Cinecritica: Halloween

HALLOWEEN (ÍDEM, EU, 2018)

Cuarenta años después de la obra maestra "Halloween" de John Carpenter llega su secuela "oficial", o por lo menos por el momento porque al parecer ya esta programada la continuación, ha decir verdad a mi no me molestan ni "Halloween II" ni "Halloween III: Season of the Witch", la primera por dar un cierre definitivo a la saga aunque no se haya respetado y la otra por seguir esa idea de Carpenter de una saga con diferentes historias terroríficas, razón por la cual cerro la historia con la segunda, pero a final de cuentas incluso la segunda parte escrita por el mismo Carpenter y su co-guionista Debra Hill no pasa de ser un mero apéndice de esa obra mayor y atemporal que es la minimista historia del asesina de mascara blanca y traje de mecánico, lo mismo puede decirse del remake/secuela que resulto la versión mas actual de la historia por mas que el competente estilo del director David Gordon Green deje su cariño en cada escena.

Dos investigadores llegan al manicomio donde Michael Myers (James Jude Courtney) esta internado y le muestran la mascara para ver si hay una reacción, esta no sucede para desilusión de ambos y del obsesionado doctor Ranbir (Haluk Bilginer) que como dice en cierta escena Laurie (sensacional Jamie Lee Curtis) es el nuevo Loomis, "brincos diera" pensamos desde nuestro asiento, asi como Gordon Green tampoco es Carpenter, pero la verdad sea dicha desde que vemos la mascara la nostalgia ha ganado la jugada, sabemos lo que sucederá y aun asi nos emociona, el esperado escape de Michael, la recuperación de la mascara y su sanguinario ataque en la noche de Halloween, esta vez tomando casi dos decenas de vidas, en tanto Laurie que ha pasado cuarenta años con estrés post-traumatico esta desesperada por enfrentarlo, como el destino dirían algunos pero mas bien como una obsesión que le de sentido a una vida desperdiciada en entrenamiento que la alejo de su familia y vida.

Pero esta vez también tenemos a la hija de Laurie, la distante Karen (Judy Greer) y la adorable nieta Allyson (Andi Matichak, bien) que cumple perfectamente como final girl, es la mas moral de la escuela al parecer, en cuanto comience la ola de asesinatos nada detendrá a la maldad encarnada hasta que logre su cometido, de aquí muchos asesinatos, sangre, sustos y un humor mala leche que nos aligera el viaje. La cinta no es mala pero todo esto ya lo hemos visto, de hecho parece una versión moderna de la original, con mas sangre y mas rápida, dinámica dirán algunos, pero que tiene su pecado en no causar miedo por mas que la figura de Michael Myers siga imponiendo en cuanto aparece.

Eso si, tiene muchas cosas buenas, algunos planos secuencias exquisitos, asesinatos fuera de cámara que funcionan mejor que los directos, mucho gore, los arreglos de la legendaria banda sonora de la mano del propio Carpenter, la critica a los alcaldes que son incapaces de tomar decisiones valientes aunque el pueblo salga afectado como en otra obra mayor sobre un escualo- "Jaws" -, ese ataque a la falta de moral de la juventud y también de los adultos, y la obsesión malsana que nos causan los psicópatas visto en algunos personajes, pero sobretodo, lo que mas me gusto, ademas de las decenas de guiños a la película original, es esa critica a los que le buscan explicación a la maldad, por medio del doctor Ranbir que esta obsesionado con Myers y quiere explicar su psicopatía, un personaje que es incapaz de entender el argumento "pura maldad" y que se arrastra a los infiernos en búsqueda de lo que piensa y siente Myers solo para terminar un duro golpe de la maldad en estado puro, justo lo que imagino y sigue manteniendo el maestro Carpenter.

Calificación: Vale la Pena

Cinecritica: Wonderstruck: El Museo de las Maravillas

WONDERSTRUCK: EL MUSEO DE LAS MARAVILLAS (WONDERSTRUCK, EU, 2017)

Una maravilla que no recibió el amor que merecía, una obra mayor del director Todd Haynes que con guion de Brian Selznick basado en su propio libro del mismo nombre nos entrega una hermosa fabula sobre el destino, el crecimiento, la maduración, pero aun mas importante, la valía de la familia, del amor fraternal y de las casualidades que dan sentido al universo y la vida misma, todo esto con una narración asincronica que finalmente convergerán en una maravilla que nos estruja el corazón y nos devuelve la esperanza de forma tan humana que nos remonta el espíritu y nos eleva con la música del maestro Bowie hacia esos simbolismos que sentimos en lo mas profundo de nuestro ser. Ben (Oakes Fegley, bastante bien) acaba de perder a su madre (hipnótica Michelle Williams) y rememora lo que vivio con ella, una mujer inteligente e independiente que le daba regalos que alentaban sus gustos, el espacio y ese museo en sus cuarto, pero que nunca quiso decirle nada sobre su ausente padre.

