Cinecritica: Arctic

ARCTIC (IDEM, ISLANDIA-EU, 2019)

En el despiadado Ártico Mads Mikkelsen intenta sobrevivir a toda costa, la cinta del brasileño Joe Penna se suma a esta nueva ola de sobreviviencia en la que dejamos la fantasía y el buen rollo para abrazar un realismo que duele en todo momento, que nos tensa y que nos trata sin piedad aventandonos a la cara las verdaderas circunstancias que tendría que enfrentar un pobre diablo abandonado por el azar, o quizá salvado por el mismo azar, asi el paciente Overgard (Mikkelsen en una actuación extraordinaria) vive el día a día en el inclemente Ártico escribiendo en el suelo un gigantesco SOS, viajando a una punta donde intenta mandar señales, revisando las lineas de peces, y un sinfín de tareas que realiza incansablemente siempre con un horario enfermizo ayudado por su reloj, es aquí cuando la cinta nos gana, por el realismo que imprime, por la fotografía que nos regala, por un excelente trabajo de sonido pero sobre todo por un protagonista magnifico que lleva el peso de la cinta en todo momento con múltiples acercamientos y tomas cerradas.

Y es que decir que la cinta en realidad de Mikkelsen no es erróneo, con solo dos actores el danes carga todo el peso sobre sus hombros, con esas miradas que dicen mas que mil palabras, los gestos que nos indican mas de lo que podría decir y una narración que no se traiciona porque a pesar de que en cierto momento la cinta pudiera optar por el  heroísmo y/o lo épico se mantiene en lo que planteo por mas doloroso que sea para él protagonista y los espectadores, Overgard sobrevive a como puede en esos restos de avión hasta que un dia llega su salvación, o eso parecía porque la tormenta tumba el helicóptero y lo que parecía una salida se convierte en una carga con una mujer (Maria Thelma Smaradottir) que no solo no ayuda sino que literalmente estorba y por supuesto esta cerca de morir.

Es ahi cuando nuestro solitario hombre debe tomar una decisión, o se arriesga en ese camino mortal lleno de osos polares y tormentas implacables o deja morir a la mujer, una decisión que muy posiblemente signifique la vida o la muerte para él y que nos regala momentos tan emotivos como majestuosos siempre llenos de una tensión que nos quita el aliento y donde a final de cuentas solo queda no rendirse, luchar, porque eso es parte de lo que nos vuelve humanos y nos indica que estamos vivos, sobrevivir no por heroísmo ni patriotismo sino porque queremos hacerlo... porque somos humanos.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Corazon Borrado

CORAZÓN BORRADO (BOY ERASED, EU, 2018)

El conflictuado Jared Eamons (ascendente Lucas Hedges) por fin confiesa a sus padres su naturaleza, a los sureños y religiosos tipos de la américa profunda, por un lado la devota Nancy (Nicole Kidman, muy bien) y por el otro el dedicado pastor Marshall (Russell Crowe, esplendido) quienes no saben como reaccionar y ni siquiera dicen nada, a no ser de una lagrima por la mejilla de la mujer que esconde su rostro y un tic nervioso del pastor, esta escena tan bien actuada muestra perfectamente las virtudes de la cinta, es decir un buen manejo de actores por parte del director, guionista y actor Joel Edgerton y lo mas importante, un reparto impecable donde ademas de los mencionados tenemos a Xavier Dolan como uno mas de los homosexuales que estan en cierto centro que los cura e incluso Flea, el bajista de los Red Hot Chilli Peppers, en el papel de un sádico rehabilitado.

Es maravilloso ver a estos actores lucirse con la cámara fija sobre ellos dándoles todo el tiempo posible y regalandoles las escenas, pareciera que Edgerton les deja todo libre para su lucimiento, y regalan con creces soberbias interpretaciones donde los duelos actorales se convierten en un dulce baile de talento, y Edgerton es un director artesanal y competente, por desgracia el guion no esta a la altura de esto y la cinta naufraga en muchos momentos, la película esta dividida en tres secciones, por un lado el presente de Jared en el centro de conversión donde el homosexual de closet Victor (Edgerton) intenta cambiar a los homosexuales de forma poco ordinaria, y sin ninguna preparación medica o religiosa, vamos que hasta los folletos tienen faltas de ortografía, pero se siente demasiado caricaturizado, entiendo la critica y la respeto por la seguridad con que se hace pero es demasiado forzado hacernos creer que todos los centros son asi.

