Cinecritica: The Chaser

THE CHASER (CHUGYEOGJA, COREA DEL SUR, 2008)

El primer largometraje de Na Hong-jin es un maravilloso thriller de tonos azulosos y grises que le da una vuelta a lo que pensamos sobre este tipo de cintas y ademas lo logra teniéndonos en máxima tensión en cada segundo donde no se renuncia al humor negro ni a la critica, el director y guionista nos lleva a un viaje a los infiernos de Corea del Sur, lo hace de forma despiadada e inteligente donde nada es gratuito y conjuga un sinfín de géneros siempre dándole mayor importancia al entretenimiento, es cierto, sufrimos la cinta en todo su metraje, el director no otorga concesiones en su retrato basado en el asesino serial Yoo Young-chul, nos obliga a mirar de frente la maldad, no solo de el sino de un sistema y una sociedad que son indiferentes en el mejor de los casos y que entorpecen en el peor, siempre apoyando al criminal y teniendo nula empatia con las victimas.

Después de todo no todos los ciudadanos son de la misma clase parecen gritar todos con sus acciones, por ello las personas no se escandalizan, simplemente son morbosas, por ello las autoridades no hacen bien su trabajo, porque se preocupan mas por salir del apuro, por dar un rostro falso, y por ello la única esperanza parece ser un antiheroe que en algún momento se convierte en monstruo como la persona que persigue ¿pero no es necesario? a estas alturas todos apoyamos lo que sucede y tomamos la actitud de las personas que lo permiten, no nos queda de otra, para enfrentar a un monstruo debe hacerse con otro. Ademas el antiheroe aquí tiene un crecimiento personal y espiritual real, no es el malhablado malhumorado que acostumbrados en occidente, aqui si es un antiheroe, de hecho mas cercano al villano que a un héroe como lo concebimos.

Es de admirar el ritmo que le imprime Na Hong-jin a la cinta, es casi vertiginoso pero al mismo tiempo se siente pausado, dando tiempo a que la cinta arranque y que conozcamos los personajes, el montaje es perfecto y nos tiene al borde del asiento a cada momento, es de admirar también algo que se esta volviendo característico del cine coreano, el uso del humor negro y la parodia en todo momento sin por ello renunciar a la tensión que impregna todo el metraje, la critica al sistema policial y político es inmisericorde mostrándolos como imbéciles, fríos, estúpidos y corruptos ademas de tener una pésima organización, algo que queda patente en la batalla que se da entre los policías y los investigadores por los sospechosos, o en el ataque al alcalde donde la policía no hace nada y se ve forzada a atrapar al asesino para limpiar su nombre, o con ese vanidoso alcalde esperando salir del hospital como un héroe.

La fotografía de tonos oscuros es perfecta para la historia y el reparto es sorprendente, todos los que aparecen se lucen ya sea en tono cómico, dramático, policial y hasta psicópata, sumemosle unas escenas de suspenso, thriller, persecuciones de accion muy emocionantes y un interesantisimo duelo actoral entre los dos protagonistas y tenemos una cinta redonda. La cinta inicia de lleno, con una joven prostituta que nunca regresa a su auto, su proxeneta Eom Joong-ho (Kim Yoon-seok, excelente) esta furico ya que piensa que se escapo, y no es la primera que lo hace, con falta de "personal" obliga a Kim Mi-jin (Kim Yoo-Jung, muy bien) a trabajar a pesar de que esta enferma, pronto se da cuenta que el numero del cliente es el mismo que llamo la vez que desaparecieron y le da indicaciones a la chica para que le indique como encontrarlo, pero como Kim sospecha la situacion va mas alla de un chulo que recluta chicas, algo que ya le habían advertido al cínico y violento Eom que cuida a sus chicas pero solo porque recibe compensación monetaria.

Kim desaparece y se nos revela el asesino en escenas tensionantes y violentas en tanto Eom busca al tipo y por azar del destino choca con él, Eom atrapa a Je Yeong-min (Ha Jung-woo, perfectamente escalofriante) y la policía los toma a ambos, ahi el tipo suelta que es un asesino serial que ha matado a muchas, la policía no lo cree pero si resulta ser verdad estarían ante la oportunidad de redimirse con el alcalde y la sociedad por no poder detener a un "tiramierda" es asi que todos meten mano en el caso pero el tipo no suelta prenda y ya ni siquiera acepta haber confesado, en tanto Eom esta desesperado porque piensa que el tipo solo juega con ellos y es una excusa para robarse las chicas, comienza su propia investigación y empieza a darse cuenta que quizá el tipo si sea un psicópata despiadado que ha encontrado las lagunas legales para salirse con la suya, incluso con confesiones anteriores, va en busca de pistas, revisa domicilios, interroga a su familia, va a casa de Kim donde tiene que hacerse cargo forzosamente de la pequeña Eun-ji (Kim Yoo-jung, una sorprendente pequeña), interroga prostitutas y prostíbulos, y poco a poco frente a sus ojos se va revelando una terrible verdad que no puede creer, que tiene que detener, debe salvar a Kim Mi-jin porque la culpabilidad lo mata, debe enfrentarse al sistema que protege al asesino, a la ineptitud de una policía que solo hace el ridículo, debe convertirse en un monstruo para detener al que enfrenta y todo ello mientras sufre una transformación personal donde el monstruo ambicioso sin escrúpulos da paso a una persona en busca de redención.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Nausicaä del Valle del Viento

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO (KAZE NO TANI NO NAUSHIKA, JAPON, 1984)