En medio de estos flashbacks que son mostrados con valentía por Haynes la historia se va moviendo entre el Ben que acaba de perder a su madre y que soporta la lastima de todo mundo en Minnesota a la historia de la pequeña Rose (Millicent Simmonds, muy bien) que no encuentra su lugar en el mundo, en 1927 en un mundo animado y creciente donde la pequeña pasa sus días idolatrando a una de esas legendarias actrices del cine mudo que vivían su estrellato en cada segundo del día, al tiempo descubrimos que Rose es sordomuda y su padre la presiona para que aprenda con manuales y un maestro personal, también parece tener una relación poco profesional con las sirvientas y le importa poco que Rose extrañe a su madre, asi que por mas acomodada que tenga su vida la chica no entiende su lugar en el rompecabezas de la sociedad por lo que decide embarcarse en un viaje a buscar la luz de la estrella que admira.

En tanto en 1977 Ben ve a lo lejos una luz en su antigua casa, al ir hacia alla escucha la música de Bowie que tanto admiraba su madre y ve de reojo la ropa de ella, pero en realidad solo es su prima que escapa a ese lugar, ya ahi el chico se queda a revisar el lugar, en los cajones encuentra recuerdos, dinero y un extraño libro sobre gabinetes de maravillas donde un separador tiene un extraño mensaje firmado por un tal David que por lo que dice podría ser su padre, con esta pista el niño decide comenzar su búsqueda pero un accidente le hace perder el oído por lo que todo se complica, pero nada de esto lo detiene y viaja a New York donde se enfrentara a múltiples obstáculos, conocerá muchos y variopintos personajes y deberá resolver los misterios de su pasado si quiere tener un futuro. En el mismo New York pero cincuenta años antes Rose llega también en búsqueda de su propio sueño, ahi se topa con una ciudad encantadora donde todos la apoyan y donde terminaremos con muchas sorpresas que nos van revelando una historia cada vez mas compleja.

Todo esto cambiando de la historia de un chico a otro, la historia de Rose presentada como una película de cine mudo, en blanco y negro con apenas dialogo y con una banda sonora de Carter Burwell que nos remarca los momentos importantes e incluso con un estilo de interpretación y de dirección diferente, y la parte de Ben con tonos verdes y naranjas, todo muy setentero con música ad hoc y la forma de vida mas relajada y cruel que juega con ese cine dubitativo de hace décadas, es asi que la historia avanza en las dos vidas mostrando interesantes similitudes que nos remarcan que estamos ante las dos caras de la moneda que en algún momento deben juntarse, y Brian Selznick no decepciona con una historia con reminiscencias a "The Invention of Hugo Cabret" de él mismo de donde toma la magia de las épocas pasadas, los niños desamparados, la búsqueda del amor paterfilial y la vivencia de aventuras, por supuesto aqui también hay un final majestuoso que nos derrite haciendo un homenaje que vuelve las cintas imperturbables por el tiempo.

Todo esto con una dirección de Haynes que deja con la boca abierta, no solo mantiene su estilo propio sino que lo adapta a las épocas que nos muestra, con un virtuosismo impresionante y una diseño de producción perfecto, en todo momento parece que estamos en los años veinte o setenta según lo que veamos, es interesante también que los veinte son vistos por Haynes como una epoca hermosa, con clase y donde todos son amables y se ayudan en tanto los setenta son mostrados como una epoca de poca moral, con mucha delincuencia y donde todo mundo tiene poca empatia y vicios, vamos que en los setenta el cine es pornográfico en tanto en los veinte Rose ve cine de Griffith en esos guiños tan cinefilos que tiene toda la cinta, como sus protagonistas, Haynes nos regala un museo de las maravillas, en forma de dos museos legendarios norteamericanos y esos gabinetes, como sus protagonistas que aman armar colecciones o hacer modelos a escalas con recortes, asi mismo Haynes construye un rompecabezas que tenemos que unir y que culmina embonando todas las piezas en un preciosismo magnifico que nos lleva irremediablemente a derramar lagrimas en ese hermoso final donde vemos de primera mano ese maravillosamiento que nos remite el titulo, una maravilla que debe degustarse, demos gracias que Haynes nos considera tan inteligentes para armar el rompecabezas y entregarnos con paciencia a ese doloroso final que es cine en estado puro con todo y mundo stop motion artesano y esas estrellas que unen generaciones, despues de todo es lo unico que nos une a todos los demas humanos en el mundo sin importar el tiempo, como muestra de la magnificencia de algo mas grande que nosotros.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Maligno

MALIGNO (THE PRODIGY, EU, 2019)

Al inicio vemos a una joven (Brittany Allen) que escapa de una casa con una mano menos, por ello dan con el asesino serial Edward Scarka (Paul Fauteux) que es acribillado por la policía, en tanto una pareja tiene a su primer hijo, las referencias son obvias y sabemos que el espíritu del asesino ha posesionado o reencarnado en el bebe, lo que es mas obvio cuando muestra una gran inteligencia pero acompañada de una gran maldad, hasta que a los ocho años se vuelve inadmisible y buscan ayuda, nadie les puede dar razón hasta que el Arthur (Colm Feore) le dice a su madre Sarah (Taylor Schilling) que puede que sea un espíritu que reencarno en su hijo y no se ira hasta que termine lo que no lo ha dejado irse de aquí.