Otro, el mejor por mucho, son esos recuerdos y los momentos del conflictuado Jared con sus padres, el sufrimiento de Nancy que no sabe como enfrentarse a esto que le ha tocado, sufre por su hijo pero también por su amor a Dios y no entiende como sucedió esto, en tanto el padre ve el problema intentando derrotarlo, tomando decisiones y consejos pero también alejándose de su hijo por sus firmes creencias, el problema esta en la ultima sección, una serie de inacabables flashbacks donde vemos como Jared descubre su homosexualidad, no son malos pero terminan siendo cansinos por lo redundantes que resultan, una violación permitida y una búsqueda con un seudoartista terminaron por decirle a Jared que le gustaba, pero nosotros lo supimos desde el primer recuerdo cuando batea a su potable novia porque le da asquito.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Desobediencia

DESOBEDIENCIA (DISOBEDIENCE, REINO UNIDO-IRLANDA-EU, 2017)

Al inicio del filme vemos al Rabino líder en una comunidad inglesa de judíos ortodoxos dar un sermón sobre las tres criaturas que creo Dios, los ángeles, las bestias y los seres humanos, siendo estos últimos los únicos capaces de desobedecer las enseñanzas de Dios, siendo esta una película del chileno Sebastián Lelio es claro que tendremos una historia sobre mujeres fuertes y por supuesto la insumision, este debut internacional por parte del director esta bien logrado, la dirección es pulcra y no mete nada de florituras por lo que no se siente su sello pero tampoco estorba, y la fotografía y la música son buenas, ademas el director mete algunas analogías y simbolismos en la historia que se agradece, lo grisáceo del mundo, el erotismo latente, esa forma en que todos parecen desaparecer de cuadro cuando las dos amantes estan juntas, y por supuesto lo mejor de la cinta, un reparto que eleva la cinta varios escalones.

Y es que la historia aunque interesante es algo muy visto, Ronit (Rachel Weisz, muy bien) es la hija del rabino que despues de su sermón cae muerto, al saber esto vuelve a Londres donde no sera bien recibida por la comunidad aunque el protegido de su padre la acoge con gusto, Dovit (Alessandro Nivola) es su amigo de la infancia y también lo es su mujer Esti (Rachel McAdams, exquisita) que tiene una magnifica presentación en la cinta. Nosotros como espectadores sabemos que algo sucedió en el pasado aunque nadie se atreve a mencionarlo, ni siquiera Ronit, o quizá sobretodo ella, pero su rebeldía queda latente en cierta cena familiar a partir de donde Esti busca un acercamiento que culmina en algo impensable en esa comunidad tan cerrada, y que fue el escándalo del pasado que rompió la relación, a partir de aquí veremos el sufrimiento de ambas mujeres, la desesperación del marido que no sabe como lidiar con la situacion y los reproches de la comunidad a los pecaminosos.

Como apunte antes lo mejor de la cinta son las interpretaciones, dos personajes femeninos que son interpretados por dos de las mejores actrices de su generación apoyadas con unos secundarios muy profesionales, por otro lado aunque el mensaje políticamente ya resulta cansino la cinta es interesante pero algo me inquieta, su titulo dice desobediencia y al inicio de la cinta se habla sobre la posibilidad de elegir, de libertad, de libre albedrío como el regalo que Dios nos da, y el final que resulta tan inverosímil como chantajista y forzosamente dramático supuestamente pone punto final a este sermón e idea la verdad es que no puede ser visto asi desde un punto de vista religioso creo yo, si asi fuera el matar o robar podrían ser parte de nuestra libertad, y aunque quizá mi idea es ir muy lejos no estoy en contra del mensaje, lo que si es cierto es que hablamos de desobediencia, de libertad, algo que como espectadores deberíamos de tener y que el director no nos otorga al solamente ver la perspectiva de las dos mujeres como victimas, es decir sin tener el cuadro completo de los demas personajes es imposible elegir con libertad y cometer la consabida desobediencia al pensamiento erigido por el realizador.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Lucky