Volvemos a revisar al maestro Hayao Miyazaki con la que en mi muy humilde opinión es su mejor cinta, por muy poco ya que tiene varias obras mayores, la segunda cinta de Miyazaki aborda todas las obsesiones del director y es de las que mejor las enlaza, también es la obra mas pretenciosa del director en el mejor sentido de la palabra, hecha en conjunto con un manga del autor de siete tomos y mas de doce años de trabajo. Estamos en un mundo post-apocalíptico donde el mundo esta contaminado y los bosques son venenosos, estos estan habitados por insectos que protegen el bosque y atacan a los que osen atentar contra ellos, el aire también es venenoso y la tierra no es fértil, solo quedan algunos lugares donde se puede vivir como el valle del viento de titulo, un lugar que debido a su cercanía con el mar y el viento que siempre sopla por el valle evita que las esporas venenosas lleguen al lugar, ya desde el inicio se nos indica que este mundo donde habitan pequeños reinos muy diferentes entre si que estan en un constante vaivén de poder militar y política.

El prologo nos explica sobre las guerras que azotaron el mundo tiempo atrás, donde la ambición y la avaricia causaron los siete días de fuego donde los guerreros sagrados destruyeron el planeta, tiempo despues empezaron a surgir los bosques venenosos causando que la supervivencia de los pocos humanos que quedaban fuera todavía mas complicada, todo esto ha quedado como parte de la historia y somos testigos de una figura totalmente cubierta que vuela sobre un extraño artefacto llamado Möwe y llega al bosque venenoso, se adentra en el y pasa junto a los insectos como si nada, recoge esporas y encuentra un caparazón de ohmu que es muy apreciado, en eso escucha disparos y ve a un viajero escapando de los insectos y del mismo ohmu que dejo el caparazón, un majestuoso ser semejante a un gusano gigante con 14 ojos, el ohmu esta furico y parece que nada puede detener su furia, hasta que el primer personaje hace su jugada, pareciera tener una conexion con los insectos y los calma, los ojos del ohmu cambian de color y regresa obediente a la selva toxica.

La persona que tiene esta magia especial es una chica, la joven princesa Nausicaä, y el viajero es el mejor espadachín del mundo, Lord Yupa, que ha viajado por todo el mundo buscando una solución para el mundo contaminado ya que los bosques contaminados cada vez ganan mas terreno en el mundo acorralando a los humanos y destruyendo reinos enteros, ya en el valle es obvio que la princesa es amada y admirada por todos, con un carácter cristico donde siempre ve el lado bueno de las cosas, dispuesta a sacrificarse por los demas, con palabras de aliento y enseñanzas, y un vinculo con el mundo y la naturaleza, esto queda claro cuando soporta los ataques del zorro-ardilla Tito hasta que este comprende su bondad, Yupa también es admirado pero este no puede creer lo mucho que ha madurado, tanto asi que todos se soportan en ella, y por si fuera poco descubrió el secreto del mundo toxico, como los humanos contaminamos el planeta este se esta limpiando solo con el bosque toxico y por ello los insectos la protegen, no tiene que ver con atacar a los humanos, es simplemente el ciclo necesario de regeneración.

Solo deben aprender a vivir con ello y rogar que el viento siempre los proteja, pero los problemas empiezan muy pronto cuando un gigantesco avión esta siendo atacado por muchísimos insectos y termina estrellándose en el valle, todos los pasajeros mueren, incluida la princesa de otro reino que le ruega a Nausicaä que quemen lo que transportaban, humanos e insectos mueren y la contaminación llega al valle, por si fuera poco llega el poder militar del reino torumekiano, el mas poderoso de todos y asesinan a diestra y siniestra y los toman como esclavos, despues de un acceso de ira la princesa les pide la rendicion a sus subditos, esta es llevada como prisionera junto a otros ancianos con la torumekianos que son atacados por un caza de Petije en venganza por la muerte de los habitantes del reino, todo se convierte en un mar de fuego donde Nausicaä es testigo de la muerte de Petije y la venganza de estos para con los torumekianos, todo por un dios guerrero que fue encontrado y que todos buscan revivir para hacerse del control del mundo y arrasar la selva toxica.

Para ello se desata la furia de cientos o quizá miles de ohmus que ahora son indetenibles y que acabaran con todo a su paso en una nueva guerra humana que solo puede terminar con la destrucción de todos los involucrados. Lo dicho, estamos ante una obra muy ambiciosa del maestro Miyazaki que sigue las obsesiones del mismo, un mundo apocalíptico, la contaminación del hombre al mundo, el amor por la naturaleza, la ambición de poder como autodestrucción, la necedad de los seres humanos, el ambiente político tenso que puede cortarse, el canto a la belleza de la naturaleza, la crueldad humana que difiere de la de la naturaleza, una es con gusto la otra es forzosa, la esperanza de que seguimos teniendo humanidad en lo mas profundo de nosotros, la protagonistas mujer que no toma características de hombre sino que logra con las femeninas construir una heroína, y aquí mas que en ninguna otra el simbolismo religioso de una Nausicaä que soporta lo que le toque y que puede sacrificarse por el puro amor que le tiene a todos, que sufre junto a los demas, y que en cierta escena clave se levanta en medio de luces mientras la majestuosa banda sonora de Joe Hisaishi nos alegra el corazón y nos despierta todas las emociones posibles.

