien de la niña topándose con su antiguo amor Bo Peep (voz de Annie Potts) que ahora es una mujer independiente y donde deberá rescatar a Forky de una macabra tienda de antigüedades dominada por la solitaria muñeca Gabby Gabby (voz de Christina Hendricks) y unos muñecos sacados de la saga escalofríos.

Buzz (voz de Tim Allen) esta en busca de Woody con ayuda de su voz interior, uno de los mejores chistes de la cinta, y en la feria se unirán a ellos los peluches con voces de negro y alucinaciones ridículas que siempre nos hacen reir a carcajadas, y también el bobalicón pero noble Duke Caboom (voz de Keanu Reeves) que los ayudara en su empresa, por desgracia los demas juguetes quedan totalmente desaparecidos, si acaso una linea o una aparición por ahí detrás, otros simplemente desaparecieron y se extrañan, e incluso los anteriormente principales como Jessie (voz de Joan Cusack) aquí hacen meros cameos, ademas la cinta se siente quebrada, demasiado protagonismo para Woody que siempre esta pensativo y deprimido, en medio de muchos dilemas, muy poco para los demas que esta vez solo estan para hacer comedia, y aunque pareciera que me estoy quejando la cinta es buenísima y sigue trayendo esa doble y hasta triple lectura de muchas cintas de Pixar.

Al principio pensé que Forky seria pesadisimo pero termine encariñandome con el y valorándolo, y lo mismo con los demas, incluso los villanos que esta vez no lo son tanto, pero si me hubiera agradado un verdadero villano por ahí, el mensaje feminista no estorba mucho, y técnicamente la cinta es sorprendente, y como apunte antes, esas dobles lecturas son siempre majestuosas, no solo tenemos a un juguete que no se acepta como tal sino que se piensa basura e intenta suicidarse sino que por otro lado tenemos a un heroico protagonista que ahora solo piensa en él, lo que sufre, lo que le sucede, lo han hecho a un lado y sufre una crisis existencial que lo hacen enfocarse en una empresa que nadie entiende, su única razón para seguir viviendo, siempre a la sombra del niño que lo quiso y valoro, y por supuesto esa dolorosa despedida final que nos indica que tarde o temprano todos tendremos que despedirnos, separarnos y desprendernos de aquello que es muy valioso para nosotros, sea nuestra familia o nuestra pareja, esperemos que este mismo mensaje lo tome Pixar y se despida de esta saga que increíblemente tiene esta secuela de alto nivel pero que se sabe y siente totalmente innecesaria.

Calificación: Bastante Bien