LUCKY (ÍDEM, EU, 2017)

Cuando llevaba una hora de película me sentía atrapado por esta historia sobre un vaquero de noventa años que estaba descubriendo su mortalidad, en especial por esa magnifica actuación de despedida de la leyenda Harry Dean Stanton que nos deslumbra y oprime el corazón cada vez que aparece, pero que también admiramos y nos saca carcajadas con su clara visión de la vida, por otro lado los extraordinarios secundarios que desfilaban sin parar regalándonos sorpresas y talento, por un guion inteligente y pausado y finalmente por la novel dirección de John Carroll Lynch que parece tener décadas dirigiendo, siempre pulcro, con clase y mucho talento en los planos y colores. Como apunte la cinta me había ganado pero lo que sucede en la media hora final es tan maravilloso que no pude contener las lagrimas y las sonrisas al ver como cada fotograma estaba impregnado con un alma que traspasa la pantalla, donde una persona descubre que su vida en crepúsculo valió mucho la pena y que solo queda sonreír frente al inevitable final.

Lucky (magnifico Harry Dean Stanton ninguneado por todos) es un vaquero de noventa años que sigue estando en forma debido a que se levanta haciendo ejercicio y bebiendo religiosamente sus vasos de leche fría, el tipo tiene la misma rutina, va al mismo café donde resuelve crucigramas y camina por todo el pueblo maldiciendo cierto lugar, ve sus programas de concursos siempre y cuando sean de conocimiento, y visitando por las noches un bar donde convive, en cierta manera, con sus dueños, el barman y los clientes asiduos entre los que esta el extravagante Howard (exquisito David Lynch casi haciendo un personaje sacado de sus mundos) que perdio su tortuga y esta deprimido, y claro le dejara todo en herencia, el mundo de Lucky transcurre siempre igual, en una rutina interminable hasta que un dia simplemente se cae porque si, piensa que tiene algo, despues de todo es un fumador compulsivo pero esta completamente sano, la respuesta del doctor es que esta viejo y todo llega a su final.

Esta situacion saca de noción a Lucky que aunque sigue la rutina inevitablemente se comporta de diferente manera, intenta pelearse con un abogado y visiona el infierno, recuerda una terrible vivencia infantil, y se pierde cuidando sus jardín, es decir el descubrimiento de que su vida se agota lo agobia de manera terrible porque no sabe como reaccionar, pero aun asi no se rinde, se da oportunidad de conocer a sus compañeros, busca mascotas, intente enmendarse sin traicionar su esencia y por supuesto encuentra a ese veterano (Tom Skerritt, muy bien) de la segunda guerra mundial que al igual que él recuerda con respeto, orgullo y amargura ese episodio y donde comprende que a la vida solo se le puede sonreír, que el karma le llega a todos, que a veces debe darse oportunidades, y que culmina con una fiesta mexicana donde florece su amor por el mariachi y canta "Volver, Volver" sin gran voz pero con toda el alma, me sigue maravillando como los extranjeros parecen valorar y amar mas nuestra cultura que nosotros mismos, para regalarnos una ultima enseñanza en ese desvarió que tuvo en el bar, la verdad importa y solo queda sonreír. Extraordinaria cinta que resume la vida de manera excelsa, la vida es tan bella como nosotros queremos que sea, y el talento vale tanto de joven como de viejo, Dean Stanton se luce, nos estruja el alma y nos sorprende haciendo ejercicio y siendo tan divertido como triste, ademas la cinta sirve como despedida y homenaje a los personajes que realizo y a él mismo como se nota en las muchas vivencias que Lucky y el comparten, dos personajes, dos leyendas.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: La Viuda

LA VIUDA (GRETA, EU, 2018)