En cuanto a factura técnica la cinta es impecable, los dibujos son hermosos y fluidos, es impresionante la cantidad de detalle vertido en cada fotograma, los diseños son originales y muy elaborados, se les nota la marca de Miyazaki lo que logra separarlos del típico anime, el ritmo de la historia es perfecto y Miyazaki de nuevo muestra su maestría al saber desde donde verse cada toma, cual es el encuadre perfecto, las escenas de accion estan dibujadas de tal manera que ruborizarían a cualquier cinta animada de occidente, son realmente emocionantes, el ritmo, la música, todo es perfecto en ellas, y la profundidad de los temas causa que pueda verse una y otra vez para descubrir todo lo que nos quiso decir Miyazaki, y quizá otro gran acierto es que la historia aun sin entender los simbolismos se disfruta a cabalidad, como una gran cinta de mundos apocalípticos.

Y ademas todo repleto de momentos y escenas memorables, de hecho es difícil mencionar algunos ya que todo fotograma lo es, desde la presentación, la vida en el valle, las escenas de accion, esa rebelión es magnifica, el doloroso descubrimiento del plan de Petije, la crueldad de los torumekianos, el arranque de ira de Nausicaä, su sacrificio, la resurrección del dios guerrero, el mar de ohmus atacando, y por supuesto el magnifico y legendario final, ademas con personajes que se ganan un hueco en el corazón, ya que nadie es totalmente malo o totalmente bueno, son grises, tiene matices, son humanos, desde el pensante Yupa, la resentida princesa Kushana, el vengativo Asbel, el recto y frió rey del valle, el ambicioso y ambiguo Kurotowa, los fieles seguidores entrados en edad de Nausicaä, la sabia anciana, la misma Nausicaä con carácter cristico pero un obscuro pasado que la perturba en sueños y un larguísimo etcétera, igualmente los insectos que tienen características propias y razonamiento, hasta el mismo bosque, y los artefactos voladores que tanto obsesionan a Miyazaki en toda su filmografia, aqui hay de todo tipo, gigantescos, veloces, de carga, unos que parecen gaviotas y son ligeros, otros que son barcos voladores, esa obsesión de Miyazaki de conquistar el aire, el cielo, el arte de volar sigue aquí y se nota mas que nunca, con una protagonista ama el viento y de deja mecer y llevar por el, como el mismo Miyazaki que logro conquistar el cielo por lo menos en el cine donde su arte alcanza la mayor calidad y espero, la mayor de las grandezas, que es la inmortalidad en el cine.

Calificación: Excelente

Cinecritica: Escalofrió

ESCALOFRIÓ (FRITT VILT - COLD PREY, NORUEGA, 2006)

El director Roar Uthaug ya había demostrado en "La Ola" que es un director con recursos, que sabe perfectamente como dirigir y mover los hilos del genero de desastre, y en "Escalofrió" demuestra ser un director artesano, de esos que ya casi no hay, que pueden moverse por varios géneros sin que le moleste ya que sabe las reglas de ellos y tiene el talento suficiente para darles la dirección adecuada, esta cinta es de sus primeras cintas y tiene un muy buen manejo del genero slasher con todo y sus clichés, todos apuntan como un logro que la ambientación es diferente y nada mas, pero esto es una característica mas que una virtud, en cambio si son logros la bella fotografía, el cuidado montaje, una ambientación que nos trasporta al lugar, un reparto que lo hace bien y unos personajes que de verdad nos interesan, quizá esto es lo mas importante ya que el director Uthaug les da tiempo a todos los personajes y logra que nos interesemos en ellos.

A diferencia de las cintas norteamericanas del genero no son unos adolescentes tontones que solo piensan en drogas y sexo, por el contrario sus relaciones son mas maduras, mas interesantes, ya sea la luchona Jannicke (Ingrid Bolso Berdal, bastante bien) que no se quiere comprometer con el buenazo Eirik (Tomas Alf Larsen), por otro lado la enamorada Ingunn (Viktoria Winge, bien) junto al calenturiento Mikal (Endre Martin Midtstigen) que tienen problemas cuando la seria chica no quiere ceder con el muchacho y un malentendido causa una pelea que da pie a que comiencen los asesinatos, y Morten Tobias (Rolf Kristian Larsen) que le da el toque de humor a la cinta ademas de que esta no esta tan secretamente enamorado de cierta chica. Los chicos viajan a las montañas donde hacen snowboarding pero Morten sufre un accidente que lo deja incapacitado para moverse, con la pierna en mal estados los chicos o llevan a duras penas a una cabaña que encuentran ya que la noche ha caído y no podrán llegar al carro durante ella.

El lugar era un hotel hace años, pero desde mediados de los setenta nadie lo ha habitado, o por lo menos eso indica la bitácora, por mas que pareciera no estar tanto tiempo solo, lo que sigue es una pelea cuando la virginal Ingunn no ceda y la aparición de cierto psicópata que como marca la formula ira diezmando al grupo en lo que se dan cuenta y despues solo intenten sobrevivir, algunos buenos momentos levantan la calidad de la cinta, que presume una factura impecable técnicamente, por el lado malo el villano es demasiado genérico y eso causa que se pierda en los cientos de villanos slashers, algo que se reciente todavía mas porque la revelación final es lo suficientemente cruel como para impactar, y debo admitir que hasta ese momento no entendía esa primer escena o la importancia de las pistas que se daban por aquí y alla.