Todo esto lo muestra el director Nicholas McCarthy de manera pulcra, con buen juego de luces y sombras y hasta algún que otro susto bien logrado, en lo personal me sobresalto la mejor de la cinta, pero las virtudes de la cinta llegan hasta ahi, la historia son una serie de clichés que no se detienen nunca, el niño malo que a veces parece inocente, la doble personalidad, la madre que se niega a la verdad, el padre desapegado, la ayuda externa, la mascota que irremediablemente morirá, un rostro extraño que aparece en espejos y sombras, y hasta esos ajustes de volumen tan molestos que en lugar de asustar terminan enojando, despues del inicio todo lo demas es un lugar repetitivo y lo que es peor, hasta desesperante, ya que lo podría ser una nueva revisión de ese temor tan común de la madre para con los hijos aquí se deja de lado por una mujer abnegada y terca que se niega a ver la verdad.

Y como desde el inicio sabemos porque el niño es malo no hay ninguna sorpresa, pero reitero, el problema principal es Sarah que resulta tan cansina como desquiciante, no tanto al inicio donde es entendible la duda sino despues de la mitad donde de plano entra en negación total y solo ella, y por ello el final que no resulta sorpresivo ya que lo esperaba me causa una sensación de enojo mas que de terror, al final la mujer sacrifico a alguien que lucho por su vida y era integra solo para nada, se supone que al ser malo se aleja mas del mainstream o asi lo pensaron sus creadores pero aquí era esperable y hasta exasperante por el modo de lograrlo quitandole total sentido común a la protagonista, mejor vayan a ver "The Hole in the Ground" una verdadera cinta de terror que aborda el tema de las relaciones materno-filiales mucho mejor.

Calificación: No Vale la Pena

Cinecritica: Apoyate en Mi

APÓYATE EN MI (LEAN ON PETE, REINO UNIDO, 2017)

La acabada jinete Bonnie (Chloë Sevigny, bien) le vuelve a repetir al quebrado quinceañero Charley Charlie Plummer, excelente) que no se encariñe con el caballo "Lean on Pete" del titulo original, no debe verlo como una mascota sino como lo que es, un animal para carreras y que en cuanto no sirva sera desechado, a México dice en cierto momento Charley, aca si los matamos, estas palabras de Bonnie muestran la forma de ver el caballo del propio director Andrew Haigh que siempre evita romanticismos o fantasías, en ningún momento idolatra o eleva al animal sino que lo muestra tal cual, ni siquiera la fotografía de Magnus Joenck lo ayuda a lucir, una fotografía natural que nos muestra todo el mundo cual es, a veces hermoso otras veces sombrío o sin parecer una postal, esto impregna el filme y por lo que he visto en la magnifica "45 Years" el trabajo del director que aqui con guion propio basado en el libro de Willy Vlautin nos lleva junto a la espalda del joven Charley que sera obligado de pasar de su niñez a la joven adultez de manera muy dura.

Esta naturalidad, este apego por la realidad por parte del director hace que su obra quede en la mente por siempre a diferencia de las películas chantajistas que apelan al sentimentalismo extremo para lograr una reacción en el espectador porque de otra forma les resultaría imposible, con una banda sonora que apenas asoma y otorgándole privilegio a sus actores para cargar la historia, pero no nos equivoquemos, este estilo trascendental es roto muchas veces por Haigh que es mas que capaz de regalarnos delicias tecnicas si lo necesita la historia, y fiel a él nos regala un final que deja con un nudo en la garganta y la necesidad de rumiar la cinta por largo tiempo. Haigh se aleja de Europa y nos lleva a la América profunda, esa de costumbres arraigadas pero tambien donde viven los que algunos llaman despectivamente whitetrash, ahi Charley corre todas las mañanas huyendo de las nuevas conquistas de su padre (Travis Fimmel) y pasando por el lado de los caballos a los que mira con cariño y admiración.

El chico no va a la escuela y tampoco tiene nada en el refrigerador a no ser por la cerveza de un padre que lo quiere pero que no sabe como cuidarlo, incapaz de madurar y siempre en pos de faldas nuevas, en una de sus salidas el chico conoce al abusivo pero carismático Del (Steve Buscemi, magnifico) que a veces anda de buenas y otras de pésimas como la madre que abandono a Charley, Charley termina trabajando para él y ve una salida pero un ataque a su padre de un cornudo complica todo y cambia su vida por lo que se ve obligado a ocultarse y finalmente vivir completamente apegado al caballo, a "Pete", que lastimado ya esta en las ultimas y al que Del presiona al limite casi como empujando el deshacerse de él, Charley decide huir con él y buscar a su tia (Alison Elliott) en medio de la soledad del desierto mientras delinque robando gasolina y comida para lograr su meta, aqui se encuentra con variopintos personajes que nunca lo sacan de su soledad, Charley es un solitario aun rodeado de gente, y donde aprenderá a madurar mientras lo ayudan o le ponen el pie, ya sea el duro dueño de un café y una bondadosa mesera, unos veteranos que ya no pueden acoplarse a la vida, un anciano que abusa verbalmente a su nieta que se siente atrapada en la vida y un alcohólico que no era el bonachón que pregonaba, todo esto en un complicado viaje donde nos preocupamos en todo momento por el chico, lo vemos crecer y sufrimos con él, siempre desde el entendimiento, nunca desde el chantajismo, quizá por ello el final resulta tan poderoso porque por fin pueden aflorar los sentimientos, las dudas, los miedos, el sufrimiento, ese que Charley se negaba a mostrar y que ahora puede asumir con no su segunda, sino su primera oportunidad de vivir.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Muerte de Stalin