Un fino bolso de cuero verde es olvidado en el metro por una mujer, es encontrado por la buenaza de Frances (la confiable Chloë Grace Moretz) que no duda en regresarla a su dueña por mas que su mejor amiga Erica (Maika Monroe, bien) le diga que si hace cosas asi la ciudad de New York se la comerá viva, esto no detiene a Frances que va a casa de Greta (fascinante Isabelle Huppert) que agradece mucho y la invita a tomar el te mientras toca el piano y le comenta sobre su solitaria vida donde ha perdido a su marido, su hija esta lejos en Francia y hasta su perro murió, una anciana francesa que aparenta ser debil y pequeña no puede ser un problema para Frances, y ademas esta siente lejos a su hija y para Frances se convierte en una figura materna ya que acaba de perder a su madre, es asi que una joven chica que no ha salido del luto, y que ademas lo ha sufrido mas debido a la rapidez conque su padre dio vuelta a la pagina acepta este juego de roles con Greta.

Se hacen mejores amigas, o mejor dicho madre e hija adoptiva en una relación extraña por la cercanía pero de pronto todo cambia cuando Frances descubre muchísimos de esos bolsos en un mueble, todos con la identificación, pastillas, etc. descubriendo un patrón enfermizo de Greta que seguramente ha dejado antes bolsos por ahi, Frances se aleja pero es demasiado tarde, Greta ya no lo permitirá, múltiples llamadas, mensajes, vigilancias, acosos y hasta visitas a su trabajo darán la linea para la siguiente parte de la película del reaparecido Neil Jordan que navega por las aguas conocidas del acosador psicópata y donde vemos las mejores partes de la cinta por mas que algunos aleguen que esto lo hemos visto muchas veces antes, y es que la cinta es valiosa por sus agregados, en primer lugar una dirección inteligente de Jordan que en conjunto con una producción estupenda, esa banda sonora, nos dan una cinta realista aun a pesar de la teatralidad.

Que la situacion de acosador ya no es entre una pareja, aquí es claro que ninguna de las protagonistas carga con sentimientos sexuales hacia la otra sino mas bien una extraña relación maternal que nos muestra lo mas oscuro de la maternidad, no solo en la relación de Greta con Frances sino en el pasado de esta, y por supuesto esos momentos tan impresionantes que parecen salidos de algún autor prestigioso con Huppert explotando en un personaje que da tanta ternura, como lastima, miedo, risa y hasta admiración por la dedicación otorgada, por lo bizarra que puede llegar a ser esta Greta que lo mismo ruega como declara la guerra con un escupitajo con chicle incluido, que suelta improperios en ¿Hungaro?, que baila ballet al tiempo que da una inyección letal, que sigue sin sutileza, que toca el piano con dedicación, y que golpea con una regla al enseñarlo, vamos que esa mirada perdida en la nada dice todo y nada, de ya un psicópata para la historia y por supuesto que esto gracias a la encarnación de Isabelle Huppert que sigue entregando soberbias interpretaciones.

Calificación: Bien

Cinecritica: Sorry to Bother You

SORRY TO BOTHER YOU (ÍDEM, EU, 2018)

Cassius "Cash" Green esta buscando empleo y no encuentra una mejor manera que mentir sobre sus referencias y logros al gerente de una empresa de ventas telefónicas, por supuesto que esto les agrada ya que demuestra que es un pillo mentiroso, justamente lo que necesitan en esas empresas, Cash entonces comienza su empleo preguntándose que sera de sus vida, el sueña con lograr algo mas, tener dinero y dejar algo para la posteridad, muy diferente a la manera de pensar de su potable novia Detroit (Tessa Thompson) que es una artista conceptual que trabaja en lo que puede, ambos viven en la cochera del tio de Cash (Terry Crews) que esta a punto de perder la casa por adeudos, hasta este momento hemos conocido a un tipo harto de su vida y unos estereotipos tipicamente negros, casi tocando el nivel de explotación, un ambiente que no desaparecerá en toda la cinta. 