Calificación: Interesante

Cinecritica: Juego del Terror

JUEGO DEL TERROR (SCARE CAMPAIGN, AUSTRALIA, 2016)

El segundo largometraje de Cameron y Colin Cairnes es un habilidoso juego de vueltas de tuerca que recuerda a la estructura de las muñecas rusas o matrioska debido a las diversas capas que estan en la narrativa. El Scare Campaign del titulo es un programa de sustos donde la victima es un pobre diablo que es llevado a una situacion limite de sustos donde los resultados sean cómicos para los espectadores por mas que el tipo este sufriendo, la cinta comienza mostrando esto pero en una situacion que se sale de control cuando la victima intenta defenderse, a raíz de esto Emma (Meegan Warner, bien) intenta renunciar pero el manipulador director Marcus (Ian Meadows) la convence de un programa mas aprovechando que la chica esta enamorada de él, por otro lado la inescrupulosa productora (Sigrid Thornton en cameo) les pone un ultimátum, deben llevar el programa mas alla ya que un programa por internet que al parecer presenta asesinatos reales realizados por enmascarados les esta ganando el mandado.

Asi que la producción viaja al psiquiátrico abandonado donde se seguirá lo acordado pero cuando llega la victima, un tipo que conoce muy bien el lugar porque trabajo ahi ¿o sera que era interno? Emma se da cuenta de que algo no va bien con el tipo e interroga a Marcus que intenta librarse de las preguntas y es ambiguo, pero muy pronto el extraño Rohan (Josh Quong Tart, bastante bien) demuestra que escogieron la victima equivocada, a partir de esta primera sorpresa se vienen muchas mas, todas bien pensadas y con una finalidad ya que los directores que también escribieron el guion tienen muy claro hacia donde van sus dardos, estan criticando a esos consumidores voraces del cine y programas de terror que disfrutan mas mientras se lleve mas al limite la situacion, es decir a nosotros mismos, los que estamos viendo esta cinta y que debemos sentirnos aludidos.

Pero no solo eso, es un ataque inteligente hacia los reality shows que buscan mas y mas escarbar en la vida de las personas, mostrar su peor faceta, burlarse y jugar con su destino y hacer negocio del morbo de las personas, al mismo tiempo que nos hace hincapié en ese turbio mundo del internet donde no existen las reglas y las personas pagan para alimentar sus mas obscuros deseos, unos que no pueden pedir en la vida real, donde muestran su verdadera cara y que ya existen en la realidad, esta realidad de anonimato, cobardía y enfermedad, pero no solo es ácida en su critica o didáctica en su contenido, la cinta es muy bien filmada, es ágil, su metraje es rápido, el montaje es impecable, los efectos de producción cumplen en todos los aspectos, hay mucho gore y algunos sustos, la fotografía no teme mostrar colores vivos y el reparto lo hace bien y mas aun en un slasher, ademas el jugar en muchas escalas con situaciones dentro de otras lo hacen muy interesante y sorpresivo por mas que algunas se vean venir, no es un error que alguna sea predecible sino ese mensaje de celular que esta de mas ya que la joven actriz Abby (ascendente Olivia DeJonge) transmitía lo suficiente sin necesidad de eso, pero so pequeños defectos en una cinta recomendable con un enérgico final que recalca la parodia y la mala leche.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: La Profecía

LA PROFECIA (THE OMEN, REINO UNIDO-EU, 1976)

La película que consagraría al director Richard Donner y que lo llevaría a ser tomado como un director con talento y ademas popular que a partir de aquí tuvo grandes presupuestos y el favor del publico, aunque la cinta es una suma del todo, desde la dirección pulcra y limpia donde Donner sabe donde poner la cámara y maneja muy bien los tiempos, una ambientación que ayuda a ponernos en los zapatos de los protagonistas, un guion que cumple con creces donde el terror psicológico se conjuga con el thriller para que en todo momento tener nuestra atención, un reparto que esta muy por encima en calidad de lo que el genero suele usar y una banda sonora de Jerry Goldsmith que exalta los atributos de la cinta principalmente con ese canto gregoriano "Ave Satani" que nos pone los pelos de punta por lo que significa y lo que quiere decir. La cinta comienza con el embajador Robert Thorn (el legendario Gregory Peck tan circunspecto como de costumbre) viajando en limusina al hospital donde su esposa dio a luz pero donde desgraciadamente el niño a muerto.

Robert esta inconsolable pero un sacerdote (Martin Benson) le dice que puede adoptar otro niño casi idéntico que esta huérfano y que nadie lo sabría, ni siquiera su mujer, el tipo acepta y con ello comienza una idílica vida donde incluso llega a ser embajador de Inglaterra y con ello acercarse a la presidencia de EU donde el presidente en turno es buen amigo suyo, hasta que en una fiesta de cumpleaños la niñera (Holly Palance) se suicida solo porque si en un ahorcamiento memorable y muy recordado, a partir de ahi las cosas se comienzan a poner extrañas, la niñera solovino Mrs. Baylock (tenebrosa Billie Whitelaw) se establece en la casa con todo e imponente perro negro que llega al tiempo y que nosotros ya habíamos visto, el desesperado sacerdote Brennan (Patrick Troughton) lo busca diciendo que debe matar al niño, y su mujer Katherine (Lee Remick, tan preciosa como siempre) ya no soporta al pequeño y piensa que no es suyo, Robert no pone atención hasta que su mujer sufre un extraño accidente, Brennan sabe mas de lo que debería, y el fotógrafo Keith Jennings (enigmático David Warner) le muestra unas extrañas fotos que parecen predecir desgracias.

A partir de entonces Robert se enfrasca en una búsqueda junto a Keith para desentrañar el misterio del pequeño Damien (Harvey Spencer Stephens con cara de ángel y sonrisa de demonio) y todos los extraños acontecimientos que estan destruyendo la vida de Robert, por supuesto que lo que encuentran va mucho mas alla del entendimiento humano y es cuando lo que comenzó como una película de suspenso y paso a ser un thriller se transforma en terror puro donde el ambiente nos hace temer, en especial porque Donner va trabajando el ambiente y nos pone cada vez mas tensos hasta que todo explota, donde no es necesario el sobresalto porque el terror impregna en todo momento la cinta y logra transmitirlo, de tal manera que al final uno termina con un sentimiento terrorífico real mucho mejor que un sobresalto que se olvida al minuto siguiente.