LA MUERTE DE STALIN (DEATH OF STALIN, REINO UNIDO - FRANCIA - BELGICA, 2017)

Una orquesta interpreta un concierto cuando de pronto entra una llamada para el encargado Yuri (Paddy Considine) que le pide la grabación, al no ser grabado el tipo obliga a repetir el concierto y evita que los espectadores se vayan por la acústica y reemplazar a los que ya se fueron por personas de la calle, se soborna a la pianista (Olga Kurylenko) que le tiene un gran resentimiento al padre de la nación y terminan haciendo todo para que el gran Stalin (Adrian McLoughlin) pueda escuchar su disco, no sin que al recoger el disco le avisen al temeroso Yuri que el retraso ya fue anotado y que la voluntariosa pianista Maria le mande un recado en en el forro, de esta manera tan increíble comienza la cinta parodica de Armando Iannucci con guion co-escrito por él mismo basado en cierto cómic francés, anoto que increíble porque es difícil pensar que algo asi haya sucedido pero la verdad es que era el día a día de la Rusia Stalinista, donde todas las personas temían por su vida en todo momento, temerosas de un error, un gesto, un detalle o un simple capricho que les costara la vida.

La historia muestra ademas otra cosa, nada decidía mas la vida y muerte de las personas que el mismo azar, es asi que culpables se libran por un pelo mientras los inocentes caen por estar en el lugar incorrecto, en esta dictadura desquiciada, ¿existen de otro tipo? nada tiene sentido, y el pueblo amagado, con miedo y condenado a los caprichos de la gente en poder sigue teniendo esperanza y amor por sus verdugos como la ama de llaves que se desvive por su señor, en tanto el dictador vive mejor que un rey mientras todos los días se pone unas buenas borracheras con sus secretarios, decide la nueva lista de condenados y ven películas del maestro John Ford, ahi Stalin se reirá a carcajadas del mensaje dirigido a el que habla de Dios y le desea lo peor para inmediatamente sufrir un derrame cerebral que no sera descubierto hasta el día siguiente porque nadie se atrevería a molestarlo, ahi cuando las personas en el poder sean avisados comenzara una carrera por el poder, no solo por ser su sucesor todopoderoso sino porque el que no este en el poder seguramente terminara como alimento de gusanos.

Pero hay algo mas, Stalin todavía no ha muerto y por ello, mientras este siga vivo se le debe rendir pleitesía y demostrar lealtad, ya sea mojándose en unos orines patrióticos, o dando un significado profundo a un gesto del dictador, y asi rápidamente Iannucci nos mete de lleno en la historia, mostrándonos un estado perdido y unos hombres hambrientos de poder con los nombres en pantalla dándonos pistas de su forma de ser, ya sean el diabólico carnicero Beria (Simon Russell Beale), el bufonesco Nikita (Steve Buscemi), el leal Molotov (Michael Palin de los Monty Python), el endeble Malenkov (Jeffrey Tambor), el grisáceo Mikoyan (Paul Whitehouse)y hasta el invisible Bulganin (Paul Chahidi)n quienes pelearan por el poder o mejor dicho por salvar el pellejo, una carrera que Beria tiene muy adelantada y donde los hijos del dictador, la quebrada Svetlana (Andrea Riseborough) y el borrachales Vasily (Rupert Friend) apenas tienen voz a diferencia del rudo general Zhukov (Jason Isaacs) que mueve las cosas nada mas llegando, despues de todo gano la guerra contra los nazis.

Es asi que vemos una maraja de traiciones, mentiras, politiquerías, asesinatos, hipocresías y desesperaciones por parte de unos personajes que pelean por el poder y donde los de abajo se han convertido solo en peones, donde las ideas se roban y se intenta quedar bien con los hijos para usarlos como bandera, donde un tipo es capaz de renegar de su esposa traidora para despues abrazarla locamente ya que regreso de la muerte, y mas importante aun, el estado la ha encontrado inocente, con diálogos agudos e inteligentes esta comedia de humor negro no deja títere con cabeza y despotrica contra todos, ya sea el pueblo enajenado o los militares sin pensamiento, pero en especial por los que estan en el poder, unos entes tan desquiciados y estrafalarios que no parecen reales, con un reparto formidable y unos actores en estado de gracia que saben manejar los tonos y ritmos de manera perfecta y donde el director tiene la inteligencia de usar humor escatologico y absurdo, y arrancarnos risas con las peores crueldades porque de otra forma seria difícil digerir tanta barbarie, y a final de cuentas porque aunque es una sátira del poder donde los personajes son ridículos pero sin llegar a la caricatura se logra un sentimiento de juego de ajedrez, donde cada quien hace sus jugadas, buenas, fallidas o tontas pero siguen jugando para dar paso a una jugada maestra que inevitablemente tiene que sorprender y fascinar, ha nacido un nuevo villano desquiciado pero no podemos quitarnos la sonrisa del rostro.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Como Entrenar a tu Dragon 3