Cash no logra vender nada ya que es bateado irremediablemente con la titubeante presentación que da nombre a la cinta, algo que no parece deba cambiarse por el nombre de la empresa, pero un consejo de un viejo anciano (Danny Glover) le da la llave al éxito, debe hablar con voz de "blanco", el lo hace con la de Steve Buscemi, lo que le asegura la venta, a partir de este momento Cash desarrolla su voz de blanco exitoso (David Cross) lo que le da múltiples ventas alrededor del mundo y lo pone en la mira para un ascenso, mientras tanto el casi líder sindical Squeeze (Steven Yeun) lidera una huelga junto a Detroit y tonto amigo de Cash, Salvador (Jermaine Fowler), por supuesto en medio de esto la empresa le ofrece un ascenso a Cash, uno que no puede rehusar y al día siguiente por fin sube en el ascensor dorado que tanto deseaba donde una candente voz (Rosario Dawson) le recuerda que es mejor que los demas.

En ese lugar el jefe es el negro con estilo (Omari Hardwick) que le indica con su voz de blanco (Patton Oswalt) que ahi solo se habla con esa voz, y le dice que los negocias ahí en las altas ligas son vender mano de obra de WorryFree a otras partes del mundo, una empresa gigantesca que esta acusada de esclavismo corporativo a pesar de presentarse como una empresa socialmente responsable, amable y cool, como cualquier empresa tecnológica que le venga a la mente, con un CEO multimillonario y humanista que detrás de su fachada perfecta y agradable parece esconder al mismo demonio, pero los múltiples ceros compran de inmediato la conciencia de Cash que sigue vendiendo como loco al grado de que es invitado a la fiesta del CEO Steve Lift (Armie Hammer, bien) que es una orgía descontrolada que culmina en una reunión de negocios que parece salida de un libro de terror mala leche con mucho lsd.

Es asi que Cash se ve arrastrado a una vorágine de locura de la que no podrá salir tan fácilmente y que culminara en muchas dosis de locura, una ácida critica a la sociedad y la inutilidad de la bolsa de valores que no tienen escrúpulos y en donde los medios hacen héroes a los monstruos, hasta que llegamos a una locura desquiciada donde el revanchismo de la cinta toma la lógica de esta haciendo trampa porque si, una lastima porque el director y guionista Boots Riley había regalado una hora inicial que era muy buena y un inicio de la segunda que toca la excelencia por los disparates y la valentía que nos regala, es una lastima que el final sea tan tramposo y pareciera estar escrito para darle un final ya que de otra forma estuviéramos hablando de una gran obra, aun asi la cinta es mas que meritoria, comenzamos viendo una cinta sobre un perdedor que desea el éxito a como de lugar y que por ello es capaz de traicionar a sus amigos y pareja, y que cuando logra el éxito autoimpuesto por la sociedad ve por fin lo mas oscuro del sistema sin una oportunidad de redención como en ese negrisimo y bien logrado final.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Hotel Mumbai: El Atentado

HOTEL MUMBAI: EL ATENTADO (HOTEL MUMBAI, AUSTRALIA-INDIA-EU, 2018)

El director Anthoy Maras debuta en largometrajes con esta potente historia llena de tensión, violencia y por lo menos desde este rincón, con un halo de realismo, y es que la fotografía tiene un estilo documental al igual que la cámara siempre en movimiento de Maras, y el guion evita inteligentemente los actos heroicos y los héroes irreales, si bien es cierto que muchos actúan con valentía frente a los actos la realidad es que muchas de las veces estos mismos se comportan de forma cobarde, cuidando su vida sobretodo y cometiendo errores que les costaran caros, y por el otro lado los villanos, un grupo de fanáticos religiosos paquistaníes que siguen las ordenes de una voz todopoderosa que les promete el cielo y vírgenes en nombre de Ala, pero los tipos viven sus fe de forma realista y temen, dudan, se acobardan al mismo tiempo que queda claro que para algunos lo mas importante es el dinero prometido a sus familias o el odio que tienen a los extranjeros e "infieles".