Por ello las cintas de terror clásicas son mejores, porque apuestan por lograr un sentimiento general que perdure y no un sobresalto que se olvide, pero supongo que en la actualidad los espectadores no buscan eso, quieren brincar y no que una idea les penetre la mente, y Donner lo hace muy bien con una producción mas que adecuada y un reparto que eleva el nivel de la cinta, momentos memorables los tiene, los múltiples y distintos asesinatos que son mas por "casualidad" que otra cosa, los perros demoníacos que estan en todos lados, el viaje al zoológico con los animales histéricos, Damien rehusándose a entrar al templo, el niño tumbando a su madre con el triciclo, los obscurecidos ojos de la niñera, la logradisima producción en especial en ese aire demoníaco que persigue al sacerdote, la investigación con el cuarto de Brennan, el misterioso monasterio, el demoníaco cementerio que revela la madre del niño (mi parte favorita) y ese viaje a tierra santa. También es cierto que no es perfecta, un final que no logra mantener la fuerza que logro hasta ese momento y algunos datos que se dan y no se retoman como si se hubieran olvidado de ellos, pero aun asi se perdonan porque la suma de las partes es positiva y como no perdonarlo con ese final mala leche donde una sonrisa anuncia el inicio del fin.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: Darkman: El Hombre Sin Rostro

DARKMAN: EL HOMBRE SIN ROSTRO (DARKMAN, EU, 1990)

Seguimos revisando a Sam Raimi, esta vez con la cinta que hizo entre la segunda y tercera parte de la trilogía "Evil Dead", como buen fanático de los cómics Raimi quería hacer una película sobre superheroes pero sus cintas no eran blockbusters para conseguir los derechos de alguno por lo que decidió crear uno, o mejor dicho usar uno que ya había creado y junto a su hermano Ivan darle una historia típica de cómic, pero Raimi va mas alla, no solo le da un aire a este medio en la historia sino que cada linea parece salir de un globo en un cuadro, es decir le da a toda la cinta este tono, con un diseño de producción que recuerda el ambiente, los colores que resaltan y le dan todavía un aire mas cercano al papel y una violencia que solo se veía en los bajos medios, pero que de alguna manera no perturbaba, y si a eso se le añade el humor negro, la mala leche, la parodia, el estilo de cámara cambiante y vertiginoso, el montaje exquisito y esas tomas que parecen salidas de un dibujo animado tenemos una cinta muy buena que se regodea en sus bromas y violencia.

Pero también la historia es importante y Raimi lo respeta, sus películas siempre tienen una trama sencilla pero no por ello simples, siempre con una profundidad o doble lectura que es difícil de encontrar, por ejemplo aqui también homenajea el genero al mismo tiempo que lo parodia con personajes exagerados y situaciones extremas, algo que se nota en esa hilarante escena del juego en la feria donde Peyton (Liam Neeson, muy bien) pierde los estribos con resultados de dibujo animado, o desde el inicio donde los traicioneros mafiosos se la aplican al tipo con todo y pierna ametralladora, lo que muestra que Raimi no se toma en serio la cinta justo como lo hacia Tim Burton y su insuperable diptico de Batman pero siempre con violencia y sin caer en el chistorete que ahora ha denigrado tanto el genero de la mano de la corrupta, ridícula y cansina marvel.

Después de ese divertido y violento inicio con todo y jefe mafioso Durant (sobresaliente Larry Drake) que colecciona dedos conocemos al científico Peyton que tiene como meta conseguir que la piel sintética no pierda su estructura molecular, para su buena o mala suerte su novia Julie (la musa de los Coen Frances McDormand, bien) es la fiscal y consigue una prueba que derrumbara al corrupto empresario Strack Jr. (adecuado Colin Friels), esto antes de que Julie decida no usarla porque esto le ayudaría al maleante Durant que compite con el empresario, pero esto no es problema para el mafioso que llega al lugar de trabajo del científico asesina a su asistente y lo torturan y dejan por muerto en una sádica explosión. Todos lo dan por muertos y Julie se desbarata en su funeral (mostrada en una transición magnifica) y se deja consolar por Strack algo que destruye a Peyton que obviamente sobrevivió a la explosión.

Confundido por un vagabundo y encontrado en el rió el tipo fue sometido a una operación que lo hace perder sus nervios de dolor ya que tiene el cuerpo completamente quemado, una explicación burlona de la medico nos dice que esperar de él y el diferente funcionamiento de su cuerpo, Peyton escapa y ve que no puede volver a su vida anterior, decide seguir con los experimentos para crearse tejido artificial y volver con su querida Julie pero poco a poco lo va cambiando por venganza para con los tipos que le arrebataron su vida, usando los rostros de ellos mismos juega con ellos y les roba mientras a veces se presenta con Julie escapando en poco tiempo ya que la piel solo dura 99 minutos, sorpresas, violencia, humor negro, los mafiosos matándose entre ellos, la mujer gritando histeria cuando ve a los dos hombres con el mismo rostro, y uno de ellos muerto, los chistes raciales, los insultos e improperios soltados por el criminal latino y un tiroteo en un sepelio, ¿que mas se puede pedir?