COMO ENTRENAR A TU DRAGON 3 (HOW TO TRAIN YOUR DRAGON: THE HIDDEN WORLD, EU, 2019)

Esta cinta merecía mucho mas cariño y aprecio que el que ha obtenido, es increíble que la cinta que cierra una de las sagas animadas de mayor calidad de la historia, si me atrevo a decirlo porque ninguna de las partes cae de nivel, obtenga tan pocos comentarios y hasta taquilla, afectada un poco por el tiempo ya que entre una y otra duran mucho tiempo en salir y en estos tiempos mercadologicos es mas importante las tendencias que el cine, apocada por el cine inacabable de superheroes que siempre llenan las taquillas y porque los medios la hacen a un lado siempre en favor de las cintas de la todopoderosa Disney y también debo aceptarlo, porque estas películas animadas son demasiado maduras como para que los niños las disfruten, ellos prefieren los chistes de golpes, pedos y groserías, y los adultos no la ven porque sigue existiendo esa creencia de que animación es para niños a no ser que sea goku lo cual es... extraño cuanto menos.

Tampoco ayudo mucho las miles de quejas sobre el furia nocturna Chimuelo seria heterosexual y no gay como se quería, pareciera que no pero leí muchas quejas e incluso ahora muchas criticas lo ponen como un punto malo, cuando la corrección política es mas importante que el arte estamos muy equivocados en cuanto a como manejamos el mundo, en cuanto a la cinta he de decir que la reviso ya dos veces, la primera vez me pareció que la trama pecaba de sencilla pero me sorprendió de sobremanera cuando al final tenia un nudo en la garganta y al borde de las lagrimas, un segundo visionado me permitió ver que la trama era mas de lo que pensaba y que equivocadamente esperaba algo mas épico cuando ya lo tenia, no en peleas o batallas sino en el corazón de la historia.

Hiccup (Jay Baruchel, bien) ahora se dedica junto a sus amigos a liberar a los dragones capturados por las otras tribus nórdicas, ha inventado armaduras resistentes al fuego y con planeadores, y hasta una espada llameante, pero el problema es que Berk esta sobrepoblado por dragones y Toothless no puede estar encima de todos ellos como el alfa para que se comporten, a esto se le suma un villano contratado, el astuto y sadico Grimmel (F. Murray Abraham, bastante bien) que ha jurado terminar con la vida de todos los Furias, para esto hace un elaborado plan usando a la Furia Luminosa, un dragón parecido a Toothless pero blanco, mas parecido a una leona que a una pantera, el dragón se enamora de la dragona y hace todo lo imposible para cortejarla, mención especial para los desternillantes intentos de cortejo del torpe enamorado.

En tanto Grimmel pone en marcha su plan, destruye Berk y los arrincona en un nuevo lugar donde los últimos engranes de su macabro plan se pondrán en accion, en tanto Hiccup se siente abandonado por su mejor amigo y no cree que pueda ser líder para su pueblo, Astrid (America Ferrera) intenta ayudarlo a madurar al mismo tiempo que descubre sus sentimientos y deseos, y Toothless descubre un nuevo mundo con su pareja no domesticada, un lugar al que pertenece. Mucha accion, drama, aventura, humor y vuelos en una cinta que no se detiene nunca y que permite a sus personajes crecer y madurar con los años que han transcurrido, con una dirección inteligente de Dean DeBlois que logra mucho dinamismo y siempre con sentido cinematográfico, nos convence de que graba en lugar de animar, con un guion virtuoso del mismo director que es complejo en su misma sencillez y con un apartado técnico fascinante.

Todo parece real, los vuelos de los dragones, las texturas de los personajes, los elementos como el fuego y el agua, y ademas la cinta no se conforma con recrear sino que crea con mucha imaginación en un diseño artístico majestuoso y muy colorido, la banda sonora de John Powell sigue funcionando y sumando temas, y no hay queja frente a la cantidad de escenas memorables, ya sea Hiccup dándole libertad a su mejor amigo sabiendo lo que esto significa, los vuelos siguen siendo fascinantes, en especial el que comparten ambos furias y el del mundo escondido del titulo original lleno de luces y colores, y por supuesto esa media hora final donde Grimmel muestra sus cartas, tenemos esa prodigiosa batalla con todo y sacrificio incluido y las dos epifanías del protagonista que dan paso a un doloroso final agridulce que nos saca lagrimas, porque esta vez Hiccup no aprendio a soportar la perdida de una pierna, o sobrellevar la de un ser querido sino entender que el amor es perdida, desprendimiento y dolor, y nosotros con él.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Destrucción