Pero esto no los hace humanos, todo lo contrario, al ser mas parecidos a nosotros resultan aun peores debido hasta donde puede llegar un ser humano con tal de lograr dinero, gloria o por simple rencor, hasta llegar al punto de seguir la orden de disparar a todo lo que se mueva. Durante la cinta seguimos a un grupo de  variopintos protagonistas que se ven inmersos en el peor ataque terrorista de Bombay, un noble empleado (Dev Patel) del Taj Mahal Palace Hotel donde se centrara la historia, una joven pareja (Armie Hammer y Nazanin Boniadi) con bebe incluido, una niñera incansable (Tilda Cobham-Hervey), un chef con liderazgo (Anupam Kher), una pareja de turistas estadounidenses (Angus McLaren y Natasha Liu Bordizzo) y por ultimo un cínico empresario ruso ex militar (Jason Isaacs robándose cada escena en que aparece).

Los terroristas comienzan los ataques en la ciudad, que culminan en doce diferentes puntos pero donde el mas terribles es el ataque al hotel donde disparan a todos y despues van piso por piso matando a todos los huéspedes y empleados mientras algunos se refugian en donde pueden esperando que la policía los apoye, y aunque la policía local entra se convierten en mas victimas en tanto las tácticas especiales duran mas de un día en llegar en tanto todos las personas son ganado que matan poco a poco y donde los terroristas se van convirtiendo poco a poco en unos monstruos que disfrutan la violencia, todo esto mostrado de manera coherente y con un ritmo trepidante en un thriller que nos tiene al borde la butaca en todo momento y donde cualquiera puede morir por lo que no esperamos un final feliz aunque lo deseemos, muchos se quejan de que es demasiado entretenida pero debemos entender que es la finalidad de la cinta, Maras no intenta recrear de manera exacta sino mostrar de la mejor manera la historia y en parte lo logra, despues de todo el espíritu principal sigue en ella, los esfuerzos por sobrevivir, los momentos de valor, la ignorancia de los terroristas, el temor en el que vivimos, las dudas sobre quienes son esas voces y apodos que siguen operando libres y por supuesto la inoperancia de las autoridades que le permiten a los delincuentes ser y deleitarse el tiempo que deseen, sea aquí en México o en la otra punta del mundo.

Calificación: Bien

Lo Mejor del Mes: Julio 2019

Cinecritica: Burning

BURNING (BUH-NING (BEONING). COREA DEL SUR, 2018)

Hae-mi (fascinante Jeon Jong-seo) baila una danza con reminiscencias a la que aprendió en su viaje a África pero la vuelve propia y personalisima mientras parece encontrar la libertad y "saciar su hambre" por primera vez mientras se desmorona con un atardecer precioso a sus espaldas y la bandera de Corea del Sur ondeando a escasa distancia del vecino y hermano Corea del Norte, todo esto frente a un fascinado y exasperado Jong-su (Yoo Ah-ni, excelente) que apenas se acueste la chica escuchara incrédulo la confesión que le hace el enigmático ricachon Ben (Steven Yeun, magnifico) de que quema invernaderos cada dos meses, nadie los necesita, nadie los extraña le suelta, de hecho estan esperando que los queme, frente a esto Jong-su no entiende porque haría algo asi, un delito, destruir propiedad ajena, pero como le explica Ben, es la única manera en que su corazón late y que disfruta placenteramente.

Por supuesto esto pareciera un simple capricho de un junior que no tiene en que gastar su dinero y su tiempo, la satisfacción por destruir algo que no es propio que se puede considerar tan humano, y por supuesto un chico que tiene todo lo que desea y que por ello mismo solo se excita con alguna travesura, pero para Jong-su y nosotros como espectadores sabemos que lo que dice Ben es una clara declaración de principios, el tipo siempre ha parecido sospechoso, existe algo raro en su forma de actuar y comportarse y siempre esta aburrido, de hecho el mismo confiesa en cierto momento que nunca ha llorado por lo que no sabe si es posible que se sienta triste, y como lo muestran los frecuentes bostezos en sus reuniones nada le causa diversión o placer, o por lo menos no el suficiente ya que las constantes burlas y juegos apenas causan una reacción.