A eso sumemosle una parte final genuinamente emocionante con mucho dinero en producción y una dirección perfecta de Raimi que nos regala muchas sorpresas, un enfrentamiento con muchas opciones con todo y helicóptero destruyendo el trafico y otros helicóptero, impresionante esta persecución con nuestro héroe en pleno aire, y un final con aire a cine clásico acompañado de la banda sonora de Danny Elfman, no se puede pedir mas, y por supuesto ese final donde queda claro que Darkman ha nacido y le ha ganado la pelea a un Peyton que no existe mal con todo y un delirante cameo del grande Bruce Campbell.

Calificación: Bastante Bien

Cinecritica: El Planeta de los Simios: La guerra

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: LA GUERRA (WAR FOR THE PLANET OF THE APES, CANADA - NUEVA ZELANDA - EU, 2017)

Al terminar la buenisima "Dawn of the Planet of the Apes" la camara hacia un acercamiento a los expresivos ojos de Caesar (Andy Serkis, extraordinario) anunciándonos lo que se venia, es decir la inevitable guerra a la que hace referencia el titulo de la cinta, no quedaba mas que emocionarse con lo que ello podía ofrecer, la ultima batalla por la tierra entre simios evolucionados y humanos desesperados, cuando comienza la cinta vemos a unos soldados atacar a los simios que cuando parecen derrotados regresan con una lluvia de flechas mientras el terco Coronel (Woody Harrelson, bien) de los humanos les ordena a estos morir, Caesar pasando a ver sus tropas cual general de guerra de película clásica, al ver estos majestuosos momentos pensamos que veremos lo que prometía el trailer pero cuando algunos simios traidores llamados donkeys por los humanos los traicionen causaran un ataque a mitad de la noche que culminara con la muerte de la familia de Caesar que envía a su manada a un territorio seguro pero sin él ya que tiene que saldar cuentas, la terrible y sombría venganza se alza sobre la sombra del cesar.

Asi la cinta se convierte en otra cosa, en la búsqueda de la venganza, de Caesar buscando retribución junto a su consejero Maurice (Karin Konoval, muy bien), el inseparable Rocket (Terry Notary, bien) y el rudo Luca (Michael Adamthwaite) que insisten en acompañarlo, asi Caesar pelea con su propia conciencia que lo torturan con todo y visita de Koba (Toby Kebbell en cameo) incluida, mientras Maurice lo insta a desistir y Rocket le dice que sigan, por supuesto que la situacion se torna mas densa cuando Maurice rescata a una encantadora niña que llamaran Nova (bellisima Amiah Miller) que le recordara a Caesar que no todos los humanos son malos, quiza por ello las malas criticas a la cinta, los que esperaban accion y batallas con muchos efectos especiales no lo tendrán, por lo menos no de la manera que ellos esperaban, esta guerra se pelea de otra manera, es una batalla por la "humanidad" de los que debe vencer y por ello el dilema moral forma parte integral de la trama, no solo de Caesar sino de todos los implicados, ya sea el variopinto Coronel, los simios que siguen a Caesar, los que seguían a Koba, los soldados a los que Caesar perdono la vida y hasta la adorable Nova que busca su lugar en el mundo.

Por supuesto que de la inocente niña a los demas hay un mundo de diferencia pero esto principalmente es lo que el director y guionista Matt Reeves nos quiere decir, en cuanto a aspectos técnicos poco que decir, los efectos especiales son maravillosos, de verdad parecen simios de verdad (el pelaje esta cuidado a detalle) y nos convencen de que pueden parecer humanos, la dirección es limpia, la fotografía es hermosa y la banda sonora es esplendida, y las referencias cinefilas se agradecen.

Anote que los simios parecen humanos y esto no solo es un logro técnico sino de los actores que aun detrás del maquillaje digital hacen un trabajo magnifico, ¿en algún momento se les tomara en cuenta para competir por premios? Andy Serkis ya lo merece. Volviendo a la cinta el grupo se topara con el "bad ape" (Steve Zahn, esplendido), un simio parlanchin que se viste como humano aunque a veces parece no ser muy inteligente, hilarante en cada una de sus apariciones y poniendo el tono cómico en una cinta densa y seria, de aquí momentos hermosos como el regalo de la flor a la pequeña o la muerte de un miembro con ella sufriendolo tanto como ellos, al final Caesar debe dejar de lado su venganza para de nuevo ser el líder de un grupo que defraudo y que ahora le da la espalda, con un coronel que roza el sadismo y una enfermedad que temen los humanos, una que les hace involucionar haciendo todavía mas tenue la linea entre ambas especies.

En este gran escape con villanos que cambian de piel, mucho sadismo y sufrimiento y un plan que emociona en todo momento, con todo y batalla final pero mejor pensada y algunas sorpresas que nos maravillan, pero al final todo esta dicho y es que pareciera que el destino (¿Dios? ¿la naturaleza?) decidió quien debe ser el siguiente ser que dominara el planeta, con una nueva plaga que se suma a las pasadas y un desastre natural que le da la posibilidad a este Moisés simiesco de llegar a la tierra prometida y con ello convertir al Caesar de Serkis en uno de los mejores personajes cinematográficos de lo que va en este siglo, junto a una trilogía (la mencionada Dawn y la mejor de todas, "Rise of the Planet of the Apes") que también es de lo mejor de ciencia ficción del mismo y que debe leerse como lo que es por mas que este camuflada de blockuster hollywoodense.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Posesión Infernal

POSESIÓN INFERNAL (EVIL DEAD, EU, 2013)

El remake, reboot, continuación o lo que se acumule en la semana funciona para expandir la franquicia de Evil Dead al mismo tiempo que se los presenta a la nuevas audiencias, la cinta funciona por si misma, tiene un ambiente malsano y mucho gore con un final tan sangriento que por el mismo ambiente ya vale la pena revisar la cinta, es decir la cinta cumple para los fanáticos del cine de terror actuales donde estos disfrutan el sobresalto y los cambios de volumen para reírse un poco, por otro lado tendremos a los fanáticos de la saga actual que disfrutaran con el gore y el ambiente que destila la cinta, algo que quizá incomode a los espectadores nuevos, pero tendremos un tercer tipo, los puristas que compararan la cinta con la original y buscaran algo de la cinta original, estos son los que saldrán mas molestos ya que la parodia, el humor negro y la mala leche han desaparecido, de hecho la sensación de terror autentico también se ha ido y quizá el cameo de un actor legendario no sea suficiente aliciente para ellos.