DESTRUCCIÓN (DESTROYER, EU, 2018)

Erin Bell (irreconocible Nicole Kidman) es una policía alcohólica que no lleva buena relación con sus compañeros y que amanece en su carro un día si y el otro también, sin maquillaje y tan demacrada que uno piensa de inmediato que debe usar alguna droga que le afecte el cuerpo de extrema delgadez, una mujer abandonada, que odia a todo el mundo y que solo busca la soledad no puede tener a nadie, pero muy pronto nos damos cuenta que tiene una hija (Jade Pettyjohn) de 16 años con la que lleva una pésima relación y a la que no puede convencer de ese camino de autodestrucción que esta tomando, el mismo camino que ella sigue desde hace mucho y del que ya no hay vuelta atrás como se confiesa a su hija en cierta escena clave donde le desea un mejor destino, una mujer asi parecería no tener nada porque vivir, claro a no ser el caso de un asesinato que la obsesiona y que toma como personal sin importar nadie mas.

En la comisaria Erin recibe un sobre con billetes manchados y de inmediato se da cuenta que una sombra de su pasado ha regresado a su vida, lejos de asustarse decide enfrentarlo y acude a amigos del FBI mientras deja a la policía fuera, encuentra viejos compañeros de cuando era una joven hermosa que se infiltro en una banda se asaltantes y se enamoro de su compañero (Sebastian Stan), es obvio que algo terrible sucedió en el pasado y Erin nunca pudo superarlo pero no se nos dice exactamente que, asi que vamos conociendo poco a poco a la banda de bastardos y sanguijuelas que formaban el grupo donde va recopilando información para dar con su ex líder (Toby Kebbell) mientras los flashbacks nos van dando información de un tortuoso pasado, tanto los de la banda como unos extraños recuerdos en la nieve, nada de esto tomara forma exacta hasta el final donde todas las piezas del rompecabezas encajan y nos damos cuenta que ni Erin era tan inocente como podíamos pensar y que hemos visto mucho mas un recuerdo, hemos visitado la psique de una mujer quebrada.

Una mujer rota y obsesionada que ahora no se detendrá ante nada porque necesita una expiación, una salida para una mujer que no es lo suficientemente buena para ser madre pero que aun asi hará lo que sea por su hija y por supuesto una mujer que es lo que sea menos ser perfecta, es ahi donde la directora Karyn Kusama y su estrella Nicole Kidman dan en el blanco, estamos ante una cinta de empoderamiento que no se puede permitir mostrar solo las virtudes de las mujeres sino que opta por ser realista, mostrar una mujer real con muchos defectos, donde incluso los hombres que la rodean son mas virtuosos y que no por ello nos aleja de ella, es cierto que Erin es un desastre y es complicado empatizar con ella pero justo por ello nos parece mas humana y al final nos gana la partida, aun a pesar de esa trampa de guion que no ayuda a la cinta, pero la humanidad de Erin nos convence al mismo tiempo que solo podemos admirar el talento de Kidman.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Tu Hijo

TU HIJO (ÍDEM, ESPAÑA, 2018)

Jaime (magnifico Jose Coronado) es un medico cirujano que maneja todas las noches al trabajo escuchando por la radio los problemas del mundo moderno, los ataques terroristas, los destrozos de los sindicatos de izquierda, un accidente por haya, le parecen ajenos pero no indiferentes como nos damos cuenta con la gran preocupación que le ocasiona un niño abusado por su padre, otro medico le dice que no haga nada que no es problema suyo y hasta se infiere que ya tuvieron problemas por algo asi antes, Jaime es una persona con una alta moral, que se preocupa por sus pacientes, que ama a su familia, que lleva una relación respetuosa con su esposa, una muy cercana a su hijo Marcos (Pol Monen) y buena con su hija Sara (Asia Ortega), es un ciudadano intachable y sus hijos son buenas personas, por ello cuando Marcos recibe una paliza salvaje por parte de desconocidos no puede entenderlo, ¿quien seria capaz de hacerle daño a un chico estudioso, deportista y bueno? 

A la policía no parece importarle y su familia lo sufre pero no como él, no soporta verlo con ese respirador artificial y la duda lo carcome por lo que investiga un poco, el tipo dueño del antro donde ocurrió todo le dice que diga a los medios que no tuvo nada de culpa con esa hipocresía que otorgan unas flores de consuelo con petición incluida, lo mismo que la policía, todos se preocupan por ellos mismos por lo que cuando el mejor amigo de su hijo le dice que vio a unos tipos golpeándolo salvajemente en el estacionamiento y que existe un vídeo Jaime no podra detenerse, no importa que tenga que robar el celular, atropellar a un joven, o encarar a la ex novia de su hijo, Andrea (Esther Exposito), que lo evade y parece ocultar algo. Podría decirse que la cinta pertenece a ese subgénero de venganzas paternas que nunca pasa de moda, el temor de un padre porque le suceda algo asi y el placer culpable de ver que puede hacerse justicia prevalecen en el colectivo, pero esta cinta del director Miguel Ángel Vivas va mas alla, le otorga un estilo propio con una vuelta tan tenebrosa que se aleja de todas las demas cintas.