Por ello cuando el dice al protagonista que ya se cumplieron dos meses desde la ultima vez, es decir que ya es tiempo, y que quemara uno muy cercano a él no le queda de otra a Jong-su que caer en una estricta paranoia que no lo deja vivir ni respirar conforme avanza la cinta, y nosotros junto con él, la cinta nos ha atrapado en el juego que deseaba, el director y guionista Lee Chang-dong (ex ministro de cultura del país) nos tiene en sus manos y todo lo que ha sucedido hasta el momento lo recordamos, lo estudiamos, le buscamos claves y simbolismos, para Jong-su Ben trae algo entre manos y nosotros pensamos lo mismo pero al mismo tiempo dudamos de la chica y del mismo protagonista, estamos en una extraña maraña de ensoñación del que se sentirá orgulloso el autor de la historia original, el mismísimo Haruki Murakami que guarda relación con una historia del legendario William Faulkner.

Al inicio de la cinta vemos al profesionista Jong-su trabajar de repartidor y toparse por coincidencia con Hae-mi, una chica de su mismo pueblo que se opero, quizá por ello Jong-su no la reconoce, pero lo cierto es que tampoco recuerda las historias que dice, e incluso duda de ellos, o por lo menos lo haráa mas adelante, la conexión es instantánea y terminan intimando, casi inmediatamente la joven le pedirá que alimente a su gata, cosa que el prendado chico aceptara sin dudar aunque nunca ve al animal (pero si desaparezca la comida y aparezcan las heces), ella se fue a África porque quiere aprender sobre el "hambre pequeña" y el "hambre grande", es decir el hambre por las cosa materiales y el hambre por las cosas existenciales, cuando regresa no lo hace sola, llega con el extraño Ben, un hombre carismático y seguro de si mismo con quien la chica ha comenzado una relación, en tanto que Jong-su pensaba que tenia una relación con ella la chica se ha liado con otro, algo que toma al chico con un recelo que va creciendo cuanto mas lo conozca.

El tipo es millonario, con carro y departamento de lujo, tiene dinero para gastar sin preocuparse y nadie sabe a que se dedica, todo su tiempo es para reuniones y Hae-mi, una especie de Gran Gatsby coreano como dice en cierto momento el protagonista que ademas le pregunta a la chica que ve en el, a lo que esta no esta segura, de aquí en adelante veremos los celos que van creciendo en Jong-su que esta condenado a trabajos mediocres, una familia quebrada y un problema personal que lo atan a la casa de su infancia, la notable ensoñación de Hae-mi que cada vez parece mas difusa y finalmente la diversión de Ben que disfruta de sobremanera hacer sufrir al chico y jugar con la joven, ya que en ningún momento muestra cariño hacia ella, sino mas bien franca superioridad y mucho aburrimiento como en esa majestuosa escena de Hae-mi bailando la danza africana en la reunión mientras todos se rien de ella y él solo atina a bostezar.

Después sucederá la confesión de Ben que junto a una extraña llamada y una inesperada desaparición llevaran a Jong-su a los infiernos del mundo y de su propia alma en tanto busca pistas que nunca terminan por ser determinantes, pareciera que Hae-mi mintió en todo momento, o quizá son verdades a medias, lo mismo que un gato, un reloj ¿clave? y hasta un estuche de maquillaje que resultan ser tan ambiguas como las conversaciones, pero vamos, nada pasa por casualidad, ¿o si? y este juego de personalidades tan distintas que parecen respetarse o atraerse en cierta manera no puede terminar bien, Ben lee el escritor favorito de Jong-su, este prueba a quemar un poco un invernadero, aunque claro esto ultimo también da la pista de que no ocupan gasolina para quemarse a diferencia de lo que había insinuado Ben. Es un viaje a los infiernos de la naturaleza humana con dos personas que representan a las dos coreas actuales, el joven tradicional sin trabajo, futuro ni escapatoria, y el joven capitalista y rico que olvida sus costumbres y hasta toma un aire corrupto, mas parecido a un extranjero.