Es esta epoca de sobreexplicacion el director Fede Alvarez junto a su coguionista Rodo Sayagues repiten el mismo error de todos, tratar de explicar demasiado, desde ese inicio que debería servir como introducción pero que se hace larguísimo donde solo tenían que informarnos de todo y punto, abren muchas relaciones que no van a ningún lado y solo afectan la cinta, la adicta Mia (Jane Levy, esforzandose y muy dedicada) es llevada a una solitaria cabaña familiar en el bosque donde su hermano David (Shiloh Fernandez, de pena ajena), la apetitosa novia de este Natalie (Elizabeth Blackmore, hermosa y desaprovechada), el irritable Eric (Lou Taylor Pucci) y la amiga de todos Olivia (Jessica Lucas) harán lo posible por retenerla, claro que los síntomas de abstinencia se dan rápidamente y las cosas salen de control, pero mas aun cuando Eric encuentre el Necronomicon y despierte a los entes que tomaran a Mia para que desate el infierno e infectar a los demas.

El problema aqui es que los chicos tardan demasiado en darse cuenta, no puede ser que confundan la posesión con lo otro, ademas de algunas otras tonterías, el como cae Natalie en una trampa, la sepultura con electrochoques que da vergüenza y el dizque sacrificio, son manchas que junto a otros muy logrados como la lluvia de sangre, el inicio de la cinta, los ritos de los poseídos y el enfrentamiento en el baño entreguen una cinta quebrada, por cierto guiños por aqui y por alla pero no es lo mismo sin Ash (Bruce Campbell) haciéndolos, lo que si molesta un poco es que aqui sea solo un demonio y no entes del necronomicon de Lovecraft que si se respetaban en las cintas originales, quiza por ello los poseídos caen tan fácil, aun asi la cinta es resultona y con tanta sangre y gore que los adeptos al genero disfrutaran solo por ver.

Calificación: Bien

Cinecritica: El Despertar del Diablo 3: El Ejercito de las Tinieblas

EL DESPERTAR DEL DIABLO 3: EL EJERCITO DE LAS TINIEBLAS (ARMY OF DARKNESS - BRUCE CAMPBELL VS. ARMY OF DARKNESS - ARMY OF DARKNESS: THE MEDIEVAL DEAD, EU, 1992)

Después de ese final perfecto, desquiciado, hilarante, no pudieron detenerse y seguir la historia, sobretodo porque ahora si Ash (Bruce Campbell, perfecto como parodia al típico héroe de accion y fantasía) ha entendido y tomado su papel como héroe, obligado por supuesto, pero héroe que debe luchar contra los entes malignos, esos que asesinaron a su novia, hermana y amigos, que lo usaron y se burlaron de él, todo ello en una cinta que abraza mucho mas la comedia parodica y la fantasía y abandona el terror en lo que quizá es una apuesta peligrosa, y lo digo porque la cinta es las menos potente de las tres, por debajo de "Evil Dead II" algo que era obvio al observar la grandeza de esta pero también un poco menos potente que "The Evil Dead" y quizá por eso de abandonar el terror que Sam Raimi sabia combinar a la perfección, una decisión que quizá se tomo debido a cuestiones comerciales para permitir que fuera accesible a mas publico, o quizá Raimi solo quería renovar la trilogía dándole un giro mas a la saga, me decantaría mas por esta viendo como se movió entre la primera y segunda.

Si en la otras cintas homenajeaba, parodiaba y renovaba los géneros esta vez no se queda atrás, no seria el primero en hacerlo pero quizá el que lo hizo mejor tocando tantos puntos, esta vez Raimi no solo se burla del genero de fantasía que es el que principalmente toca sino que también parodia al típico héroe de accion/fantasía que es invencible y se avienta sus frases chistosas en medio de todo el desmadre, ¿y quien lo diría? lo hace mejor que todos los héroes de accion mainstream, de tal manera que aquí el señor Campbell se consagraría como el mejor héroe de serie B de toda la historia, con esos ademas, la cara arrogante, la pedantería y arrogancia típica del héroe, los comentarios misoginos que encantan a las damiselas del lugar, y esas frases tan fuera de lugar que escupe un segundo si y el otro también para que nos doblemos de risa, esto se nota en los mismos posters de la cinta, con ese héroe de cuerpo perfecto con sierra en mano mientras la dama en peligro de turno se abraza a su pierna, hilarante en todo sentido.