Aquí Jaime no decide tomar venganza de buenas a primeras, solo quiere respuestas de porque sucedió esto, y quiere justicia, algo que la policía no esta dispuesta a darle como se ve en esa desesperante escena donde deciden no ver el vídeo con la paliza brutal, y los descensos a los infiernos por parte del afligido padre que ve como todos conspiran en su contra, su hija lesbiana con quien no tiene comunicación, su esposa que no lo entiende, la policía corrupta, la verdadera naturaleza de un tipo que parecía inocente, la burla de los juniors que solo estan de fiesta haciendo lo que les plazca, esa juventud que solo esta drogándose y entregándose a la lujuria como se ve en esa maravillosa escena donde se detiene a ver y lo atacan, como muestra la fotografía Jaime se encierra en su mente, no vemos mas alla de su nariz, se esta encerrando en su mundo, una criatura nocturna que ahora se vuelve oscura, donde la trompeta de la pasión le gana la guerra al piano de la razón conforme avanza la cinta en esa banda sonora que estremece, y donde Jaime se ve obligado a "hacer algo" ¿que padre se quedaría sin hacer nada?

Con variedad de planos y ángulos de cámara que nos muestran la psique del protagonista, que se va quebrando al descubrir el mundo real, ese al que ya no pertenece por ser de un siglo pasado, donde su hija intima con una mujer, o se considera arte algo que no entiende, Coronado lo muestra con su mirada, sus gestos, ese movimiento de espejo para tratar de comprender algo que ve con desagrado, y claro esas grandes escenas plano secuenciales siguiendo a Jaime en su inevitable venganza, hasta aquí tenemos una buena cinta de venganza paterna con mucho talento cinematográfico y con una actuación soberbia por su protagonista pero es hacia el final de la cinta donde esta se eleva, con esa inusual venganza que despues nos prepara una sorpresa final donde resulta que todos tienen un lado oscuro y mejor aun, la reacción machista, casi misogina de un padre que no permitirá que el nuevo feminismo hunda lo que mas quiere y donde demuestra un amor a prueba de todo mientras se nos ponen los pelos de punta.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: El Insulto

EL INSULTO (L'INSULTE (QADIYYA RAQM), FRANCIA - LIBANO - BELGICA, 2017)

Tony Hanna (Adel Karam, bien) un libanes cristiano tira agua por el desagüe al regar las plantas de su balcón, esta llega a la cabeza del palestino musulmán Yasser (Kamel El Basha, bien) que toma esto como algo personal y va a casa de este para que los dejen pasar a reparar la tubería ya que estan haciendo reparaciones para el gobierno, Tony no los deja y la hacen sin su permiso, cuando la destroza Yasser le suelta un insulto que toma muy personal Tony quien se niega a cerrar el asunto a menos que el migrante se disculpe, algo que el tipo no esta dispuesto a hacer y que se sale les va de las manos cuando se enfrentan y Tony escupe el insulto del titulo que hace mención a su país y experiencias, Yasser no lo soporta y lo ataca quebrandole dos costillas, es ahi cuando Tony decide demandar y donde ya nada parece detener la bola de nieve que esta por venir, este es el inicio de "El Insulto" cinta Libanesa nominada a mejor película extranjera (o de lengua no inglesa) en los oscares del director Ziad Doueiri que la coescribio con su ex mujer Joelle Touma.

Cuenta como una pequeña afrenta se sale de contexto hasta que rebasa a los protagonistas que son usados como estándares políticos de diversos personajes para su propio interés, Tony lo lleva los juzgados donde el juez es totalmente parcial para con el palestino que ha sufrido tanto, despues de mas sucesos que inmiscuyen a la mujer (hermosa Rita Hayek) e hija de Tony llega hasta la suprema corte con un famoso abogado (Camille Salameh) que se ofrece a llevar el caso para Tony en tanto otra joven abogada (Diamand Bou Abboud) hace lo propio para Yasser, y lo que comenzó como un simple accidente con alguien mojado se convierte en un circo mediático y nacional donde se enfrentan en las calles cristianos de derecha y musulmanes de izquierda con los ánimos encendidos en un país donde las heridas de la guerra todavía no han cerrado y que aun asi se han visto obligados a recibir a millones de refugiados.

El director pone sobre la mesa un tema espinoso que molesta a casi todos, tanto asi que el gobierno Libanes pone al inicio de la cinta un mensaje que deja claro que no tiene nada que ver con lo que se ve en pantalla, y es que Ziad nos dice algo importante que en esta epoca se deja de ver, ¿una persona puede brincar la justicia y las leyes porque su pueblo o incluso él ha sufrido? ¿se han vuelto intocables estos ciudadanos a los que se les ha protegido tanto que han pasado a ser ciudadanos por arriba de los de primera? y ¿es valida esa sobreproteccion por causas de las que ni siquiera somos culpables? aquí en México el asunto es actual debido a los miles de inmigrantes que entran diariamente por la frontera, que reciben un sueldo por no hacer nada y que atacan a los ciudadanos mexicanos incluso quejándose de la hospitalidad como cierta "lady frijoles" que termino en cárcel en el país vecino.