Los resentimientos de clases afloran aquí, como un simbolismo que no da tregua, uno doloroso donde ademas las chicas solo son una herramienta, el juego de uno y la obsesión de otro, la frágil frontera del amor y la obsesión que se rebaso sin retorno, que nos hace ver cosas que no son e imaginar realidades para llegar a las revanchas que merecemos. Y lo mejor es que el viaje al infierno es tan hermoso como poético con esa fotografía de Hong Kyung-pyo y la música de Mowg, postales hermosas y temas que nos enchinan la piel, en un ritmo perfecto y tantos simbolismos que parecen inagotables, uno termina con la sensación de que en cada revisionado se descubrirán mas detalles, por mas que nunca estemos seguros de las múltiples interpretaciones que da el relato, quizá el suspenso mas delirante con final justiciero, o el escape de una chica que encontró el significado de la existencia al saciar su "gran hambre", o las elucubraciones de un hombre que nos regala un relato misántropo con aires a Faulkner, donde a final de cuentas en todos se repite el final que mas que nada es una critica, ¿una excusa a esa nueva sociedad coreana tan repugnante como inevitable?

Calificación: Excelente

Cinecritica: Dragon Ball Super: Broly

DRAGON BALL SUPER: BROLY (DORAGON BORU CHO: BURORI, JAPON, 2018)

No se como decir esto sin enfurecer a los fanáticos ciegos que tiene este anime pero la verdad sea dicha y aunque este solo frente al mundo, solo falta ver los halagos desproporcionados de la critica, lo cierto es que esta tercera película desde super es pésima, tan mala que no creo que una persona que no sea fanática a morir pueda soportar, de hecho tengo algunos amigos que se sienten decepcionados, y es que si las dos anteriores ya dejaban mucho que desear esta lo hace mas, es increíble que lea y escuche comentarios que dicen que es la mejor película de la saga cuando no es otra cosa que una pelea larguísima, pero estarán pensando ¿no ha sido siempre esto dragon ball? en parte si, peleas largas pero no cansinas. En primer lugar esta película destruye el canon establecido en la mente de todos sobre Bardock de un saiyayin frió y poderoso que peleo por su raza y lo deja como un tipo x que se preocupa por sus hijos.

Es decir contradice todo el manga donde esta raza no valora la familia y no se preocupan por sus mujeres, aquí el padre de Goku se preocupa por sus hijos, ah Raditz esta con Vegeta... ¡Por favor! y Toriyama literalmente se fusila la historia de superman, y despues de esto mucho fanservice, desde el titulo es obvio que de esto va la cinta, despues de todo los fanáticos tóxicos tienen años pidiéndole a Toriyama que meta a Broly al canon, ni siquiera quedaron conformes con el clon femenino, asi que aquí lo hace, pero mal, la escala de poder es tan elevada que Broly ya no tenia cabida asi que se siente muy forzado, y peor aun, lo hicieron buena gente, un tipo amable pero traumado que al final se hace amigo de todos. ¿Y lo demas? fanservice, y no del bueno, ver el pasado de nuevo, ver a Freezer de nuevo, con un horrible cambio de cara, excusas ridículas para las esferas del dragón, entrenamiento x de recibo golpe doy golpe y una pelea que se alarga al infinito.

Resulta que Broly es invencible, y sigue elevando su poder para rebasar incluso al supersaiyayin azul, por lo que entra Gogeta, otro fanservice donde rompe las reglas de la fusión, y ademas la falta de lógica me chirria mucho, a poco en todas las fusiones que hicieron Freezer aguanto la madriza, es decir mas de una hora de ser vapuleado, un villano antes temido que han convertido en un bufón, aunque no es raro ya que el mismo Goku ya solo es un payaso, y bueno, el fanservise de la chica extraterrestre que lo mismo estira su uniforme mostrando los pechos que viendo la pelea a gatas. Y por ultimo, la animación... es pésima, de pronto es decente pero en veces se usa mucho cgi y algunas partes son horribles como esas de la fusión, ¡los cuerpos ni siquiera estan proporcionados! una lastima que una querida saga se haya convertido solo en una impresora de billetes.

Calificación: Churrote