Raimi le baja a la violencia pero no a su brusco y despreocupado sentido del humor que no deja títere con cabeza, con una banda sonora épica de Joseph LoDuca con ayuda de un tema genial de Danny Elfman que venia de colaborar con Raimi en "Darkman", una fotografía juguetona de Bill Pope, y lo ya sabido, la cámara moviéndose demencialmente, siempre limpia y en el lugar exacto, increíble la manera en que en las locas y desquiciantes escenas de batalla y peleas siempre sepamos donde estan todos los involucrados y que hacen, el sentido cinematográfico de Raimi es perfecto, la edición sigue siendo tan demencial como maravillosa y los efectos especiales son sorprendentes y se mantienen mas creíbles y vigentes que los efectos a computadora de hace dos o tres años. En la cinta Ash se encuentra en la edad media donde es tomado como rehén por el lord Arthur (Marcus Gilbert, bien) que lo confunde por un subordinado del duque Henry (adecuado Richard Grove) y lo llevan a morir a manos de esas fuerzas oscuras que han invadido el reino.

De nueva cuenta se nos hace un resumen, esta vez de las dos primeras partes donde Linda (preciosa Bridget Fonda) vuelve a cambiar de cara, despues de este inicio vertiginoso comenzamos la accion de golpe con los poseídos atacando a Ash quien logra salir del embrollo y volverse el ídolo de los ignorantes pueblerinos a los que pone en sus lugar con lineas de antología, y donde se gana el favor de las chicas, en especial de Sheila (Embeth Davidtz, muy bien) que se enamora perdidamente del arrogante tipo, Ash quiere irse cuanto antes por mas que lo clamen como el salvador enviado pero antes debe ir a recuperar el Necronomicon Ex-mortis que en esta epoca todavía existe, Ash se dirige al cementerio por el libro pero es atacado por las fuerzas malignas que lo persiguen en forma de pequeños Ash en unas escenas hilarantes que culminan con un diabólico Ash ridículo que se convierte en su nemesis.

La escena del cementerio es desternillante y debido a la equivocación de nuestro anti-heroe en un gag alargado tendremos al ejercito del titulo atacando el castillo lo que nos llevara a una batalla final que resulta tan divertida como genuinamente emocionante, es impresionante la forma de grabar de Raimi, es impecable en todos los sentidos y sigue sin tenerle miedo al ridículo, algo que contagia a su protagonista que no duda en hacer cuanta tontería pueda con tal de regocijarnos, y de nueva cuenta también se homenajean otras cintas y otros directores, esos esqueletos me siguen matando de risa y los tiempos son manejados de manera perfecta por Raimi que nos regala un final épico, con menos mala leche que el final original de la cinta (si, hay dos finales) pero igualmente bueno, al final uno queda pidiendo mas y eso habla muy bien de un director y un actor que se consagran en esta trilogía y que crean uno de los mejores personajes que he tenido la suerte de ver.

Calificación: Muy Bien

Cinecritica: Annabelle 2: La Creación

ANNABELLE 2: LA CREACIÓN (ANNABELLE: CREATION, EU, 2017)

El universo de "The Conjuring" se sigue haciendo ampliando, esta vez con la precuela de a la vez precuela de la cinta original sobre la muñeca diabólica Annabelle que como comente antes es verdadera, la muñeca no las cintas sobre ella, "Annabelle" era una palomera cinta que funcionaba como homenaje no solo a la cinta de la que nacía sino a esas cintas de terror setenteras donde el temor de la madre es patente, aquí no hay eso pero de nuevo nos llevan a los sitios clásicos, esta vez una tétrica casa en medio de la nada que funciona como orfanato para unas niñas que son cuidadas por una dedicada monja (Stephanie Sigman), los dueños de la casa es una extraña pareja que parecen buenos pero esconden algo mas, lo que queda claro desde el primer momento, si bien el guion hace aguas, comenzando unas cosas que no termina por aterrizar nunca, abriendo personajes o situaciones que luego desecha y hasta sucesos arbitrarios la verdad es que la cinta es rescatada por el oficio en terror del director David F. Sandberg.

El director ha demostrado talento en la direccion para crear ambientes tétricos, saber aprovechar las siluetas fuera de foco, las sombras, la obscuridad, con un diseño de producción muy bueno, con esa casa que da miedo por si sola, esa cámara que juega con nosotros y una banda sonora que funciona hasta con mala leche, algo que queda claro en los extras del disco, el tipo disfruta haciendo terror y asustándonos, lastima que algunas veces muestre demasiado porque solo ahi baja su dirección, la historia no puede ser mas cliché aunque cumple su cometido, estamos a mediados del siglo pasado y la familia perfecta Samuel (Anthony LaPaglia), Esther (Miranda Otto) y su hija Annabelle (Samara Lee) quien muere por un accidente, doce años despues las pequeñas y la monja Charlotte llegan a su casa solo para darse cuenta que algo extraño sucede.

Mas pronto que tarde la enferma Janice (la agradable sorpresa Talitha Bateman) es asediada por entes que la llevan a encontrar la muñeca de Annabelle, lo que sigue de aquí son los clásicos sustos, las sombras, las apariciones, los ruidos extraños y la muñeca apareciendo aqui y alla, mientras que Janice parece el objetivo del demonio Linda (Lulu Wilson regresando al terror) también empieza a presenciar todo, la cinta cumple en presentar no solo como se hizo la muñeca sino como fue llamado el mal que la habita, cierto que con esto contradice la otra cinta y por ello el final alargado y jalado de pelos para que todo cuadre, quizá este es el mayor pecado de la cinta, verse supeditada a tener que llegar a la cinta anterior tomándose muchas libertades y un final que se siente largo y sin fuerza, pero bueno cuando la monja del "Conjuring 2" aparece en cameo nos resulta obvio que se trata de alargar la saga y no algo artístico, aunque he de decir que las dos jóvenes protagonistas son una agradable sorpresa.

Calificación: Vale la Pena