Doueiri dice que la idea le nació cuando tuvo un altercado muy parecido con un inmigrante que se tomo una afrenta un poco de agua, y el hacerlo un drama judicial le viene de su gran amor por el cine norteamericano del genero donde nombra varias obras mayores, es obvio su conocimiento por el cine de este genero de juzgado ya que juega muy bien sus cartas, desde el uso de una fotografía adecuada y esos cambios que siempre nos ofrecen algo distinto, ya sea un juego de perspectiva, la cámara siguiendo al actor, los close ups, las tomas ininterrumpidas, la cámara estática y hasta las tomas por encima mostrando todo el juzgado, al igual que diálogos que van de lo ingenioso a lo punzante y donde el director no teme en meterse en temas picantes, ya sea el impecable racismo de Tony o la inconmensurable violencia de Yasser que ha surgido durante toda su vida, apunte antes lo de la anécdota porque aunque el director intenta darle un punto de vista imparcial y en cierta manera lo logra los hechos apuntan para un lado por mas que el otro sea mas simpático, es decir era difícil hacerlo y a final de cuentas el mensaje esta ahi, no hablo del adoctrinador donde todos debemos perdonar y entendernos para aprender a convivir sino a ese donde nadie debe tener privilegios, todos hemos sufrido de una u otra manera y no hay victimas que no sean victimarios como lo muestra ese libanes en silla de ruedas o ese tortuoso pasado que explica la forma de ser de Tony, dejemos de generar victimas, aceptemos que nadie esta exento de respetar la justicia y podemos en realidad avanzar a un mundo mejor, y que mejor manera de mostrarlo que con una cinta muy valiente.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Un Pequeño Favor

UN PEQUEÑO FAVOR (A SIMPLE FAVOR, EU, 2018)

Emily (magnifica Blake Lively) baja de un auto de lujo en medio de la lluvia con esos tacones altos, un traje sastre a la medida con sombrero y un paraguas con una seguridad y porte que da miedo al mismo tiempo que fascina, esto es lo mejor de la cinta, lo increíblemente bien que luce Lively en esos trajes y el porte de estrella de epoca de cine clásico que no deja en ningún momento, con su presencia roba la pantalla y nos quita el aliento, su Emily fascina e intimida al mismo tiempo, esa presencia, esa seguridad, su desprecio por los lugares y la gente común hacen un juego perfecto con la sosa bonachona Stephanie de Anna Kendrick que también lo hace muy bien como esa bloggera ñoña que les enseña a los padres a hacer recetas sencillas o manualidades ridículas, si a esto le sumamos un vestuario fascinante que las hace brillar en todo momento, un fotografía que resalta los colores y una banda sonora francesa totalmente ad hoc con lo que vemos en pantalla no queda mas que rendirse frente al director Paul Feig, por lo menos en su primera hora.

Anoto lo de la primera hora porque la segunda mitad baja mucho el nivel con el misterio tomando múltiples vueltas de tuerca que solo intentan sorprender al respetable pero son totalmente inverosímiles al igual que el cambio radical de Stephanie que entiendo de alguna manera siempre estuvo dentro de ella, muestra de ello es el enfermizo secreto que involucra medio hermano, pero también en el desenlace de alguna forma vuelve a ser la tontona del inicio en tanto Emily comete errores que no parecen propios de la persona que vimos al inicio solo para ajustarse a las necesidades del guion, y ese final con el carro.... de pena ajena aunque sirve para mostrar la actitud base de Emily. En pocas palabras tenemos al mejor Feig al inicio, preocupado por el estilo visual y sonoro que les deja a sus protagonistas lucirse y luego tirar por la borda lo logrado con un guion que no se si respete el material original de Darcey Bell pero que aquí no logran hacerlo funcionar.

Stephanie es una mama dedicada que se involucra en todo por su niño y vive del seguro de su esposo, conoce a Emily, una mujer fuerte y decidida que también ama a su hijo a su particular manera, vive, bebe y viste con estilo y Stephania termina admirándola, se hacen amigos aunque al final sirve como niñera de esta hasta que Emily desaparece, no es un spoiler esto se nos dice en el primer minuto, Steph no desiste y la busca ya que todos parecen indolentes al asunto, pero al mismo tiempo se vuelve apegada al esposo de Emily (Henry Golding) y termina enamorándose, comienzan una relación y todo parece ser el comienzo de una vida feliz y plena pero el hijo de Emily dice que ve a su mama y el guardarropa de esta se resiste a partir por lo que la mujer decide investigar mas a fondo para descubrir un oscuro pasado con todo y ex novia desquiciada (hilarante Linda Cardellini), pero lo dicho, el comienzo es fascinante con la diferencia de caracteres de ambas, el misterio de Emily y los secretos de Stephanie que luego se trasladan a ese presente depravado pero la parte final con vueltas de tuerca forzadas y sorpresas inverosímiles(ese beso fanservice que anoto, no me quejo) echan a perder lo que pudo ser una muy buena cinta.

Calificación: Vale la Pena